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viernes, 29 de julio de 2016

NOVELA: SOFIA O EL ORIGEN DE TODAS LAS HISTORIAS de Rafik Schami

Salamandra
480 páginas
También disponible en ebook.

Esta es la tercera novela que conozco de este autor y tiene algo en común con las dos anteriores , ser la pieza de un narrados de raza, de esos cuyo principal objetivo es el de contar una historia, generalmente largas historias que más que atraparnos, nos envuelven. Narraciones que se desarrollan con la lentitud y la calma precisas para poder asomarnos a sus afluentes sin perder por ello el hilo del cauce principal.
Es esta la de un inmigrante sirio que , tras trabajar para la resistencia, huirá del país. Una vez que ya tiene su vida organizada , como un profesional respetable con familia en Italia, decide dejarse llevar por la nostalgia y regresar a Damasco . Aprenderá sobre el terreno que , como decía Lloren de Villalonga , posiblemente no existen más paraísos que los perdidos.
La situación actual del país, convertida en una cárcel de rejas invisibles, le llevará a una epopeya donde, para salvar su vida, tendrá que recorrer lugares y personajes del pasado, entender una nueva realidad y volver a palpar el miedo como algo desconcertante, en principio ajeno al entorno civilizado donde ha acomodado su existencia.
En el camino, habrá mucho tiempo para recorrer la Historia y para reflexionar.
Como siempre en Schami , el amor es la base , el cemento que parece unir y hacer caminar todos los sucesos , una fe la de este escritor admirable en su romanticismo y su capacidad para dibujar ese sentimiento en lo cotidiano, reconociendo sus fisuras pero también por supuesto su fuerza de huracán.
La historia paralela de Karim y Aida es un precioso contrapunto de luz en la oscuridad. En su pureza y su lucha encontramos la esperanza pero también la capacidad de perdón para todos aquellos que, como nuestro protagonista, no parece alcanzar la altura de su honestidad.
Es fácil cuando hablamos de Oriente recordar Las mil y una noches , pero es complicado no dejarse llevar por esa referencia en las obras de este escritor , capaz de tejer alrededor de sus tramas principales pequeños relatos que podrían funcionar de forma independiente pero que aquí crean un tapiz brillante , detallado, minucioso.
Supongo que hay mucho de capacidad de observar y también de tener que contar muchas cosas. En este caso, más vinculado, comprometido, con trasladarnos la situación de un país que, con toda seguridad , ama.
Las obras de Schami son de las que nos hacen amar la lectura. Su recuerdo no queda grabado tanto en la anécdota como en la sensación de ausencia que producen las inmersiones en otros mundos que siempre nos regalan las obras importantes.
También el sabor de la esperanza. Siempre. No en vano, es esta una de las hijas más agradecidas del amor.

Público
  

CINE: TODOS QUEREMOS ALGO de Richard Linklater

USA 2016
Ryan Guzman. Zody Deutch. Tyler Hoechin. Wyatt Russell. Adriene Misher. Blake Jenner. Jonathan Breck. Jessi Mechler. Glenn Powell. Will Brittain. Taylos Murphy.

Verdaderamente Linklater es un director singular, no sólo por conseguir propuestas tan complejas en el tiempo como la trilogía Antes de... o Boyhood ,sino por la dificultad de encajar sus obras en un conjunto imprevisible y ordenado.
En este caso, todo nos hace pensar en una comedia universitaria , de aquellas que en los años ochenta causaban furor y que hablaban de adolescentes cargados de testosterona y libertad, asomándose a una edad previa a la madures donde la responsabilidad era todavía un concepto muy laxo.
Así comienza:
Tres días antes de que empiecen las clases , un novato se incorpora a una especie de hermandad abierta y algo plural , guiada por la necesidad de diversión. Música, drogas y sexo fácil son los ingredientes. En principio pues nada nuevo,
Sin embargo, Linklater es capaz de dotar a su narración, una continuidad de anécdotas más o menos enlazadas , de una personalidad propia, convirtiéndola en un asumido y gozoso ejercicio de distancia, gracias a conseguir, como sólo el lo logra, materializar el paso del tiempo, y hacernos conscientes de que se nos está haciendo partícipes de lo que ocurre desde el futuro, con una distancia que ofrece a la visión, ternura y comprensión.
También precisamente por esa distancia, se profundiza un nivel más de lo habitual en el género, aunque sin traicionarlo, y con ello, tenemos la sensación de estar atisbando un perfil de sus protagonistas que fácilmente podría quedarse perdido en una propuesta más superficial, como verdaderamente se espera de este tipo de películas.
La realización y el guión, son ágiles , fluidos y plagados de diálogos inteligentes.
Pero hay algo más : la distancia antes citada, convierte la propuesta en un ejercicio asumido de gozosa nostalgia, y esa nostalgia, en un juego de espejos , contiene también una nostalgia de público, hacia un tipo de cine que veíamos tiempo atrás y con el que nos sentíamos identificados.
De nuevo por lo tanto el tiempo. El paso del tiempo como un lugar en donde ya hemos estado. Y al mismo tiempo, como un territorio que nunca podremos recobrar pero al que podemos volver de vez en cuando gracias al séptimo arte.  
Todo funciona dentro de lo habitual, o mejor de lo habitual. Pero no dejamos de tener la sensación de que todo ello está cubierto por una especie de velo ligero que podría ser melancolía.
Creo que el punto romántico de la historia de amor, no por sólo atisbada menos hermosa, supone una apuesta por cierta pureza , por cierta madurez , convirtiéndose en un hermoso broche para tres días de locura.
Quizás lo más sólido a la hora de apuntar al futuro de sus personajes.
Linklater de nuevo sorprende y nos gana.
Desde una dirección que, en principio parecía totalmente alejada de lo que un público "serio" y "mayor" podría esperar de un director con su carrera.
No despreciemos nada . Pueden encontrarse joyas en cualquier lugar donde exista humor, respeto y sabiduría.

Público  

lunes, 25 de julio de 2016

NOVELA: EL AZAR Y VICEVERSA de Felipe Benitez Reyes

Destino
512 páginas
También disponible en ebook.

Creo que hay pocos escritores como Benitez Reyes tan herederos de la mejor tradición literaria española.
Está en sus obras el lenguaje tratado con ese ligero barroquismo intelectual que se decanta siempre por la ironía, enfocada no siempre a los demás sino a las propias circunstancias. El verdadero humor, el que es capaz de reírse de uno mismo.
Está la capacidad de narrar historias cotidianas y anécdotas con la grandeza de epopeyas. La heroicidad que es extraño fruto de lo grotesco.
Y está en definitiva, esa visión del mundo como un gran globo de colores, como un conjunto rico y brillante capaz de extraer belleza en los entornos más sórdidos.
Al fondo, un deje de melancolía, porque a sus personajes les gusta mucho la vida, y el paso del tiempo supone siempre el resquemor de aquello que se pierde y que no se podrá recuperar, por lo que lo mejor es perderlo disfrutando a tope de cada segundo.
Ser capaz de que exista corazón en cualquier lugar donde habite un ser humano.
La herencia, en especial, del pícaro, tipo hispano por excelencia.
El azar y viceversa podría ser una excelente actualización de El Lazarillo de Tormes.
Una larga historia en la que nuestro buen Antonio ( nuestro termina, tan cerca se arrima su sinceridad ), nos deleita con una existencia que va desde la infancia perdida a la madurez encontrada, pasando por multitud de puertos y personajes, todos ellos dibujados con ese detalle entre realista y jovial, que crea un tapiz brutal y jocoso de un país.
La vida como fondo. Con todo lo que significa. Narrada de una forma generosa, plural y que no evita colores incluso en los elementos más pequeños, aquellos que podrían pasar desapercibidos si el autor no les dedicase su mirada.
Entrar en la prosa de este autor es una inmersión que tiene mucho de gozoso, pero también existe un subtexto , inteligente y lúcido, cargado de alma.
Repito: la vida , con todo lo que conlleva , y la vida en especial de aquellos cuya vida se cuenta muy pocas veces.

Público

domingo, 24 de julio de 2016

TEATRO: TRABAJOS DE AMOR PERDIDOS de William Shakespeare

Director,.-
Rodrigo Arribas / Tim Hoare
Intérpretes.-
Lucía Quintana. Javier Collado. Jesús Fuente. Jesús Teyssiere. Montse Diez. Raquel Noguera. Pablo Vázquez. Sergio Moral. Julio Hidalgo. José Ramón Iglesias. Alejandra Mayo. Anabel Maurin. Jorge Gurpegi. Alicia Grau
Fundación Siglo de Oro en asociación con Shakespeare Globe Theatre

Comienzo con una alabanza a la Fundación Siglo de Oro que ya realicé en su momento cuando todavía se llamaban Rakatá: independientemente del acierto habitual de sus montajes, el hecho de que hoy día una compañía privada se decante por la representación del teatro clásico, es una hazaña no suficientemente valorada en nuestro país, tanto en su nivel de riesgo como en la asunción de un componente didáctico más propio de organismos públicos. Como tampoco ha sido suficientemente valorada aquí su hazaña en el Globe Theatre, que avanza, ya se ve, en una relación abierta que ofrece colaboraciones como esta.
Decir también que otro de los puntos positivos de la propuesta que ahora nos ocupa es que Trabajos de amor perdidos no es una de las obras habitualmente representadas en España de su autor, contribuye por lo tanto a ampliar el catálogo más allá de los sueños de verano o las tragedias. Excelente oportunidad. Y es que Trabajos es una comedia deliciosa, cercana a la más conocida Mucho ruido y pocas nueces, donde aparece todo el ingenio teatral del inglés, rodeado de una frescura ligera inteligente.
La trama es sencilla . El Rey de Navarra decide encerrarse con tres caballeros durante tres años para dedicar todo su tiempo al estudio. La llegada de la Princesa de Francia y sus damas, no se lo va a poner fácil para cumplir su propósito.
En un decorado práctico y que permite un buen movimiento, con un vestuario muy adecuado y una iluminación colorista, los actores de la compañía despliegan una interpretación homogénea, divertida, llena de vitalidad y muy cercana.
Como base, una versión clara y transparente que consigue que la narración se desarrolle con fluidez de principio a fin.
La representación por lo tanto que nos ofrece la Fundación Siglo de Oro, es festiva, gozosa y, sobre todo, asequible. Una vez más, contribuye a acercar los clásicos a un público que, sin propuestas así, posiblemente nunca se acercaría a una obra del dramaturgo inglés.
Cierro por lo tanto como empezaba: aplauso a esta compañía, aplauso a su vocación. Pero además, en esta ocasión, y en muchas anteriores, esto va unido a resultados.
Gracias pues.
Trabajos de amor perdidos garantiza una estupenda noche de teatro. Clásico.

Público

miércoles, 20 de julio de 2016

CINE: NUESTRA HERMANA PEQUEÑA de Hirokazu Koreeda

Japón 2015
Haruka Ayase. Masami Nagasawa. Suzu Hirose. Kaho. Ryo Kase. Ryohei Suzuki. Lily Franky. Shinchi Tsutsumi. Jun Fubuki. Kentaro Sakaguchi

Todas las películas que conozco de este director, elegante e inteligente, se centran en el entorno familiar. Afectado por un acontecimiento que puede ser una pérdida o una aparición, el devenir a partir de ahí, huye de dramatismos a pesar de ser capaz de profundizar con bisturí en la psicología de sus personajes y de afrontar los efectos de esas metamorfosis.
No hay gritos, hay palabras.
Koreeda trabaja con el clasicismo y la lentitud, la mirada tranquila, como herramienta de caligrafía. Lo hace sin complejos a la hora de reconocer sentimientos como la ternura, sin acercarse nunca al terreno de lo empalagoso, pero sin evitar ( dentro de la contención de la cultura japonesa ) retratar el amor fraterno.
Es, de algún modo, un director a contracorriente.
Empiezo diciendo que he gozado absolutamente con esta película. Considero Nuestra hermana pequeña la mejor obra de su autor y una de las mejores películas que he visto últimamente.
En este caso, son tres hermanas ( claro homenaje a Chekov que creo es una de las grandes inspiraciones de la historia ); la muerte del padre, que las había abandonado hacía años, les lleva a conocer a una hermanastra menor a la que invitan a vivir con ellas. A partir de ahí, se desarrolla la historia de estos cuatro personajes, tanto a nivel individual como en conjunto, llena de pequeños detalles, hasta llegar a un hermoso plano paseando por la playa, con el fondo de una música mínima pero con corazón que ya nos ha acompañado en algunos de los momentos más significativos de esta historia.
Efectivamente está Chekov, mucho Chekov.
No sólo en su capacidad para retratar lo cotidiano, con un aroma de sinceridad total y un sonriente sentido del humor, el que nace de la compasión y la verdad.
También por su subtexto, esas corrientes subterráneas, que van desvelando las inquietudes, los miedos y las angustias de cada uno; también retazos de aquellas partes de sus vidas que, sin formar parte de la historia que se nos está narrando, conforman su interior.
El guión de Nuestra hermana pequeña es un prodigio de sutileza, de capacidad de decir todo con apenas una frase o un movimiento.
No puedo dejar de recordar las palabras de un director de teatro que se sorprendía al escuchar que en las obras del dramaturgo ruso no pasaba nada cuando, según su opinión, ocurrían muchísimas cosas; la diferencia estaba en como se contaban. Aquí pasa lo mismo, y es que también en esta película japonesa hay un montón de acontecimientos aunque parezca que, lo único que hemos hecho, es ser observadores privilegiados del entorno cotidiano de una familia.
Mención aparte merece el trabajo de las cuatro actrices principales, su simbiosis, su homogeneidad, no puedo dejar de acordarme de George Cuckor, sin duda habría disfrutado muchísimo dirigiéndolas.
Llegando al final, en la reflexion del funeral y el comentario posterior sobre las últimas palabras del padre, me lleva a pensar que posiblemente sea esta una película sobre la belleza, la belleza de la vida si logramos aprender a disfrutar de las pequeñas cosas que son las que la hacen grande.
Una lección de poesía del alma.
Pocas veces he visto tanto encanto en una pantalla de cine , y muy pocas veces he tenido una sensación tan luminosa. Quizás en Still Walking, del mismo autor.
Maravillosa.

martes, 19 de julio de 2016

CINE: HIGH RISE de Ben Wheatley

UK 2015
Tom Hiddleston. Sienna Miller. Jeremy Irons. Luke Evans. Elizabeth Moss. James Purefoy. Keeley Hawes. Reece Shearsmith. Peter Ferdinando.  Sienna Guillory. Stacy Martin. Enzo Clenti. Augustus Prew. Tony Way. Dan Renton Skinner.

El comentario sobre esta película, que apenas duró en la cartelera y que acabo de ver en Filmin, me va a permitir hablar, escribir, sobre lo subjetivo de la crítica y lo hermoso de la pluralidad de percepciones.
Con motivo de su estreno, dos de mis críticos referenciales, Carlos Boyero y Rodríguez Marchante, le cascaron un rojo, sin concesiones. Sin embargo, algunos otros la consideraban una obra maestra totalmente impactante, novedosa, brutal en su libertad.
¿Quien tiene razón?.
La historia se basa en una novela de Ballard, de quien ya conocía la marcianada de Crash que dirigió Cronenberg. Aquí, una vez más, nos lleva a asomarnos a un mundo de ciencia ficción sin distancia, es decir, una historia que podría remitirnos a la actualidad pero que subvierte todo lo conocido.
Un rascacielos fabuloso aspira a ser un crisol de la sociedad, con sus alturas que remiten a castas y diferentes facilidades que permiten un mundo casi cerrado.
La ruptura no tarda en llegar. Concentrar la lucha de clases en un espacio reducido parece una bomba de relojería. Pero ahí algo más , una crítica más global al conjunto de la civilización contemporánea, independientemente de su colocación en la escala.
La decadencia es posiblemente la falta de anclaje, la necesidad de fiesta continua, bordear desde la irresponsabilidad la locura. Poco a poco, esto sólo puede caminar hacia el apocalipsis, aunque también en el apocalipsis uno podría aprender a vivir.
Narrativamente encuentro una falla, quizás porque la estética se coma gran parte del desarrollo: no me transmite la mutación que el rascacielos produce en quienes lo habitan sino que tengo la confusa sensación de que todos llegan o están ya bastante transtornados, como si el lugar fuese una especie de extraño manicomio sin que sepamos a que responde. ( No conocer el original literario no me ayuda a saber si es un problema de guión o ya estaba presente en el texto ).
Wheatley opta por una dirección magnética, una constante agresión al espectador, rozando siempre la incoherencia. Sin duda consigue una producción audiovisual atractiva, por momentos muy atractiva, potente. Incluso algunas escenas como todas las referidas a la piscina o al aparcamiento, son inolvidables, consiguiendo un nivel casi mitológico.
De todas maneras, y ahora enlazamos con lo que comentaba al principio, para mi ( y para Boyero y Rodríguez Marchante ) no es suficiente.
Se puede hablar de modernidad y de modernez. Para mi es más moderno el clasicismo de Carol o la apuesta narrativa de Langosta, que esta aventura. En general me suena caprichosa, gratuita, más que artificial artificiosa y más centrada en epatar que en narrar una historia u ofrecernos una experiencia.
No puedo evitar verla como una colección de ocurrencias de un director que va incorporando aquello que se le va ocurriendo y que pretende la admiración como forma principal de reacción de su público.
Sin embargo, no todo el mundo piensa como nosotros.
Está claro que hay muchos que se ven cautivados por lo que consideran originalidad y atrevimiento.
Respetable.
Incluso cuando no puede dejar de llamarme la atención que hoy día esta caligrafía confusa y feista en muchos casos, impresione.
Pero repito: respetable.
Mi opinión es que, entrando en obras realizadas desde el respeto, la apreciación debe ser personal, y la variación no debe de generar discusión sino posibilitar riqueza.
Aunque High Rise me guste más bien poco, le encuentro cosas admirables aisladas y comprendo que haya algunos que se decanten por esa visión más complaciente.
Bienvenida la diversidad.
Pero si alguien quiere ser moderno..... que revise El sabor de las cerezas; eso sí que era un verdadero atrevimiento.

Público

domingo, 17 de julio de 2016

NOVELA: CAMILLE de Pierre Lemaitre

Alfaguara
320 páginas
También disponible en ebook.

Lemaitre negro, llegó a España con posterioridad a su Premio Goncourt por la antibélica Nos vemos allí arriba, aunque al parecer, la tetralogía protagonizada por Camille Verhoeven es anterior.
En cualquier caso, su estilo expresionista, de brillantes colores, es perfectamente reconocible.
Y ¿ como aplica esa pintura de aguafuertes al género policiaco? a la perfección pero convirtiendo sus novelas en productos singulares.
El tamaño de su comisario, que lo convierte en una especie de Toulouse Lautrec ( con quien, por cierto, comparte también su buena mano para la pintura ), anuncia ya un paisaje de gran guiñol que agudiza los sentimientos, los arquetipos, los personajes, bebiendo de fuentes muy dispares y muy clásicas pero incidiendo en su brillo para hacerlas suyas.
Y cuando hablamos del mal, ese brillo se convierte en una crueldad profunda que impregna sus novelas, llegando a crear imágenes como en Irene, difícilmente soportables. La teatralización del crimen, el escenario como capítulo.
Lemaitre, ha creado esta tetralogía y, al parecer, no piensa volver a sus personajes Quizás por ella esta última lleva como título el nombre de su protagonista, más presente que en ninguna. De nuevo lo consigue: nos engancha y nos sorprende, porque uno de los principales valores del conjunto es que ninguna de las piezas se parece a la anterior.
Un atraco brutal. Una situación en la que el Comisario Verhoeven se encuentra involucrado desde el inicio por su relación con una de las víctimas.  A partir de ahí, frente a un delincuente que parece obsesionado con asesinar a la única testigo, comienzan las complicaciones. Complicaciones que en esta ocasión remiten a la antes citada primera entrega, Irene, cerrando así un círculo oscuro y cruel, no siempre tan ágil como en las propuestas anteriores pero , ya lo he dicho antes, capaz de atraparnos como cualquiera de ellas.
Quizás no me parezca Camille la mejor obra del cuarteto, pero eso es porque las dos primeras me parecen supremas y esta sólo buena.
Aquí algo se enreda un poco y pierde cierta independencia ( si bien siempre ha existido una continuidad , se podían leer sin orden , en este caso dudo que pueda disfrutarse del todo din conocer el trío anterior ).
En cualquier caso, ha terminado. Ahora a esperar. Porque de un autor como Lemaitre siempre se puede esperar. Mucho.

Público

sábado, 16 de julio de 2016

SEIE TV: SOUTHCLIFFE de Sean Durkin

UK 2013
Channel 4
Guión.- Tony Grisoni
Intérpretes.-
Rory Kinnear. Sean Harris. Shirley Henderson. Anatol Yusef. Eddie Marsan. Mark Badham. Scott Plumridige. Coral Amiga. Paul Blackwell. Lee Nicholas Harris. Lee Plumridge. Briam P Smith. Ben Steele. Karol Steele. Fabio Vollono. Julie Vollono.
Duración.-
4 capítulos de 45 minutos.

Southcliffe es un pequeño pueblo inglés costero, pero podría estar enclavado en cualquier país. Una comunidad cerrada y aparentemente sobria, no necesariamente idílica, pero que guarda en su interior tantos pequeños dramas, miedos e inseguridades como cualquier otra.
Ojo, no estamos en territorio Twin Peaks, no hablamos aquí de misterios enterrados, de grandes secretos, sino de algo mucho más cotidiano: de humanidad. El problema es que la humanidad no siempre se acepta en comunidades que lo que necesitan son héroes. Comunidades machistas, ancladas, sea cual sea su color político, en unos valores de exigencia que permiten muy poca respiración.
¿Os suena?.
Seguro que todos conocemos algún lugar así.
Ninguna de las frustraciones que arrastran los personajes de este drama oscuro nos son ajenas: no haber sido capaz de cumplir un sueño ( entrar en el ejército ) y convertir la vida en una mentira, un anciano dependiente, la ausencia de hijos y el instinto maternal desbocado, trauma postbélico, acoso escolar en la infancia con unas secuelas nunca cerradas..... El problema es que cuando un detonante hace estallar la violencia, la fragilidad de esas situaciones nos convierte en seres de cristal.
Southcliffe va también sobre la culpa.
Aquella que es palpable, que se deriva de nuestros comportamientos inadecuados, sean estos la burla, la infidelidad etc, y aquella que aceptamos sin saber muy bien a que corresponde pero conscientes de que nos corresponde una porción aunque sólo sea por no haber sido capaces de interpretar las señales.
Como sólo saben hacerlo los buenos directores, Durkin utiliza ese paisaje gris, brumoso, tan británico, sin dejarse empapar por él, sino utilizándolo como marco perfecto para trasladar estos trozos de existencias perdidas que, en manos de unos actores fantásticos, se presentan en carne viva.
Pero creo que el mayor valor de Southcliffe , y el más arriesgado, es su guión.
No me refiero sólo al hecho de que responda a la libertad de una estructura temporal para la que los saltos de tiempo son explicativos, ayudan en el desarrollo de la narración sin que sea necesario justificarlos, sino al corazón de la propuesta:
Lo importante no es aquí la trama.
O mejor dicho, se renuncia al misterio aunque asome en alguna ocasión; lo importante es trazar un cuadro realista, casi chejoviano, del dolor, de la ( ya lo he citado antes ) fragilidad, de lo cerca que puede estar la tragedia en el entorno de nuestras vidas cotidianas.
Del desmembramiento de esa comunidad, aunque parezca que al final todo sigue en su sitio, pero para ello ha sido necesario asumir ciertas mutilaciones y, seguro, las cosas nunca volverán a ser iguales.
La matanza se convierte en el núcleo alrededor del cual gira el tiempo dramático, pero no por ello se convierte en la acción protagónica, sino que se desplaza hacia los comportamientos de las víctimas directas e indirectas, de aquellos que quieren entender y del periodista, lastrado por su pasado, que cree que comprende.
No molesta una conclusión serena , triste pero posiblemente reconfortante.
Nos produce compasión. Quizás también hacia nosotros mismos. quizás llevándonos a examinar las consecuencias de cualquier comportamiento. De nuevo la culpa.
Southcliffe es una serie excelente. Pero muy dura. No apta para todos.
Cada vez más las series de televisión, y en concreto aquellas reducidas que no se ven obligadas a alargar su desarrollo para mantenerse durante varias temporadas, tienen el nivel de los mejores productos cinematográficos. Este es uno de estos casos.
Y de nuevo, a Filmin debemos poder disfrutarlos.

Público

jueves, 14 de julio de 2016

NOVELA: LAS TIERRAS ARRASADAS de Emiliano Monge

Literatura Random House
400 páginas
También disponible en ebook.

El infierno existe.
No es un lugar mítico, perdido entre el cielo y la tierra. Está aquí. En muchos puntos de nuestro planeta.
Ahí donde habitan los monstruos.
Seres que ( compadezcámoslos a pesar de su crueldad ) no han tenido otra opción en el fango de veneno donde se han criado, que avanzar por la senda del mal. Ese mal que supone el desprecio absoluto a cualquier otra vida humana.
Los monstruos también pueden amar.
Pero el amor es un sentimiento fértil y ellos, donde mejor respiran es en la muerte.
Su amor sólo puede ser trágico.
Cuesta creer que lo que narra Emiliano Monge en este denso relato del dolor sea cierto. Pero lo es.
Nos habla de aquellos que, necesitados de buscar otro horizonte, se ponen en manos de las mafias del tráfico de personas para cruzar a un lugar mejor, posiblemente a Méjico o los Estados Unidos. No importa , es aterrador pensar en cuantas latitudes podría hoy día escribirse una epopeya similar.
Pero lo más aterrador es pensar en lo que se encuentran, otras personas en las que, lo más compasivo sería el asesinato, y que llegan a ser capaces de hacer un mísero negocio incluso con la ropa con la ropa que llevan puesta estos futuros esclavos.
El paisaje húmedo y oscuro, laberíntico , de la selva, es sólo un reflejo del paisaje interior de los personajes que los tienen en sus manos. Su ausencia de piedad porque la desconocen. Su ausencia total de respeto por cualquier sentimiento que no sea propio. Y estos están siempre teñidos de oscuridad.
Aunque en ocasiones sentimos que nos falta información, que estamos perdidos, no hace falta más para entender la maraña de donde han surgido estas bestias, para atisbar un pasado igual de brutal que lo que van a dejar como herencia una vez que desaparezcan.
A pesar del amor.
Porque Monge articula esta narración sin concesiones alrededor de esa conversación que nunca llega a tener lugar, de esos dos seres casi mitológicos, cíclopes , gorgonas, que se necesitan y que sufren la traición de aquellos a quienes han ayudado a convertir en seres tan devastadores como ellos mismos.
Pero al lado, y a la par de su capacidad de querer, está la de matar, la de hacer daño, la de robar a los desheredados hasta el alma, la de convertirlos en esclavos, prostituirlos, convertirlos en carne de su furia. Difícil pues perdonarlos, empalizar con su desesperanza.
No es fácil leer Las tierras arrasadas.
No me refiero sólo a la dureza de lo que nos cuenta.
También a una prosa que adopta un nivel casi bíblico, de narración evangélica. Donde las palabras, que sirven también para conformar nombres totalmente definitorios, se enredan en una constante mixtura que parece ensuciar las páginas. Esos nombres que son uno de los grandes hallazgos de su autor porque no sólo nos cuenta lo que es sino también lo que no tardará en ocurrir, cual es el próximo estadio de la terrible mutación evolutiva de los prisioneros.
Un documento, ya lo he dicho, terrible. Un libro que no será sencillo olvidar.
Tal vez porque olvidarlo sería contribuir con el silencio a que el infierno continúe existiendo entre nosotros.
No tan lejos.

Público      

lunes, 11 de julio de 2016

CINE: RABIN, EL ÚLTIMO DÍA de Amos Gitai

Israel 2015
Ischac Hiskiya. Pini Mitelman. Michael Warshaviak. Einat Weizman. Roten Keinan. Yogev Yefet. Yael Abecassis.
Atlántida Film Festival
Filmin

Antes de entrar a comentar esta excelente película, una reflexión:
No se ha estrenado en el modelo tradicional ( soy consciente de que en esta ocasión no he escrito "comercialmente" ). Está incluido en un paquete que, bajo el título de Atlántida Film Festival, nos ofrece Filmin con lo que en su día, Caimán Cuadernos de Cine calificó como cine invisible. Son un conjunto de obras de interés considerable.
¿Merece esto que volvamos a hablar sobre las carencias de la distribución?. Creo que ya no. Estamos en un estadio más avanzado. Sencillamente se han ampliado los canales.
La sala oscura seguirá siendo para muchos, yo entre ellos, un templo mágico, pero es necesario asumir que hay productos que llegarán por otros medios, y que si somos verdaderos amantes del cine, debemos acostumbrarnos a ello sin complejos; no rasgarnos las vestiduras y, al revés, agradecer la pluralidad de opciones.
Teniendo esto en cuenta, creo que es esta la temporada que más cine he podido ver, y eso siempre es una satisfacción. Y cine más plural.
Ahora vamos con Rabin, el último día:
Hace unas semanas, hablaba de Tierra de Fuego, una obra de teatro que abogaba por la necesidad del perdón para buscar la paz entre judíos y palestinos en el territorio de Israel. Lo abordaba desde el ámbito de lo privado. El aplauso que coronaba la obra, era un reconocimiento a su personaje principal, una mujer capaz de enfrentarse al rechazo social para poner su alma en el camino de la paz. Ello no suponía en ningún caso que no se plantease dudas o que fuese capaz de borrar todo rasgo de rencor. Significaba simplemente que estaba eligiendo como afrontarlo.
Sabemos que personajes como Amos Oz han sido tachados de traidores por plantear que la única salida al conflicto está en la comprensión y la renuncia.
Pero no es nuevo.
Yitzhak Rabin, primer ministro electo, se atrevió a poner en marcha ese sueño. Fue asesinado.
Gitai aborda esta película con una clara intención, no dejar que el personaje ni su mensaje caiga en el olvido.
Para ello, nos propone un híbrido entre documento periodístico dramatizado y thriller político, donde lo importante no es quien lo hizo o quien lo ordeno, sino reflexionar sobre el concepto de culpabilidad al recorrer el origen de la violencia, de una agresividad que llega a adoptar la forma de una maldición religiosa.
Con materiales reales y otros, ya lo he dicho , que son dramatizaciones ( en especial los interrogatorios y la visión con el asesino ), el montaje de su autor es perfecto, de una lucidez absoluta para sumergirnos poco a poco en el desarrollo de esta historia, con la forma de un poliedro de varias caras que termina alcanzando un mismo color.
Pero además, lo acompaña de su personalidad: una forma de mirar lenta, serena, tranquila, dándonos tiempo a asumir la trascendencia de lo que se nos está contando. Y también una banda sonora que se convierte en un personaje más, tiñendo de dolor y de dudas lo que está ocurriendo ante nuestros ojos; de inquietud , de misterio. Una forma de recordarnos que en muchas ocasiones la verdad es algo tan escondido que es casi imposible alcanzarla; tal vez llegar a esta conclusión sea en si mismo otra forma de verdad.
El plano final, ese hombre abrumado por la realidad que se aleja bajo la lluvia, nos habla de un mundo difícil, donde se ha dado un paso más hacia la pérdida de la inocencia. Un país que se creía el elegido, asumiendo que también puede esconder en su interior el veneno de la serpiente.
Rabin, el último día es una película importante, no sólo desde el punto de vista cinematográfico, como modelo de docudrama narrativo. Es necesaria desde el compromiso con la historia y desde la llamada a la reflexión, algo en lo que el cine puede hacer mucho.
También quiero señalar que es de las mejores películas que he visto este año.
Tal vez me hubiera gustado poder haberla disfrutado en una sala oscura, pero lo que de verdad es importante es haberla podido ver.
Gracias Filmin, creo que vuestro Atlántida es una iniciativa excelente.

Público

sábado, 9 de julio de 2016

NOVELA: CINCO ESQUINAS de Mario Vargas Llosa

Alfaguara
320 páginas
También disponible en ebook.

Como leyenda urbana, algunos hablan del gafe que tienen los premios. Uno de los ejemplos de los que se suele hacer mención, es el hecho de que los Premios Nobel de Literatura no vuelven a alcanzar, con sus obras posteriores, el nivel de calidad que les hizo merecedores del galardón.
Gracias al cielo, muchos como Pamuk, contradicen esta generalización.
Pero lo cierto es que en el caso de Vargas Llosa mucho me temo que esa "boutade" puede hacerse realidad.
El Sueño del Celta era un proyecto ambicioso, posiblemente lastrado por una publicación apresurada. Daba la sensación de que le faltaba un repaso.
Después una obra menor, aunque correcta, cuyo título ni recuerdo.
Y ahora Cinco Esquinas.
¿ Cuento erótico? ¿ thriller político? ¿ ajuste de cuentas a la prensa amarilla o a su propio país?.
No lo sé.
Lo cierto es que la buena prosa de su autor, algo que por supuesto no ha perdido, nos facilita el recorrido por este relato donde el dibujo de una época dura en el Perú, nunca supera lo superficial ni alcanza una mínima coherencia.
Saltamos de un personaje a otro ( algunos con una importancia mínima ), de una perspectiva de la trama a otra. La estructura, caprichosa, sorprende con un largo capítulo de cierre estilo contrapuntista ¿ porqué?.
Lo que me pregunto es ¿ puede ser este el mismo escritor de Conversación en la Catedral, Historia de Mayta, Travesuras de la Niña Mala.... ?. Yo lo veo más bien en las fiestas de Porcelanosa....
Vale, es un mal chiste; aunque me sorprenda , como a todos, su actual comportamiento, no cometeré el error de mezclar esta actitud folclórica con su genialidad literaria. Pero lo cierto es que no puede dejar de sorprendernos.
Venga maestro, a escribir como sabes, que lo echamos de menos. Y si ya te da pereza, pues déjalo, pero no nos publiques más "obras menores", y menos como esta. Por mucho que se llegue a vender ( eso lo tienes asegurado ) enturbia tu catálogo.

Público

EXPOSICIÖN: CARAVAGGIO Y LOS PINTORES DEL NORTE

Museo Thyssen Bornemisza
Madrid
Hasta el 11 de octubre

El primer cuadro que nos encontramos en esta exposición es El Niño Mordido por un Lagarto. Un buen anuncio, en su dramatismo, en lo agresivo del gesto de un muchacho que parece interpelarnos a nosotros, y no al animal, de lo que nos vamos a encontrar; el segundo es El Niño Mordiendo Fruta, una muestra de serenidad absoluta donde, en este caso, nuestra mirada parece no tener ninguna importancia.
Dramatismo y tranquilidad. Luces y sombras.
Estos parecen ser los elementos de la pintura de este genio que a mi entender, acercó un poco más este arte a la realidad.
Porque si difícil parece hablar de realidad ante un fondo temático tantas veces inspirado en las historias del Antiguo y Nuevo Testamento, Caravaggio lo consigue. En primer lugar, sus modelos distan mucho de la pureza iconográfica tradicional ( en el último número de Caimán Cuadernos de Cine se equiparan sus efebos con aquellos que Pasolini extraía del entorno proletario ); además, esas sombras de las que tanto se habla y que parecen hacer surgir a sus personajes del centro de un sueño, son también sombras internas, capaces de mostrar retazos de sentimientos que, como ocurre siempre, no son completos. La ira, el dolor, el miedo, la paz, .... todo está ahí, pero siempre pasado por el filtro del ser humano.
Hay santos, pero antes son hombres. Sin duda creen en la resurrección, pero se derrumban ante la pérdida.
Y siempre, además de ese juego indescriptible de luz y oscuridad, la sensación de que hay algo escondido, algo que se hurta a nuestros ojos y que nunca llegaremos a alcanzar.
La exposición no se centra principalmente en la obra de este autor sino en su influencia en muchos otros pintores. Con esto se ofrece una muestra plural, muy rica, pero siempre alrededor del sentido teatral necesario para trasladar la historia de la religión. Esas tablas dramáticas que componen , desde un punto concreto, complejas narraciones.
El último paso, es su último cuadro.
Casi como un milagro, nos enfrentamos con esta obra inclasificable, feroz, mística, El Martirio de Santa Ursula. Aquí la dejo. Hay mucho más pero sólo por ella ya habría merecido la pena el recorrido.


Público

jueves, 7 de julio de 2016

CINE: MONEY MONSTER de Jodie Foster

USA 2016
George Clooney. Julia Roberts. Jack O'Connell. Caitriona Balfe. Dominic West. Giancarlo Esposito. Dennis Boutsikaris. Darri Ingolfsson. Christopher Denham. Anthony DeSando. Jennifer Dong. Ivan Martin. Cliff Moylan. Vernon Campbell. Joseph Oliveira

En 1976, Network de Sidney Lumet sorprendía mostrando la influencia de la televisión en nuestro entorno, como un medio de comunicación que había pasado a apropiarse de parte de nuestros comportamientos y a dirigir nuestra intimidad.
Que ingenuidad.
Desde entonces, cualquier medio audiovisual ( ya no es sólo la tv), se ha convertido en un basurero de la realidad, facturando el efectismo a precio de oro y convirtiendo incluso los más serios noticiarios en verdaderos docudramas en busca de audiencia.
Todo vale. La miseria y el dolor es lo que más cotiza.
Las emociones, para ser reales, para ayudarnos a descargar adrenalina, parecen necesitar de sangre verdadera y no de sucedáneos de tramoya.
Esta situación sirve de base al meticuloso guión de Money Monster para adentrarse en otro horror cotidiano: la crisis y la pérdida de valor del dinero honesto, frente a la especulación y una avaricia que ha tocado con su dedo incluso a aquellos que sólo aspiran a una vida tranquila.
Parece que esta especie de juego peligroso con el futuro, nos ha convertido a todos en especuladores, lo que nos hace mucho más sensibles a las fauces de los verdaderos tiburones.
Con estos dos elementos, Jodie Foster, aquí directora, se pone manos a la obra y consigue levantar un thriller claustrofóbico, y potente, y sobre todo, muy muy entretenido. Para ello, junto con un montaje brillante que otorga la necesaria agilidad a un producto que podría resultar estático, utiliza un ligero humor que acompaña y nunca rompe el tono, y una empatía no manquea que termina haciéndonos llegar a la emoción.
El secuestro en directo del presentador de un programa de recomendaciones bursátiles, de un payaso elevado al rango de oráculo, da para hora y media de tensión.
Los solventes Clooney y Roberts están perfectos en sus papeles como también el para mi desconocido O'Connell. La colección de secundarios que convierten la cinta en coral, aciertan cada uno en su papel.
Lo dicho, posiblemente cine comercial pero muy bien hecho y con un fondo de llamada a la reflexión que no debemos despreciar. Se le puede echar en cara ( y de hecho me parece que la mayoría de las críticas así lo hacen ) no afrontar el debate sobre los grados de responsabilidad , sobre lo dañino de esta nueva sociedad donde el dinero se ha desmaterializado y se ha convertido en algo absurdamente volátil. Personalmente creo que es una llamada de atención suficiente y que lo contrario sería más bien un ensayo.
Excelente entretenimiento inteligente.

Público

NOVELA: LUGARES OSCUROS de Gillian Flynn

Reservoir Books
408 páginas
También disponible en ebook.

Tras haber leído dos de sus novelas , esta y Heridas Abiertas, y conocer la trama de la tercera, Perdida, gracias a la excelente película, puedo constatar que para Gillian Flynn la familia está lejos de ser un refugio.
Es sorprendente la capacidad de la autora para retratar el mal, así, en abstracto, y aplicarlo al entorno cotidiano. El mal es para ella una especie de veneno que se filtra en las venas con el objetivo, no sólo de obtener un mayor beneficio, sino también de hacer daño. Lo importante es donde anida , porque , como una especie de virus, necesita para subsistir las dosis justas de miseria, bien sea esta social bien moral ( en la mayoría de los casos, ambas unidas).
Y es aquí donde nuestra novelista se convierte en una cronista certera y nada complaciente de su entorno.
En Lugares Oscuros partimos del asesinato atroz de casi toda una familia ( madre y dos hijas ), y de la condena a cadena perpetua del hijo varón por esos hechos.
Circunstancias relacionadas con la necesidad económica ( siempre la miseria ) convierten a una joven , única superviviente de la tragedia , en investigadora de un pasado sobre el que nunca dudó.
A partir de ahí se solapa una narrativa en paralelo: lo que pasó en aquel entonces y la búsqueda de la verdad por parte de la hija superviviente, entonces apenas una niña, ahora una adulta descreída y no muy recomendable.
En el primer caso, asistimos a los conflictos y la destrucción que provoca la pobreza , enmarcados en una sociedad donde ser diferente o pobre son dos pecados no tolerables.
En el segundo, a una nueva era donde la realidad es algo mutable y totalmente falta de respeto hacia la vida y la muerte, vaciados de su verdadera trascendencia y convertidos casi en fuente de juegos de rol o de entretenimientos para mentes aburridas.
Satanismo, drogas, abusos a menores, la mixtura es tan oscura, salvaje.... y sin embargo nunca llega a chirriar por acumulación.
Flynn es una novelista excelente, no sólo dentro del género negro, y me atrevo a decir que , si alguna vez se decide a probar otros géneros, el resultado será igual de bueno. Es precisa en el lenguaje, certera en la descripción de personajes y sobre todo en la creación de situaciones, a las que es capaz de dar un ritmo casi cinematográfico ( que difícil me ha parecido siempre construir movimiento a través de la palabra ) y, fundamental, sabe perfectamente como graduar la información y el desarrollo de la trama para atrapar al lector.
Vuelvo a decir que no intenta ser políticamente correcta y no le importa arremeter contra instituciones tan sólidas ( en apariencia ) como la familia, romper los lazos de sangre y, como ya demostró en Heridas Abiertas , hacer que cualquiera pueda ser culpable sin que le disculpen sus condiciones personales.
En este caso, puede apuntarse como negativa cierto uso de la coincidencia en la resolución, y cierta precipitación en ella, pero, en cualquier caso, no es excesivamente increíble y, hasta llegar ahí, nos ha regalado cuatrocientas páginas habitadas por la tensión y una oscuridad muy cercana al horror.

Público  

martes, 5 de julio de 2016

ADIOS A KIAROSTAMI

Malos tiempos.
Ayer mismo me despedía de Michael Cimino. Hoy de Abbas Kiarostami.
Nunca quise convertir este blog en un obituario, pero sería injusto no dedicar un adiós a personajes que nos dieron tanto.
Aunque la tacaña distribución nos privo de muchas de sus películas , es imposible olvidar la extraña sensación de milagro que me dejó El Sabor de las Cerezas , o la belleza de A Través de los Olivos, y otras dos o tres , no más, hasta  enamorarnos juntos del rostro de Juliette Binoche en Copia Certificada.
Ya no habrá más.
Pero tampoco habrá olvido.
No se olvidan aquellas obras que se acercan tanto a nosotros que nos dejan el valor de una experiencia, personal y compartida con su creador, alguien generoso hasta necesitar regalar algo tan importante como su mirada.
Esperemos que este verano que comienza no nos regales más tristes despedidas.
Hasta siempre.

Público

lunes, 4 de julio de 2016

SERIE TV: LIFE IN SQUARES de Simon Kajser

BBC
UK 2015
3 capítulos.
180 mínutos.
Phoebe Fox. Eve Best. Lydia Leonard. Catherine McCormack. James Norton. Rupert Penry Jones. Sam Hoare. Andrew Havill. Al Weaver. Guy Henry. Jack davenport. Ed Birch. Lucy Boynton

El grupo de Bloomsbury tiene aires de leyenda.
Una especie de corte artúrica sin rey en la que confluían artistas de diferentes disciplinas , decididos a romper las normas vigentes y convertirse en una élite intelectual, capaces de habitar una Arcadia propia.
Son muchos los que , al margen de reconocer sus logros creativos ( varias veces he hablado aquí de mi admiración por Virginia Woolf, una de sus más insignes componentes ), cuestionan su honestidad.
Por un lado, cualquier autoproclamación como élite intelectual chirría; en segundo lugar, es fácil vivir contra las normas cuando se tienen posibilidades económicas que sostienen esa posición.
Dejando de lado esas críticas, Life in Squares ofrece una visión verdaderamente enriquecedora de esa anarquía amorosa y afectiva: en un desarrollo argumental transparente ( algo difícil teniendo en cuenta la confusión del material ), es capaz de profundizar hasta mostrarnos el alma de estos personajes , sus verdaderas inquietudes , sus necesidades, su capacidad de amar con una entrega real a pesar de que exteriormente pareciesen sólo moverse en el hedonismo.
También nos ofrece las pistas suficientes para comprender cual era el origen de esa necesidad de libertad. Y termina recordándonos que la libertad , como todo en esta vida tiene un precio.
Especialmente relevante el último de los tres capítulos, cuando sus habitantes se encuentran tan cercanos de aquellos a lo que en su día no querían parecerse , cuando se ven obligados a reconocer sus sentimientos y tomar algunas de sus decisiones no tanto por lo que piensan y sienten como por lo que consideran que tienen que pensar y sentir. Cuando tienen que asumir el precio, bien sea perder un hijo en una guerra lejana , bien permitir que una hija realice elecciones claramente equivocadas en base a la experiencia de sus mayores.
Sentimentalmente la serie , el guión, es de gran riqueza , especialmente por su delicadeza a la hora de retratar los sentimientos, de explorar el interior y de tomarse la calma suficiente para que esos miedos, esas dudas , y esa tristeza, aparezca en pantalla. Su autora , ni disculpa ni condena ; creo que su principal valor es tratar a todos como seres humanos, no como esa especie de semidioses que podían haber llegado a considerarse.
Formalmente es hermosísima, con la capacidad de evocación de cualquier buena producción británica, cuidada sin ostentación y teñida de un halo de melancolía que nos acompaña desde sus primeros minutos. La música , la fotografía, su mirada limpia tanto a paisajes interiores como a los reductos íntimos, todo contribuye a generarnos una sensación de descanso en la derrota, en la seguridad de que la vida siempre se termina imponiendo,
Porque , que duda cabe , que la historia que nos cuenta Life in Squares termina siendo una triste historia , de renuncias y de duras apuestas. Posiblemente porque , independientemente de que pensemos que estos muchachos estaban acompañados de cierto cinismo, a todos nos habría gustado pensar que la Arcadia pudo existir algún día.
Terminar reiterando, como tantas veces , la satisfacción de que plataformas como Filmin nos permitan disfrutar de productos de este nivel de calidad sin tener que esperar a que algún canal de televisión decida programarlos.

Público      

domingo, 3 de julio de 2016

MICHAEL CIMINO, IN MEMORIAM

Fue en 1978. Tenía 14 años y estaba pasando en verano en Irlanda, en un pueblo llamado, si no me equivoco, Ballynaslow ( posible error de ortografía ).
No sé bien como convencimos a nuestros tutores para que nos dejasen ir a verla. El caso es que todavía hoy recuerdo la impresión que me produjo. Fue posiblemente uno de los eslabones más importantes para llegar a entender todo lo que podía ofrecer el cine. Yo quería tener amistades tan sólidas como aquellas, escuchar muchas historias así, y , sobre todo, ver muchas películas que me emocionasen tanto.
Le debo por lo tanto parte de mi educación visual. De mi educación emocional posiblemente.
Después de este monumento, Cimino se estrelló con La Puerta del Cielo, fracaso que muchos consideramos injusto.
Todavía nos regalo un thriller tan trepidante como Manhattan Sur.
Hoy me entero que nos ha dejado. Y es como si perdiese a alguien a quien conozco desde hace mucho. Desde esa tarde de verano del 78 en la única sala de aquel pueblo, posiblemente con una proyección bastante deficiente. Desde entonces en deuda.
Como homenaje, sólo me queda decirte que me comprometo a este verano, 38 años más tarde, volver a escuchar como me cuentas esta historia grandiosa, de personas que perdieron mucho, pero nunca todo. Entre otras cosas porque tuvieron a un cronista como tu, dispuesto a convertirlos en héroes.
Hasta siempre. Y gracias.

Público

sábado, 2 de julio de 2016

CINE: FATIMA de Philippe Faucon

Francia 2015
Soria Zeroual. Zita Hanrot. Kenza Noah Aïche. Chawki Amari

Hay historias que merecen ser contadas.
Sin duda la de esta mujer, Fatima Elayoubi es una de ellas.
Llegó a Francia siguiendo a un marido que la abandonó dejándola a cargo de sus dos hijas.
Nunca llegó a aprender a expresarse y escribir en francés, lo que limitó sus oportunidades de trabajo a ser personal de limpieza, todo ello con el objetivo de que sus hijas tuviesen un futuro diferente.
Un buen día decidió plasmar sus pensamientos en su idioma nativo, posiblemente como necesidad de expresarse, de recordarse a si mismo que era más de lo que los otros podían ver.
Con el tiempo, ese libro se ha convertido en una hermosa colección de poemas.
Lo que más me llena no es su historia de superación, algo sin duda encomiable pero que hemos visto otras veces.
Creo que lo más importante de Fatima son esas palabras que nos recuerdan que detrás de cada ser humano hay un alma ansiosa de amor y de belleza, un alma que entiende lo que es una injusticia, aunque parezca que la acepta muda, que es capaz de hacerse preguntas, y que piensa mucho más que simplemente en sobrevivir, aunque sea esto último lo que requiera todos sus esfuerzos.
Esta historia sólo hacía falta contarla desde la verdad, sin necesidad de subrayados, y es la verdad lo que alcanza Faucon en una dirección nítida, transparente, limpia.
Ayuda por supuesto la interpretación totalmente mimética de Soria Zeroual, grande en su humildad, en cada uno de sus gestos contenidos y, en especial , en la sonrisa de triunfo del último plano, aquella que nos hace compartir toda su felicidad.
Es necesario saber que hay muchas Fatimas y que películas como esta nos ayude a mirarlas y escucharlas de otra manera. Mientras tanto, no cerremos los ojos a una sociedad que los aparta sin necesidad de hacer esfuerzos, que se permite mirar simplemente para otro lado como si no fuesen seres humanos.
No contribuyamos a eso.
Fatima se ha alzado con los principales Premios Cesar de este año. Esperemos que sea ese un compromiso , el que todos debemos asumir.

Público