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lunes, 28 de septiembre de 2015

NOVELA: LA LUZ QUE NO PUEDES VER de Anthony Doerr

SUMA
600 páginas
También disponible en ebook.

La novela histórica se ha convertido en uno de los géneros con mayor capacidad para enamorar a lectores.
Esto es algo satisfactorio por lo que tiene de didáctico. De acuerdo que hay ocasiones en las que cualquier atisbo de credibilidad brilla por su ausencia, pero no es este el caso de la mundialmente multipremiada obra que nos ocupa.
Lo primero que hay que decir de La luz que no puedes ver , es que es una novela bien documentada , que trata con respeto la información sin utilizarla al antojo del autor para generar un producto más efectivo.
Nos encontramos en la Segunda Guerra Mundial, la mayor parte del desarrollo de la historia, dos líneas en paralelo, nos presenta a dos personajes: una niña ciega francesa víctima del asedio y un joven alemán, huérfano, que conoce el horror de convertirse en un soldado del Reich gracias a sus actitudes.
Estas dos líneas paralelas , encaminadas a cruzarse en un encuentro importante pero fugaz, irán caminando hacia esa cita mientras a su alrededor se van desarrollando pequeñas historias en las que asoma el terror y también la valentía, completados con diferentes personajes secundarios que acompañan su peripecia. Es un fresco plural en tiempos de guerra, con algunas peripecias que pueden sonar a conocidas , pero en cualquier caso, narradas con rigor.
Al mismo tiempo hay un aspecto que personalmente no termino de encajar del todo en la trama , la historia de un diamante que no sé si pretende poner un punto de leyenda en esta historia, o incorporar la figura del saqueador de obras de arte que parece abundó en las filas de los nazis. En cualquier caso, ese punto de leyenda me parece ajeno al resto de la propuesta.
Hasta aquí todo bien , pero...
... Sin que exista nada que me incomode , tengo un problema importante con este libro:
La narración está estructurada en pequeños capítulos, mínimos en la mayoría de los casos, que van saltando del muchacho a la chiquilla ( en alguna ocasión interrumpidos por el buscador de tesoros ). Son tan reducidos que , si bien eso sirve para hacer muy ligera la lectura , personalmente me impide empatizar con ninguno de los protagonistas ni centrarne en sus epopeyas que se alargan en exceso en un continuo ir y venir.
Repito, esto hace que la lectura sea un ejercicio rápido y cómodo pero también distante.
Hay mucho buen en La luz que no puedes ver , pero una historia así debería dirigirse directamente al corazón y hacerlo saltar por los aires. En mi caso sólo percibo frialdad y corrección.

Público

SERIE DE TV: PARADE`S END de Susanna White

Guion de Tom Stoppard
Basado en una novela de Ford Madox Ford
300 minutos.
Intérpretes.-
Benedict Cumberbatch. Rebecca Hall. Adelaide Clemens. Miranda Richardson. Freddie Fox. Janet McTeer. Ned Dennehy. Alan Howard. Rupert Everett. Stephen Grahame. Anne Marie Duff. Rufus Sewell. Roger Allan.

Difícil asumir la envergadura de una epopeya tan grande como la que propone esta trilogía narrativa , si no es una miniserie de televisión, este nuevo género que se ha convertido en otra forma de creación a la altura de la cinematográfica y que , gracias a las nuevas formas de distribución ( en este caso,  Filmin ) , pueden consumirse sin tener que esperar la hora semanal.
No conozco el material de partida, considerada al parecer una de las cumbres de la literatura británica.
No me sorprende : afronta un periodo complejo, los cambios en esa sociedad que , apuntados antes de la Primera Guerra Mundial, se vieron empujados por esta , quizás no en la profundidad que cabría esperar pero sí lo suficiente para abrir facturas , fundamentalmente en el ámbito moral de una comunidad marcada por la hipocresía y las convenciones aceptadas aunque totalmente inaceptables.
En el fondo, nos encontramos ante algo tan contundente y que los británicos narran tan bien, como el desmoronamiento interior del Imperio. Lento, sin grandes reacciones, con la ligereza de los cambios que se aceptan, pero en cualquier caso, dinamitando sus cimientos. No está lejos la excelente Dowtown Abbey.
Y es que no podemos olvidar que han sido los seres humanos, cada uno en su necesidad , los que han hecho evolucionar los modelos sociales desde la injusticia a la libertad. Generalmente por impulsos en principio tan lejanos a la grandeza de los pueblos, como una historia de amor.
La Inglaterra de preguerra, una fuerza incuestionable, era también un cuadro social cerrado, no demasiado alejado del sistema de castas hindú, a pesar de aparentar ser más civilizado.
En ese entorno y desde el inicio, el personaje principal se retrata como alguien no lejano a El Idiota de Dostoievski, aunque posiblemente por otras razones y con un trasfondo menos inocente . Este joven , hijo de la alta sociedad , asume una posición de rectitud con todo aquello que no lo merece , a pesar de que a su alrededor todo parece empujarle hacia caminos mucho más sencillos, y también, por supuesto, moralmente más corrompidos. Su actitud , una mezcla entre el conservadurismo y la necesidad de ser honesto, debe transitar por momentos de extrema dureza, en una especie de lapidación social, tal vez la de aquellos que son ´para los demás recuerdos de su inmundicia. Las barreras se irán demostrando ridículas, pero sólo se derribarán desde el convencimiento de quien busca , en el fondo, un cambio real en el mundo. Esa metamorfosis del antiguo régimen que antes citamos y que la serie tan bien retrata. Hasta llegar ahí, asistiremos a ese caleidoscopio que se nos anuncia desde los títulos de crédito y en el cual cada ser humano está compuesto de varias piezas , no siempre todas visibles.
A su lado, fascina el personaje de su mujer y esa historia de amor y odio, tan extraña como puede llegar l serlo la de cualquier ser humano, que necesita del amor aunque lo confunda con otra cosa. La interpretación de Rebecca Hall, llena de matices y de dolor a esta mujer hermosa por fuera y que , estoy seguro, también es capaz de serlo por dentro.
El guion cuenta con la maestría de un escritor como Stoppard. Esto garantiza un producto complejo en lo bueno y lo malo. Lo es en su capacidad para integrar lo íntimo y lo histórico, lo interior y lo exterior; también el su ambición que a veces le hace utilizar un número excesivo de materiales. Quizás esto último sea un problema personal; en ningún caso empaña la grandeza de una narración donde la épica tiene corazón.
Y que decir de la producción. Ya comenté en alguna ocasión que empieza a sonar a tópico alabar la destreza de los británicos para reconstruir una época . Aquí va más allá y es difícil sustraerse a la grandeza de los paisajes naturales y la extraña poesía de los episodios de guerra. De los cuadros de interior , cualquier comentario sonaría reductor.
Parade's End es una obra absolutamente recomendable.
Grande en fondo y forma .

Público  

sábado, 26 de septiembre de 2015

CINE: LA VISITA de M. Nighy Shyamalan

USA 2015
Kathryn Hahn. Ed Oxenbould. Benjamin Kanes

Como muchos de los considerados repentinamente niños prodigios ( Shyamalan lo fue por El Sexto Sentido ), a partir de ahí, le tocó descender.
Desde El Protegido, pasando por El Incidente o El Bosque, sus películas han sido recibidas cada vez peor por crítica y público que no parece ya conectar con lo imaginativo de sus propuestas.
Personalmente ni lo uno ni lo otro: El Sexto Sentido me pareció una buena propuesta algo sobrevalorada, y en el resto de sus cintas encuentro momentos impactantes, buenas ideas y un nivel bastante aceptable de tensión.
En general se considera La Visita como su intención de volver a conquistar al público más general con una cinta de terror al uso.
Es cierto que aquí no hay propuestas de ciencia ficción increíbles y sí personajes y acciones propias del cine de género. Quizás podría decirse que incluso su director nos remite al cuento de Hansel y Gretel y su casita del bosque. Un modo de referenciar al miedo a nuestros temores infantiles , aquellos en los que posiblemente todos podamos encontrarnos.
Así, partimos de un cuadro no exento de ternura , realmente entrañable, que poco a poco se va viciando hasta alcanzar el nivel de pesadilla. Eso sí, con las explicaciones precisas y sin ataques a la institución que se acepta como la base de la sociedad.
El resultado es entretenido y consigue su cometido, es, por decirlo de algún modo, terror familiar sin excesos. No hay gore. Algo lento en su desarrollo inicial para los forofos más tradicionales.
A mi se me plantean dos problemas:
Por un lado, me sobra un poco la parte de trasfondo freudiano, esa historia de decepciones y taras, más bien enunciada pero que no termina de funcionar como paralelo.
Por otro, el modelo cámara en mano, creo que aquí no aporta nada y limita.
Pero lo que me resulta más difícil , es que presiento una mezcla de pudor y desgana en la realización, donde todo está bastante contenido y no se terminan de aprovechar en su totalidad las situaciones y el paisaje. Me queda la sensación de que el propio director asume el reto con cierto objetivo alimenticio, cuando lo cierto es que la propuesta daba para mucho más.
En resumen, La Visita podía ser una gran cinta de terror aunque quizás entonces su distribución sería más limitada.
En cualquier caso, es un producto correcto. Pega con las palomitas.

Público

viernes, 25 de septiembre de 2015

CINE: IRRATIONAL MAN de Woody Allen

USA. 2015.- Joaquin Phoenix. Emma Stone. Parker Posey. Jamie Blackley. Gary Wilmes


El catálogo de obras de Woody Allen es tan amplio ( una película anual sin falta ) que es difícil encontrar una unidad de criterio en el público.
Si tuviese que apuntar una posible clasificación sería en tres grupos:
Aquellas que casi unitariamente se consideran obras maestras ( Delitos y Faltas, Zalig, Hanna y sus Hermanas,,, ) o muy buenas ( Poderosa Afrodita, Celebrity... ).
Las que casi unánimemente se consideran poco inspiradas ( aquí el premio es sin duda para Vicky Cristina Barcelona ).
Y todas las demás ( que lo cierto es que abundan más que las obras maestras en los últimos años ) en las que existe una disparidad de criterios. Por ejemplo, yo encuentro sobrevalorada Medianoche en París y sin embargo me fascina El Sueño de Casandra .
Irrational Man está en este último grupo, donde perjudica cada vez más esa coletilla que se está haciendo habitual sobre que Allen ha perdido su genialidad y adolece de cierto cansancio.
Pues bien, para mi, esta película supone reconciliarme con lo mejor de su director.
No estamos en el campo de la comedia sino en el del drama, pero no tipo Interiores, sino el drama de tesis, ese que acerca su auytr a su admirado ( y aquí varias veces citado ) Dostoievski.
Phoenix ( cada vez mejor actor ) es un mixtura importante: por un lado, profesor de filosofía cuestionando todos sus conocimientos teóricos, lo que ofrece una buena base para debatir, y por otro, el héroe romántico, desengañado de la vida a la búsqueda de un hecho singular que le de sentido a su vida.
El desarrollo de la historia, con la claridad habitual en su autor ( y su libertad, como son esas dos voces que nunca deben entenderse como un engaño, sino como una decisión tendente a mantener la tensión ), se desarrolla alrededor de unos conflictos morales que cada personaje resolverá de su propio modo, pero que nos deja la duda de si los más coherentes son precisamente aquellos más sinceros y más cuestionables.
Además, Irrational Man es un buen material para discutir sobre la teoría y la vida real. Es diáfana en la exposición de su teoría, casi una obra de tesis.
Allen ha eliminado toda trascendencia y ha conseguido dotar este drama de una aparente ligereza que, junto con la música de jazz de la banda sonora, puede trasladar una sensación de superficialidad. Pero dentro guarda verdaderas cargas de profundidad.
También ha dejado de su lado a los secundarios, una colección en la que muchas veces se esmeraba peero que estaban generalmente escorados al humor ( algo aquí ausente ) y que muchas veces, cuando adornaban un drama , personalmente no terminaba de encontrar el encaje correcto ( me pasó con la hermana en Blue Jazmine ). Todo se centra en los dos protagonistas , posturas antagónicas a los que los demás sólo sirven de soporte para plantear otros puntos de vista.
Además de su guión, que es obvio que me gusta, son muchos los momentos en que visualmente me lleva. Esos fondos marinos que me remiten al cuadro del paseante contemplando el mar de niebla, tan referencial del romanticismo alemán, destacan como una seña de identidad.
Lo dicho, cada uno tiene sus Allens, este pasa ya a formar parte de los míos.
Excelente noticia.

Público

jueves, 24 de septiembre de 2015

SERIE DE TV: HOUSE OF CARDS- Temporada III. The Final Cut de Mike Vardy

Director.- Mike Vardy
Guion.- Andre Davies
Basado en la novela "The Final Cut" de Michael Dobbs
Intérpretes.- Ian Richardson. Dinanne Fletcher. Isla Blair. Paul Freeman. Nickolas Grace. Nick Brimble. Yolanda Vázquez
Cuatro capítulos de 50 minutos.

Ya he escrito sobre las dos primeras temporadas de esta serie, con admiración, casi diría que apasionado en su trama y en su realización perfecta.
Me quedaba por ver la conclusión. ya la he disfrutado, ya la puedo comentar.
Lo cierto es que estaba ansioso por saber como podría concluir esta historia de ambición desmedida, centrada en la política británica pero que también habría podido estarlo en los castillos de Dinamarca. No en vano, y ya lo escribí en su momento, Shakespeare asoma e inspira una trama perfectamente estructurada porque no sólo se sostiene en las diferentes líneas argumentales, sino también, principalmente, en la psicología de sus personajes.
No sorprende la magnitud de los que nos han venido acompañando desde la primera entrega , lo más sorprendente es que se puedan dibujar tan bien al resto, perdiendo la consideración de secundarios para convertir cualquier aportación en protagónica , dada su complejidad y su desarrollo.
Pero centrémonos en lo fundamental: si algo hace enteros a personajes ( ya citados ) como Macbeth o Ricardo III , no es sólo su ascenso desde las profundidades del mal, sino su descenso, su caída, ese círculo completo que es tan difícil trazar.
Esto es a lo que The Final Cut enfrentaba a F.U., su personaje principal. Y lo cierto es que en estos cuatro capítulos, que comienzan con una escena tan fría y tan brutal que parece que ya su autor ha decidido que dejemos de sentir simpatía por el diablo, ese ser que hasta entonces nos parecía imbuido por la eternidad, se tiene que enfrentar a sus pesadillas y al deterioro de sus maniobras.
Verle caer es tan apasionante como fue en su momento su ascenso.
Una vez más , House of Cards, se revalida en su último tramo como una serie fantástica que trasciende la habitual superficialidad televisiva y nos confirma que en el Reino Unido, la época de comparar la vocación de excelencia de las series de televisión con la de cualquier película había comenzado hacía ya mucho tiempo.
En cuanto a la ambientación, los actores etc , cuando se trata de productos británicos la alabanza suena a lugar común , aunque en este caso me permito poner el ojo en Dianne Fletcher, para mi hasta entonces desconocida y cuyo personaje multiplica su peso en esta entrega.
Lo dicho: apasionante.  

Público

sábado, 19 de septiembre de 2015

NOVELA: EL REINO de Emmanuel Carrere

Anagrama
600 páginas
También  disponible en ebook600 paginas

Sin duda El Reino es un libro muy complejo. Un proyecto que tiene mucho de personal, posiblemente de búsqueda.
Se compone de dos partes claramente diferenciadas:
En la primera, la más breve, el autor hace una rememoración de si mismo veinte años atrás, cuando se convirtió en un católico ferviente. Esa época, ahora desaparecida, se refleja en unos cuadernos en los que comentaba los Evangelios y cuya lectura retoma entre la curiosidad y la sorpresa, así como los recuerdos sobre la forma en que intentaba que su comportamiento cotidiano encajase en tales enseñanzas.
Esas páginas me producen la curiosidad que se esconde en la frase de Thomas Hardy "El pasado es otro país, ahí hacen las cosas de forma diferente". Sin duda es interesante el diálogo entre aquel creyente y el agnóstico que hoy no sólo necesita entender sino que duda de lo que perdido.
Hay una mezcla entre estrañeza y respeto que , sin duda , evitará en las páginas siguientes cualquier tono de burla.
La segunda parte, posiblemente consecuencia de la anterior, penetra directamente en los tiempos de los apóstoles, principalmente de la mano de Lucas y San Pablo, pero incorporando multitud de otros personajes.
Hay dos cosas que hacen especialmente interesante esta parte del proyecto:
Por un lado, el acercamiento se lleva cabo desde el punto de vista arqueológico, algo que nos facilita muchísima información muy curiosa y relevante a la hora de distinguir la realidad y el mito.
Pero lo más singular es que, si bien el autor reconoce que es esta una novela donde la ficción tiene verdadero peso, podríamos decir que es , más bien, el making of de la novela, su preparación, el lugar donde se analiza la información, donde se opta por alternativas, donde se mezcla la invención con el ensayo, y este a su vez se trufa de referencias contemporáneas ( cine , comic, noticias del día a día... ) y donde, por supuesto, también el autor adquiere presencia con sus propias anécdotas, algunas afortunadas y otras menos ( me sobra un capítulo entero de índole sexual donde no puedo evitar encontrar cierta provocación ).
En este libro hay muchísima densidad contada con un aire de ligereza, en una obra erudita e inteligente pero que, a mi entender, peca en ocasiones de querer contar demasiadas cosas, con lo que algunos párrafos se convierten en aguas pantanosas.
De todas maneras también aporta mucho, no sólo en conocimiento sino también en la capacidad de ser libres a la hora de buscar ese lugar inmaterial que en el fondo todo ser humano anhela.
Es difícil la distancia, incluso para un hombre tan inteligente como Carrere, y me temo que eso en ocasiones le lleve a posturas combativas para justificar su posición. Supongo que también esa actitud será la mía como lector.
De todos modos, como católico libre, recelo de cualquier ausencia de debate, aunque se admita la fe como base.
El Reino es una muestra de como afrontar la duda, cualquier duda, desde el respeto.
Y por supuesto, es un texto muy hermoso.

Público 

CINE: B de David Ilundain

España 2015
Pedro Casablanc. Manolo Solo

Si nos atenemos al origen de esta pieza, nacida en el Teatro del Barrio- Madrid, creo que nadie podría dudar de su intención política. En concreto de cr´tica feroz a un partido y su entramado de financiación.
De todas maneras, la honradez de la propuesta, planteada como cine documento, evita cualquier asomo panfletario, algo muy de agradecer.
Al final, lo que nos encontramos es con un experimento singular, muy coherente y conseguido:
El material, sin adulterar, lo compone un día de declaraciones de Luis Barcenas ante el Juez Ruz.
Lo que podría parecer un contenido árido, sorprende como un relato ( por llamarlo de algún modo ) muy entretenido.
Creo que , además del interés de lo que cuenta y los matices que siempre pueden encontrarse en la verdad, esto tiene mucho que ver con el perfil de su protagonista, , un personaje que Pedro Casablanc hace suyo eludiendo la imitación; Bárcenas podría perfectamente ser el centro de un thriller económico político firmado por Scorsese u Oliver Stone; ese es su nivel de incertidumbre, de descaro, de atrevimiento y de amoralidad, nunca sabemos si él mismo es capaz de creerse lo que cuenta , si existe la burla o la desconsideración de la inteligencia ajena , si detrás de sus medias verdades hay verdades enteras.
Pero como he dicho anteriormente, el proyecto es coherente y eso limita sus posibilidades, lo que hace que pueda llegar a saber a  poco.
En cuanto al partidismo, sólo esa inclusión final del Presidente del Gobierno puede entenderse como una concesión fácil. Para mi el resultado es más amplio, porque nos muestra el backoffice de un mundo que desconocemos y que está regido por la falta de respeto a la ley y los intereses personales, una trastienda que maneja volumenes de dinero y poder que nos resulta inasumible y que, estoy seguro, existe en toda la sociedad.
B es por tanto una crónica necesaria, sencilla en apariencia. Y esperamos que en breve sólo perdure como un documento arqueológico.

Público

lunes, 14 de septiembre de 2015

SERIE TV: HOUSE OF CARDS- Temporadas 1 y 2- (UK ) de Andrew Davies

Director.- Paul Seed
Guión.- Andrew Davies
Basada en la novela de Michael Dobbs
4 Capítulos por temporada.
Filmin.
Intérpretes:
Ian Richardson. Dianne Fletcher. David Lyon. Christopher Owen. Susannah Hanker. Miles Anderson. Alphonsia Emmanuel. Malcom Tierney. Colin Jearons. Damien Thomas etc.

Verdaderamente , creo que podría decirse que todo conflicto dramático está , de una forma u otra, incluido en ese magno catálogo que es la obra de Shakespeare , y que nadie bebe tan bien de esa fuente como los británicos.
House of Cards, según creo, tiene su propia adaptación americana , pero me cuesta , a pesar de haber oído que es excelente , asumir que posea la sutileza, la perversa atracción por el mal y la elegancia de la versión británica.
Se la ha comparado con Macbeth y Ricardo III; lo cierto es que podría casi ser una moderna adaptación de ambas.
En la primera temporada , el personaje principal ostenta el cargo de jefe de su partido ( el conservador ) y , tras una decepción en su carrera ministerial, decide emprender una compleja y milimetrada trama para alcanzar el puesto de Primer Ministro, por supuesto acabando con todo aquello que se interpone en su camino, y siempre apoyado, como no, de su Lady Macbeth particular, menos instigadora pero siempre presente.
En estos cuatro primeros capítulos, incluso coqueteamos con ese canalla, por un lado porque su lado oscuro se va apuntando poco a poco ( sólo , como una bomba , estalla al final ) , la perversidad aun es intuida, sus rivales no están a su altura y, sobre todo, en sus continuas conversaciones directas con nosotros, es un tipo muy simpático. Encantador.
La segunda temporada es más oscura.
Aquí, convertido ya en máximo representante del gobierno, su contrincante es , nada menos que el Rey. Y la lucha se hace más encarnizada en cuanto a que envuelve el bienestar de la nación y las diferentes maneras de considerar al pueblo.
F,U. no pierde un ápice de su encanto, capaz aquí también de enamorar a alguien mucho más joven y de elevada inteligencia, para utilizarla sin ningún tipo de remordimiento, pero lo que nos resulta más terrible dentro de ese cuadro, es que vamos descubriendo a un personaje absolutamente perverso, totalmente deformado, un monstruo no sólo en sus relaciones más cercanas , incapaz de amar , de respetar a nada ni nadie , sino también imbuido de una soberbia fascista que lo convierte en profundamente peligroso.
Las ratas que tanto abundaban en la temporada primera , recordándonos la calaña moral de la mayoría de sus personajes , son ahora mendigos que intentan sobrevivir. En ambos casos, los restos que dejará una sociedad enferma.
Lo más grave es que , de alguna manera , para nosotros sigue teniendo el atractivo que en la primera parte , donde , en el fondo, deseábamos que las cosas le fuesen bien.
Como cualquier serie británica , la ambientación y la interpretación son totalmente perfectas . En especial Ian Richardson se convierte en cada gesto en la encarnación de Mefistófeles sin que en un sólo segundo dudemos de su capacidad para el mal y de su inteligencia. Lo dicho: Ricardo III y Macbeth en uno.
No he podido esperar a ver la temporada 3 , que culmina la trilogía, para avanzar esta reseña. Lo haré más adelante.
Por ahora , decir que está disponible en Filmin, y que es posiblemente de lo mejor que nunca haya visto producido para televisión.
Brutal.

Público  

domingo, 13 de septiembre de 2015

CINE: LOS EXILIADOS ROMANTICOS de Jonás Trueba

España 2015
Vito Sanz. Francesco Carril. Luis E Parés. Renata Antonante. Isabelle Stoffel. Vahina Giocante. Tulsa

Antes de acudir a ver estos románticos exiliados, tenía la seguridad de que me iba a encontrar con un producto especial. Su duración es de apenas setenta minutos y la cinta anterior de su director, Los Ilusos, apenas fue visible más allá de filmotecas.
Además, Jonás Trueba, hijo de Fernando Trueba, y sobrino de David, pertenece a una saga para la que el cine es una religión, y que por lo general están muy vinculados al ámbito de la creación.
Lo que no suponía es que la iba a disfrutar tanto, que me iba a parecer tan gozosa, y que eran infinidad las cosas que se podían incluir y contar en apenas una hora y diez minutos.
No sabemos quienes son, sólo que responden al sentimiento de la amistad ( sentimiento ingenuo que nos retrotrae generalmente a la frescura de la juventus). Son tres y emprenden un viaje en furgoneta. A Francia, por supuesto, y terminando en París , ¿ que lugares más propios para el exilio y, sobre todo, para el romanticismo, algo presente desde la larga cita que abre el film?.
Mientras tanto hablan, de lo que sea, pero nunca con la necesidad de explicarnos nada, la información se entiende suficiente , lo que tenemos es que acercarnos a conocerlos a ellos a través de sus comportamientos, de lo poco que veremos.
A partir de ahí, cada uno de los tres tiene una cita con una mujer, alguien que ocupó un lugar en su vida, quizás sólo una noche, quizás más, pero que dejó una huella suficientemente importante. Tres formas de amor y de amar, tres historias o bocetos de historias románticas, cada una singular.
Lo que hace tan especial esta propuesta es su frescura, la sensación de vida aunque nunca dependa de una naturalidad impostada ( la artificiosa escena del coche y la cantante es maravillosa en su libertad y su capacidad de sorprender , quizás sólo estemos asistiendo a una balada repetida... ). La película respira por sus cuatro costados, es de una ligereza deliciosa, es hermosa, sabia e ingenua.
Dentro hay además mucho cine, no sólo el tan citado Rohmer, también veo a Tati en sus paseos, en la música que acompaña, en los colores. En general veo muchas cosas que no identifico pero que me gustan.
Vida quizás.
Es posible que, como dice el autor en una entrevista, hacer una película haya sido una excusa para un viaje de amigos. Puede ser que lo que veamos no suene a verdad sino que lo sea.
Maravilloso regalo.

Público

jueves, 10 de septiembre de 2015

NOVELA: CLIPPERTON de Pablo Raphael

Ramdom House
600 páginas
También disponible en ebook.

Es algo que tengo a gala: prácticamente siempre termino cualquier libro que comienzo.
Supongo que tiene su razón  en pensar que siempre puedo estar a punto de perderme lo mejor si lo dejo.
También supone una muestra de respeto hacia cualquier escritor ( en principio ).
Pero lo cierto es que a veces cuesta.
Como esta.
Una pena, porque si ha resultado un importante esfuerzo llegar al final, también estoy seguro que el creador de este tan ambicioso libro, ha dedicado a su escritura no sólo los ocho años que anuncia sino una dedicación absoluta, en investigación y en inventiva. Hay aquí mucho trabajo.
Clipperton es una isla que reúne todas las características para convertirse en un espacio geográfico mítico. Su mochila de referencias es impresionante. Refugio de bucaneros y arca de sus tesoros, también ha sido un lugar infernal para algunos de sus habitantes víctimas de las peores pesadillas de cualquier naufrago, un punto de salida al exterior del Japón medieval, inspiración para la novela Robinsón Crusoe, una base americana escondida, un territorio explorado por Costeau...
Sin duda su historia daba para una larga novela que exigiría entre otras cosas, algo que esta no tiene: contención. Es tanta la información, tantos los personajes que, por un lado, se navega siempre en la confusión , y por otro, carece de cualquier emoción o intriga, pasando a ser una mera enunciación de datos , hechos, circunstancias. Por si eso no fuera suficiente , son múltiples las disgresiones que nos sacuden en tiempos y espacios, produciendo una situación ( al menos a mi ) en muchas ocasiones de nosaber donde estoy.
Además, el escritor mezcla modelos y estilos en las diferentes piezas, de forma que es difícil encajarlas y nos hacen saltar desde la crónica más informada, hasta una abstracción no siempre clara. Sueños de fantasmas se cruzan con relatos relativamente clásicos de aventuras, haciendo de la deconstrucción un ejercicio titánico para el lector.
De acuerdo en que hay hallazgos, y sobre todo imaginación, y, repito, mucho trabajo, pero cuando se vislumbran es tal el empacho que no puedo disfrutarlos.
Clipperton, tal y como está concebida, daría para muchas novelas, para varios libros.
En uno sólo... lo siento: a mi me produce indigestión.

Público

sábado, 5 de septiembre de 2015

CINE; UN DIA PERFECTO de Fernando León de Aranoa

España 2015
Benicio del Toro. Tim Robbins. Olga Kurylenko. Melanie Thierry. Fedja Stukan. Sergi López

Si por lo general hoy en día es difícil entender una guerra, en pleno siglo XXI, en concreto la Guerra de los Balcanes es un puzzle que tiene mucho de kafkiano, de esperpento sangriento donde, ya lo decía cuando hablaba de Mandarinas, incluso para los que la están sufriendo es muy poco claro quienes son los bandos contendientes y quien pertenece a cada uno.
Fernando León de Aranoa es un excelente guionista además de un muy buen director, como ya ha demostrado en varias ocasiones; también ha demostrado su interés por la justicia y los conflictos sociales ( los barrios periféricos, la prostitución, el paro... ), en este caso, su mirada sigue el mismo nivel de compromiso, pero lo dirige hacia el exterior, y también, creo que por primera vez, utiliza como base un material ajeno, una novela de alguien que ha vivido en directo lo narrado, aun así  lo hace suyo con su innata capacidad de guionizar.
Nuestro español aborda un proyecto internacional ( en localización y actores ), posiblemente la única forma de afrontar la propuesta en su amplitud,  para relatar la cara trasera de las batallas, la vida diaria de los cooperantes, aquellos que intentan ayudar entre las bombas y trasladar cierto nivel de humanidad en medio del horror.
El conflicto es muy sencillo: un cadáver en un pozo contamina el agua, necesaria para los habitantes de la zona, la necesidad de extraerlo para solucionar el problema, se convierte en un objetivo titánico para estos hombres, al tiempo que se enfrentan a sus propias historias y a la de un niño que se cruzan en su odisea y que parece representar el dolor de la infancia, las mayor víctima de cualquier contienda.
Fernando León es capaz de crear personajes complejos y sus pequeñas historias sin tener que excederse en la información, sino apuntando con una impresionante lucidez a su corazón; además dialoga también como nadie, pero esta vez tal vez acercándose más al humor como elemento necesario para distanciarse un poco de la tragedia y permitir analizarla con objetividad. Es importante como consigue que brote la sonrisa en este entorno desolador sin que en ningún momento tengamos la sensación de que es algo incorrecto, sino al contrario, propiciando cierta ternura.
La cámara aprovecha los impresionantes paisajes naturales, sin evitar mostrar las ruinas, y se decide por un ritmo frenético cercano al rock, una elección totalmente adecuada para avanzar en una historia que no tengo claro si es muy sencilla o muy compleja. También es una elección perfecta que apunta directamente al corazón, terminar con una balada tan preciosa como Where have the flowers gone? , como fondo de un epílogo donde  recorremos a todos aquellos personajes que con mayor o menor peso, nos han acompañado durante esos cien minutos, todos ellos ahora bajo el efecto purificador de la lluvia.
Me ha gustado mucho Un día perfecto, me he sentido cercano a la frescura de B. ( que buena interpretación de Tim Robbins ) y a la confusión de Sophie, también a  la experiencia de Mambrú y a la belleza de Katya.
Entiendo su compromiso y la necesidad de ser profesionales, su desarraigo y su amistad.
La recomiendo, es buen cine, es muy entretenida y trata un conflicto que es necesario no olvidar para que no ocurra de nuevo.

Público

EXPOSICION : ZURBARAN, UNA NUEVA MIRADA

Museo Thyssen Bornemiza
Madrid.
Hasta el 13 de septiembre.

¿Puede la luz surgir de la oscuridad?.
No soy experto en pintura, nada experto.
Desde mi ignorancia disfruto de exposiciones como esta, donde en la colección de pinturas que se nos muestran, podemos atisbar el Genio.
No sólo sorprende en este caso su maestría pictórica, la capacidad de trasladar texturas, la modernidad y la realidad de los rostros, sin duda antecedentes a la fotografía, ni su precisión geométrica.
Tampoco su introspección en lo cotidiano, en esos cuadros de familia, ni la capacidad de 2retrato" de los bodegones.
Lo que más me sorprende es como se puede crear la luz desde los colores, como se consigue mimetizar el sol mediante tonos y contrastes.
Y sobre todo, la profundidad de sus figuras y de lo que representan, y la seguridad de que se trata de personajes vivos, de personas que existieron.
Una crónica de una época.
De como vivir la espiritualidad en momentos donde era necesario encontrar vías de avanzar sin aceptar la barbarie.
Seguramente una búsqueda en todos ellos y también en el pintor.
Impresionante.

Público

viernes, 4 de septiembre de 2015

NOVELAS: EPISODIOS NACIONALES. SEGUNDA SERIE: LA MALETA DEL REY JOSÉ / MEMORIAS DE UN CORTESANO de Benito Pérez Galdós

Varias editoriales
También disponible en ebook

Entramos en la segunda serie de los Episodios Nacionales.
Que bien estuve cuando decidí meterme de cabeza en esta saga y que suerte que todavía me queden más de veinte novelas por delante.
No existen mejores lecciones de historias que esta colección de estampas en movimiento, capaces de integrar perfectamente la Historia con mayúsculas con la historia cotidiana de unos personajes que la sufren día a día, que la reciben y que, al mismo tiempo son sus artífices desde su situación.
Además, y esto se ve de forma muy clara en las dos que vamos a comentar en este caso, la pluralidad de tonos y estilos está totalmente ajustado a cada caso.
La maleta del Rey José nos habla de la salida del monarca impuesto por Napoleón tras la derrota de los franceses y su fracaso en el trono. Y con ello, la situación de los afrancesados y la crueldad de las revueltas que surgieron de la rabia. En este paisaje, el argumento se desarrolla con tintes bíblicos y una dureza que consigue encajar con la cercanía del lenguaje.
Memorias de un cortesano, nos centra ya en los primeros tiempos del absolutismo, de una monarquía corrupta y ridícula y de todos aquellos que pululan a su alrededor con el único objetivo de medrar, ignorando al país. Como fondo se puede entrever a un pueblo que sigue sufriendo la injusticia de unos gobernantes que no están a su altura. Y el estilo, la más absoluta ironía en una narración en primera persona, con sorprendente desfachatez.
Poco más se puede decir que no se haya dicho.
Gloriosas.
¿Pero como no le dieron el Nobel a Galdós?.

Público

CINE: EL CARTERO DE LAS NOCHES BLANCAS de Andrey Konchalovsky

Rusia 2014
Aleksey Tryapitsyn. Irina Ermolova. Timur Bondarenko. Viktor Kolobkov. Victor Berezin

Nos repetimos: no hay una sola crítica de esta hermosa película que no se inicie hablando de la carrera de su director, sus inicios como uno de los popes del cine ruso en festivales de primera categoría y su conclusión imprevisible en lo más comercial del cine americano ( sí, incluso con Stallone ).
Por lo tanto no seré yo el que .... ¿ o ya lo he hecho?.
Vayamos a lo que nos ocupa:
El cartero de las noches blancas describe la vida de una pequeña comunidad en proceso de desaparición, al borde de un precioso lago en Rusia, en un entorno natural sobrecogedor en su belleza.
En el centro, un hombre sencillo, del que conocemos un pasado alcohólico y un presente compartido en pequeñas dosis cotidianas con sus vecinos y un ligero interés amoroso.
Mi sensación es que nos encontramos ante una resurrección nada traumática, donde nuestro cartero, que recorre en su lancha esas aguas que son un regalo de serenidad, en los dos años que lleva sin beber, está aprendiendo a mirar, a contemplar lo que le rodea cambiando lo que podría parecer miseria por lo gratificante de un cielo, o de un tacto, en definitiva de aquello que tiene a su alrededor y que habría dejado de valorar, o tal vez nunca hubiese llegado a hacerlo abrumado por las necesidades del día a día. Pero no sólo eso, también es capaz de ver sus sueños.
El director opta por una realización pausada y realista, contando con actores no profesionales, pero no nos confundamos, no es un ejemplo más de cine verité; su autoría se siente y es capaz de dotar esta hora y media de un lirismo que va creciendo a medida que avanza, lo que termina imprimiendo un halo de poesía nada cargante.
Podría decirse que no pasa nada, pero como ocurre con las obras de Chejov, pasan muchísimas cosas. Pero no se gritan.
Konchalovsky nos enseña también a mirar a nosotros , y es gozoso cuando se consigue.
Pero también a pensar, porque es importante tener en cuenta que no hablamos de tiempos  perdidos, sino del mundo de este siglo,  y para recordárnoslo, está esa base tan cercana y ese cohete que , sin sorprender al cartero ni a sus vecinos, cruza con delicadeza el cielo azul, abriendo una extraña cicatriz en esa fastuosa naturaleza.
No se ha perdido todo pues. Frente a la vida frenética de las grandes urbes, siguen existiendo lugares donde es importante encontrarse las zapatillas colocadas , esperándonos cada mañana , y donde ayudar a un vecino tiene sentido. Tampoco se engaña en lo paradisiaco, existen rencillas, miserias y es que a fin de cuentas somos humanos . Y reivindicar esa humanidad es importante. Tal vez es ahí más sencillo que nazca cierta magia.
Lo siento, prometí no repetirme pero no puedo evitar a hacerme una pregunta ¿ que pensará Stallone de esta película? imposible imaginarlo.

Público

TEATRO: EN EL ESTANQUE DORADO de Ernest Thompson

Director- Magui Mira
Intérpretes- Héctor Alterio. Lola Herrera. Luz Valdenebro. Camilo Rodríguez. Adrián Lamana

Supongo que soy de los pocos que desconocen la famosa película que en su día otorgó el Oscar a sus dos principales protagonistas.
Esto me permite asomarme a esta obra con la ignorancia que pocas veces tenemos , pero también me deja sin la posibilidad de la comparación.
Y no se trata de comparar por morbo, sino para saber si los defectos que encuentro en la producción que ahora se representa con éxito en el Teatro Bellas Artes de Madrid son propios de la adaptación o están en el original.
Existe base para un sustrato dramático amable y para una comedia de texto capaz de generar emoción: dos ancianos, una hija incomprendida, un muchacho que viene a insuflar vitalidad donde estaba desapareciendo, amor en tiempos de pérdida...
Todo esto bien ordenado, podía dar como fruto una pieza estimable para lucimiento de sus intérpretes.
Sin embargo, tengo la sensación de , no sé como decirlo, de que los diferentes episodios están ahí porque sí, sin responder a una linealidad exigible que se base en lo que conocemos de sus personajes, alguno de los cuales , como el de la hija, carece absolutamente de ningún armazón , y otros como el del novio de esta y su hijo, rozan lo caricaturesco.
Quizás sea este uno de los problemas: el nivel interpretativo de los tres actores secundarios me parece bajo mínimos, incapaz de no sonar tan forzado que hay momentos que llega a avergonzar ( no ayuda algún punto de atrezzo: ¿ a quien se le ha ocurrido vestir así al dentista?).
En cualquier caso, y ante la imposibilidad de recurrir a la revisión del texto original, tenemos que pensar en un fallo de dirección. No sólo la dirección de actores sino la creación de un suceso. Magui Mira no consigue insuflar ternura a las primeras escenas de la pareja ni enhebrar, a continuación, el resto de la historia. Tampoco presentimos el paso del tiempo, de esos tres meses de verano; no entiendo muy bien las acotaciones musicales. El decorado cuenta con un bellísimo telón de fondo pero tampoco aporta dinamismo y esas charlas en sofá encarando al público son teatralmente muy básicas.
Pero vayamos a lo mejor: sin duda esta obra se entiende como una ocasión de lucimiento de dos grandes actores; la directora así parece entenderlo y es este su único objetivo. El resultado no falla, claro. A Lola Herrera este personaje debe de resultarle muy sencillo y cumple con él , otorgándole su simpatía y su profesionalidad. Pero la función es de Alterio, de su humor sobre todo, porque también parece una decisión, no sé si acertada, derivar la peripecia hacia el lado cómico; esto último limita en mi caso cualquier interés menos superficial y ahoga la emoción, pero también es cierto que es en la risa cuando se consiguen los mejores momentos.
En general nada molesta en En el estanque dorado. Pero falta , ya lo he dicho, emoción, ternura, poesía, amor.
Es teatro que huele a antiguo, a un poco apolillado. Creo que con este texto y esa pareja se podía hacer algo mucho mejor.
Lo siento. Quizás sea sólo mi opinión. Había buena entrada y hubo muchos aplausos , y eso siempre es bueno.

Público