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miércoles, 27 de enero de 2016

RELATOS: FRANCAMENTE, FRANK de Richard Ford

Anagrama
232 páginas
También disponible en ebook.

Frank Bascombe, como el Rabbit de Updike , es un personaje que, a través de novelas que se han ido sucediendo dentro de la obra de sus autores, nos han ido mis tirando en profundidad la historia de su país.
Los dos personajes necesitaban un final.
Updike en Rabbit at rest, nos dejaba acompañar a nuestro viejo amigo hasta su fallecimiento.
Richard Ford es quizás más pudoroso y quizás también menos ambicioso.
Su última ( por ahora ) entrega de la serie, se conforma de cuatro cuadros, algo estáticos, donde Frank, desde la tercera edad, se enfrenta a diferentes situaciones que le hacen acercarse mucho a la rememoración, al recuerdo desde la visión ya cansada, ya en el último periodo de su vida.
Eso es lo que más me gusta de esta pieza, el perfecto retrato interior del personaje, su visión en la que conjuga de forma perfecta la experiencia y el desengaño con su capacidad para entender la vida en su plenitud, con sus variantes, sus caminos, sus sorpresas y sus descubrimientos.
Por lo demás, Ford es sin duda un maestro del realismo, geniales las novelas anteriores de la serie y sin palabras para describir la fantástica Canadá. Francamente, Frank es un buen epílogo, una pequeña elegía, como he dicho antes, algo estática.
En cualquier caso, sin duda, su autor pertenece a la estirpe de los grandes narradores norteamericanos.

Público

lunes, 25 de enero de 2016

NOVELA: LOS DESPOSEIDOS de Szilárd Borbély

Literatura Random House
256 páginas
También disponible en ebook.

Con respecto a la película Mandarinas , comentaba en este blog la dificultad de comprender , al menos para mi, la confusa mezcla de etnias y nacionalidades , de amores y odios, que poblaban ese basto territorio de Europa que antes de la caída del muro de Berlín era desconocido para la mayoría del mundo occidental.
La ruina de regímenes comunistas como el de Rumanía, sirvieron para descorrer una cortina que cubría la miseria más absoluta y que ha tardado en cuajar en una esperanza de dignidad para sus habitantes.
Escritores como Herta Muller , nos han servido de referentes para ser partícipes del horror que se encalla en la existencia cuando se consigue que el alma comience a guiarse sólo por la necesidad de supervivencia y el egoísmo se convierta en una forma de respiración.
Leo que Slizard Borbely es un conocido poeta y que Los desposeídos es su única pieza narrativa . También que se quitó la vida sin llegar a los cincuenta años. Y que este libro se ha convertido en una referencia en su país.
Lo leo.
Admirado por su prosa.
Pero con el corazón encogido: es difícil aceptar que los protagonistas de este cuadro son seres humanos.
Porque lo que , desde los ojos de un niño, describe y presenta el autor, es más un cuadro, una gran pintura en grises , que una novela . Un paisaje áspero que se muestra en toda su suciedad y su miseria y donde parece imposible subsistir.
En un entorno rural de pobreza extrema , una familia cuyas raíces rememoran un pasado con otro tipo de esperanzas , se encuentra anclada entre el odio nuevo y las leyendas viejas , entre costumbres que nos remontan a un primitivismo de misterio y dolor, y el dolor nuevo de la venganza, la ira, la envidia.
Sólo parece encontrar sitio el día a día que se retuerce entre la humillación de los demás y la necesidad del olvido.
La prosa es densa , como densa es la mugre que parece que cubrirlo todo, como densa es la mirada de un niño que intenta comprender e interpretar.
No es fácil avanzar en un esquema donde se van acumulando imágenes que nos llenan hasta el agotamiento y donde en ningún momento existe un sólo resquicio de luz, por mínimo que este sea.
Supongo, sé, que Los desposeídos forma parte de esas muestras de literatura necesaria.  
Espero que sirva para que no se repita un mundo, y para que los que todavía están anclados en él, con los pies en el barro, puedan salir de allí.

Público

viernes, 22 de enero de 2016

CINE: LA JUVENTUD de Paolo Sorrentino

Italia 2015
Michael Caine. Harvey Keytel. Rachel Weisz. Paul Dano. Jane Fonda. Tom Lipinski. Ed Stoppard. Madalina Diana Ghenea

Estoy seguro de que no soy el único que, después de disfrutar con la desmesurada y operística La gran belleza,  esperaba con verdaderas ganas La juventud.
Pues bien, no decepciona. Ha merecido la pena esperar. Sin duda.
Todo aquello que estaba en la previa, está en esta, me produce la misma fascinación, pero que esto no lleve a confusión: en ningún caso nos encontramos ante la repetición del modelo, La juventud es una obra singular, con su propia personalidad, aunque está claro que detrás está la misma mano, la de un imaginativo discípulo de Fellini, la de un creador desbordado y, sobre todo, muy atrevido.
Roma en aquella, en esta un hotel en las montañas de Suiza, con apariencia de clínica de reposo.
Allí un hombre, que miraba el mundo desde su sabiduría y su desengaño.
Aquí dos amigos, dos creadores, uno director de orquesta y otros director de cine, ya en la tercera edad y , también desde la sabiduría, intentando avanzar.
También secundarios dibujados desde la humanidad, como una hija, un actor de Hollywood que en ocasiones hace de confidente, los jóvenes guionistas que trabajan en forma de taller creativo.... y la misma capacidad para "mirar" desde la calma y desde el  corazón.
Alrededor, en ambas, un conjunto de personajes plurales y simbólicos, lejos de meros monigotes pero a medias entre la realidad y la estilización. La capacidad para la mixtura perfecta entre la abstracción y lo concreto, entre lo narrativo y lo contemplativo.
Si he calificado de operística la película anterior, en esta la música está aun más presente ( no en vano, como he comentado, uno de los personajes principales es un director de orquesta jubilado ), sumado a un derroche visual, creo que aun más colorista, brillante y plural, convierte la cinta en un derroche de creatividad absoluto que se dirige de forma directa a los sentidos.
Y es que hay que decir que Sorrentino utiliza como objetivo narrativo llegar a la piel más que al cerebro, acercarse a nosotros, al público, a través de los sentidos de la vista y el odio; tal vez deba de corregir la frase anterior: precisamente es el cerebro el que tiene que combinar todas las percepciones para crear un conjunto que se presenta como una pieza de arte total y compleja.
Teniendo en cuenta que esto se combina a la perfección con una línea narrativa más o menos lineal, el resultado es único.
Con esta propuesta formal, Sorrentino nos llama una vez más a detenernos para reflexionar sobre la vida, en este caso, sobre lo que supone la experiencia, el paso del tiempo, y lo que verdaderamente puede entenderse como juventud. La combinación de conocimiento, decadencia física, salud y cansancio vital. Un contenido tan abierto que, estoy seguro, cada uno haremos nuestra personal interpretación.
Creo que capítulo aparte merece la interpretación, en uno de los repartos más homogéneos de los últimos tiempos.
De Michael Caine y Harvey Keytel parece que hay poco que decir; pues sí, se puede decir que están más grandes de lo que nos tienen acostumbrados. Trasladan cada gesto, cada matiz, de su sabiduría, de su decadencia y de su ilusión por la vida.
Rachel Weisz no sólo me parece cada vez más guapa sino cada vez más luminosa, y sobre todo tiene una carrera cada vez más interesante.
Y con respecto a Jane Fonda está claro que no hay papeles pequeños sino actores pequeños, porque en su única participación se come absolutamente la pantalla.
La juventud es de nuevo una película bellísima.
Pero también, y sobre todo, es una película emocionante, capaz de captar la ternura y la melancolía de las relaciones entre seres humanos, siempre con la crudeza de mostrar la realidad pero también con un amplio espacio para la esperanza.
Nos toca la mirada, nos sorprende de forma constante, nos deleita el oído con una maravillosa banda sonora, pero también nos atrapa el corazón.
Una propuesta maravillosa.
De un gran creador.

Público

TEATRO DIGITAL: TRUE WEST de Sam Shepard

Tricycle Theatre
Director.- Phillip Breen
Intérpretes.- Steven Elliot. Alex Ferns. Eugene O'hare. Barbara Rafferty
En Digital Theatre

Recuerdo haber leído este texto hace años y tener una sensación no del todo positiva.
A mi entender mezclaba demasiadas referencias , desde el realismo del teatro norteamericano a ciertos toques de absurdo. Todo ello aderezado con grandes dosis de violencia que no terminaba de encajar en el desarrollo de la trama, como tampoco lo hacía un humor bastante extraño y disonante..
En definitiva, no entendí como podía haberse convertido en un clásico contemporáneo, comparable con piezas de dramaturgos como Williams, Miller u O'Neill.
Nunca la había visto representada.
Mientras tanto, su autor continuaba siendo una referencia para los cultistas de nuevo cuño.
Esta versión a la que accedo gracias a Digital Theate ( para mi un gran descubrimiento que debo a un artículo de Marcos Ordoñez ) me da otra perspectiva totalmente distinta.
Y es que posiblemente haya textos que sólo han nacido para ser representados , pero eso sí, muy bien representados, porque True West tiene , en este sentido, muchos peligros.
Dos hermanos en un entorno solitario.
Lo que en principio parece un encuentro de dos seres antagónicos en constante lucha aunque unidos por lazos de sangre , pronto se va convirtiendo en mucho más . El desarrollo de un diálogo lleno de agresiones pero también de la búsqueda de las referencias que todavía conservan algo del calor que suponemos que había en otro tiempo y que se nos muestra destruido a través de recuerdos sueltos del pasado. Como ya he dicho antes , mucha violencia que estalla, sin que muchas veces sepamos si verdaderamente es contra el otro o contra uno mismo. Encuentro corazón y sangre, odio y amor.
Como color de fondo, la locura que parece anidar en la clase medio americana de esa época, condenada a vivir según unas normas ; no sólo quienes las acatan sino que también quienes las vulneran tienen sus roles perfectamente establecidos, hasta convertirse en meros personajes.
Quizás ese sea el verdadero oeste. Lo que ha quedado una vez enterrados los mitos.
Esta producción es perfecta en su dosificación de las sensaciones , no elude la agresividad , pero es real y viene como consecuencia de un desarrollo veraz; pero creo que lo más importante es como maneja el humor que surge muchas veces del desconcierto: habría sido muy fácil dejarse llevar por lo burlesco, subrayar las carcajadas , y eso habría hecho tambalearse toda la propuesta que , a fin de cuentas , no está lejos de la tragedia bíblica.
No hay extrañamiento, hay verdad.
Su director tiene mucho o poco que hacer , no lo sé, con unos actores tan magníficos, entregados en cuerpo y alma, no es difícil, o no debe de serlo, conseguir un tiempo milimétrico en que todo sucede ante nuestros ojos con una pasmosa naturalidad.
Están grandes en todos los registros. Capaces de trasladarnos aquello que se ve pero también lo que no se ve.
Es un lujo poder acceder a otra forma de ver teatro. Esta es una representación que tuvo lugar en 2014 en el Tricycle Theatre de Londres con gran éxito. Ahora, gracias a Digital Theatre podemos disfrutarla. Para mi ha sido un descubrimiento gracias al cual el año pasado vi Ghost, en la fantástica producción del Almeida.
Nuevas formas.
Para el teatro de siempre , el buen teatro.
Ya no hay fronteras . Y es posible acceder a un éxito del West End o de Broadway sin movernos de Madrid. Lo dicho: un lujo.
Cambio por lo tanto totalmente mi percepción sobre True West : sí, es un clásico.

Público  

miércoles, 20 de enero de 2016

NOVELAS : EPISODIOS NACIONALES II SERIE 7 y 8 - EL TERROR DE 1824/ UN VOLUNTARIO REALISTA de Benito Pérez Galdós

Diversas editoriales
También disponible en ebook.

Continúo mi recorrido por la historia de España a través de aquellas personas que fueron protagonistas , en principio secundarios, pero que se convirtieron en el motor verdadero del aliento que hizo avanzar a nuestro país.
No siempre ( y esto es algo que es común en estas colecciones ) con sus propias decisiones , sino en ocasiones dirigidos por aquellos que nunca hubiesen merecido ostentar el grado de monarcas o dirigentes de tan apasionado pueblo.
Pero siempre queda un rescoldo. Todos ellos, seres humanos capaces de una lucha hasta el final, siempre tienen un hálito en su corazón que los capacita para torcer el rumbo de lo que de ellos se esperaba , y desconcertar así a quienes creían dirigir sus destinos.
Creo que esto es algo, por regla general , muy presente en estos Episodios Nacionales que, por esta vía , dan la voz a quien muy pocas voces la ha tenido.
Que esfuerzo tan sublime. Que difícil concentrar crónica e historia, novela y descripción de acontecimientos reales sin que una apabulle a la otra.
Ya lo he dicho en otras ocasiones: el mago Galdós lo consigue . Al estar detrás la Historia , sus narraciones tienen el hálito de la realidad pegado en cada palabra; al tener la forma de la novela, aquello que tenemos que aprender, entra sin duda de otra manera.
Y que cercanos se nos hacen estos personajes cuando vamos conociéndolos poco a poco, de obra en obra , de aventura en aventura.
La primera de las dos novelas que ahora comentamos, El terror de 1824 , narra una época oscura , un paisaje de represión cruel, a través de pequeñas anécdotas en un paisaje plural que conjuga sobre todo los colores oscuros de los tiranos. Consigue el autor dotar de cierta ironía la pintura cruel, quizás para hacer contraste en la dramática epopeya de unos derrotados que, en muchos casos, ni siquiera habían llegado a saber que estaban luchando.
Se puede decir que es una de esas narraciones de víctimas , de las que se van repitiendo a lo largo de la historia, no importa el lugar ni el momento donde ocurren los hechos que lo sostienen . Siempre hay vencedores y vencidos.
La segunda opta por la novela al uso, por la narrativa más tradicional ( entiéndase como un adjetivo positivo ).
Así en Un voluntario realista, asistimos a un hecho histórico importante ,una revuelta absurda e injusta con sus víctimas , pero este hecho es capaz de enclavarlo Galdós en la historia de Tilín, un aprendiz de sacristán que termina de soldado sacrílego y de mártir , un muchacho al que recorremos desde su infancia en un convento de monjas hasta su muerte en el paredón.
Es a su alrededor donde los sucesos mueven a un conjunto de personajes que representan a los diferentes tipos y estamentos de la época, perfectamente retratados y encajados en una trama folletinesca y apasionada, capaz de rememorar las mejores obras del momento.
Sigo.
Ya he comentado en muchas ocasiones mi devoción tardía por este autor tan grande y al que en nuestro país no fuimos capaces de poner en el lugar que le corresponde.
Sólo estas series ya justificarían una carrera literaria . Y encima , se completaba con una colección de novelas igualmente estupendas.
Lo dicho . Sigo.

Público    

NOVELA: ALEX de Pierre Lemaitre

Alfaguara
336 páginas
También disponible en ebook.

Pierre Lemaitre llegó a nosotros a partir de su Premio Goncourt, una extraña y fascinante novela bélica titulada Nos vemos allí arriba.
No sabía, yo al menos, que detrás de ese nombre, estaba un importante escritor de novela negra, cuyos libros ha comenzado a editar Alfaguara , con un policía singular en fondo y forma, Camille Verhoeven.
Tras la sorpresa de Irene , llega Alex , y una vez más , me siento totalmente atrapado por esta historia sobre la crueldad y la ambigüedad del bien y del mal.
Es difícil comentar una obra de este género, por el miedo a desvelar demasiadas pistas sobre su trama.
Voy a intentarlo.
En primer lugar , es importante señalar , y los que hayan leído Irene me entenderán, que Lemaitre no escribe para estómagos sensibles. Hay que acercarse a sus novelas con la capacidad de enfrentarse a imágenes terribles, en ocasiones de una crueldad extrema ; por decirlo de algún modo, con la misma capacidad de asimilación que, desgraciadamente , nos tenemos que enfrentar hoy día a muchas páginas de periódicos.
Pero también es importante señalar que sí escribe para mentes inteligentes , capaces de asumir nuevos procesos narrativos que en ningún caso se repiten : lo que en Irene era una vuelta de tuerca que nos cambiaba en la última parte nuestra perspectiva , es aquí un juego de espejos que van deformando el anterior. Tenemos la sensación de ir recorriendo un camino inverso hacia la semilla del mal, hacia el origen, donde pocas cosas son lo que parecen y nos encontramos ante la terrible situación de justificar.
El personaje central, la antagonista que da nombre a la novela , se va desarrollando ante nosotros con una complejidad comprensible . No es tan importante el quien sino el porqué . Y es tan excelente su estructura que no podemos dejar de apasionarnos con esta historia que, por otro lado, nos plantea cuestiones en las que nos pone en una situación muy difícil.
Al igual que en su pieza anterior , el fondo humano de aquellos que componen el conjunto de personajes , ya sea comunes ya sea sólo adscritos a la que nos ocupa , está perfectamente definido y descrito de forma precisa, tanto en los aspectos "decorativos y constructivos" como en en la parte emocional.
Sólo me cuesta pensar en si leer seguidas varias novelas de este autor no terminará por hacernos necesitar un descanso, tal es su nivel de intensidad.
Pero por el momento, yo he colocado a Lemaitre en el lugar de aquellos a los que no voy a perder de vista.

Público    

sábado, 16 de enero de 2016

NOVELA: EL JARDÍN DE LOS LOBOS de María García Aguado

Huerta & Fierro Editores- Narrativa
290 páginas.

Me gusta mucho la literatura fantástica.
Creo que cumple por su propia naturaleza con uno de los objetivos primordiales de cualquier narrador de historias: llevarnos a tiempos y lugares que, de otra manera, nunca podríamos visitar.
En este blog hay comentarios de distinto tipo sobre obras del género, y no sólo en literatura sino también en cine e incluso en teatro ( menos frecuente ).
Por regla general, y sin que sepa muy bien explicar el porqué ya que es más bien una percepción aunque muy clara, tiendo a clasificar este tipo de libros en dos niveles:
Aquellos que están escritos con una concepción productiva, abordando este género como se podría abordar cualquier otro. Suelen sustituir imaginación con selección de materiales y capacidad de fábula por oficio. No tienen porque ser malos pero generalmente no me llenan.
Los otros son los que están escritos con alma. Por aquellos que de verdad han bebido del género y se sumergen en él como viajeros apasionados. Tiendo a creer que estos autores se corresponden con aquellos que han crecido entre buenas páginas, las que escribían gentes como Julio Verne o Salgari y culminaban en mundos como Narnia.
Lo primero es decir que esta novela pertenece sin lugar a dudas al segundo grupo.
Y este está compuesto por narraciones llenas de luz, billetes a otros mundos, historias que nos enganchan desde el principio y no tardan en apasionarnos.
El jardín de los lobos nace en un misterio, tejido alrededor de unos personajes muy bien definidos y en un pequeño poblado que limita del mundo exterior a través de un peligroso bosque; no es difícil reconocer la textura del paisaje y de las leyendas que lo componen.
A partir de ahí, su aventura es ya la nuestra y es difícil abandonar la lectura.
Quizás me gustaría que ese entorno estuviese conformado de una forma más definida, si bien lo que en algún momento pueden parecerme anacronismos, se ve finalmente reflejado de alguna manera en la conclusión.
¿ Y me gusta la conclusión? me parece arriesgada y bien resuelta, tal vez recuerda a alguna película conocida ( no daré más pistas ), pero en cualquier caso, encaja de forma coherente con la narración.
Leo que esta es la primera novela que publica su autora, María García Aguado, y después de terminarla, estoy seguro que no será la última.
Me gustaría volver a Edén.

Público

CINE: EL HIJO DE SAUL de Laszlo Nemes

Hungria. 2015
Gaza Rohrig. Levante Molnar. Urs Rechn. Sandor Zsoter. Todd Chaumont. Bjorn Freberg. Uwe Laver. Attila Fritz. Kamin Dombrowski. Christian Harting

No sé como comenzar este comentario.
Se ha dicho mucho sobre esta cinta de nombre bíblico, tanto en lo que se refiere a su contenido como, sobre todo, a su elección formal, a su caligrafía.
No es diferente , salvando las distancias , de la prosa de Herta Muller , donde vía simbolismo, no se produce un retrato realista del dolor y del miedo, sino que muchas veces este se intuye . Y lo que se intuye, o la sensación que produce , supera muchas veces a la realidad : no es más que una manera de empapar el hecho en si con los sentimientos y sensaciones que nos produce.
Hay , desde ya hace tiempo, debates sobre si mostrar el Holocausto con toda su crudeza es algo pornográfico , o necesario. Sobre lo legítimo de crear un producto de entretenimiento utilizando la barbarie; sobre si dar ese paso sirve de algo cuando lo cierto es que nunca se llegará a mostrar en su totalidad el verdadero horror que habitó en aquellos lugares.
Personalmente creo importante todo aquello que ayude a no olvidar.
Pero nada de esto me parece aplicable en el caso que nos ocupa: El hijo de Saul no puede estar más alejado de lo que se entiende como entretenimiento.
No consigo saber si la incomodidad que me asalta durante toda la cinta , mezclada con una profunda admiración hacia su director, tiene que ver con mi necesidad de percibir cualquier mensaje de una forma más cómoda o más diáfana. No sé si todo lo que percibo, lo que me viene a la mente a las veinticuatro horas de su visionado, ya estaba allí o es incorporación mía. No sé si lo que he sentido, lo que siento, es suficiente para convertirme en un ser humano con el derecho a vivir que no tuvieron aquellos que esta película retrata...
Supongo que hay arte fácil y arte que decide no serlo.
Este no lo es. Pero me siento incapaz de por ello cuestionar su grandeza.
Decía al inicio que su título tiene tintes bíblicos. Así es. Y lo cierto es que podemos considerar como una alegoría, casi de leyenda, esa fina línea argumental que recorre la narración y que otorga a su protagonista una entidad diferenciada del conjunto; esa línea que no deja de ser incomprensible en algunos momentos y que culmina con una sonrisa, la única, frente a un contraplano que posiblemente sea la imagen más limpia de toda la película.
Pero para ello, para asistir a la extraña lucha de este hombre, casi su locura, tenemos que habitar el horror, un espanto que se nos muestra de una forma tan salvaje que nos engulle, que nos escupe la brutalidad no sólo utilizando lo que vemos sino , fundamentalmente, lo que no vemos, lo que escuchamos o presentimos. Y este horror está poblado por supervivientes en presente, porque para seguir ahí, está claro que tienen que haber renunciado al alma, convertirse en bestias que sólo en alguna ocasión deciden ayudarse unos a otros, parece que más como una reacción fisiológica para sentir que no se han perdido del todo, que como elección.
Nunca se nos ha mostrado de una forma tan clara el infierno.
No sé como, seguiré pensando en El hijo de Saul.
Creo que es una historia que trasciende su valor cinematográfico. O quizás su valor cinematográfico principal esté precisamente en trascenderse.

Público

jueves, 14 de enero de 2016

FALLECE ALAN RICKMAN

Alan Rickman es uno de esos actores que siempre estaba bien , muy bien.
Es difícil que alguien pueda no recordarlo en alguna película , tan prolífica es su carrera pero diría que también tan cuidada , ajena a bodrios y muy divertida en sus elecciones.
La saga Harry Potter , Alicia en el País de las Maravillas, El Perfume, Love Actually, Michael Collins, Sentido y sensibilidad, Robin Hood ..... y muchas muchas más.
Lo que siempre se llamó un secundario de lujo.
Y yo resaltaría que el secundario con la mirada más importante de las últimas décadas.
Hay otros dos logros , tal vez olvidados por el gran público, que nos sirven para cualificarlo como el actor importante que fue:
Por un lado, pocos conocen que , en la primera versión teatral de Les Liason Dangereouses, cuando nadie imaginaba el éxito en que iba a convertirse ese texto, él fue el primer Valmont. Estuvo nominado a los premios más importantes , creo un personaje. Y volvió humildemente a su posición.
En segundo lugar , que como director no spunto por lo fácil, sino por un producto tan triste , logrado y pregnado de corazón como El invitado de invierno.
No le iba lo fácil. Era un grande.
Y seguirá con nosotros.

lunes, 11 de enero de 2016

SERIE DE TV: LA SAGA DE LOS FORSYTE de John Galsworthy

Dirigida por.-
Christopher Menaul - David Moore
Interpretada por.-
Damian Lewis. Rupert Graves. Gina McKee. Corin Redgrave. Ioan Gruffudd
Basada en las novelas de John Galsworthy.
BBC
Dos temporadas - 10 capítulos.

Han terminado ( o casi ) los tiempos en que ver una serie de televisión implicada marcar en la agenda el día en que se emitía para que no hubiese acontecimientos externos que nos impidiesen su seguimiento, perdiéndonos un capítulo.
Desde que las series han saltado a la venta en dvd o a su visionado en otras plataformas, uno puede tener el placer de darse un atracón, sin necesidad de esperar.
No sólo eso, sino que no se queda limitado por el hecho de que alguna cadena de televisión se decida a comprarla y emitirla.
De nuevo gracias a Filmin ( ¿ que haría yo sin Filmin? ) repito lo que ya he disfrutado con House of Cards ( comentada aquí hace unos meses ), poder disfrutar de una serie británica, muy británica, sin tener que esperar .
La saga de los Forsyte ( si mal no recuerdo hubo otra versión cuando existían los dos rombos y a la que por lo tanto no fui autorizado ), tiene en esta versión todas las características a las que los productos de las islas nos tienen acostumbrados desde la mítica Retorno a Brisehead:
Por un lado , una buena base literaria de calidad , muy bien utilizada, con un guión medido y perfecto en lo narrativo. Por lo visto , la serie de novelas de Galsworhy es una verdadera enciclopedia de un periodo histórico de su país.
Interpretaciones de altura.( No me sorprende Rupert Graves, pero sí Damian Lewis, a quien no conocía y que está grandioso en su recorrido desde la juventud a la vejez, desde el odio y el desconcierto a la necesidad de buscar un atisbo de felicidad aunque suponga renunciar a si mismo;  y Gina Mc Kee a la que sólo había visto en papeles secundarios, aquí preciosa, delicada, serena ).
Sobre todo, una dirección artística inigualable. Mención aparte. Porque todo en esta serie generosa es exquisito, desde los escenarios de exterior, hasta los interiores , el vestuario, el color.... Difícilmente superable.
Efectivamente , esta saga es un producto de calidad , tanto en su apariencia externa como en su desarrollo, y como tal, sorprende que no haya accedido a una distribución más amplia.
No importa , el caso es que yo he podido disfrutarla y desde aquí la recomiendo sin ninguna duda.
Por ponerle una pega , quizás le falte algo de densidad al trasladar el sustrato de la familia y esa base que parece empaparla en un aura de malditismo, posiblemente pareja a su codicia y a su clasismo. También más concreción sobre sus raíces , lo que supone el choque entre la verdadera aristocracia y aquella clase que ha ascendido ( falta pasado ) adquiriendo su posición a golpe de posesiones.
Pero en cualquier caso, conforma un fresco perfecto de la Inglaterra que llega desde el antiguo régimen a la Primera Guerra Mundial para , a partir de esta , abrirse a la necesidad de una sociedad más libre , más creativa y con la necesidad de olvidar, cometiendo aun así muchos de los mismos errores de antaño.
Es difícil no emocionarse cuando asistimos al paso del tiempo que , de forma inexorable, va terminando con sus personajes para sustituirlos por una juventud, no necesariamente más feliz.
Lo dicho. Diez horas. Un producto de primera calidad.
Un muy buen maratón.

Público


viernes, 8 de enero de 2016

NOTA: EL CINE QUE QUIERO PODER VER.

No recuerdo haber utilizado nunca este blog para hacer comentarios de tinte reivindicativo. Y tampoco pretendo que este lo sea.
Sólo quiero trasladar cierta frustrante situación y compartirla, seguro que no soy el único que la sufre.
No es de hoy, pero por lo que ahora me decido a escribir, es culpa de La academia de las musas: la película de Guerín, que nunca me ha decepcionado, se estrenaba la pasada semana ( 1 de enero ) Cines Renoir en Madrid, tres sesiones; hoy viernes 8, ya sólo puede verse a las 18:00 horas y supongo que la semana que viene habrá desaparecido.
En la lista de mejores películas de 2015 de Caimán Cuadernos de Cine figuran algunas como O Futebol que, caso de haber sido estrenada, lo ha sido tan fugazmente que ni lo recuerdo. Lo mismo me ocurre con la última de Marc Recha, Un día perfecto para volar.
Quiero ver ese tipo de cine. También otras, por supuesto, que sí gozan de mejor suerte. Pero también quiero tener la oportunidad de acceder a la obra de creadores singulares, capaces de mostrarme otra forma de mirar y de contar.
No utilizo plataformas ilegales. Ni siquiera Filmin o Wuaki tienen previsto estrenarlas.
¿Podré verlas algún día?.

Público

CINE: MACBETH de Justin Kurzel

UK. USA- 2015
Michael Fassbender. Marion Cotillard. Elizabeth Debiki. Sean Harris. David Thewlis. Jack Reznor. Paddy Considine. David Hayman. Maurice Roeves

Creo que Macbeth es la obra de Shakespeare que he visto en más ocasiones.
En teatro recuerdo el MacbethLadyMacbeth de Alex Rigola, la visita de Check by Jowl, la versión empresarial de La Pensión de las Pulgas, Mbig, la de Helena Pimenta... en cine, Orson Welles, Roman Polanski y Akira Kurosawa ( para mi la mejor ).
¿Hay sitio para otro?
Cuento esto para dejar claro que, en mi caso, cualquier nueva versión de esta historia de ruido y de furia, cuenta con un agravante: conociéndome la narración al dedillo, no es fácil que me sorprenda, y sí que pueda llegar a aburrirme por sabido.
De hecho, si no hubiese leído críticas muy favorecedoras de gente de la que tanto me fío como Carlos Boyero, posiblemente me habría saltado esta película, a pesar de lo atractivo de sus protagonistas.
Pues bien, hay que aplaudir esta propuesta.
Sin ser genial, es más que digna.
Posiblemente, el objetivo sea acercar a un nuevo público a la tragedia shakespereana, buena vocación. Pero peligrosa ante la posibilidad de analizarla o convertirla en un videoclip. Ni lo uno ni lo otro.
Por lo que se refiere al contenido, se respeta y se trabaja con el verso; la belleza de la palabra del autor, está aquí en su plenitud. Sólo es necesario limar algún punto y estructurarlo de manera que se presente con fluidez, utilizando distintos puntos de vista. No hace falta nada más con ese material.
En cuanto a la imagen, posiblemente el valor principal de esta propuesta, parte de una dirección artística capaz de fusionar la arqueología y la abstracción en sus niveles necesarios; desde ahí, se utiliza colores, texturas y movimiento para crear una pieza de impacto que se ofrece de lleno al espectador, con la misma fuerza que aquellas pasiones que representa.
Es obvio que Macbeth ya no me sorprende en su trama pero aquí lo consigue en muchas ocasiones desde su imagen, con esas tierras de niebla y el rojo intenso de la última batalla, con un Fassbender totalmente físico y una Cotillard, sorprendente acierto de casting, que humaniza su brutal personaje.
Estoy convencido de que este Macbeth moderno, conseguirá su cometido; codearse con un cine más comercial.
Quedará en el recuerdo como una de las buenas traslaciones de Shakespeare a la pantalla.
Y eso es mucho.

Público

jueves, 7 de enero de 2016

NOVELA: ROPERO DE LA INFANCIA de Patrick Modiano

Anagrama
132 páginas
También disponible en ebook.

Confundo en el recuerdo muchas de las obras de Modiano.
Pienso que más que hablar de piezas sueltas , lo correcto sería analizar su literatura de una forma conjunta, tal es la unidad que se percibe en sus creaciones.
Y asomarse a cada nueva novela es acercarse otra vez , como quien abre al azahar un libro , un gran libro, y devora unas cuantas páginas , consciente del placer que va a encontrar en su delicada prosa , en su visión cargada de dudas y misterios.
Los relatos de Modiano tienen siempre la base del recuerdo. Desde un presente que no se explica sin el pasado. Pero siempre con la verdad que significa reconocer que precisamente esa verdad es incierta.
Porque el recuerdo, constante en su narrador omnipresente, nunca puede tener la textura del hoy, y es imposible pensar que sea completo; porque en lo subjetivo se funden los sentimientos y sensaciones de entonces con los de alguien mucho más maduro y con nuevos niveles de experiencia. Y porque , junto con aquellas cosas que no se recuerdan están las que no se quieren recordar.
Esto es lo que genera ese misterio constante que empapa sus historias, que las convierte en bocetos de géneros que pueden ir desde el amor al thriller, siempre con la pátina de un cuento de fantasmas. Todo ello sumado al extrañamiento de un presente cuyos orígenes sólo conocemos de forma difusa.
Ropero de la infancia nos sitúa en un lugar que puede ser cualquier ciudad colonial del Mediterráneo, donde parecen esconderse o retirarse aquellos que quieren olvidar el pasado. Una rutina que aunque novedosa se ha convertido en cotidiana y que apunta a historias que nunca llegaremos a conocer en su totalidad, el chófer vigilante y la millonaria americana difunta, el escritor gimnasta, los locutores....
Una mujer joven que puede ser un rostro reconocido, perdida en un lugar al que tampoco pertenece , es el detonante que, en esta ocasión , nos lleva a otro lugar y a otro tiempo. Que no sabemos hasta que punto es cierto o lo fue , o ha ido cambiando a medida que era necesario adaptarlo, dejarlo que ocupase su espacio en la librería de la memoria. Allí donde hay una madre y un padre olvidados, una actriz decadente, un accidente de automóvil, multitud de cosas que llegan a caber en una vida.
Modiano es un alquimista de la palabra , un hombre que es capaz de despojar la realidad del presente para intentar concentrar en él todos los tiempos y los niveles de realidad que podrían tener cabida en una existencia.
De nuevo, mi percepción de su obra se mueve en consonancia con su estilo, con ese vivir en el recuerdo, agrupada, en una mezcla de sensaciones , de conocimientos, de dudas, que nunca sé si le pertenece a él, si fue cierto que lo leí, o lo imagine , o nació de mi interpretación de sus palabras.
Una experiencia única de quien es capaz de crear con la ausencia, que tal vez yo me haya ocupado en algunas ocasiones de completar.

Público    
 

martes, 5 de enero de 2016

EXPOSICIÓN: MIQUEL BARCELÓ GRÁFICO - Calcografía Nacional

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
Calcografía Nacional
Hasta el 27 de enero.

Lo he dicho ya muchas veces: cuando comento una exposición pictórica lo hago desde la humildad de mi ignorancia, de mi escasa formación en esta disciplina.
Tal vez eso le de cierta pureza a la mirada y las sensaciones que me genera un cuadro puedan ser más epidérmicas.
No hablo por lo tanto, nunca, de la técnica o el significado, sino de lo que un neófito como yo percibe al enfrentarse a ciertas obras.
Salgo de la visión de esta pequeña muestra sobrecogido, sintiendo que me he acercado al genio, alguien que consigue crear desde los elementos en apariencia más primitivos, para conseguir trasladarnos la plenitud de una imagen compleja.
¿ Es posible que alguien no sienta una fascinación absoluta por una obra como la que aquí incluyo ? y es sólo una de las que componen este conjunto.
Las manos de Barceló parecen capaces de modificar la pintura hasta convertirlo en algo fácilmente reconocible, tal vez porque apela a nuestra más básica comprensión , a lo que sentían los hombres de Altamira.
Maravillosa.
Decir algo más sería correr un riesgo.

Público

EXPOSICIÓN: TEATRO ESPAÑOL EN EL CARTEL POLACO - Teatro Español ( Madrid )

Teatro Español- Madrid
Hasta el 30 de enero.
Comisarios - Mikolaj Bielski. Krzysztof Dydo
Colección- Krzysztof Dydo - Galería Plakatu de Cracovia
Organiza - Instituto Polaco de Cultura de Madrid y Galería Plakatu de Cracovia
Exposición enmarcada dentro de las actividades del Año del Teatro Polaco 2015.

Madrid se desborda en exposiciones fantásticas que nos acercan a genios como Hooper, Munch, Ingres... y que nos dan la satisfacción de llenarse de público.
Excelente.
Pero existen también otras propuestas menores, singulares, que no debemos olvidar.
Para los amantes del teatro, esta muestra que estará hasta finales de enero en la sala Andrea D'odorico del Teatro Español, es fascinante.
En primer lugar porque, muy lejos de un concepto meramente publicitario, los treinta trabajos que se ofrecen , son verdaderas obras pictóricas, sorprendentes en la dureza de su simbolismo y en su oscura interpretación de algunas piezas de nuestra dramaturgia.
Pero sobre todo, porque trasladan un respeto infinito por lo que representan, por supuesto por el teatro ( que maravilla,, tener un año del teatro ¡), también por esas piezas de Lorca, Calderón, Valle, Cervantes o Arrabal ( me sobran un poco los de El Hombre de la Mancha ).
Son verdaderas joyas, difícil destacar alguno. Obra gráfica preciosa, extrema. Admirable el interés cultural que subyace detrás: si esta es la relevancia que le dan al cartel ¿ que no harán en la producción?.
Un viaje a una visión diferente de textos que conocemos.
Fuera de todo localismo, el simbolismo de El Público o la represión de La casa de Bernarda Alba o la magia de leyenda negra que puede encontrarse en La vida es sueño, junto con la novelería de Don Quijote. Desde estas estampas podemos percibir el nivel de acontecimiento, el significado que en una sociedad tan diferente ha tenido nuestra literatura dramática.
Un acierto que el Teatro Español complemente su programa con exposiciones de este tipo que siempre nos acercarán más a la ceremonia ancestral que supone no sólo que nos cuenten historias , sino vivirlas, verlas en un presente.

Público

lunes, 4 de enero de 2016

NOVELA: LA LEY DEL MENOR de Ian McEwan

Anagrama
216 páginas
También disponible en ebook.

Tengo que reconocer que en ocasiones me cuesta no mezclar al equipo de autores británicos de Anagrama.
Es cierto que posiblemente Amis sea el más sofisticado ( y tal vez el más pedante ), Barnes el más histórico, Kuseishi ( posiblemente al que me siento más cercano) el más nostálgico... y Mc Ewan el más chejoviano ( inteligente en la lucidez y la precisión de su mirada, así como en sus asomos de ironía).
No coloco en el tiempo Expiación y Sábado, pero creo que es en estas dos excelentes novelas cuando su ritmo comienza a hacerse más pausado y su descripción de la realidad que retrata más cuidadosa, más certera , tanto en lo que se refiere al entorno como al interior de sus personajes.
Pero siempre hay un acontecimiento externo, generalmente a través de un personaje desubicado y contundente , que viene a trastocar el paisaje ordenado que antes se había pintado ante nuestros ojos , para obligarnos a cuestionarlo ( en este sentido creo que la muestra más obvia era Amor perdurable, si es que recuerdo el título correcto ).
La ley del menor tiene lo mejor de su autor .
Desde el inicio, asistimos a una crisis matrimonial en el seno de una pareja burguesa , perfectamente acomodada y de un nivel intelectual apreciable. Es tal el nivel de realidad que llegamos a tener la sensación de estar atisbando desde la cerradura como esos dos personajes se revuelven en el cansancio y la necesidad.
La humanidad salta en cada declaración, en cada duda.
La perspectiva es la de Fiona , una juez reputada y segura de si misma en su ámbito laboral, tanto que , a través de la descripción de alguno de sus casos , no podemos dejar de sorprendernos de su capacidad para tomar decisiones que la acercan a ser un pequeño dios que decide sobre la vida y la muerte.
Cuando un muchacho abocado a un fallecimiento temprano entra en escena , nos daremos cuenta de hasta que punto pueden resquebrajarse nuestras fachadas , nuestros andamios , al tener que enfrentarnos con algo tan complejo o tan simple como el alma humana.
La ley del menor podrá ser base para muchas líneas de debate.
Por supuesto, quien tiene esa capacidad de decidir , pero también, hasta donde llega la responsabilidad de la ley o cuales son los niveles de protección que verdaderamente se pueden establecer desde el marco jurídico.
Quien es capaz de no estar contaminado en su toma de decisiones.
O incluso, si el poder real está en la experiencia de quien ya ha consumido gran parte de su existencia o en la juventud rabiosa de aquellos que comienzan a asomarse al mundo y tienen el derecho de gozar de todo lo que este está dispuesto a ofrecerles.
Mc Ewan es capaz de enunciarlo con claridad , con transparencia, sin tener la soberbia de darnos las respuestas , sólo ayudándonos a plantearnos las preguntas. Posiblemente él esté tan desorientado como cualquiera de nosotros en un tema tan complejo y tan vital.
Pero en este periplo no olvida a sus personajes . Es una novela , no una tesis . Y por ello, asistimos con cierta tristeza a la ternura que crece entre aquellos que han aprendido a estar juntos , a necesitarse, a entender que cualquier larga historia de amor está abocada, hermosamente abocada, a convertirse en una sólida amistad.
Para todo ello, sólo necesita poco más de doscientas páginas . Porque no hay nada que sobre en esta obra , perfecta en su estructura y en su desarrollo, en su dibujo y en su visión interior.
Una novela perfecta y una obra muy importante en el mundo en que vivimos.
Quizás son demasiadas las preguntas para las que no tenemos respuesta.
Tal vez haya llegado el momento de sentarnos a reflexionar.

Público      
 

sábado, 2 de enero de 2016

CINE: STEVE JOBS de Danny Boyle


Usa/ UK 2015
Michael Fassbender . Kate winslet. Jeff Daniels. Seth Rogen

Siempre tengo problemas con las películas biográficas; me quedo con la sensación de que abarcan mucho más de lo que finalmente ofrecen. Una vida es algo muy largo, y más si en su existencia ha habido hitos relevantes. Al final es muy frecuente quedarme con la sensación de que hay mucho que conocer y que la película ha sido sólo un aperitivo.
Por lo tanto, es muy difícil ofrecer un resultado satisfactorio.
Sin embargo, no imposible.
Una propuesta a destacar últimamente es Lincoln de Steven Spielberg, donde, centrándose en un hecho concreto, capital en la biografía del personaje, se destilaba la esencia de su carácter, su desarrollo y sus motivaciones.
Pues bien, Steve Jobs no está lejos de esta última, y el resultado es tan positivo como aquel.
El personaje es también muy complejo, y difícil de abarcar la importancia de su legado en el desarrollo de la humanidad. Es imposible explicar hoy día el mundo en el que vivimos sin la existencia de visionarios que, como él ( o ninguno a su nivel ), se atrevieron a soñar el futuro.
La pregunta es ¿ eran o son genios? y más concretamente, ¿ que es un genio?.
Steve Jobs es sobre todo una película de guionista. No quiere eso decir que no se note la mano sabia de un director capaz de otorgarle movimiento al material que tiene entre manos, pero sobre todo está fantásticamente escrita.
La elección de partida es muy inteligente: tres momentos, tres actos y una estructura de personajes y diálogos alrededor del poder, del triunfo, de la pasión o del miedo, como si se tratase de un drama shaakespereano. Posiblemente los anhelos que mueven al ser humano siguen siendo los mismos , y lo seguirán siendo en siglos futuros.
El resultado es ágil, inteligente y completo, capaz de trasladar el perfil de un personaje que bascula entre una valentía que se confunde con osadía, una incapacidad para aceptar el amor o entenderlo y una necesidad de soñar y de hacer que sus sueños se convirtiesen en realidad. Dolorido por dentro, imbatible por fuera.
Y capaz de hacer un regalo de amor que explicará uno de los mayores desarrollos tecnológicos de la historia: te llenaré el bolsillo de canciones.
Pocas referencias al pasado pero suficientes para construir el puzzle psicológico o, en cualquier caso, para enunciar su complejidad.
Ayuda, además del excelente guión, la interpretación fantástica de Fassbender, un actor de técnica limpia y estructurada que no pretende la copia sino la creación.  
Steve Jobs me parece una película excelente pero sobre todo, cumple su propósito, explicar al personaje y la época que le tocó vivir. No era fácil.

Público