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martes, 27 de diciembre de 2016

CINE: LA DONCELLA de Park Chan- Wook

Corea del Sur.- 2016
Ha Jung-woo . Kin Min-hee. Jo Jing-woung. Kim Tae-ri. Moon Sa-ri. Kim Hae-suk

No es fácil, nada fácil, mezclar la extrema belleza y la suciedad interior.
Quizás sea esa la esencia de la perversión.
La doncella es una historia narrada en tres partes, tres visiones de un mismo relato al que además van haciendo avanzar, ya que cada una de ellas llega un poco más lejos, más cerca de su conclusión.
Mientras tanto, se van descorriendo velos que nos van dejando ver claramente aquello que poco a poco habíamos podido intuir. Esa suciedad de la que hablaba al comienzo y que terminará mostrándose en toda su crudeza.
La primera visión no está lejos de Dickens o de Wilkie Collins. En la época colonial, en una fastuosa mansión y rodeada del mayor lujo, vive prisionera una muchacha huérfana y condenada a que todos quieran aprovecharse de su herencia. Una trama de engaños, de traiciones y de amistad, se desarrolla ante nosotros con la transparencia de un buen novelista.
Sólo atisbos de la relación entre las dos mujeres y un encuentro ligeramente explícito nos prepara para lo que vendrá después.
La segunda parte podría ser un homenaje al Marqués de Sade, agresiva en la palabra hasta ser no fácilmente soportable y mucho más abierto en la acción hasta rozar el porno soft.
Aun así, tampoco ahí pierde su director el ritmo narrativo. Si anteriormente había conseguido engancharnos a la historia, ahora nos atrapa hasta situarnos, ya en el inicio de la conclusión, entre el desconcierto y la más absoluta intriga por conocer , no sólo el desenlace , sino también que es lo que realmente está pasando.
Finalmente todo se abrirá ante nosotros, como parecen abrirse los cuerpos de estas dos mujeres en una historia de amor lésbico que es también una historia de liberación.
Creo que es aquí donde, ya más cómodo por haber llegado hasta el último tramo de esta compleja aventura, el director se siente más cómodo con su material, más cercano a sus personajes al poder desvelar sus verdaderos sentimientos por cada uno de ellos, y consecuentemente , se permite jalonar la trama con momentos de humor que , si bien podrían parecer totalmente anacrónicos en un drama de esta altura, consigue encajar a la perfección.
La doncella es una gran narración, una historia densa, llena de recovecos dentro de su aparente estatismo, y para que esta corriente interior pueda mostrarse y sostenerse , era indispensable manejar personajes a la altura. El mayor valor de la cinta , probablemente desde su escritura , es precisamente la creación de estas dos mujeres, destiladas hasta sus más íntimos deseos , hasta sus últimos miedos y esperanzas. Ponerlos en pie es la labor de dos actrices cuya belleza rivaliza con la de la fastuosa mansión donde tiene lugar la mayoría de la historia. Excelentes actrices además.
La doncella es una película incómoda y apasionante . Ya he dicho que de una belleza absoluta y también con una densidad narrativa propia de las grandes epopeyas.
Chan- wook ya había sorprendido hace años con la potencia de Old Boy.
Ahora nos sorprende de nuevo con su maestría, su control visual, su capacidad para crear imágenes y emociones ( mucho más difícil ).
Y su valentía.
Tras la ya citada y su incursión en el cine americano, Stoker, su gusto por lo perverso no debería de resultarnos extraño.

Público    

NOVELA: INFORME SOBRE LA VÍCTIMA de Marina Sanmartín

Principal de los Libros
224 páginas
También disponible en ebook.

Hay veces, muchas, en que se funde la oscuridad y el género negro se acerca al de terror.
Para que eso ocurra , suelen convivir tres aspectos:
Que se hable del mal por el mal, sin motivo aparente, sin rédito.
Que ese mal provenga en todo o en parte de causas desconocidas.
Por último, que no se nos cuente todo, que se deje gran parte a la imaginación del lector ( en la mayoría de las ocasiones más aterradora que la propia realidad que pueda contarse ).
En Informe sobre la víctima se dan las tres premisas. Pero además, para hacerlo aun más cercano, y consecuentemente más doloroso, la causa es algo tan cotidiano que cualquiera podría tener que enfrentarse a una situación así.
Marina Sanmartín construye una novela con textura metálica, fría y ordenada en varios estadios que se organizan a la perfección. El futuro sólo sirve como referencia y el pasado, quizás para mi la única lacra del relato, como base innecesaria.
El resultado es un retrato del mal, tal y como nos anuncia desde las primeras páginas , que sin duda engancha, pero tal vez habría ganado contundencia en un formato de cuento.
No puedo dejar de recordar al leerlo, sobre todo al llegar al ( precipitado ) final, una narración breve, creo que de Aldecoa y creo que titulado El almohadón, que estaba recogido en la antología sobre vampiros que hace tiempo editó Siruela. Allí, con los mismos mimbres, se conseguía un impacto tan terrible que no era fácil olvidarlo.

Público

lunes, 26 de diciembre de 2016

EXPOSICIÓN: METAPINTURA. UN VIAJE A LA IDEA DEL ARTE- Museo del Prado

Museo del Prado
Hasta el 19 de febrero de 2017.

Cualquier exposición plural es atractiva para los que no somos eruditos en este campo artístico.
Nos ofrece una visión amplia, diversa.
Lo importante es para mi entender el concepto unitario, que este sea racional y comprensible en su desarrollo y que me aporte un punto didáctico, otra forma de ver.
Metapintura parte de una idea muy interesante: el arte pictórico como objetivo, como centro de la propia exposición.
Comenzamos en los primeros tiempos, cuando la pintura era una herramienta del cristianismo, también un elemento narrativo de historias de la mitología, todo ello antes de convertirse en algo válido por si mismo, el arte por el arte.
Posteriormente fueron los pintores quienes se convirtieron en sus propios modelos, o quienes a través de sus obras, nos transmitiesen su entorno, su espacio de trabajo, sus relaciones, amigos, familia...
En uno de los textos que acompañan la muestra nos transmiten una idea muy definitoria: cuando un cuadro no es sólo una ventana al exterior sino también un espejo.
También, y este sea posiblemente el segmento más llamativo, nos encontramos con aquellos cuadros, como el que acompaña este comentario, en los que la pintura trasciende su propio espacio, su concepto.
Metapintura está muy bien organizada y narrada, perfectamente comprensible a pesar de lo complejo que podría haber resultado su concepto.
Velazquez, Goya, Rubens, Tiziano, Ribera.....
Es un muy buen paseo, variado, muy rico y que nos enseña otra forma de mirar, más cercana al universo de sus artífices, más comprometida con su experiencia creadora.

Público

EXPOSICIÓN: MAESTRO MATEO EN EL MUSEO DEL PRADO.


Museo del Prado
Hasta el 26 de Marzo de 2017.

El Maestro Mateo es conocido sobre todo como artífice de gran parte de la iconografía de la Catedral de Santiago de Compostela.
De su taller surgieron la mayoría de las figuras que habitan ese mundo de piedra, ese referente de un pasado pleno, complejo, mágico y brutal, tan arraigado en el aroma de leyenda que aun conserva Galicia.
Desde ese punto lejano en el tiempo, el siglo XIII, este hombre, entonces sólo con la ayuda de rudimentarias herramientas, accedía a un tiempo perdido ,incluso entonces, donde la realidad en la narración, no permitía contrastes con la realidad, mezclándose en pedazos.
Entrar en la sala del Museo del Prado que acoge esta exposición, enfrentarse a estas figuras mutiladas pero de una fuerza totémica. Capaces de trasladar el furor de sus rostros imperfectos. De recoger como vida toda la materia, toda la belleza y la gravedad de la piedra. Es, entrar aquí, repito, lo más parecido a pisar un santuario donde el arte parece surgir de las entrañas de la tierra.
Así debieron de ser los titanes.
Estas figuras poseen demasiada humanidad para ser sólo dioses.

Público

viernes, 23 de diciembre de 2016

CINE: EL TESORO de CorneliuPorumboiu

Rumanía 2016
Toma Cuzin. Adrian Purcarescu. Corneliu Cozmei. Cristina Cuzina Toma. Nicodim Toma. Dan Chiriac. Julia Ciochina

Hay una escena de esta extraña y estupenda película que creo que resume claramente el estilo y el tono de la cinta:
Cuando se abre la caja, esta ocupa de forma frontal el total de la pantalla, de una forma geométricamente perfecta. Poco a poco se van abriendo los compartimentos interiores, también como una cuadrícula sin fisuras.
El Tesoro es una película en un estado transparente y ordenado, donde todo está al servicio de la narración, de una forma absolutamente lineal.
Porumboiu se descubre como un observador que no necesita convencernos de su estilo, o quizás su estilo sea no tenerlo o no tener que demostrarlo.
El protagonista es un hombre corriente, al límite de su capacidad económica , que vive tranquilo con su esposa y su hijo, a quien lee cuentos antes de dormirse.
Todo comienza con la visita de un vecino. Necesita dinero para seguir adelante y una vía es intentar encontrar el tesoro que, al parecer, hace muchos años, ante la amenaza de la llegada de los comunistas, su abuelo enterró en un jardín.
El siguiente episodio es una larga jornada de estos dos personajes, más el que maneja el detector de metales, buscando y cavando. Será noche cerrada cuando encuentren la caja que les deparará ( a ellos y a nosotros ) una agradable sorpresa.
Están cerca estos ciudadanos corrientes de aquellos que Beckett puso a esperar a Godot. Va a resultar que el absurdo aparente es mucho más cotidiano de lo que pensábamos.
No hay esquinas, no hay derivaciones ni segundas lecturas. Ya he dicho que El Tesoro se atreve a contar de forma transparente su historia. Con ello, es también el cuadro transparente de una sociedad aun con efectos secundarios del régimen gris y cruel de Caucescu. De su miedo a la autoridad, de su necesidad hacia la propiedad, y de su cierta ingenuidad, inmadurez, que les lleva, o lleva a su director, a atreverse sin rubor a beber de los cuentos infantiles y los deseos que los hacen tan necesarios.
Porque otro bonito referente a tener en cuenta en El Tesoro es ese: que bebe de los cuentos, del cuento más repetido, el de aquel que encuentra su suerte enterrada, nada menos. Sorprende que esa búsqueda se transmita, de unos a otros, sin generar suspicacias, con una absoluta confianza en la capacidad de creer de la otra parte ( como ocurre en los cuentos¡ ).
Y para culminar esto, para mezclar el cuento con la realidad, para convencernos de que todo puede llegar a ocurrir, el director nos regala final tan maravilloso que cierra con una sonrisa esta gozosa e inteligente experiencia.
Otro exponente del nuevo cine rumano.
Un último apunte: que películas de latitudes y países hasta ahora desconocidos cinematográficamente se puedan ver con cierta normalidad es una muestra de la pluralidad de la cultura y de la pluralidad de los receptores.
Yo la he disfrutado con una de mis hijas.
En mi época, acudir con 17 años a ver una película rumana subtitulada hubiese servido para ser calificado inmediatamente de bicho raro. Ya no. El mundo es mucho más accesible, aprovechemos todo lo que ofrece, y enseñemos a las nuevas generaciones a abrir los ojos a la curiosidad, sin barreras.

NOVELA: LOS CUATRO LIBROS de Yan Lianke

Galaxia Gutemberg
368 páginas
También disponible en ebook.

Hay ocasiones en que la literatura tiene como objetivo que no olvidemos algunos episodios de la historia. No sólo que no los olvidemos, sino que lleguemos a conocerlos en toda su intensidad.
Y digo la literatura, no el reportaje periodístico o la crónica, luego explicaré porqué.
La Revolución Cultural de Mao es sin duda uno de los episodios más crueles de la historia de la humanidad , y posiblemente también de los menos conocidos en sus detalles, gracias a un régimen que hizo de su autosuficiencia y su arrogancia para no dar explicaciones a nadie, su bandera.
Hemos leído y conocemos testimonios, y son aterradores.
El libro que nos ofrece Yan Lianke va mucho más allá.
Decía literatura.
Porque Los Cuatro Libros es , estéticamente , una potente obra literaria.
De las cuatro piezas que, intercalándose, la componen , hay una que incluso hunde sus raices en los textos sagrados, en su densidad y su simbolismo; en el resto encontramos siempre una prosa cuidada, que busca integrar la belleza y el horror y que siempre lo consigue.
Porque el valor de la aportación literaria es aquí el de crear la pintura, el cuadro, y dotar a la narrativa de un nivel poético que nos remite al territorio íntimo de sus personajes, a entender como personas que fueron en otra época referentes intelectuales, pueden ser empujados a la máxima abyección, a vivir como bestias , a venderse por un trozo de pan , a traicionar o incluso al canibalismo. Es decir, a perder cualquier vestigio de dignidad.
El campo de reeducación es un microcosmos de una sociedad cruel y vengativa. Un lugar donde Sísifo aprender no sólo a aceptar su incomprensible castigo, sino a, incluso en esa tarea bestial e injusta, encontrar razones para el servil agradecimiento.
Allí, una serie de personajes denominados por su disciplina, evolucionan frente a nuestros ojos, desde la sabiduría y el miedo, hasta la animalización , contemplando a su alrededor como la muerte se convierte en la dueña del mundo.
Cuesta en ocasiones la aridez y la monotonía de lo que ocurre, pero sirve para trasladarnos la difícil supervivencia en la nada. Cuando avanzamos hacia el horror, echamos de nuevos aquellas páginas que , temíamos, pudiesen llegar a aburrirnos.
Los Cuatro Libros es una obra dura, durísima, que utiliza la poesía para darle a la realidad la única dimensión en puede ser comprendida.
Sin duda es un libro bello y necesario.
Tristemente necesario.

Público  

TEATRO: LA VOZ HUMANA de Jean Cocteau

Dirección.- Israel Elejalde
Intérprete.-
Ana Wagener
Producción Kamikaze

La Voz Humana es un texto mítico de la desolación y el abandono.
Representado por un catálogo de grandes actrices de todo el mundo, en España , nuestra tristemente desaparecida Amparo Rivelles, en cine Anna Magnani, en Francia, Simone Signoret.
También ha sido referencia de muchos creadores de melodrama. Pedro Almodovar lo incluía expresamente en La Ley del Deseo, e incluso podían encontrarse ecos en Mujeres al borde de un ataque de nervios.
Aun así, La Voz Humana es un texto pequeño y sencillo. Quizás ahí esté su grandeza, en la capacidad para captar con absoluta transparencia el dolor.
La pieza no narra una historia sino un estado de ánimo , que va incorporando diferentes apuntes de hechos pasados que , sin trasladarse plenamente , sirven para ir coloreando esta larga conversación monologada.
Asistimos como vouyers privilegiados al momento íntimo de una mujer que, tras romper con su amante , tiene que descubrir, o mejor dicho que aceptar, no sólo el fin sino el hecho de que esté había comenzado posiblemente mucho antes de lo que ella pensaba. También que lo que entonces fueron herramientas para retenerlo a su lado, se habían convertido en inútiles, por mucho que eso no le impida seguir intentando utilizarlas en un último y desesperado intento de ganar un poco más, un resto, apenas unos minutos....
El texto, cuando se representa, como en este caso, con absoluto respeto a lo escrito, es lo que es su actriz.
Ana Waneger no dudo que tenga una muy interesante carrera, pero para mi era hasta ahora una secundaria eficaz. Físicamente es perfecta para este personaje cansado y de belleza marchita. Pero es sobre todo la naturalidad de su interpretación lo que cautiva.
Tal vez el hecho de no haber alcanzado el carácter de diva le permite afrontar el texto sólo con la verdad como arma , sin la necesidad de colocarlo en su propiedad sino poniéndose a su servicio.
Y consigue trasladarlo a la perfección.
Ella, sin nombre, es una mujer , cualquier mujer sufriendo. No una actriz. Es sólo un ser humano, con todo lo que esto implica.
Ella hace grande esta representación de La Voz Humana porque huye de la necesidad de transmitir su propia grandeza.
Lloramos con ella, reímos  con ella aun sabiendo lo poco que nos durará la risa, aceptamos su humillación y, lo que es más importante, la comprendemos.
La representación tiene lugar en un pequeño espacio de la sala denominado Ambigú, perfecto para una obra en la que estamos tan cerca ( riesgo enorme para la intérprete ) que podemos tocar sus  sentimientos. Hay momentos en que es necesario un gran esfuerzo para no levantarse y acogerla en brazos intentando consolarla.
El Pavón Kamikaze se ha inaugurado como proyecto teatral esta temporada , y ya se ha convertido en uno de los espacios más interesantes de la capital.
Nada mejor que un proyecto teatral manejado por personas que de verdad aman el teatro.
No es hora de felicitarles sino de darles las gracias y desearles lo mejor.

Público.    

martes, 20 de diciembre de 2016

TEATRO: LA EXTINTA POÉTICA de Eusebio Calonge

Director.- Paco de la Zaranda
Intérpretes.-
Carmen Barruntes. Laura Gómez- La Cueva. Ingrid Magrinya. Rafael Ponce

Lo aprendí viendo El Régimen del Pienso: el teatro de La Zaranda ( y aunque no aparezca como una obra de la compañía, están sus creadores, Calonge y Paco de la Zaranda ), tiene sus raíces en el esperpento más cruel.
Es un teatro artesano, que se crea, se desarrolla ante nuestros ojos, a escenario vacío y con muy pocos elementos.
Todo gira alrededor de los personajes, con alma de realidad y gestualidad de títeres. Ellos se convierten en verdaderos mediums entre los artífices de la obra y el público.
Con todo esto, sus espectáculos son verdaderas ceremonias donde la realidad se interpreta, se transforma y nos trasladan su esencia, sin miedo a la reacción que puedan generar, por la dureza de su temática y la valentía de afrontarla con un honor que se convierte en salvaje.
La Extinta Poética comienza sin lenitivos. Una familia terrible, compuesta por un matrimonio de seres desgraciados y egoístas, una hija a punto del matrimonio que es digna heredera de sus progenitores, y Ofelia, una disminuida física y psíquica. Terribles ellos y terribles sus escenas hasta que nos atrevemos a absorber el humor, única vía para hacerlo soportable.
En apenas una hora y veinte se nos ofrece un retrato concentrado de la miseria cotidiana, de aquellas vidas en estado de crisis moral y que pueden habitar, perfectamente, en nuestra propia calle.
Vidas que se sostienen en la química y el despecho, en el odio como rutina.
Desde el título, los autores parecen preguntarse ¿ hay en un entorno así, espacio para la poesía o se ha extinguido para siempre? pues en un lugar tan oscuro, y en una escena final memorable, nos regalan el espacio para la esperanza.
La Extinta Poética es una obra perfecta.
No sobra nada.Y además, consigue generar escenas tan increíbles estéticamente como la del vuelo. También una coreografía del absurdo estructurada como soporte de esta historia.
Los cuatro actores son absolutamente increíbles. Su flexibilidad, su capacidad de creación, su compromiso con sus personajes es único.
Ellos consiguen algo tan increíble como, en esta atmósfera de desolación, emocionarnos hasta la raíz.
Posiblemente sea una de las propuestas teatrales más maravillosas que podremos disfrutar esta temporada.
Hoy, entre el público, Jose Luis Gómez, Vicky Peña y Amparo Pamplona, compartieron su sorpresa y sus aplausos con el resto del público. Puestos en pie. Como todos.

Público

miércoles, 14 de diciembre de 2016

RELATOS: LA HABITACIÓN DE NONA de Cristina Fernández Cubas

Tusquets
192 páginas
También disponible en ebook
Premio Nacional de Narrativa

Me gustan mucho los cuentos, los buenos cuentos.
Y me parecen un reto. Una filigrana literaria. Una pieza de orfebrería.
Que difícil conseguir generar tensión, interés y emoción en el espacio reducido de un relato, que perfecto cuando nada sobra porque no hay páginas para lo intrascendente, todo, cada palabra cuenta.
La habitación de Nona es un compendio magnético, sorprendente, logrado y plural.
Seis relatos individuales, singulares, pero capaces de conformar un todo inquietante, porque los seis se mueven en el límite de la realidad, o mejor dicho, en la posibilidad de explorar realidades diferentes.
Eso les da un nexo común aunque la forma de afrontar la premisa, sea totalmente diferente en cada uno de ellos.
La primera narración, la que da título a la colección, es un fascinante y complejo ejercicio de duplicidad y de espejos, en el que nunca sabemos de que lado estamos , como siguiendo a una Alicia confusa.
Luego llegamos al terror, impactante, eficaz, terrible y clásico.
Me abruma el relato de la niña y el cuadro, sin duda un apunte preciso sobre la creación literaria pero que a mi me deja la desazón del infierno cercano y desconocido.
El de las tres hermanas es un prodigio en cuanto a como concentrar tantas cosas en tan pocas páginas.
Y, tras asistir a un triste apunte sobre la vejez, llegamos al último, el más largo, aquel en que ya no hablamos de la existencia de otra realidad sino de la perspectiva, tan difícil cuando se cruzan dos mundos como son el infantil y el adulto, e intentan entenderse.
Cristina Fernández Cubas me sorprende con su maestría narrativa, maestría que, como ya he apuntado, considero más difícil en el relato que en la novela.
Pero además, consigue una especie de tenue envoltorio que nos remite a los tiempos cuando todos descubrimos los cuentos, cuando todavía no los leíamos sino que nos los contaban. Así, por estas páginas transitan personajes conocidos, o que nos recuerdan a los que conocimos, una Caperucita desvalida, la Reina de las Nieves, la madrastra, la bruja de la casita de chocolate, ya he citado a Alicia... muy fáciles de identificar.
La habitación de Nona es un libro precioso.
Uno de esos libros que se saben escritos con cuidado, con cariño, e iluminados de sabiduría.
Una gozada de una autora a la que hasta ahora desconocía. Hasta ahora.

Público

lunes, 12 de diciembre de 2016

NOVELA: TODO ESTO TE DARÉ de Dolores Redondo

Planeta
640 páginas
También disponible en ebook
Premio planeta 2016

La Trilogía del Baztan nos descubrió a una autora que venía a posicionarse rápidamente entre los referentes nacionales del género negro.
Tenía oficio para crear tramas y personajes , pero sobre todo, para construir una atmósfera que se movía entre el policiaco y el terror ,asomándose a la esencia del Mal. En sus páginas confluían el entorno cotidiano con las leyendas oscuras de tiempos remotos. El resultado era sin duda apasionante.
El Premio Planeta es generalmente el lanzamiento a la venta masiva ( o su confirmación , como en este caso ) de autores  con potencial. Pero no es sinónimo de calidad. Hace tiempo que no los leo, pero recuerdo que , salvo excepciones ( principalmente la excelente El jinete polaco de Muñoz Molina ) me daba la sensación de que todos pecaban de cierto apresuramiento en la escritura.
Todo esto re daré no es un paso adelante en la carrera de Dolores Redondo, por mucho que vaya a vender. Personalmente creo que es un claro retroceso.
En las citas que abren el libro, el referente principal es Agatha Christie.
Está claro que puede ser el modelo: asesinato que no lo parece, familia llena de secretos, dibujo cerrado de los posibles sospechosos y todos ellos con razones sobradas para matar.
Manuel recibe la noticia de la muerte de su marido en un accidente de tráfico. A partir de ahí tendrá que afrontar lo poco que conocía sobre su vida y en especial sobre su pasado.
Galicia , la Ribeira Sacra , se convierte en el escenario donde el Pazo de As Grilleiras se convierte en el corazón de una civilización cruel y condenada a sus últimos estertores , eso sí, destrozando a su paso lo que sea necesario.
Las piezas son interesantes , también la colección de personajes en su aspecto externo, especialmente el trío investigador, sin embargo el desarrollo está lejos de funcionar.
Echo de menos cierta estructura frente a la dispersión que pretende acumular demasiados elementos . No está claro hacia donde dirige la trama y se producen discordancias como el cambio injustificado de puntos de vista.
Además , le falta profundidad y me atrevo a decir que coherencia en los comportamientos que parecen más deudores de continuar la trama por el camino elegido por la narradora que de responder a motivaciones creíbles.
Cansa.
y eso es lo peor que le puede pasar a una novela adscrita a un género que tiene que entretener. La novela se hace larga , pesada inconexa.
Tal vez esté siendo demasiado caústico. Dolores Redondo es sin duda una buena prosista y en la obra se ve trabajo de investigación, pero está muy lejos de aquella que nos deslumbro con su trilogía.
No sé si influye que los referentes son aquí aprendidos mientras que en el Baztan parecía  inscritos en su acerbo cultural.
En cualquier caso, de nuevo, percibo cierto apresuramiento. Con una revisión y una estructura más concentrada, un foco más claro y una buena poda, Todo esto te daré podría ser una buena novela.
Tal y como está, no lo es.

Público  

sábado, 10 de diciembre de 2016

TEATRO: EL PERRO DEL HORTELANO de Lope de Vega

Director.- Helena Pimenta
Intérpretes.-
Marta Poveda. Rafa Castellón. Joaquín Notario. Álvaro de Juan. Óscar Zafra. Nuria Gallardo.  Alba Enriquez. Natalia Huarte. Paco Rojas. Egoitz Sánchez. Pedro Almagro. Alfredo Noval. Alberto Ferrero. Fernando Conde.

Cuando Adolfo Marsillach fundó la Compañía Nacional de Teatro Clásico, su objetivo fundamental era poner en su lugar nuestro teatro del Siglo de Oro y acercarlo a la mayor cantidad de público posible.
En su etapa, sin duda se cumplió ese objetivo. Se consiguió la sorprendente situación de que piezas de Lope de Vega y Calderón, colgasen el  "no hay entradas" y las butacas estuviesen ocupadas en su mayoría por gente joven.
Luego hubo épocas mejores o mejores, algunas con cierta dispersión, pero la base estaba lograda.
Ahora Helena Pimenta recupera la necesidad de crear un proyecto homogéneo, que no se limite a una colección más o menos afortunadas de producciones.
El resultado está recuperando las cotas de aceptación de los mejores tiempos.
Esta representación de El perro del hortelano, es un claro ejemplo del excelente camino de nuevo encontrado, y también ejemplar en lo que se refiere a la definición sobre cual debe de ser la aportación del teatro público.
Esta comedia lopesca es de las más conocidas, amplificada por la versión cinematográfica.
Reúne, sin duda,  las mejores características de su autor:
El verso hermoso, limpio e inteligente. Música en palabras.
La trama ligera, divertida, que la acerca a cualquier screwball de la época dorada de Hollywood.
Y su profundidad escondida, que utiliza el humor aparente para transmitirnos las injusticias y las contradicciones de una sociedad basada en el honor y en el nacimiento.
Lope de Vega da para muchos análisis, para muchos estudios en los que otros han entrado, con mucha más capacidad que yo, que poco podré aportar.
Sí puedo hablar de esta producción.
Para empezar la versión es ideal, ágil, perfectamente enlazadas todas sus piezas y con un ritmo que permite encajar en lo más festivo, los soliloquios cargados de poesía.
Con esto, Pimenta opta como siempre por una realización muy pegada a la actualidad en sus movimientos, su gestualidad, sus guiños. Coordina un movimiento casi coreográfico y, con muy pocos elementos, le proporciona un contenido que llena el escenario sin cargarlo en ningún momento. La aportación de ese amor ciego, es fantástica y alcanza un nivel onírico que casa a la perfección con la propuesta.
Los recursos ( y aquí lo ligo con lo que comente al inicio sobre el teatro público ) son amplios, y lo importante es que están perfectamente utilizados.
No hay ninguna ostentación, sino elegancia. Un decorado arquitectónico y sugerente, un maravilloso vestuario, unas hermosas acotaciones musicales y una iluminación llena de sensibilidad.
El resultado es un ejemplo sobre como se deben de tratar a los clásicos, demostrando que se pueden acercar y ofrecer a un público mayoritario, sin la necesidad de caer en la trampa de actualizarlo o de buscar nuevos paisajes para , mediante el anacronismo y mediante la provocación, conseguir por lo menos llamar la atención.
Es además gozoso sin necesidad de concesiones.
Supone una absoluta satisfacción ver el teatro lleno, escuchar las risa y los aplausos de la gente en pie al finalizar.
Mucho tiene que ver la sensación festiva de todo el reparto. Liderados por una excelente Marta Poveda, un solvente Rafa Castejón y un grande ( siempre ) Joaquín Notario, todos cumplen con creces en el compromiso de compartir con nosotros lo que ellos parecen divertirse.
Lo dicho, yo me lo he pasado estupendamente.
Y Adolfo Marsillach puede descasar tranquilo después de algunos años de duda. Ha llegado alguien con disposición y capacidad para renovar su legado.
Bienvenida sea.

Público

jueves, 8 de diciembre de 2016

CINE: PATERSON de Jim Jarmusch

USA. 2016
Adam Driver. Golshifteh Farahani.

A la hora de escribir ( y pensar ) sobre esta película, me atrae hacer un comparativo con otra cinta del mismo director, Los límites del control.
En aquella, mediante la repetición de una serie de rutinas y  sus pequeñas variaciones, se construía una historia noir que, con las referencias más reconocibles del género, daba un resultado totalmente nuevo.
La repetición en esa propuesta funcionaba como una especie de andamio, una jaula quizás, que apresaba a sus personajes y, como consecuencia, al espectador.
Lo recuerdo como una experiencia magnética y absolutamente artificial y lograda.
Paterson también basa su desarrollo en la repetición.
El protagonista, con el mismo nombre que la ciudad, es un conductor de autobús, viviendo una hermosa historia de amor con una pareja vitalista y que, en sus ratos libres, escribe pequeños y delicados poemas sobre su entorno cotidiano.
Aquí la repetición es la manera de poner en imágenes su rutina diaria, pero la diferencia fundamental con Los límites del control, es que Paterson respira por los cuatro costados, deja pasar el aire como si fuese una pared de seda, alcanza una sensación de ligereza, de naturalidad, de belleza, difícil de expresas con palabras. Incluso aquellos aspectos que se incorporan en la narración desde una visión claramente ficcionada ( los gemelos, la niña poeta, el japonés... ) lo hacen en un nivel precioso de cuento mágico.
Lo que en la otra aprisionaba aquí parece ser el sostén necesario para que todo pueda fluir con libertad.
Lo que en la otra producía una satisfacción eminentemente intelectual, en este caso nos llega directamente a los sentidos y al corazón.
En lo que se refiere al contenido, podría decirse que Paterson esta dedicada a la poesía y que pocas veces, esta había conseguido materializarse de una forma tan perceptible en el cine. Personalmente creo que hay más, aunque me va a costar transmitirlo. Paterson habla de la vida, y la vida real e importante, la que no se esconde en lo dramático. Porque durante estos siete días, ocurren, en sentido convencional, pocas cosas, y sin embargo, no nos cuesta quedarnos al minuto enganchados a su personaje principal, ese Adam Driver de mirada inteligente y ensimismada, que interpretación más precisa.
y es que lo que es más  especial aquí precisamente su la mirada y la generosidad con que la comparte con nosotros. La forma de mirar para poder ver dejando que las cosas se muestren en su realidad serena, sin obligarlas a disfraces, o a forzar su presencia, observando y apreciando la belleza que todo esconde. Sin buscar un porqué a su existencia. Y asumiendo un principio tan grandioso como que la belleza puede ser una parte sustancial de la existencia. Principios grandiosos que no necesitan escenarios ni prometas, que se nos descubren en el cada día.
Alrededor de este hombre que mira y escribe, y también escucha, pequeñas historias, y una ciudad que regala cuadros hermosos en cada esquina.
Y frente a él ,en la butaca, nosotros.
Un público enamorado, feliz, atrapado en el encuentro. Agradecido por la calidez de la experiencia.
Entre los comentarios de la crítica sobre esta película, recuerdo una que decía que Paterson no era una película sino un milagro.
Creo que no se puede expresar mejor.
También es algo tan maravilloso e indefinible como una sonrisa.

Público

martes, 6 de diciembre de 2016

CINE: YO, DANIEL BLAKE de Ken Loach

UK. 2016
Dave Johns. Hayley Squires. Dylan McKiernan. Briana Shann. Sharon Percy. Kama Sikazwe
Palma de Oro Festival de Cannes 2016.

El cine de Loach es transparente, tanto en sus intenciones como en su realización.
En ocasiones es más o menos efectivo ( y efectista ), pero siempre se conforma como un acto de homenaje a sus protagonistas, personas que representan, lamentablemente, a millones de seres humanos que no siempre cuentan con cronistas verdaderamente implicados.
Por lo tanto el cine de Loach puede ser en ocasiones mejor o peor, pero en la mayoría de los casos es un cine necesario.
El hecho de que en el último Festival de Cannes se le concediese a esta, su última obra, el máximo galardón, quiero creer que tiene mucho que ver no sólo con la calidad intrínseca de la película, sino también con la necesidad de no superar esta crisis olvidándonos de las víctimas más cercanas. aquellas con las que posiblemente compartimos ciudades y calles, y que nunca soñaron, en sus peores pesadillas, con tener que enfrentarse a la ola que arrasó todas sus esperanzas y sueños.
Si esta película sirve como señal para que todos nosotros abramos una compuerta a la comprensión y a la piedad frente a la tan abundante indiferencia, estoy seguro que su existencia estará más que justificada.
Daniel Blake es un hombre corriente, un trabajador manual, carpintero, con más de cuatro décadas cumpliendo con sus obligaciones y llevando a cabo una vida sin excesos, acorde con las normas, suficiente para él. Un mal día, víctima de un problema de corazón, entra en la maraña burocrática establecida en su país para solicitar las ayudas estatales. Y es a partir de ahí, fruto de una contrariedad de la que sólo es víctima, cuando tiene que entender lo fácil que es dejar de ser un ciudadano en el sistema para convertirse en un número, una molestia, una carga o, en el peor de los casos, un enemigo.
En ese trayecto, conocerá a otras personas como Katie, en peor situación que la suya. Ofrecerá y recibirá una solidaridad que sigue siendo la savia con la que la bondad prevalece en un mundo tan feroz. Sentirá la necesidad de luchar.
La rebelión de Daniel Blake no es grandilocuente, no es salvaje, no agrede. Tan sólo es una rebelión de personas corrientes que necesitan alguna vez, dejar claro que, aunque tengan que aceptar esas políticas inhumanas, saben que siguen siendo por encima de todo seres humanos, y quieren tener el derecho de decirlo.
Posiblemente , lo más importante de la rebelión de Daniel Blake sea la existencia de la película de Loach y su capacidad para llegar a mucha gente.
Porque lo más importante es que seamos conscientes que, aunque en muchos momentos nos cueste creerlo, lo que se cuenta aquí es verdad, y no sólo puede pasarle a los desheredados, hoy día cualquiera podemos llegar a encontrarnos en una situación así.
En la transparencia de su realización no caben estilos, y es de agradecer que tampoco trucos o trampas efectistas. Dudo, tristemente , de que se pueda hablar de maniqueismo y falta de matices en el perfil de algunos de los funcionarios públicos que retrata.
Contribuye a tanta realidad un conjunto de actores que, como siempre en este director, parecen sacados directamente de la calle; entre ellos, destaca la fuerza resquebrajada de Dave Johns, grande a pesar de que al parecer es esta su primera película, capaz de crear un personaje ( decir persona sería más adecuado ) al que entendemos y en quien podemos reconocer a muchos otros.
Como he dicho antes, el cine de Loach es necesario.
Personalmente, entre sus obras prefiero Mi nombre es Joe o La Cuadrilla, pero Yo, Daniel Blake nos consigue situar de nuevo en ese lugar desde el que debemos de ser capaces de mirar el mundo, de no cerrar los ojos, de asumir nuestra responsabilidad en lo que ocurre ahí fuera.

Público

viernes, 2 de diciembre de 2016

CINE: ANIMALES NOCTURNOS de Tom Ford

USA 2016
Amy Adams. Jake Gyllenhaal. Michael Shannon. Aaron Taylor Johnsson. Laura Linnley

Lo cierto es que Animales Nocturnos me daba cierto miedo.
Tenía pinta de modernez, modelo High Rise el año pasado u otras lindezas que sorprendentemente consiguen epatar a parte de crítica y público. Y es que comprendo que hay pocas cosas que me molesten tanto como la pretenciosidad.
¿Que porqué entre entonces a verla?. Pues no lo sé muy bien, pero entré.
Los títulos de crédito me hicieron temblar. Son unas de las imágenes más desagradables que he visto en pantalla: no son sólo los grotescos cuerpos desnudos, sino el descaro con que parecen ofrecerse al espectador.
Lo dicho: tiemblo. Modernez y feismo. La mixtura perfecta para salir corriendo....
Pues bien, falsa alarma.
Animales Nocturnos es efectivamente una película extraña,  sofisticada y artificial. Preocupada por la estética tanto como por el entramado narrativo. Pero también es una obra magnética, intensa, incluso apasionante en muchos momentos y muy bien escrita y construida.
Una galerista de éxito, consciente de la banalidad de convertir la basura en arte, o sea, consciente de la banalidad de su trabajo, de su posición y, posiblemente, también por extensión de la banalidad de su vida, recibe una visita del pasado en forma de una novela escrita por su exmarido.
A partir de ahí, otras dos líneas narrativas se enlazan con la central:
Por un lado, la narración del libro que comienza a leer de inmediato. Una dramática historia de dolor y venganza con momentos difícilmente soportables.
En segundo lugar, los recuerdos de su primer matrimonio, que regresan a su memoria detonadas tanto por las circunstancias internas como externas. Un pasado que finalmente también esconde un secreto oscuro.
A pesar de que la primera de ellas tiene mucho de cine negro cruel, el contenido de la película no se inscribe en el thriller. Sin embargo, Tom Ford apuesta desde el primer fotograma por darle ese tono, tanto en la mirada como en la banda sonora y la iluminación. Con esta decisión, consigue generar una tensión permanente que nos engancha desde el inicio y nos acompaña hasta el final ( ese final que me encanta, pero sobre el que no quiero dar ninguna pista ). Aunque siempre es tópico hablar de referentes, no puedo evitar sentir a Hitchcock.
Animales Nocturnos sí habla de misterio, pero no al modo tradicional, su misterio es la contradicción de los seres humanos, la diferencia entre lo que queremos y lo que deseamos, así como la variación de estas posiciones a lo largo del tiempo. También puede verse como una historia sobre la venganza, tanto la venganza cruel como la venganza más sutil y, posiblemente, tan dañina a largo plazo.
Lo hace con una caligrafía, sin duda ocupada por la estética ( algo que, no entiendo, se le echa en cara en algunas críticas; a mi nunca me molesta la belleza ), con un nivel sofisticada de la elegancia, con un estilo personal y singular.
Pero Animales Nocturnos también debe mucho a su escritura, a un encaje de piezas tan bien medido que , no sólo es capaz de convertir tres historias dispares en una sola, sino que también logra algo tan difícil como el equilibrio para que ninguna llegue a destacar sobre el resto.
No manejo el mundo de la moda donde creo que se ubica Tom Ford. No consigo situar sus logros  y tampoco, por ello, esperaba nada.
Ahora sí.
Creo que existen muchas posibilidades de que llegue a ser un muy buen director de cine.
Para terminar una nota sobre la interpretación: todos bordan sus papeles, pero ¿ para cuando un papel a la altura de Laura Linnley? aquí en una única escena breve demuestra lo que es, una excelente actriz.

Público