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sábado, 16 de septiembre de 2017

CINE: DETROIT de Kathryn Bigelow

USA 2017
John Bodega. Jack Reynor. Hannah Murray. Anthony Mackie. Will Poulter. Jacob Latimore. Jason Mitchell. Kaitlyn Dever. John Krasinski. Darren Goldstein. Jeremy Strong. Chris Chalk. Laz Alonso. Leon Thomas III. Malcom David Kelley. Joseph David Jones. Algee Smith. Ben O'Toole. Ephraim Sykes. Samira Wiley. Peyton Alex Smith. Austin Hebert

Kathryn Bigelow parece sentirse cómoda en la violencia.
El comentario fácil y casposo haría referencia a lo sorprendente de que sus últimas películas estén dirigidas por una mujer.
Sin embargo, yo tampoco conozco muchos hombres capaces de llevar a cabo, y tan bien, producciones tan duras, incómodas y vitales.
Detroit empieza con un breve epílogo gráfico, ligeramente explicativo. Unos apuntes sobre la situación de la población negra en EEUU durante los años sesenta, más bien un anuncio del racismo como tema central y único de lo que vendrá a continuación.
En la narración hay tres partes claramente diferenciadas:
La primera, de una manera casi periodística, nos narra los disturbios que se desencadenan en la ciudad como consecuencia de un redada.  En este episodio, de una forma algo anárquica vamos conociendo a los personajes que ocuparán la parte central del drama. También nos absorbe el clima casi de guerra que impera y en que puede germinar cualquier tragedia.
El nucleo central lo compone esa tragedia, los sucesos reales que ocurrieron durante aquellos disturbios en el Motel Aigiers y que terminaron con la muerte de tres muchachos de color a manos de la policía. El relato de esas horas allí dentro es terrible, capaz de generar una mezcla explosiva entre la angustia y la rabia.
La parte final la ocupa la resaca de los hechos hasta su vertiente judicial. La rabia surgirá de nuevo, esta vez con tal empatía que, a partir de ahí, justificaríamos posiblemente cualquier reacción.
Hay dos cosas de Bigelow que, más allá de su reconocida gramática, capaz de montajes tan vertiginosos como potentes, me atraen especialmente:
Por un lado, esa estilización de la violencia en el relato que opta por una especie de presente absoluto. Ello lleva a que no existan alrededor de los hechos más información que pueda servir para justificar o condenar, al margen de los hechos mismos. Su escritura es casi la de una crónica habitada, máxime cuando en esa especie de trilogía, trata siempre con la realidad. Es cierto, que al igual que pasaba con las lágrimas de Jessica Chastain al final de La noche más oscura, aquí se permite esa humanidad en el último tramo. Pero el peso está en reflejar de la manera más fiable posible aquello que ocurrió y que quiere contar.
Otro punto que hace su cine especialmente interesante, es su cuestionamiento de la moralidad.  Para empezar, es muy importante señalar que Bigelow nunca busca la belleza en la violencia; no hay asomo de pornografía ni efectismo en como mostrarla. Pero son incluso más relevante las cuestionas que plantea y de las que nunca da más respuestas que las obvias. En La noche más oscura, Chastain admitía, desde el minuto uno, la tortura como forma de obtener información, así como el asesinato de los testigos. Luego, esta mujer implacable se convertía en una heroína. Era una forma de exponernos a la pregunta de hasta que punto somos capaces de una condena incondicional.
Se va conformando un modelo de cine histórico en el que se nos exige reaccionar, evaluar, opinar  frente a la crónica de lo sucedido.
En el caso de Detroit el dilema podría funcionar a la contra. Es tal el asco que nos produce el comportamiento de la policía, que a partir de ahí, como ya he dicho antes, seríamos capaces de justificar cualquier reacción. También debería de ser tema de debate la opinión que cada uno tenemos del empleado de vigilancia, un hombre de color que intenta convivir con el horror siendo lo más parecido a un negro bueno.
O incluso la falta de héroes. Aunque tal vez en este último asunto, pueda considerarse que la directora tiene cierta compasión al dar protagonismo a un acto de heroísmo retardado, manifestado en una renuncia al éxito. Aunque tampoco aquí la apreciación puede ser pura, hay principios, pera también miedo.
Con sus tres últimas películas, Bigelow de un modo rotundo, nos muestra y nos hace tomar partido. Lamentablemente, para hablar del presente no sólo hay que hacerlo desde el presente, dado que hay epidemias como el racismo que aun no han desaparecido del planeta.  Este cáncer, capaz de transformar a seres humanos en monstruos, sólo por tener que admitir que los negros pueden también gozar de la compañía de unas mujeres blancas.
En cualquier caso, y al margen de estas reflexiones, Detroit funciona también como una magnífica película de acción. Hay una perfecta medida en el ritmo y una gradación del conflicto casi teatral.
Pero además, fruto de una extraña alquimia y, sobre todo, de mucha memoria cinematográfica, Bigelow dota a esta narración de un aroma clásico que nos hace pensar que la pieza perdurará muchos años sin envejecer.
En definitiva, muy buen cine.
Pero además, necesario.

Público

jueves, 14 de septiembre de 2017

SERIE DE TV: THE CHURCHMEN ( AINSI SOIENT-ILS )- TEMPORADA 3 de Bruno Nahon

Francia 2016
Directores.-
Rodolphe Tissot. Elizabeth Mane. Olivier Pont.
Intérpretes.-
Thierry Gimenez. Julien Bouanich. Samuel Jouy. Clement Manuel. Jean Luc Bideau. Nicolas Beaucaire. Celine Cuignet. Clement Roussier. Gauthier Baillot. Jacques Bomnaffe. David Baiot. Yammick Renier. Guy Denize. Jacques Develay. Frans Boyer. David Chenaud.
Duración.-
8 episodios
50 minutos c.u.

Termino la, por ahora, última temporada de esta atípica e importante serie. Y digo "por ahora" porque, si bien yo pensaba que estaba finalizada, el último capítulo deja tantos flecos pendientes que todo hace pensar que habrá temporada cuarta. Aunque también es verdad que esta es una serie sobre la vida y en la vida no hay tantas conclusiones.
En cualquier caso, The Churchmen termina manteniendo su alto nivel, tanto en continente como en contenido.
Una vez más, se puede hablar de dos niveles.
Uno de ellos, el que afecta a los protagonistas, a los seminaristas que acudieron a los Capuchinos buscando dedicarse a Dios ,y a los personajes que los rodean, en especial el Padre Bosco.
El otro, afecta a la Iglesia como institución.
En el primero, hay no un cuestionamiento sino la necesidad de adaptar la aplicación de la palabra de Dios, pero ojo, no sólo al mundo de hoy día, sino a la aceptación de nuestra fragilidad. Mantiene el nivel espiritual, la fe y la necesidad de la doctrina de Cristo.
Hay además, ya existía en las anteriores ocasiones, un nivel de decisión por parte del público sobre la realidad y el milagro. Sin ningún tipo de manipulación, con un gran respeto.
En el segundo sin embargo sí existe una dura crítica a una institución que ha convertido la religión en algo mercantil.
Ya he hablado de las dos temporadas anteriores, con lo que poco puedo añadir. Aquí los protagonistas son ya ordenados sacerdotes y tienen que afrontar su propia responsabilidad frente a un mundo complejo en soledad. Tendrán que enfrentarse y afrontar aspectos como la homosexualidad, la pederastia, la delincuencia.... y serán capaces de dudar y de llorar. Quizás es que he empatizado tras los dieciséis capítulos anteriores pero esta temporada es la que más me ha emocionado.
The Churchmen consigue algo muy difícil, convertir ha la Iglesia en tema de serie de televisión. y que resulte no sólo entretenida sino apasionante.
Pero creo que ha conseguido algo más. Es valiente en su reflexión, es veraz y espiritual. Yo comulgo con su visión y estoy seguro, seguro, que ha hecho pensar en ello a algunos que tenían la religión como algo ajeno.
Quiero decir con esto, que el mensaje humano, el de Jesucristo, siempre está ahí, porque personalmente coincido con sus creadores en que ese mensaje tiene mucho de dudar de fragilidad para ser cierto.
La experiencia de verla me resulta algo íntimo.
Espero que haya cuarta.

Público

domingo, 10 de septiembre de 2017

CINE: ABRACADABRA de Pablo Berger

España 2017
Maribel Verdú. Antonio de la Torre. José Mota. Jose María Pou. Quim Gutierrez

De los comentarios que el propio autor ofrece en el texto de presentación de Abracadabra, creo que hay dos que la definen a la perfección:
Uno,  el que la define como el opuesto de su anterior película, Blancanieves. Lo que allí era un elegante blanco y negro, aquí es un grito hortera de colores, lo que allí era contención, aquí es derroche, lo que allí era una narración lineal de un cuento aquí es un carrusel que nunca sabemos donde va.
El segundo es el que la que la compara con una muñeca rusa, un thriller dentro de una comedia que esconde un cuento de terror con historia de amor ( fou y no fou ) en un esperpento.... y así podríamos continuar hasta terminar en una divertida extravagancia
Todo comienza en un barrio del extraradio madrileño. Un matrimonio de cromo, él futbolero, ella una Madonna de suburbio, rodeados por toda la fealdad imaginable, van de boda.
Allí, un inocente ejercicio de hipnosis terminará cambiando para siempre la vida de la pareja protagonista.
Supongo que, por encima de todo, deberíamos de calificarla de comedia, ya que el salto entre géneros, con su inspiración clásica, tiene siempre mucho de parodia.
Pero, por encima de todo, creo que es una cinta libre para el realizador que ha decidido hacer lo que le da la gana. Divertirse, sin duda, para divertirnos. La película es suya. Como seguro es también suyo ese amor al cine que homenajea constantemente, desde Taxi Driver hasta Lo que el viento se llevó, pasando por Psicosis y Fiebre del sábado noche o Superman . Y esa decisión tan políticamente incorrecta ( ¡ viva! ) de retratar en su plenitud el universo choni.
Y, por supuesto, la decisión final de hacer ese regalo a Carmen, su protagonista. Supongo que un regalo a muchas mujeres de nuestro país.
Abracadabra divierte mucho, pero también sorprende y emociona, y no sólo no es un filme superficial sino que, sin ser genial, cuenta con excelentes escenas. Es capaz de girar y dar saltos mortales ante nuestros ojos y sin red. Está claro que hay detrás un director que es mucho más que un artesano.
Estrenada en agosto, espero que todavía le quede vida en las pantallas y, sobre todo, que esté presente en la próxima edición de los Goya.
Lo merece.

Público

sábado, 9 de septiembre de 2017

EXPOSICIÓN: EL VIAJE Y EL ESCRITOR - EUROPA 1914-1939 de Fernando Castillo/ Damián Flores

Museo de Arte Contemporaneo
Madrid
Hasta el 13 de octubre.

La verdad es que no puedo valorar esta exposición, como tampoco el hecho de llamar Museo al segundo piso del Cuartel del Conde Duque, con una buena reproducción del despacho de Ramón Gómez de la Serna y poco más.
La exposición, pequeña, se refiere a un periodo tan rico en Europa como el de entre guerras. La idea es muy atractiva: el viaje como experiencia cruzando el continente a través de las más grandes capitales.
Ahora el montaje: retratos en estaciones preferentemente, de escritores que dejaron textos sobre esas ciudades. Algunos párrafos al respecto, se recogen al lado de las pinturas.
Es agradable, ligera, pero no sé muy bien lo que aporta ( más allá de la guía gratuita, estupendamente realizada y con textos más desarrollados de sus creadores ). Ni como pinturas me parecen más que interesantes, ni la muestra se acompaña de algún otro material que de mayor consistencia a la referencia física de esos lugares.
Lo dicho.
No hay nada que me moleste, tampoco nada que me transmita.
Es algo así como un recordatorio de que muchos grandes autores utilizaron como escenario estas metrópolis desde la distancia del viajero.
Que todos podemos ser viajeros?.
Que ser viajero no es ser turista?.
Pequeño.

Público

CINE: LA SEDUCCIÓN de Sofía Coppola

USA. 2017
Nicole Kidman. Colin Farrell. Kristen Dunst. Elle Fanning. Dona Laurence. Angourie Rice. Addison Riecke. Emma Howard

Recuerdo haber visto hace años El Seductor, y considerarla una película estimable. Creo que su memoria es lo que más ha perjudicado esta versión de la que ahora nos ocupamos. La mayoría de las críticas, incluso las más positivas, parecen alabarla con tibieza. Sin embargo en mi opinión es posiblemente la película más redonda en la interesante carrera de su directora. Me refiero con ello en su perfección como artefacto narrativo, como forma audiovisual de contar algo con una gran solidez y rigor.
La historia, creo que basada en una novela ( a la que remite Coppola y no a la cinta precedente ), es potente.
Durante la Guerra de Secesión, un colegio de señoritas sudista ha quedado anclado en una especie de tierra de nadie. La propietaria, la directora y las cinco alumnas que quedan, son sorprendidas por la llegada de un soldado yanqui herido, probablemente un desertor. Lo que hace más complejo el desarrollo de lo que allí ocurrirá es el carácter manipulador del recién llegado y las necesidades de un universo femenino cerrado.
A partir de ahí, se va produciendo un juego de decisiones e intereses que alcanza la perversión, y no sólo en el mundo de los adultos.
Coppola aprovecha la trama para hablarnos, no tanto del mal como de los rincones oscuros presentes en cualquier ser humano y que siempre están prestos a aparecer bajo el detonador del miedo o de la ansiedad.
El material era fácil para el efectismo o una propuesta más crispada, sin embargo, su directora opta por la contención y evita no sólo efectismo sino también obviedades. Su sobriedad a veces parece distancia, pero nunca falta de implicación.
Como subtexto, encuentro un dibujo claro de las relaciones entre Norte y Sur que llevaron a la contienda, el primero representado sobre todo por la propietaria del colegio, y que sólo expresa un desprecio mutuo, por mucho que se intente esconder.
La estética de la cinta se funde en  la elegancia, son la mayoría de las escenas son casi pinturas ( personalmente prefiero las de interior ). No por ello la directora renuncia a su habitual querencia por el simbolismo que jalona la cinta con mensajes bastante directos y que siempre facilitan la relación entre la autora y el público, al que traslada con este método sus opiniones y puntos de visa  Ese conjunto estático tras la verja de entrada, que cierra la película, es el mejor ejemplo.
En las interpretaciones, he leído críticas a Farrell, de nuevo comparaciones, esta vez con Eastwood. Sin embargo, las féminas ofrecen un conjunto homogéneo, liderado por una excelente Nicole Kidman, a la altura de deslumbrarnos como hizo en Las Horas.
Prefiero La seducción a, por ejemplo, la muy valorada Lost in translation y por supuesto a Maria Antonieta. Me gusta su sobriedad y su distancia, su claridad y su elegancia.
Me gusta, no sé si más o menos que su precedente.

Público

CINE: SIERANEVADA de Cristi Puiu

Rumanía 2017
Mimi Branescu. Bogdan Dumitrache. Catalina Moga. Dana Dogaru. Petra Kurtela. Sorin Medeleni. Tatiana Lekel. Marian Ralea. Simona Ghita. Andi Vasluianu. Judith State. Lulian Puiu. Silvia Nastase. Rolando Matsangos. Iona Craciunescu

Las dos primeras escenas de esta película nos dan claves importantes sobre lo que nos vamos a encontrar:
No se cuanto dura la primera, pero es un largo plano fijo a cierta distancia de los que, deducimos, serán dos de los protagonistas. Parece que el director nos dice dos cosas, por un lado, que no nos preocupemos del tiempo porque a él no va a preocuparle, lo segundo, que la cámara manda y que será ella dueña y señora de la obra.
La escena siguiente es una discusión en un coche sobre el error en la compra de un disfraz de princesa Disney para la hija de los contendientes. Con esto nos avisa de que vamos a escuchar diálogos enfrentados, no siempre ( o casi nunca ) sobre temas trascendentes, pero que si los escuchamos bien, en tonos y miradas, van a decirnos mucho.
A continuación entramos en lo que será el núcleo de la cinta. Un epicentro bastante común en el cine: reunión familiar catártica alrededor de una pérdida. Pero no nos equivoquemos pensando que vamos a ver algo conocido, porque lo que nos va a ofrecer Sieranevada no lo hemos visto una.
La llegada a la casa tiene mucho de caótico, por la profusión de personajes, por lo claustrofóbico del recinto con profusión de puertas que se abren y se cierran, y porque la cámara ya ha empezado a hacer de las suyas, ubicándose durante largo rato en el recibidor.
Me produce en ese momento cierto miedo al experimento inane.
Pero pasa pronto.
La excelente y compleja escritura es capaz de que en diez minutos ubiquemos y conozcamos a todos los personajes, tanto en lo que se refiere a su filiación como a su carácter.
A partir de ahí, Sieranevada te puede fascinar o causar un rechazo absoluto.
A mi me fascina.
Nos pasamos casi tres horas en el interior de esta casa y rodeados de esta multitud algo histérica y fumadora compulsiva, de la que sólo tendremos un descanso breve pero intenso con la salida de dos personajes al exterior.
En el resto del tiempo, asistimos a un conjunto de conflictos que se van montando unos sobre otros, cortados continuamente. Rozamos en ocasiones el surrealismo en un homenaje a Buñuel con ese almuerzo que nunca llega. Nos empapamos de humanidad en su mejor y en su peor versión.
Al mismo tiempo, Puiu nos ofrece un mosaico de un país que, tras una larga dictadura comunista no acaba de encontrarse, que retorna a sus más arcaicas costumbres que, ya sin su esencia, rozan la parodia, donde el exterior se envuelve en teorías conspiradoras e internet se ha convertido en una adorada fuente de información que compensa años de sequía.
También nos habla de la violencia que en entorno de lo cotidiano se ha convertido en un vicio pronto a manifestarse.
El retrato puede parecer por momentos cruel y en otros tierno, lleno de humor, y es que el director consigue navegar a la perfección entre el esperpento, el realismo, la comedia y el drama.
No quiero que concederle mucho valor a la ya citada cámara por no minusvalorar el contenido, pero es imposible no sorprenderse continuamente por la capacidad de riesgo de esta caligrafía que mira y deja ver, que esconde conflictos haciendo que las percibamos desde las palabras o desde las reacciones de personajes no involucrados, que gira, entra, sale....
Y en cuanto al conjunto de intérpretes, dieciséis, sólo resaltar la dificultad de estar presentes de forma casi constante en este encierro y con una cámara tan traviesa.
Son tres horas.
Pero a mi se me han pasado volando.
Lo dicho: yo soy de los que se sienten fascinados.
Sólo una pregunta ¿ alguien sabe de donde viene el título?

Público

jueves, 7 de septiembre de 2017

NOVELA: LOS AMIGOS DE EDDIE COYLE de George V. Higgins

Libros del Asteroide
216 páginas
También disponible en ebook.

B. es uno de mis hermanos.
Recomienda libros habitualmente y tiene una singularidad: cuando no le haces caso te lo regala.
Y una vez que te lo regala, no te queda más remedio que leerlo. Pronto. O si no, te expones a que retome su insistencia.
La verdad es que hay que reconocer que generalmente acierta. Lo hizo con Dennis Lehane ( quien por cierto, escribe el prólogo de esta novela ).
Pero, nunca había acertado de una forma tan contundente como en este caso.
Los amigos de Eddie Coyle es novela negra en la versión gánsters, empapada del aroma a clásico que tiene el propio Lehane y que se adscribe a la herencia de maestros como Chandler o Hammet.
Hay un traficante de armas, o varios, un confidente por obligación, varios policías, delincuentes habituales y esposas y amantes cansadas.
Hay acción continua. Y hay humor, la de aquellos que tienen en bastante poco su vida o que, en cualquier caso, entienden que están jugando con la muerte.
Pero lo que convierte esta corta novela en singular, es su forma de contarse.
Por un lado, no es necesario entenderlo todo, sino percibir lo que está ocurriendo. El autor parece retar al lector e incluso jugar con él, como si verdaderamente no le importase. Sin embargo pronto comprendemos que si nos atrevemos a entrar en lo que nos cuenta, será realmente nuestro cómplice en este viaje.
Pero sobre todo, lo que la hace única es la utilización de los diálogos. Toda la pieza está compuesta de conversaciones que se convierten en acción. En este sentido, se convierten en disparos, casi un baile continuado de metralleta. No hay apenas descripciones. No hacen falta. El artefacto narrativo está tan estilizado que bordea en momentos la abstracción y el absurdo ( ¿Hammet y Beckett juntos?). Pero su maestría le lleva a mantener siempre el equilibrio.
Los amigos de Eddie Coyle está escrita en un estado febril. No hay parada ni error. Y tiene muchas cosas dentro si somos capaces de disfrutarla.
Apasionante es decir poco.
Inteligente, muy inteligente.
La verdad es que no entiendo que una obra así no tenga la consideración de clásico y no esté en todas las listas de mejores novelas. Si no llega a ser por B....

Público

CINE: OKJA de Bong Joon-ho

Corea del Sur/ USA 2017
Tilda Swinton. Jake Gyllenhaal. Lily Collins. Seo Hyeon Ahn. Paul Dano. Steven Yeoun. Davon Bostick. Choi Woo Shik. Giancarlo Esposito. Shirley Hernderson.. Daniel Henshall. Byeon Hae


El cine de Bong Joon-ho siempre se ha movido entre el cuento y el comic.
Cuando la base narrativa se decanta hacia temas más adultos, el comic está más presente y cuando, por decirlo de alguna manera, la temática es más "para todos los públicos" ( ojo, nunca del todo inocente ), el cuento prevalece.
En cualquier caso siempre hay una mixtura:
La imagen colorista y estructurada remite en muchas ocasiones al dibujo de la novela gráfica en su creatividad y su impacto inmediato. ( Rompenieves, Old Boy )
La elección y tratamiento de los temas tiene la linealidad del cuento y su punto de ingenuidad en los sentimientos que maneja como motores ( y consecuentemente genera en el público). Venganza, amor, avaricia.... son sentimientos simples y que se plantean sin demasiada complejidad. Además admite la fantasía con naturalidad absoluta de este tipo de relatos, a la que el tratamiento comic imprime cierto nivel de locura.
Incluso en su película más perversa, la poco valorada Stoker, la estructura narrativa era finalmente cuadriculada y un remedo de las historias de terror de toda la vida.
En Okja es donde mejor se fusionan estas dos corrientes.
No sé si es su mejor película, pero sí, sin duda, la más extravagante, la más encantadora y la más tierna.
El comienzo es comic puro. Tilda Swinton (en una interpretación totalmente arrolladora ) aparece como empresaria demente con un proyecto de cría de cerdos gigantes que contribuirán a paliar el hambre en el mundo.
Pero el salto es inmediato, ( diez años en el tiempo ) al entorno de las montañas para presentarnos a los verdaderos protagonistas, una niña coreana y su mascota, un cerdo gigante llamado Okja en un paisaje colorista donde la naturaleza adquiere un peso absoluto.
El gorrino se convertirá en el objeto de deseo de los malvados capitalistas. En el viaje de secuestro y retorno, también aparecerán un fantástico grupo terrorista de defensa de los animales ( sus métodos de lucha es uno de los mejores hallazgos de la cinta ).
En la primera parte, Bong Joo apela de forma transparente a lo más fácil de nuestro corazón, generando una ternura tal que no tardamos en identificarnos con el gran mamífero y su criadora. Hasta el punto de que viviremos una escena de apareamiento como si fuese la peor de las violaciones.
La aventura es divertida y apasionante pero no evita los puntos oscuros. Okja no es cine infantil, y no tardaremos en sentir angustia y en recordar los campos de internamiento de judíos en la Alemania nazi.
La pirueta final es tan inteligente y tan lograda que es difícil no sentir emoción.
Puede verse Okja , como decía al principio, como un gran cuento para adultos, también como una comprometida fábula ecologista o simplemente como una historia diferente muy bien escrita y contada. Funciona en todos los niveles.
Para cerrar , es necesario hacer un comentario sobre la polémica que supuso la presentación de esta película en la Sección Oficial del Festival de Cannes.
Producida por Netflix es una película que nunca se verá en salas de cine.
Personalmente creo que debemos asumir, y ya lo he dicho en ocasiones, que los caminos de la distribución han cambiado. Es obvio en las series, que han perdido su temporalidad para servirse a la carta, y no tienen porque cambiar en el cine.
Hay que valorar la creación y la industria tendrá que adaptarse como han hecho tantas otras. No se puede ser apocalíptico.
La visita a la sala es para mi una experiencia insustituible, pero también es una experiencia absolutamente gozosa poder contar con producciones como Okja. En cualquier pantalla.

Público

martes, 5 de septiembre de 2017

NOVELA: EL EJÉRCITO DE LOS SONÁMBULOS de Wu Ming

Anagrama
550 páginas
También disponible en ebook.

Wu Ming me parece un extraño y atractivo experimento de escritura conjunta. Si ya es difícil hacer juntos un trabajo de fin de carrera, lo que debe de ser escribir novelas. Pero sorprendentemente, el tema parece que funciona.
No termino de comprender la diferencia o evolución del originario Luther Bisset que firmada Q a este Wu Ming.
En cualquier caso, habiendo pasado por otra de sus novelas, 54, el tema es anecdótico. Sus obras son piezas conseguidas que podrían haber sido escritas por uno, por doce o por cincuenta. No es lo importante, más allá de que esa circunstancia pueda otorgar una mayor riqueza a los puntos de vista del narrador.
Las similitudes en cuanto a las novelas que nos ofrecen están en que todas pueden encuadrarse dentro del género histórico y son plurales en lo que se refiere a tramas y corales en cuanto a número de personajes, si bien todo terminan confluyendo ( nota al margen : estoy pensando que quizás el ser varios los escribientes ayuda a manejar mejor tanto material ).
El ejército de los sonámbulos se sitúa en la Revolución Francesa.
Si bien ofrece información suficiente y clara del desarrollo de este largo y potente acontecimiento, el interés se centra en un grupo de personajes variopinto que, como hemos dicho anteriormente, termina confluyendo, aunque al principio sus epopeyas parezcan piezas diferentes y, en algún momento, parezca que no terminan de encajar en el mismo libro más que por capricho del autor ( autores ).
El núcleo principal se divide en dos paisajes, por un lado el barrio de San Antonio, reflejo de las injusticias de la sociedad a derrocar y germen inagotable para la revolución. Por otro lado, en las afueras, en un viaje hacia la oscuridad y en la oscuridad misma en el seno de una cárcel manicomio.
El libro ofrece un cuadro imponente de una época que tenía que desaparecer, sin duda, para que la humanidad pudiese seguir avanzando con un mínimo de dignidad, pero no se limita al centro de la contienda, París, ni ha la lucha por la libertad. También nos habla del entorno rural, desconocido y plagado de supersticiones, y del desarrollo de la ciencia en un siglo donde lo estrictamente científico se veía muchas veces empañado por la crueldad y la superchería.
El ejército de los sonámbulos bebe del folletín y bebe bien.
Es sin duda una obra apasionante, como deberían de ser estos antaño, y en lo que se refiere al contenido histórico no cae en anacronismos ni en superficialidad.
En su desarrollo, sin embargo, parece virar hacia la ciencia ficción, posiblemente como lo hacía, sin que nos chocase, narraciones como Cagliostro. A mi hay un momento en que me cuesta ese cambio de registro desde la injusticia social al ejército de golems. Pero no por ello soy capaz de detener la lectura y posiblemente sea más un escrúpulo personal que una crítica legítima. De hecho, el autor ( autores ) hace lo que han hecho muchos: convertir en historia una leyenda. Quizás puede pensarse que hay cierta acumulación ( también Scaramouche aparece en danza ) pero en cualquier caso, la mezcla funciona.
Por último, las páginas finales de documentación nos informan y sorprenden de que la realidad no es tan prosaica como algunos creemos.
Lo dicho: El ejército de los sonámbulos es un libro apasionante, con muy pocos fallos y la capacidad de darnos otra visión de un conflicto del que creíamos haberlo leído ya todo.

Público  

lunes, 4 de septiembre de 2017

NOVELA: DERECHO NATURAL de Ignacio Martínez de Pisón

Seix Barral
420 páginas
También disponible en ebook.

El Padre es por lo general una figura totémica desde el punto de vista literario. Incluso cuando, como en este caso, tiene algo de esperpéntico, su influencia en el desarrollo de una familia, sea mediante presencia o con su ausencia, parece fundamental.
En el prólogo de esta novela, el autor ya nos esboza la primera descripción de un personaje cuando menos peculiar, un buscavidas sin ninguna vergüenza y capacidad infinita de eludir sus responsabilidades. El narrador es su primogénito, aquel que, al margen de estar más o menos afectado que sus hermanos por la incompetencia de sus padres, sí puede dar una visión más global y con más distancia. Desde ahí, no juzga o no todo lo que se podría pensar.  La madre también ocupa un lugar relevante y tampoco su retrato es convencional, pero creo que tanto su comportamiento como su desarrollo es reactivo ante una personalidad más potente.
Derecho Natural no es un ajuste de cuentas ni una novela sobre el rencor. Es un retrato coral de una familia de clase media, capaz de asumir sus propios dramas que, debido a su falta de grandeza, terminan colocándose más cerca de la farsa que de la tragedia. A veces se acercan a esto último, pero siempre sería el drama en zapatillas, lo risible que puede generar en muchos momentos es siempre amarga.
Martínez de Pisón es un narrados excelente, capaz de dibujar sus personajes y situaciones con un gran realismo, el ligero toque de ironía que da la inteligencia y rodearlo ,en caso necesario, del matiz singular que lleva a sus textos a acercarse por momentos al cuento e incluso en algún punto al comic. Así aparecen personajes como el matrimonio de acogida, la temporada infantil de las gemelas o algunos de los perfiles de los propios protagonistas, también la decoración de los diferentes apartamentos que van jalonando el viaje. No por ello evita hablar de temas dolorosos, pero es literatura, nos deja claro, no debemos olvidarlo. Y así lo cuenta.
Su visión de la familia es más real  que demoledora. No hay necesidad de dinamitarla y ningún complejo en reconocer el poder del amor.  Pero sí de reconocerla como un entramado no perfecto y que en ocasiones puede llegar a ser muy dañino. El interior de las personalidades y de sus relaciones, desarrolladas por Martínez de Pisón, es rica, llena de matices, colores, brillos y sombras.
Como en el resto de obras suyas que he leído, esta tiene también un importante valor de crónica. Podría hacerse también una lectura histórica de una España gris que, pasando por la transición, salta hacia la democracia con ilusión, ingenuidad y desenfreno. Una edad que parecía de oro para quienes la habitaban y que permitía mutaciones antes insospechadas, como que una dependienta de zapatos terminase siendo la gerente de una agencia de representación de actores o que un actor ínfimo, con un origen del estrato rural menos desarrollado, llegase al éxito imitando en salas de fiesta del litoral a un cantante ruso. Pero también que una estudiante de periodismo procedente de un pueblo de Cataluña, pudiese morir como una yonqui. Y, como puede atisbarse en la visita del protagonista con su padre al piso de los aristócratas, una época donde los vestigios más negros del pasado reciente no han llegado a desaparecer.
Derecho Natural es otra muestra excelente de la capacidad creadora de su autor, siempre desde la realidad pero con la alquimia necesaria para, gracias a la ficción, convertirla casi en verdadera para quienes tenemos el placer de leerla.
Otra muestra de escritor nacional capaz de afrontar nuestra historia sin complejos ni miedo, sin afán de revancha ni idealizaciones. Con capacidad para establecer responsabilidades y no excusas. Algo importante muy importante en tiempos en los que todo parece cuestionable.


Público  

martes, 22 de agosto de 2017

NATI MISTRAL. ADIOS A OTRA CELESTINA


Es curioso: con apenas unas semanas de diferencia nos dejan dos grandes actrices que, entre otros muchos, tuvieron en sus manos y en su voz el papel de Celestina.
Terele Pávez en cine y Nati Mistral en teatro, ambas representaron de diferentes maneras a esta alcahueta tan española.
Poco más les acercaba, Celestina y la edad. La Pávez consiguió actualizarse gracias al cine y a directores como De La Iglesia. La Mistral se mantuvo como un reducto de lo antiguo, pero nadie dudaba de su calidad.
Recuerdo ahora, junto con esa Celestina, una versión de Los Padres Terribles de Cocteau donde encarnaba a la perfección a esa madre castrante y frívola, vampírica con el amor de todos los que la rodeaban.
Hubo también una Mari Gaila que yo no conocí pero que se recuerda por muchos como mítica.
Resumiendo, otra de las grandes.
Morir en verano, en agosto, es casi pasar desapercibido. Para que no ocurra. Cualquiera que nos haya regalado momentos memorables en un teatro, merece un recuerdo eterno.

Público

domingo, 20 de agosto de 2017

NOVELA: LA DECEPCIÓN DEL CABO HOLMES de Carlos Laredo

Sinerrata Ediciones
307 páginas

En una época en que la novela negra parece empezar a agruparse por orígenes geográficos, me gustaría pensar que Galicia, cuna de tantas cosas, tuviese también su propio grupo noir, del que has ahora sólo conocía a Domingo Villar.
Carlos Laredo es, al parecer, un jubilado que dedica su tiempo , entre otras cosas, a un oficio tan fantástico como el de escritor.
De su pluma surge el Cabo Holmes, un guardia civil con pasión por las novelas policiacas de las que parece aprender como resolver aquellos enigmas que llegan a las costas de su jurisdicción.
Costa da Morte, Corcubión, La Toja, Santiago de Compostela... escenarios para mi muy cercanos y no habituales en la novela de este género, se convierten en el escenario donde se desarrolla una trama bien urdida.
Un hombre aparentemente borracho se asoma una noche de lluvia a un bar de playa. A la mañana siguiente, un paseante encuentra un coche despeñado en un acantilado con un muerto dentro.
Todo parece obvio.
No para el Cabo Holmes.
A partir de ahí, con la facilidad de alguien que, como nuestro protagonista, ha leído muchas obras del género, se van descubriendo pistas que nos hacen entender y compartir las dudas del guardia civil.
La decepción del Cabo Holmes es una novela entretenida,, quizás un poco amateur en su desarrollo, al que le falta algo de naturalidad, especialmente en los diálogos, y cierto equilibrio en las diferentes guías de la trama.
En cualquier caso, que alguien dedique su tiempo a contar historias y lo haga desde el trabajo, el respeto y la ilusión.
Y es un paso más en que mi Galicia configure su propia mitología del género. No le falta para ello paisaje, y parece que tampoco narradores.

Público  

POESÍA: LA LUNA NUEVA de R. Tagore

40 poemas
Diversas editoriales
También disponible en ebook.

Veo que, según la fuente, se califican estos textos como cuentos o como poemas.
Es indiferente, la definición no afecta a su belleza.
Pueden considerarse cuentos ya que tienen personajes en su interior y nos llevan a intuir historias, parte de una historia más global.
Personalmente, los considero más cercanos a la lírica por lo que tienen de pictóricos y las sensaciones que producen.
Los cuarenta retazos están centrados alrededor de la relación de una madre y un hijo, tanto cuando este está sólo en el sueño de su progenitora, como cuando abandona la niñez.
El último escrito, la última frase, una frase con alas, es una declaración de principios en este sentido.
Todos ellos están pintados con la delicadeza de un orfebre y la preciosa elaboración de un mago, capaz de extraer una joya de cada sentimiento, de cada mirada, de cada gesto íntimo.
La experiencia es gozosa, casi mágica
Tagore nos acerca al niño que posiblemente fuimos y que hemos olvidado.
Ese viaje en el tiempo se convierte en un viaje en el corazón.
Un maravilloso viaje que acaricia el alma con una sonrisa.. aunque sea en ocasiones la sonrisa triste de la melancolía.
Descubrir en la grande biblioteca de mi padre, aquella en la que aprendí a  leer, estos cuadros de palabras, estas miniaturas de amor puro, ha sido uno de los descubrimientos de este verano, inolvidables.
Tesoro escondido.
Guía de ilusión para seguir buscando.
Tal vez esta sea la misión de la poesía, elevarnos.

Público

jueves, 17 de agosto de 2017

EXPOSICIÖN: PAREDES SOÑADAS de Urbano Lugris


Fundación Pedro Barrié
Sede de la Fundación.
La Coruña
Hasta el 3 de septiembre.

Repito algo que ya he comentado anteriormente al hablar de pintura: mis conocimientos sobre la materia son nulos y mi interés tardío, por lo que la única fuente para mis comentarios, son mis sensaciones. No se tome por soberbia pues.
No sé lo que ocurre en otras costas, pero en el norte, la visión del mar viene acompañada siempre de la cuna de las leyendas. Las ciudades que nacen a su alrededor son villas habitadas por las pasiones y los secretos. A su orilla crecen selvas y bosques tan acogedores como peligrosos. Quienes viven con él, son portadores de un destino nunca fácil ni sencillo. El mundo de los cuentos tiene en él sus cimientos más sólidos.
Son cuentos, son leyendas, son narraciones e historias. Son verdades.
Desconozco a Lugris. Mi ignorancia parece casi punible siendo gallego, una vez vista, lo sería aunque no lo fuese. Excelente pintor, creador, soñador, mago.
La exposición se inicia en una sala que parece un homenaje a Julio Verne y a tantas noches de lectura apasionada en el mundo de la aventura.
Hay sirenas, hay tormentas, hay noches de luna y, por supuesto, está la Torre de Hércules.
Son decorados de nuestra infancia, pero de ese punto de nuestra infancia que, si somos inteligentes, conseguimos que no nos abandone durante toda nuestra vida. Para ser más claros, son decorados de los sueños de nuestra infancia.
Colores impensables, formas imposibles.
A medida que avanzamos, entramos en tierra, incluso en la iconografía cristiana de vírgenes y santos. También en retazos de interior en forma de bodegones y acercamientos al surrealismo.
Pero todos, no sé como ni de que manera, están empapados en mar.
No parecen lejos Dalí ni Margritte, ni muchos otros.
Personalmente, he descubierto a un genio, a un creador singular.
La exposición concluye con una lograda experiencia de realidad virtual.
A mi se me ha abierto una nueva ventana.

Público

CINE: BABY DRIVER de Edward Wright

USA 2017
Ansel Elgort. Lily James. Jamie Foxx. Jon Hamm. Kevin Spacey. Elza Gonzalez. Jon Bernyhal. Ben VanderMey.

Generalmente se usa el término "americanada" para definir un tipo de película adscrita en fondo y forma a una forma de hacer del cine de Hollywood vinculado a los grandes estudios.
En justicia, también hablamos de "españolada" pero no de "britanicada", "francesada" o, ¿porque no? "rumaniada" o " polacada".
En todos estos países existen unas características singulares que se reflejan en su arte y consecuentemente en su cine. Pero en ningún caso, se asumen dichas características de forma tan negativa como cuando se refieren al modelo americano.
Lo cierto es que se ha vuelto muy cultural despreciar lo que proviene de allí, especialmente si se hace con mucho dinero. Parece que el talento tiene que ser pobre.
Esta introducción viene al caso porque Baby Driver reúne todas las condiciones para ser considerada una "americanada".
Si una película se ha parecido alguna vez a un videoclip, ha sido esta. Si alguna película ha sido "cool", sin duda, es esta en su primera parte, antes de hacerse más oscura. Si ha habido últimamente alguna capaz de manipular el audiovisual, se lleva el premio; pocas se atreverían a imaginar una lavandería como una galería de arte.
Derrocha dinero.
Su trama peca de poco creíble en no pocas ocasiones.
Y de todo lo dicho anteriormente, sorpresa, no debe de deducirse una crítica negativa.
Porque Baby Driver está muy bien hecha y se convierte en un entretenidísimo producto, novedoso en muchos aspectos desde el punto de vista de su realización.
Baby es un muchacho que cometió un error en su vida y lo está pagando, al servicio de un mafioso. Es un buen chaval fruto de una infancia traumática. Es un conductor furioso y único y totalmente dependiente de la música que siempre le acompaña en sus cascos.
Conocer el amor llega paralelo a las complicaciones derivadas de un nuevo gánster, un demente que Foxx interpreta con magnetismo.
A partir de ahí, todo se precipita y ocurre lo que tenía que ocurrir: la oscuridad.
Wright decide convertir el film en un ejercicio de creación que aporte singularidad a lo que podría ser un noir convencional. Lo hace creando una estética de una artificialidad absoluta y estilizando a los personajes hasta el arquetipo.
Los códigos clásicos del género están aquí y son perfectamente reconocibles, pero se cruzan con otro tipo de cine más en boga.
Baby podría ser casi un superhéroe con poderes y los malos, villanos de Marvel.
El resultado, ya lo he dicho, es entretenidísimo desde el punto de vista narrativo pero también asoma un autor potente.
Entre los aspectos negativos, que a películas que empiezan enganchándonos los ojos de una forma tan directa, le cuesta mantener ese nivel de atención. Aquí se consigue mutar desde el atractivo visual a la tensión narrativa.
Y su para mi principal fallo es que le cuesta terminar.
Más allá de todo eso, Baby Driver es mucho más que cine de verano. Habrá que esperar cuando menos con curiosidad las próximas entregas de su director.

Público

miércoles, 16 de agosto de 2017

NOVELA: EL MAPA DEL TESORO ESCONDIDO de Mo Yan

Kailas
128 páginas
También disponible en ebook.

La escritura de Mo Yan es torrencial.
Un alarde narrativo dentro de una ilimitada imaginación capaz de vincular el presente y la Historia a la leyenda.
Sus obras parecen cuentos cercanos al realismo mágico pero que, como aquel, sirven de soporte al análisis de la situación de su país y del origen de su cultura y su sociedad.
También tiene mucho del contador de historias, esa disciplina en la que Isak Dinesen, Karen Blixen, era maestra y que enlaza historias, engarzándolas con una agilidad que consigue que en momentos nos olvidemos de como hemos cambiado de entorno.
El mapa del tesoro escondido puede parecer una obra menor, especialmente por su longitud y el estatismo de su desarrollo.
Un monólogo de quien un día encuentra en la calle a un antiguo compañero que, convertido en un gorrón con el arma de ser el fantasma del pasado de este funcionario acomodado, se invita a ser invitado a un almuerzo.
A partir de ahí, el monólogo adquiere una segunda voz.
Pues bien, esta obra en apariencia menor, se abre entre nosotros con todo el colorido interior y exterior habitual en su autor, pintor de tonalidades totalmente nuevas que se mueven entre la tradición y la magia.
Príncipes legendarios, animales mitológicos, truhanes y pícaros.... todos tienen cabida en este centenar de páginas.
Una gozada.
Pequeña gozada pero gozada.
Viaje en tiempo y geografía.
Mo Yan es uno de los Premios Nobel de Literatura más acertado de los últimos años.

Público 

domingo, 13 de agosto de 2017

NOVELA: LA SUSTANCIA DEL MAL de Luca D'Andrea

Alfaguara
475 páginas
También disponible en ebook

Dentro de la avalancha de novela negra que desde hace unos años asalta las librerías ( y que está consiguiendo sin duda ampliar el número de lectores, como ocurrió no hace mucho con la novela histórica ), es necesario separar el polvo de paja.
Entre los reconocidos por crítica y público, personalmente tengo problemas con algunos como Jo Nesbo o Joel Dicker. Creo que sin duda son trabajadores entregados e inteligentes. Construyen novelas muy elaboradas y sin duda fruto de gran dedicación. Pero personalmente las veo más como artefactos que como novelas. Configuran estructuras tan complejas ( y alabadas ) que creo que se convierten en su razón de ser y terminan ahogando la humanidad que es lo que, a mi entender, hace grande el género.
La sustancia del mal es la primera novela de su autor en este ámbito y se ha convertido en un inmediato best seller. No es raro. Tiene condiciones para ello.
La trama se enmarca en un paraje aislado en Los Alpes. Un lugar remoto con mucho pasado y una comunidad cerrada, capaz de protegerse frente a la intromisión exterior y de proteger sus secretos.
Porque siempre hay secretos del pasado. Y muchas heridas sin cerrar que han ido supurando en el interior y que alimentan odios mucho más peligrosos que aquellos que estallan.
En este caso, ese secreto está relacionado con un crimen múltiple ocurrido treinta años antes de forma atroz. Un suceso al que el protagonista y narrador se enfrenta tras sufrir un accidente trágico y traumático en la montaña.
El autor alcanza altas cuotas de maestría en el desarrollo de la trama, tanto en los aspectos íntimos como en los policiacos. También realiza un muy buen trabajo en dotar al entorno de una personalidad casi mitológica.
La novela engancha durante todo su desarrollo.
Sin embargo, es al final donde se me pierde un poco y esto está relacionado con lo que decía al principio.
El autor crea una sólida estructura en la que encaja todas las piezas, pero, como siempre me ocurre en estos casos, siento que hay piezas de más, y que se alarga en capítulos que por no necesarios, llegan a resultar poco creíbles. A mi entender, lo que parece querer dar una dimensión mayor al conjunto, termina entorpeciendo su agilidad, algo que, hasta ese momento, había funcionado muy bien.
Al margen de esto, La sustancia del mal está por encima de la media, es muy entretenida y una muy buena lectura de verano.
Quizás se pueda apuntar que es la primera obra de su autor y por supuesto, si sigue por esta senda, apunta excelentes maneras.
En cualquier caso repito, es personal, la mayoría de los lectores han encumbrado a Nesbo, Dicker y ahora a D'Andrea a las listas de libros más vendidos.
Manías mías.

Público

viernes, 11 de agosto de 2017

TERELE PÁVEZ, ADIOS


Pues la verdad es que Terele Pávez era una actriz que me caía muy bien.
Era una intérprete singular.
Su caligrafía era única.
Su mirada, su voz, su gestualidad.
Terele Pávez era siempre Terele Pávez pero también era capaz de ser muchos otros personajes en una alquimia que sólo consiguen los grandes.
Lo supo Alvaro de la Iglesia, pero también muchos otros, como Gerardo Vera que nos la regaló en El Cojo de Inishman, creo que una de sus últimas apariciones en teatro.
Pero también tuve siempre la sensación de que era una mujer honesta, una persona de ley. Dedicada a su oficio y a su gente. Aun recuerdo su dedicatoria al recibir el eternamente merecido Goya a su hijo. Una preciosidad llena de corazón.
Tuvo que pasar como tantos por un ataque carroñero de la prensa rosa, intentando buscar más basura, pero gracias a Dios duró poco aunque estoy seguro de que para ella fue doloroso.
Yo siento que se haya ido. Quiero desde aquí decirles a sus seres cercanos que no sólo ellos la admiraban. Que la vamos a echar en las pantallas y en los necesarios.
He encontrado esta foto. Está guapa. Lo era.

Público

SERIE DE TV: THE CHURCHMEN ( AINSI SOIENT-ILS )- TEMPORADA 2 de Bruno Nahon

Francia 2014
Directores.-
Rodolphe Tissot. Elizabeth Mane. Olivier Pont.
Intérpretes.-
Thierry Gimenez. Julien Bouanich. Samuel Jouy. Clement Manuel. Jean Luc Bideau. Nicolas Beaucaire. Celine Cuignet. Clement Roussier. Gauthier Baillot. Jacques Bomnaffe. David Baiot. Yammick Renier. Guy Denize. Jacques Develay. Frans Boyer. David Chenaud.
Duración.-
8 episodios
50 minutos c.u.

Finalmente he decidido continuar y no me arrepiento.
Con todas las dudas que me pudiesen surgir a raíz de la primera temporada, y a la espera de culminar la serie con la tercera y última, The Churchmen es un producto de calidad, muy bien escrito y sobre todo con una excelente realización capaz de integrar lo espiritual y lo mundano.
Ya sólo quedan cuatro de los cinco seminaristas que iniciaron el camino de formación en Los Capuchinos, uno de ellos, relegado a una silla de ruedas.
El Padre Bosco ha tomado las riendas y se ha incorporado el Padre Abel, que bajo una apariencia amable esconde una clara ambición.
En este escenario, se seguirán desarrollando las vocaciones y las dudas, unidas a las inclemencias del entorno cotidiano. Creo que es aquí donde The Churchmen obtiene su mayor valor. No está cerca de un planteamiento convencional, sino que nos ofrece la posibilidad de plantearnos cual es la forma adecuada para que hoy día la religión y, en definitiva, la espiritualidad, conviva con los retos de una sociedad que camina hacia adelante con un ansia absoluta hacia la libertad personal y el desconcierto de quien no conoce el camino.
Pero no es este el único nivel en el que se mueve la serie. Como en la temporada anterior, existe otro, más oficialista, por definirlo de alguna manera, y que se centra en la Iglesia como institución y, porqué no decirlo, como empresa.
Está claro que una serie sobre la Iglesia hoy día no podía dejar de ser crítica y es ahí donde esa crítica se hace patente, no en las almas particulares que, con mejor o peor acierto inician su búsqueda, sino en la infraestructura que parece convertir la llamada que han recibido en un instrumento para acrecentar el poder.
En este área, que terminará involucrando al Seminario de Los Capuchinos y siendo fundamental en su futuro, la base es la quiebra económica de la Iglesia de Francia y la necesidad de buscar vías de financiación, tarea que deberá de emprender el nuevo presidente de su Conferencia Episcopal. Una vez más, es aquí donde encuentro algún apunte de caricatura que me molesta por lo que tiene de ideológico y por el poco encaje que tiene el esperpento en una producción tan cuidadosa con el resto del contenido. De todas maneras, es necesario apreciar que es menor que en la anterior temporada y que permite abrir un debate sobre los intereses económicos del Vaticano y sobre el deber, cuando este puede estar por encima de lo que se entiende como correcto.
Considero que, fallos aparte, y sin hablar de los aciertos de la producción, es muy interesante que una serie de televisión se haya atrevido con un tema por un lado tan poco popular y por otro lado, tan difícil.
El éxito es conseguir una llamada a la reflexión y también el reconocimiento de un tipo de creyente comprometido y adaptado al mundo que nos rodea.
También, convertirlo en un artefacto narrativo que, lejos de aburrir, llega a resultar apasionante.
La valentía y el respeto conjugan muy bien en este caso.
Dentro de poco comentaré la tercera.

Público.

martes, 8 de agosto de 2017

NOVELA: EL DOMINGO DE LAS MADRES de Graham Swift

Anagrama
168 páginas
También disponible en ebook.

En ocasiones me cuesta no ver a este grupo de escritores ingleses como un conjunto, Swift, Ishiguro, McEwan, Barnes, KureishiAmis....
Me gustan todos, unos más y otros menos, pero de todos he disfrutado de buenos libros y de obras maestras.
Y en casi todos encuentro una característica común: son muy británicos, incluso aquellos de origen mestizo.
En la mayoría de sus novelas hablan de Inglaterra, bien a nivel histórico bien como una reflexión desde el presente. Incluso aquello que utilizan la ciencia ficción o la distopia lo hacen desde un punto de vista absolutamente británico.
El domingo de las madres opta por la historia.
Ha ocurrido una guerra, llegará otra.
El país se sostiene sobre una estructura de clases férrea y aceptada.
Comienzan a aparecer ciertas libertades, todavía escondidas.
Un hecho concreto, un accidente dramático.
A su alrededor, el escritor se deleita en centrar su estructura con una descripción íntima de los mínimos sucesos anteriores y posteriores, lo hace con delicadeza y singularidad, otorgándole con ello un nivel de grandeza, de mitología.
También se dispersa en flecos que nos lanzan entre pasado y futuro y que consiguen la magia de que un libro de apenas doscientas páginas, se convierta en una historia enorme.
El domingo de las madres me parece una obra esplendida en la que podría destacar un montón de cosas.
Algunas de ellas:
Su homenaje a la narrativa de aventuras desde lo cotidiano, una forma de recordarnos que la verdadera aventura es vivir.
Su homenaje a la literatura.
El recorrido del personaje central, de esta mujer desde el abandono hasta la fama. Lleno de piezas de todos los colores.
El cuadro social perfectamente dibujado en sus contenidos y aristas.
En definitiva, repito, una fantástica pieza, en la que no sobra nada. Una crónica íntima y el regalo de un excelente escritor a su profesión.
El grupo británico de los "Anagramas", sigue avanzando. Esto sí es un dream team.

Público



lunes, 7 de agosto de 2017

NOVELA: LA MONTAÑA MÁGICA dde Thomas Mann

Edhasa
1.000 páginas
También disponible en ebook

Hay libros que son como océanos
Uno entra en ellos, se deja acoger, y navega entre las olas sin importarle demasiado el destino, dejándose llevar y disfrutando, en este caso, del poder de la lectura.
En esos casos, gracias a una capacidad alquímica difícil de explicar, el escritor se convierte en una especie de guía, de timonel que nos acompaña en el recorrido, y que, algo caprichosamente, decide las etapas.
La Montaña Mágica es ese modelo, uno de esos monumentos literarios en los que comulgamos con su creador.
Sin duda hay un fondo, un escenario. Esa clínica que se asemeja en ocasiones a un lugar en donde una especie de geniecillos y brujas de distinto pelaje, acogen a pobres mortales que, engañados, buscan refugio en este paraje capaz de vulnerar la existencia del tiempo.
Ese comedor, esa terraza, la nieve que anula la existencia del mundo, las excursiones a parajes cercanos pero que parecen alcanzar el nivel de aventura de una partida de exploradores, los sueños de vida y muerte, los fenómenos más o menos explicables, el adiós....
Todo esto conforma esta narración totémica y plural.
Pero creo que lo que verdaderamente es significativo, es la experiencia lectora compartida por el autor, que no siente ningún remordimiento en la digresión, en hacernos caminar por discusiones filosóficas o llevarnos de nuevo "al mundo de abajo" para situar a ciertos personajes en sus orígenes.
Como un ejercicio de natación, sin prisas, ni metas, sin obligaciones, disfrutamos, o al menos yo he disfrutado sin altibajos, por este largo recorrido lleno de hallazgos, de lucidez y de humor, y también, sobre todo, de aventura interior, de investigación intelectual observando diferentes especímenes con la claridad de un cirujano.
Hay algo más.
Algo que no es nuevo y he contemplado ya en muchos escritores.
La Montaña Mágica ofrece un cuadro extremadamente completo de la sociedad prebélica, a punto de estallar la Primera Guerra Mundial.
Ante esa aristocracia parásita, voraz e inútil, no es difícil pensar en la necesidad de un estallido cruel que empujase al mundo y evitase su parálisis.
Crónica visual también por lo tanto de un periodo.
La Montaña Mágica es un clásico al que sentía que llegaba tarde aunque tal vez fuese el momento preciso para alcanzar a disfrutarla en su totalidad. Hermosa experiencia que aporta en fondo y forma.

Público

miércoles, 2 de agosto de 2017

CINE: LA GUERRA DEL PLANETA DE LOS SIMIOS de Matt Reeves

USA.- 2017
Andy Serkis. Woody Harrelson. Steve Zahn. Terry Notary. Amiah Miller. Karin Konoval. Gabriel Chavarría

El planeta de los Simios es una película mítica de nuestra infancia.
Cuando décadas después se puso en marcha la precuela, muchos pensamos que iba a ser una serie B más o menos efectista. Lo cierto es que las revisitaciones del clásico no apuntaban a nada bueno.
Como siempre, la realidad viene a eliminar prejuicios, y es que finalmente esta trilogía ( por ahora ) ha resultado ser una de las mejores series de ciencia ficción de los últimos años.
La primera nos sorprendió por su escritura y su originalidad científica, un nivel de coherencia pocas veces presente en superproducciones del género.
La segunda estuvo a la altura, acercándose más al cine de aventuras.
Ahora llega la tercera parte, y lo hace para cerrar el trío con una película grande, donde la voluntad de entretener conjuga a la perfección con el buen cine.
No podemos olvidar que la principal dificultad de la propuesta es la humanización de los simios, conseguir que el público empatice con unos personajes que aquí se convierten en casi absolutos protagonistas.
El director comienza, tras una espectacular escaramuza, acercándonos a su entorno familiar y con ello y mucha ternura, ya estamos en posición adecuada.
A partir de ahí, La Guerra del Planeta de los Simios se convierte en una cinta homenaje a los clásicos, con el respeto y el oficio para convertirse en uno de ellos.
Se la ha definido como un western, algo que sin duda es. Esas cabalgadas al atardecer, ese grupo de camaradas, incluso el rescate de la niña que deviene en un personaje fundamental.
También el humor, el personaje cómico que sirve de contraste a la peripecia dramática y cuyos paralelos podemos encontrar en muchísimas películas de siempre.
Pero no es sólo esto. También hay cine carcelario donde la escapada se convierte en un conjunto de picardías narradas en el punto y tono preciso.
Y como no, un "Ape-Calypsis Now" como reza la pintada de los túneles.
La escena final viene a culminar este recorrido, con una magnitud que posiblemente en un cine con complejos podría sonar impostada y que aquí es el cierre perfecto.
Veo Centauros del Desierto, La Gran Evasión, incluso Los Diez Mandamientos....
Lo importante es llevar esto a cabo sin que en ningún caso suene a pastiche. No sé bien como definirlo, pero creo que es algo así como un aliento interior que hace que las escenas no suenen a copia o referencia sino a propias, dándole derecho a formar parte de la filmoteca de las importantes, ¿ grandeza?.
La historia está estupendamente escrita y realizada. Posiblemente sea esto lo que hace que todas las piezas encajen a la perfección sin que se noten las costuras ni haya ninguna fisura. Posiblemente sea también por ello por lo que se convierte en una apasionante película de aventuras que en ningún caso pierde el ritmo y que nos mantiene pegados a la pantalla hasta el final.
Dos últimos apuntes:
Por un lado, dejar claro que la epopeya no termina con la conquista, no enlaza directamente con la cinta matriz. Espero que esto suponga que quedan nuevas entregas y que estas sigan manteniendo el nivel de calidad. Cornelius sería un buen heredero de Cesar.
En segundo lugar, he visto la película en los Cines Renoir en V.O. Es importante el cambio de los últimos años, donde el buen cine tiene su sitio en pantallas de calidad , sin que necesariamente tenga que tener el matiz de rareza. Wonder Woman puede convivir con la cinta polaca Estados Unidos del Amor, por ejemplo. Lo importante es la calidad. Ya no hay complejos sino ganas de aprender y disfrutar. Nos vamos haciendo mayores.

Público      

lunes, 31 de julio de 2017

SAM SHEPARD. ESE INTERESANTE PERSONAJE

Creo que fue en el 83, cuando el Festival de Cannes premió un hermoso viaje americano de Win Wenders que atendía al título de París- Texas y que se convirtió en una de esas extrañas producciones independientes que en esa época trascendían las pantallas de arte y ensayo.
Como consecuencia, descubrimos la obra en la que se basada, Crónicas de motel, y a su escritor y guionista del film, Sam Shepard.
Para nuestra sorpresa, este desconocido en nuestro país, era un joven dramaturgo con inmenso éxito en EE.UU. donde se le comparaba ( en mi opinión, comparación excesiva ) con Arthur Miller.
A eso habría que sumar aun dos características destacadas:
La primera, su desaliñado atractivo contracultura.
La segunda, ser la pareja de Jessica Lange, en esos tiempos una diosa de la pantalla.
Este era el personaje.
Luego pasó el tiempo.
En España, los intentos de darlo a conocer como dramaturgo, se quedaron en producciones no demasiado exitosas de Loco Amor y True West ( para mi, un texto singular, magnético, profundo ).
Como actor, nunca pasó de ser un interesante secundario en películas como Frances, El Informe Pelícano, Elegidos para la gloria...
Años después, cuando quizás muchos le habían olvidado y ya no formaba parte de la mitología de la juventud dado que nunca había llegado a ese nivel de consolidación, un director español, Mateo Gil, le ofreció un protagonista de Blackthorn, su western crepuscular. Lo hizo muy bien. Prefiero quedarme con el recuerdo y olvidar unas declaraciones de Eduardo Noriega con referencia a su comportamiento.
Sin duda Sam Shepard ha sido un personaje interesante, inteligente, capaz de no dejarse quemar nunca aunque eso supusiese una presencia menos potente.
Hoy nos ha dejado.
Recordando lo que aquí he contado, nos recordamos un poco nosotros. En la sala oscura, ese hombre caminando en silencio por el desierto en busca de su hijo, esa mujer destrozada que hablaba detrás del espejo, ese reencuentro.
Pasa el tiempo.

Público

sábado, 29 de julio de 2017

SEIE TV: INDIAN SUMMERS- EL FIN DE UN IMPERIO de Paul Rutman

UK 2015-2016
Creada y escrita por Paul Rutina
Directores.-
Anand Tucker. Paul Wilmshurst. David Moore. Jamie Payne. John Alexander. Jonathan Teplitzky.
Intérpretes.-
Henry Lloyd-Hughes. Julie Walters. Nikesh Patel. Jemina West. Roshan Seth. Lilete Dubey. Aysha Kala. Alexander Cobb. Fiona Glascott. Olivia Grant. Amber Rose Revah. Ellora Torchia. Art Malik. Rachel Griffiths. Arjun Mathur. Blake Ritson.
Channel 4.
2 Temporada:
10 capítulos C.U.
45 minutos C.U.

Si las series de televisión británicas destacan , entre otras cosas, por su calidad estética y la adecuación de su producción, podemos imaginar las posibilidades de una narración que transcurre en la India colonial. Y sí, antes de entrar en faena, digamos que Indian Summers, extrae lo mejor de esta oportunidad, siendo por encima de todo un producto fastuoso, hermosísimo y totalmente evocador de un época, o mejor dicho, del fin de una época. Casi del crepúsculo de una civilización.
Nos encontramos, ya lo hemos dicho, en la India colonial.
En un enclave donde, al parecer, los británicos pasan largas temporadas en primavera y verano.
Lejos de las grandes ciudades, este lugar está situado en un maravilloso entorno natural.
Dos personajes, que en algunos momentos no parecen en su perversidad lejos de los protagonistas de Las Amistades Peligrosas, centran directa o indirectamente la mayoría de las tramas.
Él es un joven arribistas con la ambición de convertirse en Virrey de la India. Un pasado lleno de nubes y mucho dolor escondido.
Ella, la dueña de un club social, a imagen de los que entonces abundaban en Londres y que aquí supone un oasis malsano,  en el que se reúne la sociedad colonial. Cuyo objetivo es el mismo: que su protegido sea Virrey.
Ambos estarán dispuestos a lo que sea con tal de conseguir su objetivo. Pero no siempre las cosas salen como se espera y no siempre es posible acallar hasta el silencio absoluto el alma, aunque tenga colores en principio oscuros.
Esta columna sirve como base para dibujar un amplio paisaje donde conocemos la actitud de un grupo de ciudadanos que posiblemente alcanzaron allí un nivel aristocrático y de poder al que nunca tendrían acceso en su país de origen, conocemos también sus miserias al alejarse de la estricta moral de la isla, y por supuesto, conocemos a los nativos, aquellos que por un lado se humillan ante sus invasores y que por otro, ponen en marcha una revolución para echarlos.
También asistimos a la necesidad de cambiar ciertas costumbres para alargar en lo posible la agonía de esa situación.
Históricamente, la propuesta tiene un importante valor, pero no es La Joya de la Corona ( serie mítica en el mismo escenario ). Aquí priman las historias de sus personajes frente al trasfondo político, si bien este está siempre presente como telón de fondo.
Indian Summers está estructurada en diferentes tramas perfectamente escritas, tiene las excelentes interpretaciones a las que nos tienen acostumbrados los actores británicos, en este caso británicos e indios, donde a pesar de la perfección coral, me cuesta no destacar a la veterana Julie Walters y al joven Lloyd- Hughes, la pareja antes citada, pero todo ello se magnifica en el color, la textura y la atmósfera de un país tan fascinante como inmenso.
El resultado es narrativamente apasionante, casi como aquellas películas de cine clásico gracias a las cuales conocíamos ya esa época. No parece que esté lejos David Lean que, si hubiese dirigido series, seguramente habrían sido parecidas a esta.
Estéticamente ya he dicho que es fantástica.
El conjunto, por lo tanto, no podía salir mal.
Tengo que reconocer que en la primera temporada encontré que quedaban abiertas demasiadas tramas y no me pareció que estuviese redondeada. Sin embargo, en la segunda me enganché desde el minuto uno.
No sabemos si habrá tercera temporada.
Sería bienvenida.

Público

miércoles, 26 de julio de 2017

SERIE TV: THE CHURCHMAN ( Ainsi Soeient- Ils) TEMPORADA 1 de Rodolphe Tissot/ Elizabeth Marre/ Olivier Pont

Francia 2012
Directores.-
Rodolphe Tissot. Elizabeth Marre. Olivier Pont
Intérpretes.-
Thierry Gimenez. Julien Bouanich. Samuel Jouy. Clement Manuel. Jean Luc Bideau. Nicolas Beaucaire. Celine Cuignet. Clement Roussier. Gauthier Baillot. Jacques Bonaffe
Duración.-
8 capítulos 50 minutos c.u.
Disponible en Filmin

El punto de partida es sin duda sorprendente. Creíamos que estábamos acostumbrados a que hubiese series de televisión sobre cualquier temática. Pero no era así.
La francesa The Churchman reúne las condiciones generales del género episódico, la coralidad en los personajes, las tramas paralelas, la integración entre lo íntimo y lo público....
Pero el paisaje de fondo es, nada menos, que la Iglesia Católica.
El seminario de Los Capuchinos parece haberse convertido en la élite de la confesión religiosa. Su selección a la hora de admitir seminaristas, deja reducido a cinco el número de candidatos. Será a ellos, a su vocación y sus dudas, su convivencia entre la fe y el mundo, a los que seguiremos, afrontando una muy interesante visión sobre la lectura que en la actualidad merecerían las Santas Escrituras.
Problemas como los sin techo, la emigración ilegal, el aborto o la homosexualidad, se presentan en un desarrollo cotidiano muy bien escrito y realizado, también la parábola del camello y el ojo de la aguja tiene aquí su traslación narrativa.
Este nivel, una vez asumida la extrañeza de ver en este modelo, algo que, posiblemente de forma errónea, nos parecía intocable, está muy bien planteado. No es fácil ser valiente, obligarnos a asumir la necesidad de equilibrar tradición y actualidad, ver de otra manera nuestro compromiso con Jesucristo, y hacerlo desde el respeto, escapando de soluciones fáciles. Tampoco está teñido de falta espiritualidad.
Sin embargo, la serie tiene otro nivel, más global, relacionado con el mantenimiento de la propia congregación en los límites de lo legal, y también sobre las luchas de poder en la cúspide de la Iglesia en Francia y su extensión nada menos que al Vaticano como consecuencia de un conflicto diplomático con China.
Es aquí donde me pierde el proyecto.
Si bien las visitas a Roma , exteriores e interiores, se filman con una grandiosidad renacentista que otorga un nivel estético y referencial importante, el acompañamiento roza la burla al hablar de cardenales que parecen mafiosos y un Papa que se dibuja en caricatura.
Por lo tanto se produce un contraste que no me convence: por un lado, el debate abierto sobre la actualidad de las doctrinas cristianas y como deben de convivir sus mensajes con la sociedad actual, por otro, la crítica gruesa.
Supongo que tendrá que ver el hecho de que yo sea católico practicante, pero en cualquier caso, estoy dispuesto a admitir la duda humanista, precisamente desde la humanidad y la traslación de las dudas que cualquier corazón y mente inquietos debe de tener. Sin embargo, me cansa y me parece injusta la visión de pastiche que sólo se queda en lo superficial.
En cualquier caso, sí me han enganchado los personajes, en especial los cinco seminaristas. Hasta importarme su futuro.
Posiblemente me asome a la segunda temporada.
Seguiremos comentando.

Público


lunes, 24 de julio de 2017

CINE: DUNKERQUE de Christopher Nolan

USA/UK 2017
Tom Hardy. Mark Rylance. William Murphy. Kenneth Bragnanh. JamesDarcy. Harry Styles

Decía en una de sus entrevistas Nolan que siempre le había extrañado que no se hubiese hecho ninguna película sobre Dunkerque, algo que achacaba posiblemente al hecho de que fuese un importante fracaso militar.
Está claro que eran muchas las actitudes que podrían haberse tomado a la hora de contar este trozo de historia.
Nolan ha optado posiblemente por la más valiente y sincera, aunque eso no suponga en ningún caso que la desnude de poesía.
La primera escena, que pronto se rompe en un tiroteo, nos muestra con lentitud a un grupo de soldados de espaldas mientras caminan por una calle desierta y les rodean panfletos de propaganda que parecen pájaros de papel.
Creo que es una declaración de principios: está claro que nos va a contar la guerra desde la experiencia interior, y esta, en un entorno tan brutal, tiene mucho de pesadilla inmaterial, de posicionamiento en otra dimensión.
Pronto conocemos cuales van a ser los tres pilares de la trama: el mar, el aire y el espigón.
Cada uno de ellos se corresponde, o se puede corresponder, con una pieza narrativa, dentro de un  todo en el que todo termina encajando. Pero hablar de narrativa no es exacto en el modo tradicional, ya que Nolan escribe un guión con muy pocas palabras y tal nivel de estilización que, en algunos momentos, podría hablarse de abstracción, no tanto por la ausencia de sucesos ( en Dunkerque ocurren muchísimas cosas ) como por la mirada.
Lo cierto es que Dunkerque me parece la película definitiva sobre la guerra. No hay ningún tipo de limitación a la verdad. Sí hay grandeza en muchos de los comportamientos que se nos muestran, pero también hay mucha miseria abonada por el miedo y la desesperación. Y por supuesto está el horror, de los bombardeos, de morir ahogado, de estar rodeado de cadáveres, de aquellos momentos en que se roza la locura.
Dunkerque es de una fisicidad experiencial .
Quizás es también esa fisicidad la que consigue que, a pesar de la estilización que antes hemos citado, la película llegue a producir una emoción plena que va creciendo a medida que avanza la cinta y que a mi personalmente me ha acercado a la lágrima.
Y por último, un valor absoluto del film es su plasticidad, por un lado, en un montaje frenético pero siempre claro, y por otro, en su belleza. Goya demostró en sus pinturas que en el horror también puede haber belleza, lo que Nolan consigue es pura poesía, en paisajes tan anacrónicos con lo que entendemos por tal como una playa llena de soldados, un avión cruzando el cielo o la noche en el mar en llamas.
En ningún caso he dicho que Dunkerque es una película perfecta, tiene algún punto poco encajado a mi entender en los tiempos de las piezas. No importa. Dunkerque no es una película perfecta, es mucho más que eso. Es una experiencia tallada en sangre y fuego.
Pensaba al salir del cine esta tarde que era extraño que en fechas como esta, inicios de verano, nos llegue una película tan potente. No tarde en responderme que no es habitual que se estrenen películas tan potentes, en ninguna fecha.
Excelente.

Público

domingo, 23 de julio de 2017

NOVELA: ESE MUNDO DESAPARECIDO de Dennis Lehane

Salamandra
500 páginas
También disponible en ebook

Las obras de Lehane beben de o más clásico del género negro de gánster.
Su textura a nobleza y delincuencia, su color añejo y unas tramas donde los conflictos personales adquieren un tono shakespereano en la estructura de las relaciones, donde la sangre es algo más que el parentesco, donde conviven la traición y la máxima lealtad, bajo el paraguas de un destino, del fatídico devenir del movimiento de un poder que va más allá de la ambición.
Me recuerda al Scorsese de Infiltrados, de Casino, de Uno de los nuestros. 
Si sus obras fuese películas deberían de estar coloreadas en blanco y negro.
Sin embargo, creo que esta es la primera donde aparecen fantasmas, desde la aparición del muchacho rubio en el prólogo hasta la excelente secuencia coral con la que termina la novela.
Creo que eso es una señal, una señal que convive a la perfección con el título.
Ese mundo, efectivamente, ha desaparecido, como tantas épocas por las que el ser humano ha ido caminando hasta llegar al siguiente escalón, la siguiente etapa que también en su día será olvidada.
Pero hay fragmentos de la Historia que se recordarán con más cariño y admiración que otros, aunque, como en este caso, estén llenos de sangre y de dolor. O tal vez sería más adecuado decir que hay épocas que han tenido la suerte de contar con cronistas que las engrandecen.
Lehane es sin duda un excelente narrador, tanto en lo que se refiere a hacer asequibles unas tramas que en otras manos podrían ser muy complejas ( ¿Janes Ellroy?), como en la creación de personajes de todos los niveles y colores.
Pero hay más.
En esta obra hay más.
Como decía, título y fantasmas, hacen pensar, anuncian, lo que sin duda es el crepúsculo.
Ya han pasado lo mejores tiempos, ahora incluso muchos de los protagonistas, en concreto Joe Coughlin, se ha vuelto humano. Posiblemente tener un hijo tenga mucho que ver, también haber crecido perdiendo en el camino compañías irremplazables como la de su esposa, o tal vez sea simplemente el cansancio ante una vida muy dura.
El caso es que la guardia está bajada.
Y algún día tendrá que llegar la despedida.
Esa nostalgia de quien ha llegado a amar a sus personajes,tieñe de principio a fin Ese mundo desaparecido.  Con ello provoca una distancia que sublima gran parte de los sentimientos y mitifica ciertos actores: la asesina, el demonio, la amante....
El conjunto es un clásico re visitado, un clásico contado desde la pena de saber que su tiempo ha pasado, pero sin convertirlo en una pieza de museo.
La pluma da en este caso vida al pasado. Lo convierte en un tiempo a recordar. Lo engrandece.
Podría estudiarse como una muestra de narrativa histórica.
Pero también como una novela excelente que espero nadie infravalore por su adscripción al género.

Público