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domingo, 30 de octubre de 2016

CINE: HISTORIA DE UNA PASIÓN de Terence Davies

UK. 2016
Cynthia Nixon. Jennifer Ehle. Duncan Duff. Keith Carradine. Jodhi May. Joanna Bacon. Catherine Bailey. Emma Bell. Benjamin Wainwright. Annette Badland. Rose Williams. Noemi Schellens. Miles Richardson. Eric Loren. Stefan Menaul.

Poco conocemos en nuestro país, o poco conozco yo, de Emily Dickinson, más allá de saber que fue una poetisa delicada e intimista, considerada una de las referencias de la lírica norteamericana.
Al parecer, miembro de una familia acomodada y algo alejada del puritanismo más radical de la época, Emily ya desde su adolescencia destacó como una pequeña rebelde, capaz de enfrentarse al clericalismo.
Como escritora, ofreció una poesía interior, hermosa e íntima, de la cual, durante su vida, apenas se publicaron unos pocos versos. Sin embargo, su deriva hacia una soledad cada vez más radical, que llegó a rozar la extravagancia, nos pueden llevar a pensar en su vertiente creativa como un refugio frente a un mundo que le habría obligado a una actitud más activa.
Su familia, su habitación y sus palabras. Parecía suficiente. Aunque la acritud de sus últimos tiempos, nos hacen dudar de lo saludable de esa decisión. El genio se tiñó de intolerancia y quizás fue el miedo lo que la hizo, más que recluirse, protegerse.
Tal vez fuese un ser humano tan puro, que enfrentarse a la imperfección de los seres humanos le producía horror. O quizás era solamente un planteamiento egoísta y orgulloso.
La película de Davies no ofrece una opinión al respecto, y muestra el genio como alguien capaz de ser sublime, cruel, inteligente y cobarde. Al mismo tiempo, basa su espina dorsal en transmitir el paso del tiempo, esa variable que hace que las decisiones tengan que sufrir sus consecuencias,  que nos obliga a aceptar la decadencia y la muerte de aquellos a quienes queremos, que hace que la soledad pueda crecer como una losa; el tiempo que arruga, que enturbia la mirada. En un momento determinado, Emily dice " ¿porque el mundo se ha vuelto tan feo?", quizás lo que se ha vuelto feo no sea el mundo, sino que con menos juventud, se ve de otra manera.
Es determinante en este sentido una escena, casi al principio en que , bajo la lente del retratista, los principales personajes de la familia maduran ante nuestros ojos, modificando unos rasgos inocentes en el rostro de la madurez.
Es difícil filmar una biografía por lo que siempre tiene de limitativo en cuanto al espacio. En este caso, un guión excelente y sobrio, consigue trasladarnos al personaje, en su versión interior y exterior,  y enmarcarlo en una época y en una comunidad perfectamente definidas.
Pero lo que sin duda hace grande, importante, la película es su realización.
Terence Davies tiene la mano de un clásico y su vocación de estilo está exenta de modernidad frente a una elegancia absoluta, una constante búsqueda de la belleza que, en lo estético, se materializa en unas imágenes que parecen pinturas, y en su contenido, en el fondo de los poemas de la escritora y en los muy adecuados momentos musicales.
Hay solemnidad en esta obra, pero es la solemnidad del arte, de contar sobre el arte y de hacerlo con una pieza de arte consciente de si misma como tal.
Historia de una pasión es una obra lenta, cuidada, que se toma su tiempo y que se disfruta con tranquilidad, sensualidad e inteligencia. Como se disfruta algo hermoso.
Por supuesto, contribuye a esa perfección , tanto una producción que consigue que la dirección artística y el vestuario nunca suenen a decorativo, una iluminación que parece emanar verdaderamente de las velas, y la interpretación de todos los que componen el extenso reparto, en especial un Cynthia Nixon que parece haber mutado verdaderamente en esa niña mujer que no necesitaba poner un pie fuera de su cuarto para gozar de un inmenso mundo interior.

Público

viernes, 28 de octubre de 2016

CINE: QUE DIOS NOS PERDONE de Rodrigo Sorogoyen

España 2016
Roberto Alamo. Antonio de la Torre. Ciro Miró. Posean Bengoetxea. Jose Luis García Pérez. Luis Zahera. rocío Muñoz-Cobo

Ya lo decía hace unas "entradas": el cine español está consiguiendo posicionarse como referente del cine negro, en especial de un negro hiperrealista, sucio.
Esta temporada, parece que se acumulan los logros en este sentido, Tarde para la ira, El hombre de las mil caras, y ahora esta, Que Dios nos perdone ( también la inimitable La próxima piel, podría inscribirse, aunque las tres citadas tienen más cosas en común).
El buen cine negro, a pesar de tener que contar con tramas elaboradas y creíbles, es sobre todo un cine de atmósferas y de personajes.
En ese sentido Que Dios nos perdone es magnífica y por ello, es capaz de superar alguna debilidad y conseguir un conjunto muy muy apreciable.
El punto de partida es conocido, la pareja de policías antagónicos que, trabajando juntos, establecen una singular relación de amistad.
Juntos se enfrentan a un caso verdaderamente sórdido, el de un violador y asesino de ancianas, en un Madrid muy bien presentado como escenario urbano, caluroso y caótico ( utiliza como acompañamiento la multitudinaria visita de Benedicto XVI ). Frente a víctimas solitarias, la actitud general de un cuerpo de policía desmotivado y superado por los acontecimientos, es la del caso cerrado. Sólo la actitud de uno de los agentes, que por otro lado también cuenta con sus lados oscuros, pondrá la realidad sobre la mesa.
Como ya he dicho, la atmósfera oscura, manchada, con una estética que refleja la amoralidad de la narración, está tan lograda que parece empapar. Y se nos muestra con la caligrafía brillante y tensa de un director con personalidad ( algo que ya demostró en la totalmente diferente y también conseguida, Stockholm ).
En lo que se refiere a los personajes, son poliédricos, complejos, humanos hasta el punto de conseguir que un relato tan sórdido, toquemos en algunos momentos la emoción. La pareja principal y también todos los secundarios. Pero lo que verdaderamente los engrandece, es el nivel interpretativo, de todos y cada uno de quienes aparecen en pantalla.
En grupos tan homogéneos, siempre es posiblemente injusto destacar a alguien, pero creo aceptable hablar de Roberto Álamo: este actor, proveniente de Animalario, reconocido sin dudas desde Urtain, vuelve de nuevo a hacer una creación única; puede ser cierto que sus personajes tienden a estar dibujados en los mismos rasgos, pero lo cierto es que la colección de matices, su fuerza, su personalidad, generan una de esas creaciones que marcan una carrera.
He dicho antes que la cinta también tenía alguna debilidad.
Posiblemente se le pueda achacar cierta acumulación en el paisaje personal de los policías y la necesaria aceptación de coincidencias en el avance de la trama.
Pero lo he dicho antes, el resultado es tan efectivo que son sólo pequeñas manchas en una obra poderosa, con personalidad y, sobre todo, un producto apasionante que se eleva por encima de un mero producto comercial.
Otra obra, pues, que viene a sumarse al buen cine negro español.

Público  

viernes, 21 de octubre de 2016

CINE: LA PRÖXIMA PIEL de Isa Campo e Isaki Lacuesta

España 2016
Emma Suarez. Álex Monner. Sergi López. Bruno Todeschini. Igor Spakowski. Mikel Iglesias. Greta Fernández. David Arribas. Pablo Rosset. Guillem Jorba

No creo que este vaya a ser un buen texto.
Lo escribo todavía atrapado por La próxima piel.
Por la historia que narrar, llena de sombras, de dudas, de esquinas.
Por como nos la cuentan dos directores que parecen estar dentro de la misma.
Por Emma Suarez y Alex Monner, ella una actriz sobre la que no cabe la duda pero que aquí alcanza un nivel de matices único, él ya recordado en Los niños salvajes ahora mucho más que una promesa; los dos , remedando el título, poniendo toda la piel, despertando dos seres humanos de una humanidad tan absoluta que transparentan todas sus contradicciones, sus miedos, sus alegrías. ( Señalar que muy bien acompañados por Sergi López ). Las escenas entre ellos dos adquieren una intensidad única.
La próxima piel es un thriller psicológico.
Narra la aparición de un niño perdido tras ocho años, ahora ya casi mayor de edad y su reencuentro con su madre. A partir de ahí existe la duda, una duda de la que dependerá el futuro de varias vidas. Pero también existe la recuperación de un pasado, que se creía enterrado, o desconocido, o olvidado.....
Habla de la identidad. De lo que significa y de la posibilidad de crearla. De que define lo que es cierto, y si la verdad es siempre más importante que la mentira. De las relaciones humanas, de la necesidad del amor, de si es amor o simplemente no sentirnos solos, buscar calor. De la culpa...
Hay muchos aspectos que quiero destacar:
En primer lugar el uso del paisaje, ese pueblo cerrado en el Pirineo, rodeado de nieve, que otorga a la historia una textura de cuento, de cuento oscuro. Pocas veces un espacio ha sido tan bien utilizado y tenido una capacidad tan relevante para teñir toda una película.
Con ello, se crea un estado que, a pesar de lo cotidiano, de lo geográfico en la  plasmación de costumbres, remite a un nivel casi mitológico, algo que se transmite a la grandeza de sus personajes y de los hechos, incluso llevándonos a admitir el, para mi, giro más cuestionable ( no voy a desvelar nada ) , pero que alcanza un punto de latido, de calor, que ilumina ligeramente la oscuridad.
Manda la dualidad hielo y fuego. El hielo de los hechos que puede llegar a derretirse o a mutar con el fuego de los sentimientos, representado por el corazón de cada uno de sus personajes. Corazones que se materializan de una forma casi física.
Y es precisamente esa fisicidad la segunda característica que se impone. No se si voy a saber explicarlo, pero desde la contundencia de la primera escena, esa peligrosa escalada, o la moto en la que trabaja el muchacho en el primer encuentro, el ganado, y por supuesto los primeros planos, tengo la sensación de que la cinta tiene relieve, que es sólida, que consigue materializar sentimientos y sensaciones.
Pero lo más increíble, es que todo esto, se maneja con un equilibrio total, a pesar de estar siempre narrada en la epidermis.
He leído, y copio porque me parece absolutamente adecuado, que algún crítico ha escrito que La próxima piel es una película en estado de fiebre permanente. Es cierto. No sé como se consigue, pero lo es. Creo que una de las razones es esa sensación de que está contada desde el cerebro de cada uno de sus personajes, en forma de miradas y sonidos, algo que culmina en la fantástica escena del baile entre madre e hijo en la celebración en el bar.
Francamente, creo que es un error "vender" esta cinta con la pátina de especialidad de Isaki Lacuesta. ( en este caso acompañado en la labor directiva por Isa Campo ). Esto no es Los pasos dobles ( excelente experiencia narrativa, por otro lado ). Es , lo he dicho al principio, un thriler psicológico con una gran densidad y un ritmo más detenido, pero a fin de cuentas, apasionante y sorprendente. Debería de poder llegar a un público mucho más amplio que, estoy seguro, estaría feliz de descubrirla.  Sólo espero, de verdad de corazón, que tenga una vida suficiente en la cartelera y que no nos encontremos con una de esas lamentables defunciones que la distribución ha regalado a algunos muy valorarles productos.
Ya lo he dicho al comenzar: no creo que sea un buen texto; una obra tan singular es difícil de comentar porque precisamente, son las que abren mayor número de sugerencias y nos provocan incluso sensaciones que no sabemos, o al menos, yo no sé describir. Y además porque se hace más duro estar a la altura.
Me contento con haberlo intentado. Y sobre todo, con dejar claro que La próxima piel me parece una de las historias más fascinantes que he escuchado/ leído/ percibido últimamente, y una de las propuestas cinematográficas más hipnóticas.
No os la perdáis.

Público

miércoles, 19 de octubre de 2016

SERIE: DICKENSIAN de Tony Jordan

Uk 2010
BBC ONE
Duración: 20 capítulos de 30'.
Directores:
Harry Bradber. Philippa Langdale. Mark Prozel. Andy Hay
Intérpretes:
Stephen Rea. Pauline Collins. Tuppence Middleton. Joseph Quinn. Tom Weston Jones. Sophie Rundle. Alexandra Moen. Ned Dennehy. Jennifer Harnassy. Robert Wilfort. Anton Lesser. Mark Stanley. Bethany Mur. Omid Djilli. Adrian Rawlins. Ben Starr.

Creo que es difícil que alguien no tenga su novela o su personaje de Dickens favorito, aquella o aquel que le emocionó, le dio miedo, o le enseñó a disfrutar del placer de la lectura cuando esto supone entrar a vivir en una historia.
Creador de grandes novelas, de retratos de una ciudad, Londres, y de todos sus habitantes, generador de tramas apasionantes, trágicas y divertidas.
Un titán para muchos, yo entre ellos, pero en Inglaterra algo tan sagrado como Shakespeare en lo teatral.
Por ello, hay que tener mucho valor para afrontar una serie que pretende fusionar un conjunto grande de sus personajes en un planteamiento coral.
Eso es Dickensian. Una propuesta que, como punto de partida, podría parecer extravagante.
No tengo memoria para asegurarlo, pero tengo la sensación de que lo que nos cuenta es en la mayoría de los casos, el prólogo a gran parte de sus historias. Así conocemos el origen de la locura de la Srta Havinsan, fascinante secundaria en Grandes Esperanzas, o como Oliver Twist termina en la calle, también está ese pasado oscuro de Honoria Deadlock presentido en Casa Desolada, y entramos en el hogar del martirizado asalariado de Mr Scrooge en Cuento de Navidad ( delicioso el final que remite al principio de ese relato) para compartir la felicidad de su numerosa familia al borde de la miseria pero llenos de amor.
Está por supuesto Fagin, también el ya citado Scrooge, Nancy etc. Y como eje central, alrededor del que giran el resto de las tramas, el descubrimiento de un asesinato por quien sin dudaba sido el primer detective oficial de la historia.
La producción reune todas las bondades de cualquier serie inglesa de época. Decorados, vestuario, iluminación.... son perfectos, evocadores de un tiempo y un lugar, pastosa su textura. La interpretación también excelente, no sólo en los principales personajes, a los que consiguen dotar de una personalidad que no hace echar de menos a quienes podríamos haber imaginado, sino también en un gran número de personajes secundarios, muy frecuentes en las obras de Dickens, que puntean y decoran de forma muy eficaz el desarrollo de los diferentes relatos.
Pero creo que lo más importante de esta serie es lo bien tejida que está, lo bien hilvanadas que están todas las piezas. Por un lado lo están en la escritura de un guión que sorprende en su riqueza y su agilidad; y esa buena costura, se mantiene en la realización y en el montaje, que enlaza a la perfección cada conjunto, haciéndoles convivir a la perfección.
Me parece que ya ha quedado claro, pero por si acaso:
Dickensian me parece una serie fantástica, apasionante y divertida, de gran calidad y que conserva y potencia lo mejor de Dickens.
Recomendable, muy recomendable, accesible en Filmin. Una oportunidad de acercarse de otra manera a una de los mejores escritores que han existido.

Público

NOVELA: LA TRISTEZA DE LOS ÁNGELES de Jon Kalman Stefansson

Salamandra
320 páginas
También disponible en ebook.

Islandia, una país hasta ahora desconocido que en los últimos años ha comenzado a dejarse ver, en el cine, con obras tan apreciables como Rams, Corazón Gigante o Sparrows. 
Gracias a eso, conocemos una sociedad singular, un poco aislada y seguramente endurecida por un clima y una geografía bellos pero crueles.
Creo que La tristeza de los ángeles es sino la primera, una de las primeras novelas que leo de un autor nativo, o, en cualquier caso, uno que se identifica tanto con su propio entorno y paisaje interior y exterior.
Tengo que decir que el resultado es inesperado en su poesía, en su hermosura. No quiero sonar pedante pero tengo la sensación de que es una obra con textura, y esa es la textura del alma, capaz de ser suave y firme.
Los protagonistas son Jens, el cartero, y el Muchacho. Ambos emprenderán juntos un viaje desde lo más parecido a un pueblo que podía encontrarse en la vieja Islandia, a los rincones más recónditos del país, con el objetivo de repartir dos sacas de cartas. Un viaje hacia el fin del mundo, un paisaje sólo poblado el silencio y borrado por la nieve.
En la primera parte, antes de la odisea, los conoceremos no sólo a ellos, sino también al pequeño microcosmos que les rodea, corazones cada uno con su propia historia de esperanza y dolor.
Una vez que se inicia la aventura, adentrándonos ya en el corazón de las tormentas, van transcurriendo diversos episodios, pequeñas historias, cada vez más cercanas al sueño, que nos hacen sentir las condiciones de vida del lugar y el interior de seres humanos cuyo tiempo transcurre en soledad y con mayor lentitud que para el resto, cuando se encuentran ante posiblemente lo más parecido a la nada, a un espacio fantasma.
Sería equívoco decir que Stefansson esculpe la narración; si bien esta tiene solidez y relieve, la veo más bien como un dibujo tridimensional, como un material de seda y nieve compuesto a base de un uso de las palabras que roza la alquimia.
Ya he citado su belleza a la hora de hablar de temas como la madurez, la desolación, la muerte, el miedo, no es fácil. Pero no es sólo una belleza estática que nos invita a contemplarla, sino a estar dentro, a sentirla, a comprenderla.
Sin lugar a dudas es una de las voces más especiales que me he encontrado últimamente, con un mundo y un estilo propio.
También ahondo en un país donde el alma no está lejos del alma rusa chejoviana.
Islandia debe de ser un lugar a conocer, entre la verdad y los mitos, cercana a ninguna parte y con unas condiciones de vida tan extremas que hace falta confundir muchas veces la realidad y los sueños. Y posiblemente, con Jon Kalman Stefansson haya encontrado uno de sus mejores cronistas, capaz de atrapar su esencia.

Público

sábado, 15 de octubre de 2016

CINE: AMOR Y AMISTAD de Whit Stillman

USA/ UK 2016
Kate Beckinsale. Chloe Sevigny. Xavier Samuel. Stephen Fry. Emma Greenwell. Jemina Redgrave. James Fleet. Jenn Murray. Tom Bennet. Kelly Campbell. Justin Edwards. Morfydd Clarck. Conor Mac Neill

A lo mejor no es algo muy popular en un hombre de cincuenta años, pero lo cierto es que las novelas de Jane Austen me parecen una gozada.
Al margen de su capacidad de crónica de una época y su sutileza a la hora de materializar las convenciones sociales de entonces, disfruto de ese subtexto, mucho más feminista que la de cualquier activista, incisiva e inteligente a la hora de mostrar la superioridad del genero femenino, con el objetivo de tener que sobrevivir en un mundo que las situaba a la altura de cualquier otra posesión de los hombres.
No conocía Lady Susan, al parecer, un relato breve en el que se basa esta película ( de la que lo único que no me gusta es el titulo ).
Sin embargo me sorprende ya que su posición, su personaje central, se aleja de las heroicas intelectuales y responsables típicas en las novelas de su autora.
Aquí la protagonista, es una seductora, manipuladora, en su búsqueda, necesaria para no caer en la miseria, de encontrar un marido pudiente para ella y para su hija. En su camino, desafiará convenciones sociales, admitirá una fama no muy adecuada en la sociedad en la que se mueve, pero todo valdrá con el objetivo de conseguir el resultado pretendido.
Por lo tanto, parece que esta Lady Susan puede surgir del cansancio de su autora de mantenerse en los límites de lo correcto, pero lo cierto es que esta mujer ( retratada a la perfección en el encanto y la belleza de Kate Beckinsale ), cumple también la función de las otras: una revolución sutil y callada que les posibilita dirigir sus propias vidas.
Whit Stillman está claro que coincide conmigo en la admiración que profesamos a la obra de la autora. También está claro que comprende su fondo, lleno de crítica pero siempre desde la ironía.
Por ello, la realización que propone es ágil, divertida, alejada de todo decorativismo.
El resultado, derrocha encanto. Todo el que tiene la pluma de Austen y su perfecta traslación a la pantalla.
Hay una gran comunión entre los dos creadores. El resultado parece conseguir aunar lo mejor de cada uno.

Público

CINE: MAGGIE'S PLAN de Rebecca Miller

USA 2016
Greta Gerwig. Ethan Hawke. Maya Rudolph. Travis Fimmel. Julianne Moore

La comedia americana es un género eterno.
No han variado mucho los cánones aunque sí se han actualizado.
Por un lado, los temas se han actualizado, por supuesto, y por otro, su adscripción al cine independiente le otorga una frescura necesaria para no caer en la mecánica de la repetición de texturas.
Maggie's Plan es perfectamente encajable en esta definición.
La historia es la de una joven soltera que, habiendo decidido ser madre sin tener por ello que aceptar la vida en pareja, se enamora de un hombre casado aunque inmerso en un matrimonio lejos de ser idílico.
En su desarrollo, la sutileza de mostrar a una sociedad exenta de una madurez total, quizás pugnando por alejar los niveles de responsabilidad exigibles a su edad y, con la necesidad de controlarlo todo. Luego la vida vendrá para demostrarles sus altas cotas de imprevisibilidad.
La comedia, tocando temas relevantes en su retrato, consigue estar escrita y realizada con el tono ligero que el genero exige.
Además, se queda en el equilibrado punto entre la realidad y la caricatura.
Dentro de los nuevos rostros, también se está creando un nuevo catálogo de intérpretes que parecen entender a la perfección el tono justo. Entre ellos, Greta Gerwing y Ethan Hawke destacan por su agilidad y simpatía. Julianne Moore, asume un personaje no muy positivo al que consigue transmitir una mezcla muy atractiva de sofisticación y debilidad.
No es fácil moverse en la ligereza sin parecer frívolo.
No es fácil ser simpático.
Y por ello, no creo que a las películas que consiguen serlo debamos denostarlas considerándolas una nadería. Uno de esos errores derivados de la eterna vocación  de continua trascendencia. Que forma tan aburrida de vivir la vida.

Público



sábado, 8 de octubre de 2016

CINE: UN MONSTRUO VIENE A VERME de Juan Antonio Bayona

España/ USA 2016
Lewis MacDougall. Sigourney Weaver. Felicity Jones. Liam Neeson. Toby Kerbell. Geraldine Chaplin.

No es fácil contar un cuento en el cine.
Más bien, lo que no es fácil es mantener el tono y el equilibrio, evitar la excesiva ingenuidad pero no traspasar los límites que exigen la comprensión de un adulto completo. Porque siempre he pensado que un cuento, para serlo, debe de apelar en algún punto al niño que todos hemos sido.
También me parece complicado integrar la estética de la fantasía dentro de un relato realista, algo que aquí incluye no sólo el monstruo del título sino también el dibujo animado ( precioso, por cierto, en una vertiente casi artesanal ).
Pues bien, comencemos diciendo que Bayona supera a la perfección estos dos riesgos: Un monstruo viene a verme, mantiene el tono perfecto que ni avergüenza a los mayores ni espanta a  los pequeños. Y como producción, encaja perfectamente los dos niveles.
¿ Es por lo tanto una gran película?.
Pues lo siento, pero no para mi. Es una buena película, muy bien hecha, tal vez demasiado bien hecha.
Sigo a la perfección la historia de este muchacho que necesita de un mundo imaginario para poder afectar el real, en unas circunstancias muy duras. Me sorprende positivamente el diseño de su acompañante y la fuerza de sus apariciones. Pero no veo desarrollo en su relación; tampoco otras líneas como la del abuso escolar o la presencia de su padre y su abuela están más que enunciadas. El hilo que une madre e hijo en la enfermedad, se queda al límite.
Es cierto que he leído que para muchos, este es un producto lacrimógeno. Para mi sería algo positivo, porque lo cierto es que me falta emoción frente a una corrección absoluta.
Un monstruo viene a verme se podría decir que es un buen producto pero una narración desigual.
Quedémonos con lo bueno , que es mucho.
Y deseemos que , este producto español, tenga una larga carrera internacional.
El esfuerzo de su director lo merece.

Público


viernes, 7 de octubre de 2016

CINE: ELLE de Paul Verhoeven

Francia 2016
Isabelle Huppert. Laurent Lafitte. Anne Consigny. Charles Berling. Virginie Efira. Lucas Prisor. Christian Berkel. Alice Isaac. Jonas Bloquet. Vimala Pons.

No sé si la perversión es algo intrínseco, en algún grado aunque sea mínimo, en cualquier ser humano. No me atrevo a opinar.
Lo que sí creo es que no hay nada que nos parezca más perverso que normalizar estas actuaciones. La moralidad exige que, al menos, se reconozca la anormalidad de ciertos comportamientos.
Cuando esto no ocurre, nos convertimos en observadores sorprendidos y desconcertados. Pero, en un punto de ese desconcierto, hay también cierto miedo a reconocernos.
Elle comienza con una brutal escena de violación.
A partir de aquí, se va desarrollando una trama retorcida, con atmósfera de thriller, alrededor del personaje de la víctima, que no tarda mucho en dejar de parecerlo. De acuerdo que el ataque puede considerarse la columna vertebral de la narración, pero hay mucho más: el retrato de esa mujer, y por extensión, de una sociedad que guarda en todas sus vidas, un sótano en el que no siempre se puede mirar con tranquilidad.
Michele es una mujer construida sobre un terrible suceso. Un trauma que sin duda ha dejado, tiene que dejar, huella profunda en su forma de enfrentarse al mundo, sobre todo cuando lo hace siendo una mujer de éxito.
Es fría, es exigente, carece de cualquier nivel de empatía, no sabe perdonar. Posiblemente todo ello se deba a un mecanismo de defensa, pero también es cierto, que su comportamiento es capaz de estremecernos.
En resumen, nos parece un monstruo. Sin embargo, no dejamos de dudar la culpa que tiene la sociedad en su creación y, sobre todo, si todos estamos siempre tan lejos de ella como nos gustaría.
La gran valentía de Verhoeven, más allá de una caligrafía magnética y limpia, que no nos deja, en ningún momento, descansar en la tranquilidad y que, incluso, es capaz de sostener cierto fondo de humor, es atreverse a eliminar yodo vestigio de anormalidad. Parece querer llevarnos a que veamos la pantalla como un espejo. Así Elle se convierte en una película también incómoda y terrible. Tal vez, por ponerle una pequeña pega, puede pesarme un poco la acumulación del guión; pero el tono de montaña rusa mental, hace que no tardemos en aceptarlo.
Un personaje de este nivel, es una apuesta absoluta para cualquier actriz. De hecho, su director comenta que no consiguió que ninguna actriz americana se atreviese con ello. Isabelle Huppert se atreve con cualquier cosa. Su interpretación es una lección absoluta, desde su habitual contención, plagada de matices, desde aquellos comprensibles hasta las que nos generan la necesidad de interpretar, comprender, adivinar. Es una de esas creaciones que sin duda se convierten en inolvidables.
Quizás también esa credibilidad que le otorga a su personaje, acercándonoslo más, haciéndolo más reconocible, consigue que todo resulte mucho más desasosegador.
Elle sorprendió en Cannes, y la sorpresa siguió cuando se marchó sin premio del festival.
No importa, creo que esta historia oscura acaba de comenzar su carrera y que sin duda será una de las películas del año.
Y que una propuesta tan dura llegue a serlo, dice mucho, tanto sobre la calidad del producto como sobre, hay que reconocerlo, lo que nos atrae. Lo cierto es que a Verhoeven siempre se le había reconocido ( y en algunos casos criticado ) su gusto por analizar las mentes torcidas , pero nunca había llegado tan lejos.
Cierro con una pregunta ¿ está verdaderamente muy lejos la protagonista de esta cinta de la de aquella Instinto Básico?.

Público.

jueves, 6 de octubre de 2016

NOVELA: PATRIA de Fernando Aramburu

Tusquets
648 páginas
También disponible en ebook.

Me interesaba más, con excepciones , la versión fabuladora de Fernando Aramburu que la realista.
La Trilogía de Antíbula, ofrece un paisaje con figuras, herencia reconstruida y singular de la novela decimonónica y el cine oscuro de CentroEuropa, mezclado con iconos más clásicos de cuentos de siempre para adultos y pequeños.
Me gustan más estas piezas que otras como Viaje con Clara por Alemania o El trompetista de Utopía. De todos modos, es siempre un autor interesante, importante me atrevería a decir.
Antes he dicho "con excepciones".
La primera fue, hace unos años, un libro de relatos titulado Los peces de la amargura, donde se narraban retazos de la vida de un País Vasco sometido por ETA y el independentismo radical, desde el punto de vista nunca suficientemente conocido, de las víctimas, en toda la amplitud de la palabra.
Junto con su calidad literaria y humana, me impresionó sin paliativos la valentía del libro.
Ahora va más allá.
Patria no es "otra excepción" en mi valoración. Es la novela que me lleva a ascender a su autor en mi nivel de admiración.
Empiezo diciendo que, posiblemente , sea la novela definitiva sobre el conflicto armado en el País Vasco. Si la colección de cuentos era valiente , esta es además necesaria. Escrita con el claro propósito de contarlo todo, de dar voz a todos, de recoger los efectos de las ondas expansivas hasta distancias a las que nunca se había llegado.
La historia, narra la vida de dos familias, antaño unidas en una aparentemente fuerte amistad , y más tarde separadas en distancias irreconciliables, por causa de su posición política.
Son nueve personajes , cada uno con su propia vida, que no se nos escamotea; porque la patria es mucho más que una idea, que un hecho, que una atmósfera, aunque esta pregne de un modo u otro toda la existencia. Así, cada uno de ellos, en su devenir , estará siempre afectado por un asesinato, pero no sólo por este, sino también por la necesidad de aceptar , más que adoptar, una posición ante el terror.
En el centro dos madres. Probablemente las personas que merecen un homenaje, este homenaje, por su fortaleza en posiciones antagónicas, víctimas siempre, pero capaces de sostener sobre sus hombros el cielo y la tierra.  Mujeres que no pudieron elegir , fruto de la tradición y la obligación, pero que aun así, aceptaron sin rechistar cumplir con sus obligaciones hasta el límite de su resistencia, sin mostrar nunca sus heridas.
Aramburu narra con serenidad y con sencillez , nueve vidas , ya lo he dicho, y todo lo que transcurre a su alrededor. Pero sin olvidar nunca la necesidad de mostrar lo que , durante muchos años, ocurrió en aquel territorio. Y lo hace con la precisión de un cronista ameno. Conocemos el entramado cotidiano en los pequeños pueblos, la vinculación con la lucha de clases , las extorsiones, la formación en el arte de matar , las huidas, la tortura y la cárcel, la complicidad de la Iglesia.... En definitiva, un cuadro completo de todo aquello que hasta ahora sólo habíamos podido intuir a trozos desde el periodismo.
Como he dicho, el conjunto es apasionante pero también terrible.
Con él llegamos a percibir todo el horror que supuso la vida en el País Vasco durante aquellos años.
En lo único que no permite dudas, es en trasladar que el miedo existía como forma de existir , y que , todos y cada uno de los que allí habitaban , se vieron profundamente afectados por lo que ocurrió, fuesen o no partícipes directos.
También es cierto que, sin entender a los asesinos pero, al menos en mi caso, por primera vez los contemplo como seres humanos con todo lo que eso conlleva.
Pero sobre todo, aprendemos de la valentía de aquellas personas que no quisieron o no pudieron irse, que no tuvieron más remedio que aceptar que su vida se había convertido en un ostracismo siempre amenazado, que no tenían salida, que no había nada que hacer frente a la injusticia, que no eran dueños no ya de su libertad , ni siquiera de una felicidad mínima.
Patria es un libro grande, enorme, repito que valiente.
No me canso de calificarlo como necesario. Cuenta esa historia que debía de ser contada , la que teníamos derecho a conocer pero, sobre todo, la que muchos , lamentablemente muchos, tenían derecho a que se conociese.
En nombre de todos, gracias a Fernando Aramburu.

Público    

martes, 4 de octubre de 2016

TEATRO: SERLO O NO. PARA ACABAR CON LA CUESTIÓN JUDIA de Jean Claude Grumberg

Dramaturgia y Dirección.- Josep Maria Flotats
Intérpretes.-
Josep Maria Flotats. Arnau Puig

Si existiese una cosa llamada "teatro inteligente", esto sería a lo que se ha dedicado Flotats en los últimos años.
Desde Arte de Reza, no falta a su cita en Madrid, generalmente con obras pequeñas en recursos y grandes en contenido, construidas a través de diálogos precisos, valientes a la hora de cuestionar paradigmas, incisivos en la duda.
Y por supuesto, de interpretaciones capaces de sostener esos textos.
Así era La Cena, El Encuentro de Descartes con Pascal Joven, París 1940.... y por supuesto, Serlo o no, el texto que ocupa el Teatro Español y que es totalmente recomendable par cualquiera que una a su amor al teatro, la inquietud por saber.
Decía antes teatro inteligente, y no hay nada tan inteligente como el humor.
Personalmente soy de los que creo que hay que derribar los muro que impiden asumir cualquier situación con una sonrisa, la seriedad impostada, la trascendencia absoluta.
Jean Claude Grumberg, autor que , según nos dice en el programa de mano, se estrena en nuestro país con esta obra, a pesar de ser sobradamente reconocido en Francia, es judío y, en esta obra, nos plantea un dilema: como explicar a alguien ignorante a la materia, lo que eso significa.
También que significa ser judío para quien sabe que lo, al margen de las normas.
Dos vecinos se cruzan en la escalera de la casa donde habitan, y a partir de ahí, comienzan una serie de cuadros rápidos en los que se va produciendo no sólo un acercamiento sino también una especie de somatización.
Lo más valiente, es que se atreva a tomar un tema casi sagrado, como una comedia. Los encuentros entre estas dos personas llegan a ser hilarantes , conduciendo desde la comedia incluso a rozar la farsa. Y lo hace con, repetimos, inteligencia, pero también respeto, mucho respeto. En este humor no hay asomo de burla.
Para recordarlo, Flotats nos regala el largo monólogo que cierra la pieza, protagonizado por el propio escritor. De nuevo hay humor, pero también, sobre todo orgullo y emoción. Una cosa no evita la otra. Orgullo de ser, de vivir, de ser capaz de reír. De asumir una historia trágica desde la ironía.
Ya lo he dicho, es indispensable que un texto así goce de una interpretación perfecta: es su único sostén. Arnau Puig tiene el difícil cometido, superado, de acompañar a un grande. Flotas está, como siempre, perfecto. Cada detalle, cada gesto, es un regalo, nos hace reír y nos emociona, pero sobre todo, nos hace convivir con su personaje, lo es, no lo interpreta.
Lo dicho, teatro inteligente.
El que hace reír y pensar.
El que se atreve con cualquier tema.
El que es necesario. Para conocer.
Teatro actual siempre.
Y al abandonar la sala, tenemos la sensación de que posiblemente olvidar no sea el camino, que hay tragedias que marcarán a la humanidad , pero también de que existe otra forma de afrontarla que nos va a ayudar a ser mejores , más maduros, más merecedores del mundo que se nos ha regalado y al que muchas veces hemos hecho tanto daño.

Público

sábado, 1 de octubre de 2016

CINE: EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS de Alberto Rodríguez

España 2016
Eduard Fernández. José Coronado. Carlos Santos. Marta Etura. Jimmy Shaw. Emilio Gutierrez Caba. Israel Elejalde

Lo decía hace unos días hablando de Tarde para la ira: en nuestro cine patrio, se ha generado una corriente muy activa alrededor del género negro, capaz de unos resultados muy positivos, que junto con los beneplácitos de la crítica, consigue resultados de público muy estimulantes.
Alberto Rodríguez destaca en el grupo como uno de los más eficaces desde Grupo 7, y consagrado por La isla mínima.
En estas tres películas, ha elegido como escenario de sus historias el trasfondo social de nuestro país, con situaciones, personajes y atmósfera perfectamente reconocibles.
El hombre de las mil caras se atreve a más, y es que no es ya un tema de ambiente, sino la crónica de unos hechos que todavía no cuentan con la distancia de la Historia. Muchos de sus personajes, todavía están en activo y la mayoría del público, leímos en su día en directo páginas y páginas de prensa al respecto.
Luis Roldán fue el icono de la corrupción del socialismo en nuestro país. Tras unos años de acumulación de casos, este se convirtió en la gota que desbordó el vaso, y supuso una línea final en el nivel de aguante de los votantes.
A partir de ahí, se exigió un nivel de honradez a los políticos que, lamentablemente, aun no se ha alcanzado.
Pero supuso también algo más: fue como un espejo cóncavo en que tuvo que reflejarse una sociedad que había entendido la democracia como una opción de eliminar cualquier barrera moral, y el desarrollo del país como una oportunidad personal de enriquecimiento. Una sociedad de fortunas veloces donde todo estaba permitido. Como dice Luis Roldán en un momento muy definitorio de la cinta "yo sólo hacía lo que hacían todos".
Francisco Paesa es un personaje fascinante. Donde al final Roldán resulta patético, este espía a sueldo sólo de si mismo, demuestra dos condiciones que lo convierten en el perfecto "triunfador" de una tormenta perfecta: por un lado, es extremadamente inteligente, por otro, absolutamente amoral y carente de cualquier escrúpulo.
Como columna vertebral de la película es perfecto. John Le Carre habría estado orgulloso de ser capaz de inventar a alguien así. Y es verdadero. Pero el guión de El hombre de las mil caras, también se preocupa de dibujar al resto, a aquellos que terminan moviéndose como títeres a su alrededor, con resultados tan buenos como el de la mujer del forajido que tan bien interpreta Marta Etura.
He citado en el párrafo anterior dos de los valores que cualifican esta propuesta:
Por un lado, el guión, que consigue elaborar un desarrollo comprensible de una trama que podría haber resultado muy compleja, y lo hace sin olvidar el nivel humano.
En segundo lugar, la interpretación. No suele gustarme el intento de películas basadas en hechos reales al mimetizar estéticamente a sus personajes. En este caso sólo me "canta" un poco el del ministro Belloch. El resto está interpretado por unos actores que son capaces de hacer suyos los rasgos algo forzados. Eduard Fernández consiguió el Premio a Mejor Actor en el Festival de Cine de San Sebastian y seguramente estará de nuevo cerca del Goya. Pero no es el único. Antes he citado a Marta Etura; la construcción de Carlos Santos es también perfecta. José Coronado se ha convertido, no sólo en un intérprete siempre eficaz sino en un talismán que da suerte a aquellos proyectos en los que cuentan con él. Y Emilio Gutierrez Caba sólo necesita unos minutos para inquietarnos.
Por último, El hombre de las mil caras es una excelente producción. Su poliédrica construcción por multitud de ciudades y escenarios, está realizada con riqueza de recursos, perfectos para el muy buen pulso de su director, narrador y cronista.
El cine español, con esta cinta, puede competir a nivel internacional sin localismos a pesar de que la historia sea propia. Por encima de todo, es una historia apasionante y está magníficamente contada.
Lo dicho, el camino entre crítica y público de nuestro cine funciona cada vez mejor.
Será una de las cintas del año. Lo merece.

Público