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viernes, 30 de octubre de 2015

EXPOSICION: ANDREA D'ODORICO- LOS ESPEJOS DEL ALMA

Teatro Español
Hasta el 29 de noviembre.

Creo que ya he comentado alguna vez que mis inicios teatrales , al vivir en una ciudad de provincias en los 70, se limitaban a Estudio 1.
Importante y añorada la función que entonces llevaba a cabo la Televisión Española, aprendí a apreciar los textos y la interpretación, pero lo cierto es que la escenografía era por regla general algo utilitario. ( Nota al margen: si repasamos hoy la lista de obras que asomaron a la pantalla a través de ese programa , nos quedaríamos maravillados por su modernidad ).
Fue en los 80, al llegar a Madrid, cuando descubrí la importancia de la dirección artística para crear en el escenario , en directo, esa viaje mágico que es para mi el arte dramático.
Ya Andrea D. era un referente, que a mi me atraía, tengo que reconocerlo, por la sonoridad y el exotismo de su nombre.
Pero poco a poco, fui teniendo la suerte de ir entrando en sus mundos escénicos, y no tardó en llegar un momento en que su participación en un proyecto tenía tanta importancia para mi como el director, el autor o los actores.
Un año después de su muerte, el Teatro Español, que tantas veces le ofreció sus tablas, nos regala una pequeña y preciosa exposición de su obra, tanto en bocetos como en fotografías.
Para cualquiera que, como yo, ame el teatro, esta muestra es una gozada.
No sólo es su obra, sino comprender que la historia del teatro en nuestro país, de su búsqueda, de su ansiedad por la libertad, de su necesidad de recuperar la grandeza y su posición revolucionaria, esta ligada a personas como él, o como su eterno compañero de proyectos, Miguel Narros.
Así, están ahí hitos como Así que pasen cinco años, Seis personajes en busca de autor, Ederra o Tío Vania, también sus incursiones en los clásicos donde fue referente para transformar el acordonamiento habitual por belleza y elegancia.
En sus creaciones, sí, lo repetiremos como lo han repetido tantos, la belleza se convierte en algo que contrasta su solidez con lo efímero, pero hay también una inteligencia dramática y arquitectónica de alguien que ama el escenario, y hay, rebosante, juventud, muchísima juventud, la de un ser humano en constante estado de creación.
Palacios, sueños, casa solariegas, paisajes abiertos.... sus dedos eran capaces de transformar ese espacio neutro, ese agujero en la realidad, que es un escenario, en cualquier lugar de cualquier época.
He encontrado en Los espejos del alma obras que disfruté en su día, Los enamorados de Goldoni, El anzuelo de Fenisa, El caballero de Olmedo.... y muchas que me perdí. Esta exposición me ha permitido por lo menos asomarme un instante a esa ventana maravillosa que siempre nos da el teatro, de la mano de uno de los grandes.
Estaba sólo allí en la tarde del viernes , supongo que muchos disfrutarán la muestra como aperitivo a cualquier función en el Español; no debe de limitarse a eso, de verdad , merece la pena.

Público

lunes, 26 de octubre de 2015

NOVELAS: EPISODIOS NACIONALES- SEGUNDA SERIE III / IV: LA SEGUNDA CASACA Y EL GRANDE ORIENTE de Benito Pérez Galdós

Diversas editoriales
También disponible en ebook.

Seguimos avanzando, apasionados , por esta peculiar historia de España , a través de sus personajes cotidianos y con la capacidad de cronista y de pintor de situaciones y ambientes.
Que país el nuestro y que capacidad para girar de uno y otro lado, ofreciendo un continuo vaivén de requiebros.
Y que país capaz de dar a luz a artistas que , como Galdós, sorprendan por su maestría pero no lleguen a tener la merecida repercusión internacional.
Me parece un empeño inabarcable, esta inmensa colección de narraciones , y todavía es necesario reconocer que , en el catálogo de su creador, no es un empeño único, sino que figura con otras novelas tan logradas como Misericordia o Fortunata y Jacinta, tal vez sea el momento de asomarme otra vez a alguna de ellas.
En la primera entrega de este par , seguimos avanzando en las memorias de este cortesano falaz y traidor que ya conocimos antes , Juan Braga , ahora cercano a la corte y en una necesidad tal de supervivencia que salta de una casa a la siguiente sin apenas darse tiempo.
A su lado, Salvador Monsalud, que ya ha adquirido la densidad del protagonista de la serie , asoma como icono de héroe. de aquellos que no son nunca de una pieza , sino reales.
Con él conocemos parte de un Madrid secreto pero, lo que más disfruto, junto con las pequeñas aventuras que aquí ocurren , es la visión costumbrista y castiza de esa ciudad , de sus calles, sus habitantes y sus costumbres, de ese casticismo tan propio y que , no es extraño, ha derivado en nuestro Madrid de hoy.
Que buen cuado, que bien pintado.
El Grande Oriente es más oscura , quizás , de los episodios conocidos hasta ahora , el que menos he disfrutado por su excesiva concentración en la oralidad de los hechos, en un embate menos activo y más centrado en la intriga.
Queda, eso sí,  como muy interesante la descripción de las diferentes sociedades masónicas y de otro tipo que surgían al calor del desgobierno y que juntaban el pintorequismo con una naturaleza tendente al despotismo .
No olvidemos en cualquier caso, que no es esta nunca una crónica superficial y que así, al lado de la picaresca , no se olvida la crueldad de ciertos episodios que jalonaron nuestro pasado; en este sentido, destaca el asalto a la cárcel por parte del pueblo, harto de injusticia y decidido a aplicar su propia ley.
Sigo en cualquier caso. Estoy aprendiendo sobre la historia de mi país a través de este conjunto, mucho más que en muchos años de colegio ¿ pero como no me obligaron a leer esto?, ¿ y como no es obligatoria todavía?.
Increíble.

Público

domingo, 25 de octubre de 2015

CINE: AMAMA de Asier Altuna

España 2015
Iraia Elias. Kandido Uranga. Klara Badiola. Ander Lipus. Manu Uranga. Amparo Badiola. Nagore Aramburu

En parte puede decirse que Amama sigue la estela abierta el año pasado por Loreak.
De nuevo una película eminentemente vasca, no sólo por estar hablada en euskera, sino también, sobre todo en este caso, por estar temáticamente muy unida a la cultura de esa geografía.
Lo que diferencia estos dos casos de otras cintas procedentes de allí ( posiblemente Tasio de Armendariz sea la primera referencia ), es que no nos encontramos ante productos étnicos de base más o menos documental, sino con productos muy armados desde el punto de vista narrativo y sofisticados en lo que se refiere a su gramática visual.
De todas maneras, el resultado es en estas dos referencias diferente:
Loreak era una muy buena película y que, tras pasar por los Goya, está en carrera para la competición de los Oscars a película no inglesa.
Amama tiene sin duda muchos valores, pero personalmente creo que no termina de ser redonda. He leído algunas críticas que hacen referencia al simbolismo quizás excesivo o a cierta pretenciosidad. Personalmente creo que el problema de esta obra está en la falta de foco y en una mixtura no del todo encajada, de diferentes elementos.
Amama se abre como un cuento , hermoso y narrado por uno de sus personajes ( que si bien asumirá el papel protagónico, desaparece como voz de fondo sin ninguna explicación ), hay líneas de fuga que sirven para encajar el producto, pero pronto se convierte en una narración tradicional y fácil sobre el choque de generaciones en lo que es mantener la tradición frente a la necesidad de afrontar el progreso.
Volveremos al final a ese aire telúrico, pero será una conclusión un poquito artificial, porque esa es una línea argumental que a pesar de ser mostrada, no se ha desarrollado.
De hecho, creo que hay muchas cosas pendientes de desarrollar, el mismo personaje que da título a la película, el hermano mayor, los padres...
También existe una mezcla de lenguajes entre ese simbolismo que muchos citan como excesivo y un tono mucho más práctico. Con ello, la cinta no llega a alcanzar el nivel poético que sería capaz de darle una dimensión singular. Tampoco en este sentido ayuda cierta artificiosidad que responde a la vena artística de la hija, a esa vanguardia creativa ( de nuevo no desarrollada ) en la que a pesar de conseguir alguna imagen potente nunca se alcanza un nivel poético.
Parece que Amama me ha gustado poco y eso no sería justo. Considero que es una historia bien contada, dibujada con pulso, pero que me deja el poso de pensar lo que podría haber sido si hubiese sido capaz de captar ese aire, esa atmósfera que habita en un bosque que se convierte, con su inmensa belleza, en otro personaje.
La herencia del caserío pedía tal vez un nivel más mitológico, cercano a lo ancestral, que tantas veces se cita.
Queda, repito, una buena narración. Momentos logrados. Y las ganas de seguir a Asier Altuna, seguro de que cuando se lance con mayor aliento a lo que estoy convencido de que le gusta hacer, nos regalará un cine mucho más singular.

Público

viernes, 23 de octubre de 2015

CINE: MARTE de Ridley Scott

USA 2015.- Matt Damon. Jeff Daniels. Jessica Chastain. Chiwetel Ejiofor. Kristen Wiig. Michael Peña. Sean Bean. Kate Mara

Recuerdo que hace algunas décadas considerábamos a Ridley Scott un mago de la imagen, capaz de crear mundos propios en entornos fantásticos, como Blade Runner o Alien, pero también de otorgar una mirada sofisticada y brillante a lo conocido, como en Los Duelistas o Alguien que me vigile.
Pasó el tiempo y , tras diversos avatares de no mucho éxito, se sumió en los megaproyectos históricos, desde el reconocimiento, para mi excesivo de Gladiator, pasando por El Reino de los Cielo, y alcanzando, de nuevo en mi opinión, su peor altura en la fea Dioses y Héroes.
Francamente lo daba por perdido.
Una pena, porque hablamos de un director que arriesgaba, como arriesgado era llevar el terror más gótico al espacio o la poesía a un agobiante futuro ( ¿ alguien a podido olvidar la escena entre policía y replicante bajo la lluvia sucia de la ciudad?).
Lo veía ahora anclado en el academicismo más cercano a la taquilla por la simple espectacularidad.
Pues bien, agradable sorpresa, Marte nos recupera un Scott en plena forma.
Estamos en el espacio, pero la ciencia pura sustituye ahora la ciencia ficción; en esta propuesta no hay expectativas de visitantes de  otra galaxia ni remedios mágicos. Marte es una especie de Robinson Crusoe en el planeta rojo, bien apoyado por el seguimiento desde la tierra pero fundamentalmente centrado en una descripción casi minimalista de la lucha por la supervivencia de este hombre, desde su alimentación hasta sus artimañas para alargar sus recursos.
Lo que más me gusta de la propuesta, es que Scott vuelve a arriesgar, pero esta vez de una forma inesperada: Ridley Scott arriesga volviendo la mirada atrás, al clasicismo, y con ello recobra el espíritu más puramente narrativo, sin efectismos.
Así, Marte es una historia lenta, que se paladea, que se disfruta desde la serenidad y la atención, y que consigue generar tensión y verdaderas emociones por los propios contenidos de lo que se va desarrollando.
Recupera con ello el género de aventuras, la ilusión de vernos llevados de la mano por un conjunto de peripecias sorprendentes, siendo capaz de dotarlas de corazón.
Por supuesto, si bien no la explota de una forma artificiosa, el director no ha perdido su capacidad de fascinar visualmente, y las imágenes del espacio y del desierto rojo, hipnotizan nuestra retina con una magnífica belleza.
La película va engrandeciéndose a medida que transcurre, como se engrandece la epopeya que se narra. Y consigue que transcurran más de dos horas sin que nos enteremos.
¿Cine de entretenimiento?
Para mi muy buen cine.

Público

miércoles, 21 de octubre de 2015

TEATRO: REIKIAVIK de Juan Mayorga

Director.- Juan Mayorga
Intérpretes.- Daniel Albadalejo. Cesar Sarachu. Elena Reyes

Nadie puede ya dudar de que Juan Mayorga es el dramaturgo actual más importante de nuestro teatro.
Es impresionante su capacidad de producción, pero también la pluralidad de temas y modelos, desde la parábola animal al teatro social, y, muchas veces , la recreación de la historia reciente; sorprende en este último caso ( o al menos a mi me sorprende ) su alejamiento de los referentes más castizos, más cercanos; así en sus piezas "históricas" Mayorga ha hablado de la Revolución Rusa o los campos de concentración alemanes.
Y, sobre todo, Mayorga es muy teatral, su teatro es muy teatro, huyendo de cualquier atisbo de naturalismo o de búsqueda de la realidad impostada. Sus textos ( y hablaremos también de sus representaciones , ahora que también dirige ) son artefactos escénicos que no esconden su condición de tal, sino que la potencian y la aprovechan.
En Reikiavik, contamos con dos de esas constantes:
De nuevo el autor recurre a la historia, esa partida de ajedrez que se convirtió, en plena guerra fría, en un combate tan importante como los de Waterloo o Bailén , aquí referenciados. Ese acontecimiento que elevó a la historia a la capital de Islandia y que llegó a vincular a dos potencias a su más alto nivel, sobre dos personajes desconcertados , alejados de la relevancia de su misión o incapaces de entenderla en toda su dimensión.
Pero lejos de una narrativa simple, Mayorga recurre, crea, un artefacto como hizo por ejemplo en El chico de la última fila, y que nos permite transitar por lo ocurrido con cierto nivel de reflexión en la distancia. Una estructura muy inteligente, coherente hasta el final, y que abre puertas para pensar en otros aspectos como el lugar y la forma de la narrativa y su vinculación con la realidad.
De esta manera, veo en Reikiavik tres lecturas que encajan a la perfección:
Por un lado es la traslación de una pequeña y grande epopeya histórica, en la que personajes normales se vieron engullidos por intereses superiores.
En segundo lugar , un ensayo sobre la realidad , la narrativa , las vías de escape.... este aspecto daría para un largo debate , para ahondar más en lo que se nos ofrece tirando de diferentes hilos.
Y también , Reikiavik es un misterioso cuento borgiano, con mucho misterio y algo de magia.
Mayorga se estrenó en la dirección con otro texto suyo de también pocos personajes, La lengua en pedazos ; aquí la propuesta es más arriesgada y no por ello deja de estar conseguida, no en vano es suyo el texto y sabe sacarle el mejor partido, con muy pocos elementos y potenciando el humor , hasta conseguir no sólo divertirnos sino casi trasladarnos en el tiempo y en el espacio.
Es imposible hablar de esta propuesta sin citar a sus dos actores protagonistas ( Elena Reyes también está perfecta en el papel de acompañamiento, no sería justo no citarla ). Albadalejo y Sarachu, siempre presentes , con texto infinito y un lenguaje gestual lleno de matices , se conviertes en dos seres plásticos, capaces de transitar entre los tonos y palabras con una sorprendente veracidad y una entrega total. Son una mezcla perfecta de dramatismo y clown que nos atrapan desde el primer hasta el último minuto. Sin ellos, esta pieza no tendría esa fuerza.
Reikiavik está siendo un éxito. Lo merece. Es otra muestra de que Mayorga es ya un autor universal. Un gran dramaturgo de nuestro tiempo y para todos los tiempos.

Público    


domingo, 18 de octubre de 2015

NOVELA: LA CONSPIRACION DE LOS MEDIOCRES de Ernesto Mallo

126 páginas
Siruela- Nuevos Tiempos
También disponible en ebook.

Tras varias sesiones de largos novelones, necesitaba algo de género negro para desengrasar.
Sin conocer al autor, las críticas de los suplementos culturales, mi fuente habitual de información, me lo recomendaron.
Y era una buena recomendación.
Ell género negro clásico tiene unos códigos en lo que se supone a sus colores habituales, y además, las obras realmente conseguidas, funcionan como reflejo de la sociedad en la que se inscriben, de su estructura , sus vicios y sus deudas con el pasado.
La conspiración de los mediocres se inscribe en Buenos Aires, en un periodo asolado por la corrupción en la administración, en instituciones tan necesarias como la propia policía; también recuerda, como lo hacía la película El médico alemán, lo que este país ha supuesto como refugio de los criminales de guerra nazis.
Estas son las dos líneas que conforman esta breve novela. Más bien , la amalgama de situaciones que van a desarrollarse.
Lascano, nuestro detective, es por supuesto un hombre solo, algo desengañado y que vivirá una preciosa historia de amor. Pero no está llamado a tener suerte. Podría codearse por lo tanto con cualquiera de nuestros clásicos.
Hay dos cosas, sin embargo, que hacen singular esta propuesta.
Por un lado su inmediatez, su rapidez al transitar por los caminos del género sin buscar demoras, entrando de cabeza en la trama. No importa si en momentos puede chocar su entrada , todo funciona como disparos, de un capítulo a otro; la elegida brevedad del texto tampoco daba posibilidades para otra vía , teniendo en cuenta todo lo que se quiere contar. Y funciona.
Por otro, un desarrollo complejo que no sigue una vía argumental. Es como si en lugar de una historia, su autor pintase un cuadro de colores agresivos, un retrato cruel de la situación. Aumenta con ello el nivel de denuncia.
Ante nosotros se muestra una sociedad envenenada , a tal nivel que no alcanzamos a asumirlo de forma total, pero sí presentirlo, tal es el número de asesinos que transita por sus páginas.
Se lee de un tirón, entretetiene siempre, sorprende.
Avanza, como digo, en el aspecto de denuncia.
Y es que la buena novela negra sirve para muchas cosas.

Público

OPERA: ROBERTO DEVEREUX de Gaetano Donizetti


Director musical- Bruno Campanella
Director de escena.- Alessandro Talevi
Intérpretes.-
Mariella Devia. Mariusz Kwiecien. Silvia Tro Santafé. Gregory Kunde
Producción de la Welsh National Opera de Cardiff
Disponible en Palco Digital del Teatro Real de Madrid

Para alguien que, como yo, no es muy entendido en ópera, no deja de ser una muy grata sorpresa encontrarme con piezas como esta,  no habitual en el repertorio y por lo tanto poco conocida del público, y que cuenta con una partitura bellísima, de un virtuosismo delicado y lleno de sentimiento y que, desde la obertura, me cautiva totalmente. Las arias del protagonista en su cautiverio, y ,en especial, las de la Reina Isabel en sus escenas de arrepentimiento, son inolvidables.
Tal vez su escasa difusión tenga que ver con su libreto, basado en un drama obviamente menor y que, frente a lo normalmente rocambolesco del género se queda en casi una pieza de cámara. Me sorprende que, por ejemplo, El Elixir de Amor del mismo autor, tenga una mucho mayor difusión con, a mi modesto entender, un alcance musical mucho menor.
La producción que nos ofrece el Real, situa la acción en un espacio intemporal, casi de cuento oscuro, en la corte de una reina araña. Puede cansar tanta negrura pero en general hay belleza  extraña, sin grandes sorpresas y con algún simbolismo no demasiado claro. Con ese mismo concepto, se podía haber ido a más, pero lo cierto es que nos movemos en la corrección, y eso, dados los experimentos que hemos visto en ocasiones, es de agradecer.
Por último, alabar la propuesta de Palco Digital. Nunca hay que abandonar las butacas de los teatros, pero, como comenté en otra ocasión a propósito de Digital Theatre, es bueno ampliar las posibilidades. El cine ha llegado a otras pantallas, el teatro y en general las artes escénicas también.
La belleza de la música de Donizetti se alcanza de cualquier manera.

Público

viernes, 16 de octubre de 2015

CINE: EL CLUB de Pablo Larrain


Chile 2015
Alfredo Castro. Roberto Farias. Antonia Zegers. Jaime Vadell. Alejandro Goic. Alejandro Sieveking.

La cita del Génesis que abre esta terrible película nos recuerda la separación entre la luz y la oscuridad.
Ya desde los primeros fotogramas la textura de arena y niebla que los impregna, y que no los abandonará, nos anuncia que es a la oscuridad a donde conduce este viaje.
Pero no es una oscuridad plena, la de la noche, sino una mucho más aterradora, porque está creada y habitada de seres humanos. No es por lo tanto una negrura visual, sino pastosa, llena de mediocridad, de miedos, de crueldad y de , en definitiva, los vicios y pecados que pueden anidar, no nos engañemos, en cualquier corazón.
Posiblemente lo que hace que el puñetazo sea mayor en esta ocasión, es que esos protagonistas sean hombres de la Iglesia.
Estamos en un pequeño pueblo al borde del mar. En una casa conviven cuatro varones ya mayores y una mujer de mirada dulce cuya misión parece ser la de cuidarlos. Su principal interés, un galgo que participa en carreras en el pueblo y que les proporciona sus únicas alegrías, porque lo cierto es que, incluso en ese entorno inicial en apariencia apacible, asoma ya un inquietante aroma de tristeza.
La llegada de un nuevo inquilino nos va abriendo puertas. La tragedia no es el final sino el principio. Lo que desencadena una segunda presencia. La del juez que nos descubre el fondo de esos hombres de mirada torcida.
La casa es un lugar donde la Iglesia retira a aquellos sacerdotes que tienen que purgar sus culpas, no sólo pedófilos, también estafadores, ladrones de niños y cómplices de los crímenes de la dictadura. Lo que le toca analizar a ese enviado es si verdaderamente esos lugares ( queda claro que es sólo uno más entre muchos ) son verdaderamente retiros de penitencia o simplemente escondites.
La nueva Iglesia parece querer afrontar esta situación de forma diferente.
A partir de ahí, dando también protagonismo a las víctimas en un personaje atroz en su dolor, se desarrolla una trama que tiene su peso en la palabra, consiguiendo con esa herramienta ser una de las experiencias más sobrecogedoras que puede verse en una pantalla.
Larrain la dota de un ritmo de thriller seco, el que se desarrolla entre miradas y silencios, pero además consigue, gracias a la fotografía antes citada, a una música fantásticamente elegida y a una difícil naturalidad en la dirección, darle una densidad interior que le otorga una dimensión espiritual casi de auto sacramental.
Creo que hay que ser muy valiente para afrontar esta propuesta.
El Club tiene mucho contenido para el debate; es muy discutible la solución final, complejo entender la dualidad de sus personajes, conseguir otorgarles alma, dudar si hay cabida para la compasión. Pero supongo que esa es una de las conclusiones: incluso para aquellos que nos consideramos creyentes, es imposible olvidar que también la Iglesia está habitada por seres humanos, esos que somos capaces de la mayor grandeza y de la más terrible crueldad.
Creo que hay un plano muy significativo casi al final, es una hermosa puesta de sol que se demora unos segundos, en ella Larrain parece decirnos, y con él coincido, que a pesar de todos los horrores del mundo no puede negarse la existencia de Dios, y que sí sabemos mirar lo encontraremos en muchos lugares.
El Club es una película excelente y necesaria.
No creo que nadie deba sentirse atacado, sí dolido.
Nos queda el perdón. Y la justicia.
Nota: sólo hay una cosa que no me gusta, el título.

Público  

jueves, 15 de octubre de 2015

NOVELA: UNA SENSACION EXTRAÑA de Orhan Pamuk

Random House
700 páginas
También disponible en ebook.

Parece existir cierto grado de maldición con la concesión del Nobel ( como con cualquier premio, por otra parte): parece que la calidad de la obra posterior a la misma , no alcanza el nivel previo y en algunos casos, como nuestro Camilo José Cela, es casi inexistente.
De acuerdo, como cualquier generalización tiene mucho de tópico.
El caso de Orhan Pamuk me parece totalmente inverso:
Cuando le concedieron el galardón, me alegré. Todo lo que había leído de él me gustaba . en cualquier caso, tenía la sensación de que todavía le faltaba obra para llegar a este Olimpo.
Pues bien , desde entonces ha publicado El museo de la inocencia y la que ahora nos ocupa , y ambas han servido para revalidar lo adecuado de posicionarle entre los elegidos.
Como en la anterior, Pamuk opta por una obra larga , amplia en su paisaje temporal, y centrada en su amada Estambul. Sobre todo, se decide por un concepto narrativo clásico, de gran novela , como la que podría haber presentado un Tolstoi.
Hay un personaje central , Madlut, al que seguimos desde su infancia hasta que se acerca a la tercera edad, un hombre ni demasiado inteligente , ni demasiado emprendedor ; un hombre normal en definitiva , como miles de los habitantes de ese país.
A su alrededor , en los diferentes avatares de la vida , se desarrolla un grupo plural de personajes , familiares , allegados o simples conocidos, con sus propias existencias y, en este caso, sus propias voces , creando un mosaico muy rico en cuanto a peripecias pero también en cuanto a puntos de vista y opiniones.
Es impresionante como, una vez más , el autor consigue integrar la historia personal en la de la ciudad , en el desarrollo que se va produciendo a lo largo de los años en su estructura física y sus costumbres, con una prosa clara , exenta de cualquier alarde autoral y que parece sólo tener el objetivo de contar. La caligrafía de Pamuk destila inteligencia y humildad , aspectos que deberían estar siempre unidos.
De todas maneras , lo que más me ha impresionado de esta obra es su inmensidad psicológica , como consigue , sin que nos demos cuenta , que vayamos asistiendo a la evolución del personaje central, desde su ímpetu juvenil a su cansancio adulto, su cambio de actitud ante la vida , la capa que los conocimientos van dejando en su comportamiento ..... es decir, un perfil en evolución, absolutamente real y con la complejidad y la sencillez de la propia vida. Es un retrato cargado de matices , de colores diversos, de realidad.
Con él, recorremos las calles oscuras , habitamos en esa chabola que termina convirtiéndose en su hogar de referencia , asistimos a sus dudas en la necesidad de no estar solo y su tendencia a la soledad , lo vemos como hijo, como marido , como padre....
Y vivimos esa extraña historia de amor, que , quien lo diría cuando de manera confusa se inicia, alcanza la grandeza de coronar este relato inmenso en fondo y en forma.
Una maravilla.

Público  

domingo, 11 de octubre de 2015

CINE: EL CLAN de Pablo Trapero

Argentina 2015
Guillermo Francella. Peter Lanzani. Inés Popovich. Gastón Cocchiarale. Giselle Motta. Franco Masini. Antonia Bengoechea. Gabo Correa.

Hay un doble nivel en esta terrible película:
Por un lado, desde el punto de vista histórico, es una versión descarnada de la resacade la dictadura argentina, un tiempo cuando bajo la excusa de seguir adelante, se convirtió el silencio de todos en una nueva forma de impunidad, aquella que otorgaba a los antiuos verdugos el derecho a seguir ganándose la vida haciendo aquello que sabían hacer mejor que nadie.
Suena increible, pensar que en el día a día de la nacióon convivían con total conocimiento matarifes y políticos. Pero así era.
Desde una visión más universal, y posiblemente por ello más aterradora, esta historia real, se nos presenta como una radiografía del mal, en toda su amplitud.
Sólo el mal, sin duda, puede subyacer en ese hombre ( que interpretación tan grandiosa, que mirada tan terrible ) que tiene un absoluto desprecio por cualquier vida humanaque no pertenezca a su familia.
Pero, lo que El clan también nos muestra, es el mal de quien comparte tareas, aunque alguina vez tenga dudas, de quien calla y se aprovecha , e incluso colabora con la intendencia, personalmente incluiría también a quien huye pero deja que se siga produciendo el horror.
No me vale como excusa la necesidad, la familia, el rencor; cualquier atisbo de humanidad me resulta incomparable asu inmundicia y el dolor que producen.
Tal vez , una de las lecciones más sangrantes de esta narración es que, quien desde siempre convive con ese mal, empieza por acostumbrarse a él en la infancia, como quien se acostumbra a cualquier trabajo de su progenitor.
Para llevarlo al extremo, su director opta, de forma inteligente, por transmitirnos esta historiadesde el ámbito cotidiano de sus protagonistas , y es ahí donde se multiplica la nausea, al contemplar la serenidad que impera en el día a día de los asesinos. No son necesarios los efectos e incluso las canciones de la banda sonora parecen contradecir lo que se nos está contando; no hace falta ir más allá. Basta con escenas donde con total normalidad se prepara el alimento para los secuestrados, o los proyectos de traición planteados sin ningún asomo de remordimiento.
El clan es turbadora, venenosa, importante.
Una muy buena muestra de cine pero también un testimonio a no olvidar.
Trapero ya había sido capaz en Carancho o Leonera de mostrarnos su pulso a la hora de narrar el lado oscuro de la sociedad. No está lejos Scorseses. Esta que nos ocupa tiene más fondo de thriller, de cine negro, pero como el maestro italoamericano, no olvida mostrarnos lo que hay debajo. Retratar la miseria no es sencillo y sí un acto de valor.

Público 

NOVELA: GUERRA Y PAZ de León Tolstoi

TolstoiDiferentes editoriales
También disponible en ebook

A veces tenemos la suerte de entrar en una novela.
No leerla: entrar.
Es una experiencia que nos lleva a regresar a nuestras primeras lecturas, aquellas en que todavía éramos crédulos.
Son momentos en que conocemos a un grupo de personajes como personas complejas y mutables, nos familiarizamos con sus relaciones y su entorno y compartimos sus aventuras.
Son los clásicos.
Entro de nuevo en Guerra y Paz habiendo olvidado mucho, con las ganas de la primera vez y, quizás, una capacidad diferente de apreciar la literatura.
Gracias a Dios compruebo que no he perdido la capacidad de disfrutar todas y cada una de las páginas de esta incontestable obra maestra. Pero además ahora, tal vez mejor que entonces, puedo percibir la destrezaque hay tras esa pluma que puede descubrir colores nuevos y ser perfecta a la hora dedescribir el interior y el exterior, la guerra y los salones.
Son muchas las veces en que, por volumen o antiguedad, la incultura popular ha relegado novelas fabulosas acusándolas de ladrillos. Que error. Que irresponsabilidad privar a cualquier persona de disfrutar de joyas como esta.

Público

CINE: YO, EL Y RAQUEL de Alfonso Gómez- Rejón


USA 2015
Thomas Mann. Olivia Cooke, RJ Cyler. Nick Offerman. Connie Britton. Molly Shannon. Jon Bernthal. Katherine C Hughes. Matt Bennett. Massam Holden. Bobbie J Thompson. Chelsea T Zhang. Gavin Detz. Edward de Bruce III

Dentro de la profusión de películas de y para teenagers de mejor o peor gusto, creo que produce cuando menos ternura sorprendernos de vez en cuando con un director de esa generación, que parece haberse criado a la sombra del vídeo ( ojo, no digo del cine, porque gran parte de las películas a las que Gómez- Rejón hace referencia, se estrenaron mucho antes de que él naciese; esto otorga a los antiguos videoclubs una posición similar a la de los museos para los amantes de la pintura: un lugar para ir a conocer a los clásicos, nostalgia bendita nostalgia. ).
En cualquier caso, no nos asustemos, en Yo, él y Raquel, no vamos a encontrarnos con un pedante cinéfilo, un pequeño Greenway ( ¡ que horror! ):
Por un lado, en el paisaje, nos encontramos con el modelo de instituto ante sreferenciado, historias de jóvenes más o menos descolocados, que intentan encontrar su sitio, donde las mujeres siempre ocupan un espacio importante. Divertidas anécdotas y pensamientos que, aunque pudiesen sonar superficiales por su tono jocoso, encierran mucha verdad. Me gusta la diagramacion de contenidos que el director maneja tanto en la escritura como en la filmación.
En segundo lugar, y desde el respeto, no trata a los clásicos con reverencia sino con un cariño de alumno sorprendido, que le permite acercarse a ellos en forma de parodia, a través de descacharrantes adaptaciones personales. Por ahí pasan desde Apocalipsis Now a La naranja mecánica o Rashomon.
Así, Yo, él y Raquel, es una especie de versión actualizada de Love Story ( aunque aquí el amor sea posterior a la enfermedad ).
Hay dos jóvenes y hay un futuro que debería de estar ahí pero que desaparece sin que nadie pueda entender porqué.
¿ Que es entonces lo que la hace diferente?, varias cosas:
Creo que ya he citado antes su guion, y es que, está muy bien escrita, plagada de diálogos ingeniosos que nunca suenan falsos.
Además, la caligrafía opta por liberarse de obligaciones, ser personal pero sin alardes autorales, lo que le otorga una gran frescura. Parece moverse entre el home movie y un trabajo de fin de carrera lleno de talento.
Todo huele a sinceridad, acercándose a pocos centímetros de sus personajes sin manipulación ni intrusismo.
El resultado no sólo es divertido, sino también emocionante.
Yo, él y Raquel, me deja un poso de melancolía que esta muy hermanada con la madurez, la que sin duda tiene este creador para compartir generosamente su mundo y hacernos sentir.

Público  

CINE: DEL REVES de Pete Docter

.USA 2015
Animación

Desde hace unos años, la madurez del género de animación, ha dado lugar a hitos cinematográficos, al nivel de cualquier obra de culto.
Parece como si sus creadores hubiesen comprendido que los padres son acompañantes necesarios, pero no sólo eso, también tengo la sensación de que se ha perdido el miedo a avanzar por caminos más complejos, siempre siendo necesario potenciar una doble lectura en función del grado de elaboración del asistente.
Wall E, Ratatouille o Toy Story 3 pueden medirse con cualquier otra película, pretendidamente de adultos, en originalidad, escritura y capacidad de sorprender y generar emociones.
Del revés tiene varias características para pertenecer a ese pelotón de cabeza.
El principal, su nivel de riesgo en lo que ha contenido se refiere; si antes hablábamos de propuestas que se habían atrevido a ir más allá, en este caso, la apuesta es de triple salto mortal:
Ya no nos enfrentamos a la aventura de un personaje más o menos simpático y más o menos reconocible, en un escenario con referencias para todos.
Aquí, los cinco personajes que dirigen la historia son nada menos que las cinco emociones que gobiernan el interior de una niña , Alegría, Tristeza, Ira, Miedo y Asco; y el equilibrio no siempre fácil en un periodo de adolescencia con cambio de ciudad, se convierte en el reto a alcanzar. El paisaje, más allá del hogar de la protagonista, es principalmente su interior... Difícil ¿eh?.
Pues, los creadores tienen que poner en marcha su imaginación, en primer lugar, para dar cuerpo a esos cinco, en segundo lugar para conseguir materializar ese interior, las líneas de la personalidad y la memoria, los recuerdos y conceptos tan complejos como el pensamiento abstracto.
Lo consiguen.
Crean un entorno lleno de luz y totalmente comprensible, para permitir ( lo que viene siendo habitual en los últimos productos del género ) esa doble lectura que antes citaba y que debe encandilar por igual a pequeños y mayores.
Aunque pueda haber niños que no identifiquen los conceptos, sin duda se engancharán a la plasticidad de los personajes, profundamente divertidos, y a las solucciones visuales que se mueven en una especie de poético parque de atracciones. 
Funciona como una aventura de búsqueda y salvación, con una textura  brillante y coloriista  que remite, por contraste, a un divertido mundo infantil; no se olvidan de la ternura, marca de la casa, y de dejar una lección.
En este caso, una tan importante como que para ser feliz, a veces hace falta la tristeza.
Una joya
Nota: especial mención a los títulos de crédito finales ¡ absolutamente geniales!

Público

lunes, 5 de octubre de 2015

HENNING MANKELL EN NEGRO

Este blog se abrió hablando de un libro de Henning Mankell.
Escritor de novela negra al que, si la vida fuese justa , habría que reconocerle ser pionero de todos los escritores del género que , tras él, llegaron del frío.
Sorprendente en su capacidad de otorgar profundidad al género , de conseguir que Wallander se convirtiese en un compañero de viaje y, por supuesto, de escribir novelas tan apasionantes como Cortafuegos, o La falsa pista, o La quinta mujer...
No fue sólo eso.
También , desde su mirada al continente africano, que tan bien conocía, nos acercó a la miseria que produce la injusticia, a la necesidad de reflexionar , a entender la vida como algo incomprensible.
Tengo la sensación de que no estaba lejos de su suegro, el gran Ingman Bergman , y me habría encantado ser oyente mudo de sus conversaciones.
Sabía que tenía un cáncer. Hoy se hace público que la enfermedad se lo ha llevado.
En estos casos siempre se dice que queda su obra.
Yo desde aquí, y con esta fotografía, quiero decir que queda también su mirada. La de un hombre bueno e inteligente.
Gracias

Público

sábado, 3 de octubre de 2015

CINE: REGRESION de Alejandro Amenabar



España/ Canadá 2015
Ethan Hawke. Emma Watson. David Thewlis. Lothaire Bluteau. Dale Dickey. David Dencick. Peter McNeill.Devon Bostick. Aaron Ashmore

Como a muchos, me atrapó Tesis, el primer thriller de Amenabar.
Sin embargo, no soy de aquellos que se sienten fascinados por su carrera.
De hecho, me siento próximo a su visión del negro fantástico ( Abre los ojos y Los otros ) pero no de su incursión en otros géneros. La alabada Mar Adentro la considero un terrible ejercicio de manipulación que roza la pornografía sentimental, y Agora demuestra que todavía le falta experiencia para asumir un proyecto histórico de este calado.
Por lo dicho, su planteamiento de volver al negro con Regresión, me resultaba apetecible, y quizás también, porque mi admiración no es infinita, no me he sentido tan decepcionado como al parecer les ha ocurrido a muchos.
De nuevo Amenabar bebe de referentes conocidos.
Pequeño pueblo rodeado por el invierno donde la sordidez parece estar escondida bajo la capa de hastío de la vida cotidiana, policía desengañado con la vida y caso donde se mezclan los abusos sexuales con ceremonias satánicas.
Que ese policía llegue a obsesionarse con lo que cree es una misión de un alcance mucho más amplio y, con ello, a acercarse en exceso a la inocencia que representa la víctima, es tan esperable como comprensible.
Los elementos pues no tienen mucho de novedoso.
Tampoco el color, la textura , llena de lluvia y oscuridad. No es malo tener la sensación de haberlo visto ya otras veces ni tampoco que esto nos guíe desde un inicio, sabiendo que nos estamos acercando a una introspección sobre la naturaleza del mal y su calado en entornos cotidianos.
Lo importante es ver que es capaz de hacer con estos mimbres uno de nuestros directores más internacionales.
Y tengo que decir que, sin alardes, el resultado está a la altura de cualquier thriller de género americano. Amenabar consigue crear un clima malsano, e ir desplegando poco a poco las distintas capas que en ocasiones la acercan al género de terror.
Hay tensión y misterio ( he leído que muchos críticos parecen adivinar el resultado desde el inicio; además de críticos son muy listos, porque este no ha sido mi caso).
Posiblemente, le falte un trabajo de guión más elaborado para tratar un material que se quiere complejo y redondear la historia; también cierta épica o poesía para otorgarle entidad al debate sobre el bien y el mal, y dotarlo de duda y de peligro.
Es cierto que es después, cuando se rememora la historia, cuando descubrimos alguno de sus filos que no han quedado claros en el tono. vale, no es redondo.
Podría haber sido un producto mucho más logrado, pero tal y como se nos presenta supera lo aceptable.
Entretenimiento puro y duro y catalogable como muchas otras propuestas de género. ¿ Es esto malo? para mi no.
Puede pensarse que no es mucho para seis años de espera, pero eso son ya otras consideraciones. A lo mejor es el momento de que Amenabar vuelva ( regrese ) a sus orígenes, a esos sótanos de la universidad o la Gran Vía vacía, pero mientras tanto, sigue demostrando que es capaz de hacer un cine saludable, y el hecho de que intente acercarse a otros referentes culturales, no debe de servir de arma para ponerse en su contra, se ha ganado ese derecho.

Público

jueves, 1 de octubre de 2015

TEATRO: MADRE CORAJE de Bertolt Brecht

Dirección y versión.- Ricardo Iniesta
Intérpretes:-
Carmen Gallardo. Lidia Mauduit. Raúl Vera. Silvia Garzón. Manuel Asensio. Jerónimo Arenal. Raúl Sirio Iniesta. María Sanz
Compañía Atalaya.

Madre Coraje es un texto icónico dentro del teatro épico de Bertolt Brecht, un canto de furia contra las guerras , cualquier guerra, una buena base para un debate sobre cual debe de ser el límite de la supervivencia, hasta donde está justificado que llegue el ser humano, si frente a la injusticia está destinado a convertirse en alguien tan injusto como todos los demás, si siempre quedará en el fondo el calor de un corazón capaz de sentir.
No conozco el original. No sé por lo tanto que intervención tiene Ricardo Iniesta en la propuesta que ahora se representa en las Naves del Matadero. Ignoro si las canciones que acompañan la narración están desde el inicio y tengo la sensación de que se ha podado hasta alcanzar una duración y una efectividad perfecta en hora y media.
Lo que sí está claro es que no existe en esta Madre Coraje de Atalaya ningún asomo de traición sino todo lo contrario:
La dirección no sólo asume el fondo político, sino que lo actualiza ante cualquier tentación arqueológica, universalizando su mensaje . Malditas sean todas las guerras , por supuesto, pero lo que nos recuerda esta representación es que las guerras no son sólo las que se libran en los campos de batalla, o que la injusticia y la miseria no es algo que sólo florezca en las guerras. Esta mujer que sigue a los ejércitos y que se beneficia del horror que producen, que termina siendo devorada por su propia miseria, ( debiendo cuestionar en este punto si la miseria no se limita a la ambición económica sino también al ansia de sobrevivir a cualquier precio ), representa a todos los desposeidos, principalmente a aquellos capaces de ser conscientes de su situación y de su ausencia de culpa, esas personas que habitan nuestro planeta desde el principio de los tiempos, que hoy pueden ser los refugiados procedentes de Siria pero que en otro momento podemos ser nosotros ( estéticamente referencial la primera imagen de esas sombras escalando la valla frente a un cielo profundamente azul).
Ante la distancia que pide Brecht a su teatro, y que no siempre hace fácil su representación, Iniesta opta por una especie de tebeo en movimiento, una sucesión de viñetas que se van oscureciendo aunque no pierdan nunca su nivel de astracán , y que van ganando alma a medida que va avanzando la tragedia, presentadas por sus intérpretes a modo de acotación para guiarnos por la triste epopeya .
Sin que seamos conscientes , nos vamos viendo atrapados por esta historia y por su representación escénica , de una belleza sensorial sobrecogedora.
Y es que los materiales de los que se compone, rozan siempre la excelencia:
Impresionante la iluminación y el sonido que consiguen envolvernos continuamente en lo que sucede en el austero escenario. Pocos elementos les resultan necesarios para presentar escenas tan hermosas como las del camino por el paisaje nevado o los fusilamientos.
Magnífica la banda sonora ( repito que desconozco si presente en el original). Ya en otra pieza de este grupo vista hace tiempo , Electra, se optaba por la no traducción de algunas partes. Posiblemente un subtitulado podría ayudar , pero tal y como están, consiguen transmitir fuerza y derrota, sentido de lucha, y una estética muy especial.
Pero sobre todo, hace falta contar con un grupo de actores, ocho en este caso, capaces de tragarse sus personajes y mutar en otros con una plasticidad absoluta, de ser humanos rozando el muñeco, de hablar con una dicción perfecta y variada y de cantar como absolutos profesionales de la música. Son ellos los que ponen la carne en esta propuesta, por otro lado tan conseguida.
Atalaya es un ejemplo de compañía teatral; en este momento, si no me equivoco, además de esta Madre Coraje, tiene dando vueltas un Marat Sade y una Celestina. Con profesionales así, el teatro está salvado para siempre, venga la crisis que venga.
Al salir del Matadero, gozoso y sobrecogido por esta lección de arte , no puedo evitar sonreír pensando en lo que la "in-cultura" mediática ha hecho con el término Madre Coraje ..... Si Brecht levantase la cabeza.
Gracias Atalaya.

Público