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lunes, 29 de junio de 2015

CINE: FUERZA MAYOR de Rubel Ostlund

Suecia 2014
Johannes Kuhnke. Lisa Loven Kongsli. Vicent Wattergren. Clara Wattergren. Kristoph Hivjo. Fammi Metelius. Karyn Myrenberg. Brady Colbet. Johannes Moustos

He tardado en ver Fuerza Mayor.
Sin duda es una de esas películas referentes de este año, procedente de una cinematografía no demasiado habitual en atención del público.
Sin embargo, este año ha habido mucho que ver , y llego a esta cuando posiblemente ya se haya dicho todo lo interesante.
En cualquier caso, tras esta visión tardía , hay varios aspectos que me apetece comentar , aunque repito, posiblemente hayan sido ya muy comentados.
En primer lugar , fundamentalmente , está la tesis . Porque en mi opinión, Fuerza Mayor es lo que antes se conocía claramente como cine de tesis . Una narración que tiene , como principal objetivo, trasladar una idea y, posiblemente , generar un debate a su alrededor. Otra cosa es que existan directores como Ostlund capaz de cumplir ese objetivo con ameneidad y otros duerman a las ovejas.
Todos hemos leído la premisa de lo que se cuenta , esa huida del padre en circunstancias extremas; quedarnos ahí sería simplista . El guión avanza hacia recovecos más complejos , esa situación en que un hombre se encuentra con una edad , unas responsabilidades y unas obligaciones , que le hacen añorar momentos de su vida en que todo era más ligero, en que posiblemente podía levantarse y salir corriendo ante la avalancha. Tampoco se queda aquí. No sólo es el hombre quien duda , aunque posiblemente el sexo femenino tenga más arraigadas sus obligaciones. Al final la lectura podría ser que nadie es perfecto en una sociedad que nos exige demasiadas veces que lo seamos, tantas que ya hemos empezado a exigírnoslo nosotros mismos. Y dentro de ese planteamiento, la familia es el rincón más epidérmico, aquel donde las emociones hacen que todo sea más emocional, la decepción, el perdón, la vergüenza....
El guión es como una cartilla. Muy inteligente en sus planteamientos, está lleno de notas a pie de página que nos van ayudando a pensar , que nos ofrecen asideros y líneas de debate , pero siempre con una claridad absoluta.
Es tan trasparente que asombra.
Lo segundo que me llama la atención es la caligrafía.
A fin de cuentas estamos ante un melodrama familiar , una de esas historias de personas que tienen que decidir si deben de seguir amándose , si merece la pena.
Pero la mano de Ostlund no parece decantarse por el melodrama . En primer lugar porque utiliza una frialdad que en algunos momentos puede recordar incluso a Haneke , una frontalidad algo agresiva en las imágenes que van marcando perfectamente el desarrollo de la trama . Al mismo tiempo, parece que la decisión se decide más bien por crear cierta tensión, como si nos encontrásemos ante una especie de thriller intelectual, lleno de miradas esquinadas y con ese personaje externo, incómodo espectador, que nos hace sentirnos bastante desconcertados. Los paisajes blancos, la música de Vivaldi y la pequeñez de la figura humana en la montaña, acrecientan esa sensación de ansiedad.
Fuerza Mayor es , me parece , una película muy interesante por lo trabajada que está , por el hecho de ser el fruto de un producto de un director en un afán de transmitir un mensaje, no sólo con su escritura sino también en la forma de hacérnosla llegar mediante una acción casi artesanal.
Una propuesta lograda en el hecho de resultar francamente interesante , tanto en el fondo como en la forma.

Público    

jueves, 25 de junio de 2015

CINE: MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA de George Miller

Australia/ USA . 2015
Tom Hardy. Charlize Theron. Nicholas Hoult. Riley Keough. Zoe Kravitz. Nathan Jones. Josh Helman. Rosie Huntington Whiteley

Creo que el primer Mad Max data de principios de los ochenta. Sorprendió por su violencia hasta el punto de merecer en nuestro país la clasificación S.
Además, generaba la curiosidad exótica que, por aquel entonces nos producían los productos que procedían de las antípodas ( vease también la aparición de Peter Weir ) en una cartelera donde empezaba a apuntar la producción patria y algo de cine europeo, pero la acción era un género copado por los americanos..
Tras convertirla en una trilogía que evolucionó en su vertiente apocalíptica, su director, George Miller, emprendió una carrera plural e impredecible en la que hubo desde melodramas a cintas de animación. Nada hacía pensar que regresaría algún día a su personaje original.
Ahora recupera el mito. Y lo hace a lo grande: en la Sección Oficial del Festival de Cine de Cannes.
Ha pasado mucho tiempo, y han cambiado muchas cosas:
Por un lado los medios técnicos, las posibilidades visuales, en consonancia con la exigencia del público ( ¿ como de antiguas se han quedado sus antecesoras? presiento un halo de ingenuidad )..
Y por otro lado la crítica. No lo recuerdo al cien por cien pero no creo que las dos últimas entregas de la serie llegasen a las salas de versión original. Aquellos que alabaron la colección, daban la sensación de buscar excusas: el retorno del personaje del cowboy trasladado a otro escenario, la subversión de los géneros .... y esta tónica habitual, llevaba en ocasiones ( no sólo en este caso ) a que los autores intentasen que cualquier obra que aspirase a ser tratada por un cinéfilo, tuviese al menos una pequeña pátina de trascendencia.
Como digo las cosas han cambiado.
Y sorprende muy positivamente que esta nueva entrega de Mad Max reciba el aplauso casi unánime como lo que es: una magnífica cinta de acción, brutal, continua, absolutamente sorprendente en cada uno de sus fotogramas, con un guión suficiente , teñido de una imaginación que recuerda a las grandes sagas de la ciencia ficción ( Dune no está lejos ), con personajes sólidos enfrentados a una aventura que se maneja con sentimientos tan epidérmicos que a menudo se confunden con sensaciones.
Mad Max es una especie de ópera de color, movimiento y sonido, cargada de escenarios sobrecogedores, grandiosos, esa tormenta de arena gigante, los pantanos, el desierto...
Como he dicho, el argumento es el necesario y sus principios son básicos ( la escasez y la tiranía ) pero no por eso deja de tener grandes hallazgos como el de las bolsas de sangre.
Un ejemplo de un cine fantástico que nos cose a la butaca.
Una muestra de como utilizar bien técnica y dinero.
Y una referencia de que los tiempos han cambiado. Mucho. Y en este caso para bien.
Yo me lo he pasado de película, nunca mejor dicho.
Ah¡ Y otra cosa que ha cambiado: en esos tiempos no había una actriz tan estupenda y brutalmente hermosa como Charlize Theron.

Público  

martes, 23 de junio de 2015

NOVELA: IRENE de Pierre Lemaitre

Alfaguara
400 páginas
También disponible en ebook.

La novela negra es un género que sin duda bucea en lo más perverso del alma humana.
Trata con material sensible y reactivo generado por sentimientos a flor de piel. En los niveles más elevados, se atreve a manejar algo tan complejo como la maldad en toda su extensión.
Además, es un género que tiene como obligación entretener desde la sorpresa. El autor debe de jugar una posición ambigua con el lector, acompañándolo pero manipulándolo a un tiempo.
Hay modelos reflexivos y pausados , como Mankell, y otros trepidantes y avasalladores, los más. Caben multitud de personalidades, de estilos.
Pues bien, con todo esto, hay, lógicamente, obras buenas, muy buenas, mejores o peores.
Irene, lo digo ya, es para mi una de las que convendrá recordar. Difícil no hacerlo.
De su autor sólo conocía una novela tan diferente como Nos vemos allá arriba, que le valió el Premio Goncourt, una historia bélica tratada con los colores chillones de un esperpento.
Quizás la única referencia cercana es la creación de este detective de altura reducida ( otro de sus valores, congénitos al género, reside en la creación de personajes ). Parece , al conocerlo, que vamos a asistir a una de esas propuestas donde la adscripción a un género se hace rozando la parodia para acentuar sus rasgos comunes. Nada más lejos de la realidad . Pronto olvidamos ( o interiorizamos como una característica más ) las circunstancias personales de nuestro protagonista . A partir de ahí nos lanzamos ( nos lanza su autor ) a un tobogán imparable, trepidante.
La trama es turbia, desde su inicio. Sabemos que el mal, la maldad que antes citaba , es lo único que puede sustentar la furia asesina a la que nos enfrentamos. Sin embargo, y simplemente lo cito para no desbrozar la trama ( la endemoniada trama ) terminamos teniendo la sensación de que también en Lemaitre existe cierto nivel de perversión en el juego cruel que emprende con todos nosotros.
Es difícil comentar más sin correr el peligro de hablar de más.
Baste decir que es un homenaje a la literatura , al proceso de creación pero también al de recepción , en esos niveles donde es difícil dilucidar la verdad de la ficción y donde la mente del lector debe de comenzar su ejercicio de reflexión una vez que abandona la última página.
Mejor quedarnos aquí.
Cualquiera que tenga el coraje para dar un paso en el infierno, que consiga seguir leyendo incluso cuando se le encoje el corazón, encontrará en Irene una forma magnífica de entretenerse. Y mucho, mucho más.

Público

lunes, 22 de junio de 2015

LA CASA DE LA PORTERA

Muchos son los proyectos que , con el objetivo de perdurar para siempre, tienen un final.
¿Quien ha dicho que la eternidad está sólo en el tiempo?.
Escribo este post con alegría: se cierra La Casa de la Portera, una de las experiencias teatrales más fascinantes de los últimos tiempos, pero no se cierra por razones externas , sino porque , en un alarde de coherencia, así lo han decidido sus creadores.
Ha cubierto una etapa permitiéndonos ser algo más que público.
Ha creado escuela, tendencia, formas de romper la barrera entre espectador y actor.
Ha sido capaz , con valentía, de afrontar proyectos de Chejov , Strindberg, Fassbinder.... Pero también , a la misma altura , ha cedido espacio a miniaturas preciosas, a pequeñas joyas entre las que no puedo olvidar 2 Ninas para un Chejov. Y ha decidido , han decidido, que era el momento de divertirse con otras experiencias que, seguro, serán de nuevo un regalo para todos los que amamos el teatro.
La Casa de la Portera deja un recuerdo eterno en todos aquellos que hemos disfrutado en sus habitaciones, una experiencia inolvidable, íntima, particular.
Nos queda , claro, La Pensión de las Pulgas, pero para mi, este bajo será siempre un lugar entrañable, único y lleno de una extraña poesía en la que convivían las palabras más hermosas con ese ajado papel pintado.
Sólo me queda decir gracias y suerte.
Volved pronto. Con lo que sea.

Público

NOVELA: ROJO Y NEGRO de Stendhal

Diversas editoriales
También disponible en ebook.

Leer a los clásicos.
Esos libros que , en muchas ocasiones viven en el rechazo de la obligatoriedad escolar y ahí se quedan en nuestra memoria sin que acudamos a recuperarlos en ningún momento, sin darles la oportunidad de manifestarse por si mismos.
Adjetivados con muy poca consideración como "aburridos", definidos frecuentemente como "ladrillos".... se quedan en el pasado.
Una pena.
Los devora la actualidad editorial. Seguramente más efectiva pero no por ello más gozosa.
Como habrá podido verse en este blog, ya en varias ocasiones, he tenido la suerte de romper el maleficio y asomarme a estas obras , con la curiosidad de preguntarme que era lo que las convierte en únicas. Tan únicas que ahí siguen en cualquier listado sobre lo que hay que leer antes de morir .
Y pocas veces me arrepiento.
Lo más complicado es esto: ¿ que se puede contar sobre algo sobre lo que tantos han escrito, sin pecar de pedante o pretencioso?.
En este caso, Rojo y Negro, excelente epopeya de Jean Sorel que me trago a bocados , me sorprende especialmente por dos razones:
En primer lugar su capacidad psicológica a la hora de crear a este personaje , humillado y humillante , trasunto de una época y de una revolución que no consiguió cambiar la sociedad como debería, anhelante de cielos pero incapaz de levantar sus pies del barro, responsable de todos sus errores, con un corazón extraño cruzado de veneno y de deseo a partes iguales.
En segundo lugar , en una pluralidad que recorre desde el entorno rural a la capital, nada menos que París en esa época , el dibujo amplio, físico pero sobre todo social, de un momento histórico, tan amplio que resulta enciclopédico y tan natural que en ningún caso parece novelado.
Era una época en que , está claro, se escribía de otra manera ,con más pausa, con más detalle, con más tranquilidad; también puede leerse así, aprender a leer de nuevo.

Público  

jueves, 18 de junio de 2015

TEATRO: ANTIGONA de Sofocles

Versión y dirección- Miguel del Arco
Intérpretes- Carmen Machi. Manuela Paso. Angela Cremonte. Santi Marin. Silvia Alvarez. Jose Luis Martínez. Raúl Prieto. Cristobal Suarez

Los clásicos griegos nos han dejado en su dramatización de los mitos, un catálogo absoluto de las pasiones del ser humano, sentimientos tan brutales que sólo podían justificarse aludiendo a la intervención de los dioses.
Es importante por lo tanto ser capaz de interpretar la universalidad de su mensaje y adaptarla al momento, para hacerla cercana y comprensible, pero sin banalizarla. Multitud de adaptaciones conocemos que , utilizándolos como excusa, terminan navegando en una vulgaridad de thriller. Y es que no es fácil elevar la pasión , sea cual sea, a un nivel casi divino, sin sonar ridículo o anacrónico.
El Teatro de la Ciudad, maravilloso proyecto, aborda el reto desde la reflexión y el taller, pero sin despojarlos tampoco de su carácter arcáico y ceremonial.
El resultado es muy potente.
Hablaba el otro día de Medea, la esencia del horror que puede causar un ser humano al que han desgarrado el corazón ( que no sólo contiene amor , sino también orgullo, miedo... ).
Antígona se convierte en un tratado sobre el ejercicio de poder, la norma, la necesidad del orden, la figura del gobernante y su necesidad de investirse de dureza, la figura del rebelde y su necesidad de cumplir también con su rol. El público, el coro, ese pueblo que hay que asumir como mutable... mucho en que pensar y que la versión de Miguel del Arco traslada con una claridad  absoluta y muy bien estructurada.
En ese orden, Antígona es el detonante, el personaje necesario, pero es un personaje lineal desde su inicio, eso sí, lleno de luz en la oscuridad. La evolución, la duda, la profundidad está en un Creonte que es verdaderamente quien carga con la obligación de tomar las decisiones, y en este caso, con el protagonismo de la función ( no recuerdo bien el original y no puedo acertar si esa distribución de pesos está allí o es fruto de esta adaptación).
Creo que es un acierto que el personaje se convierta en femenino, porque la lucha se lleva al concepto, a lo humano sin distinción, eliminando cualquier posible contraste por cuestión de sexo. Además, la interpretación de Carmen Machi es perfecta, digna ya de una de las grandes, de alguien capaz de afrontar cualquier personaje, su palabra es sobria, matizada, medida, poderosa, transparente y por eso terrible.
No es la única. Manuela Paso conmueve en cada una de sus intervenciones y los demás funcionan como el mecanismo de un reloj.Y es que, como ya ocurría en Medea, hay una homogeneidad perfecta, seguramente propia de un trabajo de taller muy desarrollado.
Antígona sobrecoge. También atrapa. Es hermosa por dentro y por fuera.
Al final nos queda la duda ¿ se desencadena la tragedia por la fortaleza de Creonte o precisamente cuando deja paso a su debilidad?.
Miguel del Arco, desde que nos sorprendió, no hace más que crecer. Es un director visualmente plástico en su narrativa , capaz de interiorizar y poner en imágenes cualquier idea.
Y esperemos que el Teatro de la Ciudad no sea sólo experiencia de una temporada.
Gracias a quienes lo hacen posible.

Público

viernes, 12 de junio de 2015

CINE: PHOENIX de Christian Petzold

Alemania 2014
Nina Hoss. Ronald Zerhfeld. Uwe Preuss. Nina Kunzendore. Michael Maertens.

Ya en su película anterior, Bárbara, Petzold volvía los ojos hacia atrás, encontrando en las heridas abiertas en Alemania tras la guerra, un excelente paisaje, estético y moral, para narrar una historia de lucha.
De nuevo con Phoenix se sitúa en ese espacio, una ciudad donde conviven los derrotados escondidos, con aquellos que regresan desde los campos de concentración, en una atmósfera que desde la falsedad, busca servir a aquellos que han salido vencedores y que allí siguen destacados.
Hay que sobrevivir, y sobrevivir, muchas veces, está reñido con la honestidad.
Y esto último es algo que ha ocurrido sobre todo en los años de la contienda, algo que ha ampliado el campo de los culpables ¿ puede tratarse realmente como tales a aquellos a los que ha vencido el miedo?.
Creo que el estupendo guión está basado en una novela que ya sirvió a antaño para otra película que desconozco. No me extraña, es un argumento con muchas posibilidades dramáticas.
Petzold dota la historia de la oscuridad precisa, de un nivel de desasosiego que comienza con esas mujeres vendadas que, como fantasmas nocturnos que surgen del pasado, recorren los pasillos de la clínica a la búsqueda de su propia imagen.
A partir de ahí, nos vemos inmersos en un ambiente enfermizo, tóxico. No parece lejos Hitchcock, y no sólo por las concomitancias de la historia con Vértigo, sino también por su capacidad para asomarse a los rincones oscuros del ser humano y su maestría a la hora de graduar la información y generar tensión sobre cualquier aspecto; sin olvidar, claro, su álito romántico, cercano por momentos al "amor fou".
De todos modos, hay algo muy importante que otorga a Phoenix otra dimensión, más allá de cualquier thriller americano o europeo, y es que Petzold es alemán, y está hablando del pasado de su país, de una forma no sólo utilitaria.
El director utiliza por lo tanto la historia para recordar y hablar de la culpa, de la traición, del perdón y, creo, de la imposibilidad y el error que supondría olvidar. Que difícil, tantos años después, atreverse con este mensaje.
Phoenix es una excelente película, pero hay algo más y no quiero terminar este comentario sin decirlo: tiene uno de los mejores finales que recuerdo, por su alma, su elegancia y contar tantas cosas con tan poco.
Desde Bárbara , Petzold ha crecido, esperemos que lo siga haciendo, es ya un director a tener muy en cuenta.

Público

NOVELA: LA OCULTA de Héctor Abad Facioline

Alfaguara
344 páginas
También disponible en ebook

La Oculta es una finca en las afueras de un pequeño pueblo, Jericó, en la provincia de Antioquía,  Colombia.
Los últimos descendientes de la familia, tres hermanos, tienen, quieran o no quieran, sus raíces en aquel lugar.
Así, con el fallecimiento de su madre, siendo conscientes de que se acerca el momento de la pérdida, inician de forma individual una larga rememoración íntima y plural, en que no sólo cubren sus historias personales, sino también el pasado más remoto, aquel que ha llevado desde la llegada de los primeros colonos hasta el nacimiento del pueblo y, como no, de La Oculta.
Hay mucho en este mosaico en el que, tal vez, en ocasiones echo de menos algo de aliento épico o cierta columna vertebral, pero que es capaz de dibujar un cuadro muy completo de la historia de un país tan castigado como Colombia. Ya he dicho que está ese pasado fundacional, pero también se encuentra la violencia más reciente, los grupos paramilitares, el narcotráfico...
En definitiva, La Oculta parece convertirse en una de esas sagas que, desde el ámbito familiar se ramifican , un género conocido y que permite analizar la historia desde la intimidad de algunos personajes cotidianos que lo han vivido.
De este autor recuerdo con especial cariño y admiración El olvido que seremos.
Aquí sigue ahondando en ese entorno de lazos familiares, en ese amor que viene con la sangre y que no siempre se comprende pero que siempre está, en la emoción como herramienta narrativa.
A pesar de que La Oculta es un libro ambicioso e importante, personalmente creo que no está a la altura del anteriormente citado en cuanto a resultado, siendo menos compacto. Pero sí lo está en honestidad, en interés por contar la verdad ( en El olvido que seremos nada menos que la vida de su padre en una preciosa pero nada complaciente biografía ), y en la ternura de su prosa.
Una vez superado el realismo mágico como estilo y forma de trascender y transmitir la realidad, son muchos los narradores latinoamericanos que consideran la importancia de la crónica de lo que ha sucedido durante las décadas en que esas tierras han luchado por incorporarse a lo que pide de ellos una sociedad moderna. Lo importante es que han sido capaces de plantear esa crónica no desde el periodismo sino desde lo personal, desde el interior y la experiencia humana. Seguro que es una opción mucho más dolorosa pero también mucho más rica.
La Oculta da un paso más. Es un documento importante en ese archivo.

Público

jueves, 11 de junio de 2015

TEATRO: MEDEA de Séneca

Versión y Dirección- Andrés Lima
Intérpretes- Aitana Sánchez Gijón. Andrés Lima. Laura Galán Joana Gomila

Lo cierto es que , hasta ayer por la noche, mi apreciación sobre la calidad interpretativa de Aitana Sánchez Gijón era limitada.
Sólo en una película, La Puta y La Ballena , me había gustado mucho; ni siquiera en La Chunga de Vargas Llosa , donde consiguió aplauso mayoritario, yo encontré más que un artificio poco creíble.
Digo hasta ayer.
Salgo de la representación de Medea sobrecogido por haber asistido a una ceremonia de conversión absoluta, de entrega total, también de resultados. En el escenario del Teatro de la Abadía, Aitana se transforma ante nuestros ojos, realiza una metamorfosis a la que sólo pueden llegar los grandes , y representa uno de los personajes más complejos y difíciles de la historia del teatro.
Medea es una mujer despechada, llena de ese amor que tanto duele. Pero para no vulgarizarla, es necesario trascender y llegar al mito, a ese ser cruel , donde los sentimientos se manifiestan con la misma potencia que las fuerzas de la naturaleza, donde es imposible medir el impacto del horror.
Medea la maga. Medea el mal.
La actriz lo consigue. Crear una imagen totémica y , al mismo tiempo, dotarla de una humanidad que , al acercarla a nuestra comprensión , convierte sus acciones en todavía más horribles.
Medea y el terror , ese germen de infierno que puede habitar en cualquier ser humano.
Andrés Lima entiende perfectamente que esta tragedia sólo puede ser eso, una tragedia de dimensión mítica, y también que sólo puede ser ella.
Así configura esta representación de cámara a su alrededor, asumiendo él de forma utilitaria el papel de los personajes masculinos y convirtiendo el resto de elementos, la nodriza, la iluminación, las bellísimas canciones, en aderezos para dotarla de una belleza aterradora.
No opta por actualizar ni buscar otro contexto. Ya desde el prólogo nos indica que nos hallamos en el territorio de los dioses, en un tiempo arcaico. Y arcaica es su propuesta , con ese color de tierra que nos recuerda que esta mujer es parte del barro que tantas veces enfanga el paso de los hombres, materia y mundo donde conviven lo real con lo incomprensible, la magia con la fuerza, el odio con el amor, todo ello mezclado en el caos, ese caos que nunca nos ha abandonado y que convierte nuestro entorno en otra etapa del inframundo.
Es difícil no sobrecogerse, no sentirse golpeado por esta ceremonia pagana, por este sacrificio.
Difícil también asumir que incluso en momentos podemos comprender el dolor de Medea.
Porque ella representa a tantas mujeres, a tantas venganzas que todavía tienen lugar todos los días a nuestro alrededor.
Se ha hablado siempre de la Medea de Nuria Espert, de la de La Callas; en este momento, desde ahora, será imposible recordar el mito sin evocar la belleza y el desgarro de Aitana Sánchez Gijón.
No se le deben de permitir otros niveles . Ayer por la noche a mi me demostró de lo que es capaz y he comenzado a adorarla.

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miércoles, 10 de junio de 2015

PREMIO PRINCIPE DE ASTURIAS A LEONARDO PADURA

Pues sí. No ocurre siempre , pero hay veces en que los premios son una alegría ( no me refiero, obviamente a para quien los recibe).
Sí el Príncipe de Asturias ( uy, es princesa ¿no?) del pasado año a Banville no me gustó nada, el de Leonardo Padura me parece fantástico.
Con un detective con un nombre tan "significativo" como Mario Conde, Padura compuso la Tetralogía de las Cuatro Estaciones ( Pasado Perfecto, Vientos de Cuaresma, Máscaras y Paisaje de Otoño ) en la que el sentimiento de los clásicos del género ( Hammet, Chandler ) se fundía a la perfección con el paisaje estético y moral de La Habana. Cualquiera de las cuatro era una pequeña joya.
Pero no se quedó en un novelista negro ( que ya hubiese sido suficiente ) sino que consiguió avanzar mucho más , convirtiéndose en "sólo" un novelista, grande, eso sí.
Citaré dos obras más que recuerdo entre lo mejor que he leído en los últimos tiempos:
La novela de mi vida, un recorrido interior y exterior , lleno de alma, sobre el paso del tiempo y las revoluciones, y El hombre que amaba a los perros, sobre Trosky y Ramón Mercader, un ejemplo apasionante de novela histórica.
Hablé aquí no hace mucho de su última publicación hasta la fecha , Herejes, donde su excelente prosa me enganchaba , como siempre , pero en la que no acababa de encajar a la perfección las dos vertientes de sus partes diferenciadas ( histórica y policiaca ). En cualquier caso una novela que nadie se arrepentirá de leer.
Lo dicho, una alegría, que estoy seguro compartirá él con el Conde y su grupo de amigos, capaces de mezclar la felicidad con la melancolía bajo el cielo de La Habana.
Felicidades.

Público  

sábado, 6 de junio de 2015

NOVELA: BLITZ de David Trueba

Anagrama
176 páginas
También disponible en ebook.

Me cuesta hablar de esta pequeña pieza narrativa.
Primero, porque aunque no lo conozco personalmente, David Trueba me cae muy bien, me parece un tipo sano, simpático, normal en definitiva. Además, junto con su hermano Fernando ( excelente director, le debo una joya como El sueño del mono loco y otras gozadas como El artista y la modelo ), y otros amigos, forman una de esas tribus culturales al margen de lo politicamente pretencioso.
Segundo, porque su novela anterior, Saber Perder, me pareció fantástica. Y además no adolecía de referencias cinematográficas, era una novela novela.
Tercero, porque por lo general, tanto en su prosa como cuando da su discurso de agradecimiento en los Goya, me parece medido, fresco, equilibrado.
Y cuarto, lo más duro... porque la verdad es que, aunque no pueda decir que me haya disgustado, Blitz tampoco me ha producido ninguna satisfacción.
Sí, es ligera, tiene algunos momentos logrados, tiene un tono general cercano y agradable. Como he dicho no me disgusta pero es que no creo que pueda disgustar, porque lo cierto es que le falta fuerza para ello.
Narra ¿ narra? ¿ muestra?, una etapa de asunción de ruptura por parte de un hombre en la cuarentena. Abre una puerta a la sorpresa. Bueno....
Me parece intrascendente. Ya lo he dicho.
No soy yo de los que la trascendencia la exijo, de hecho creo que es uno de los pecado más patéticos de nuestra cultura, pero hay un borde de nadería que no supero.
Y fíjate, el caso es que está entre las listas de libros más vendidos y me alegro.
Repito, David Trueba me cae muy bien. Espero que vuelva a lo importante.

Público

CINE: A CAMBIO DE NADA de Daniel Guzmán

España 2015
Miguel Herran. Antonio Bachiller. Antonia Guzman. María Miguel. Felipe García Velez. Luis Tosar. Roberto Alvarez. Beatriz Arguello.

Dice el debutante director ( y para mi excelente actor desde su descubrimiento en Extasis ), rememorando al parecer a Fellini, que cuando alguien habla de su vida, es difícil no transmitir verdad.
Por otro lado, es bastante habitual que, para sus primeras obras, los creadores noveles acudan a su propia experiencia.
Hay que pensar por lo tanto, que Daniel Guzmán no está lejos de Darío y de su entorno, de las dificultades de una vida en el límite de la pobreza, donde es fácil que se desestructuren las familias, donde los objetivos son difusos y la amistad persiste como el vínculo más fuerte. Donde el mañana lo es de forma literal.
Allí es donde decide ubicar su historia, una historia con muchas aristas, pero que su autor, seguramente por su referencia personal, llena de cariño, de ternura, no sólo hacia la pareja protagonista sino hacia todos los personajes, ninguno juzgado, todos comprendidos. En especial, recordar el hallazgo de Antonia, nada menos que la abuela del autor y uno de los homenajes más hermosos que he visto últimamente. El conjunto es muy rico, con el jefe de taller, el padre, la chica...
Sin ser una feelgood movie ( no podría por su propio fondo ) A cambio de nada es una película muy simpática, muy agradable, en la que es difícil no estar a gusto
A ello contribuye un guión muy bien estructurado y lleno de cercanía pero también, y sobre todo, lo que para mi supone el mayor descubrimiento del film: Miguel Herran, muy bien acompañado por Antonio Bachiller; parece increíble que esta sea su primera experiencia interpretativa, no sólo por su frescura y su absoluta naturalidad, sino también por la cantidad de matices que incorpora. Sin él, la película no sería la misma. Creo que el Goya de este año al Mejor Actor Revelación ya tiene nombre.
Estos dos habitantes ingenuos de un mundo duro, han aprendido de una herencia que posiblemente se remonta hasta nuestro Lazarillo de Tormes , capaz de sobrevivir y de seguir siendo, a su manera, honestos y generosos, también de sonreir y de buscar la sonrisa.
Lo dicho, Daniel Guzmán, tras algunos cortos, debuta en el largometraje con esta obra, demostrando que tiene mucho cine dentro, porque el pulso es perfecto; en ningún momento se huele a aprendiz sino todo lo contrario. Además opta por convertir en comedia lo que en otras manos ha sido tantas veces un drama, un paso que ya comenzó Leon de Aranoa en Barrio , alejándose millones de kilómetros de por ejemplo, Eloy de la Iglesia, porque la misma historia puede mirarse de muchas maneras
Esa sería una de las conclusiones que quiero destacar: la película no excluye en ningún caso la sordidez y la dureza de ciertos temas, sino que consigue mirarla evitando la amargura y dotándola de esperanza, algo muy pero que muy importante.
Espero que Guzmán  siga por esta línea pero que eso no suponga en ningún caso que abandona su carrera de actor.
Espero que A cambio de nada tenga suerte. Lo merece.

Público

jueves, 4 de junio de 2015

CINE: UNA PALOMA SE POSO EN UNA RAMA A REFLEXIONAR SOBRE LA EXISTENCIA de Roy Andersson

Suecia 2014
Holger Andersson. Nils Wetblom. Charlotta Larsson. Viktor Gyllenberg. Lotti Tornros. Jonas Gerholm.

Intentando identificar con algo esta película, se me ocurre pensar en una especie de mosaico collage. Es una pieza compuesta por partes, ligeramente engarzadas ( por frases, textura, estilo, o, muy pocas veces, algo parecido a una historia ) pero independientes. Extrañamente capaces de integrarse, a pesar de su diversidad, tal vez porque lo que sin duda tienen en común , es la mano maestra de un creador singular.
Estamos en una Europa estéticamente decadente y envejecida. Dos hombres, una especie de pareja cómica, se dedica a intentar vender, sin mucho éxito, artículos de broma; esto es lo más parecido que se puede encontrar a un hilo argumental. Pero centrar la ¿trama? en ello, sería prescindir de muchas de sus treinta nueve estampas, que van sucediéndose con una libertad absoluta, desde encuentros con la muerte a una intromisión histórica.
Creo que la verdadera referencia de esta obra, es el teatro del absurdo, Beckett e Ionesco; personalmente siempre he pensado que es necesario un toque de genialidad para moverse en un nivel de libertad tan amplio y ser capaz de equilibrar la forma siempre sorprendente, con el contenido que, aunque no lo parezca, siempre existe, en ocasiones con mucha más contundencia que propuestas más didácticas. Lo considero un ejercicio supremo de inteligencia, una especie de atracción temática intelectual.
Roy Andersson lleva al cine esta filosofía con claridad y humor.
Le basta poner una distancia un poco mayor a la habitual y eliminar un poco del ritmo lógico, cotidiano, para convertir cada movimiento, cada cuadro, en algo diferente. Estéticamente, la pinta de colores planos, de un enfoque único y de una coreografía teatral. Con todo ello consigue no quedarse lejos de un Jacques Tati más decadente.
Y en lo que se refiere al contenido, creo que el director hace un ejercicio excelente sobre lo banal, lo superficial de la vida, capaz de crear momentos de ternura pero también de angustía sin que ninguno de ellos tenga verdadero fondo, más lejos de su duración efímera; quizás lo más grave es que esa banalidad puede también estar presente en lo cruel, y no hay mayor tragedia que lo absurdo del mal.
Me cuesta seleccionar alguna escena dentro de lo genial que me parecen la mayoría, desde aquellas mínimas estampas de transición ( me gusta mucho la pareja fumando juntos en la ventana ),  hasta la ya citada intromisión histórica absolutamente única en su fusión de pasado y presente, también la memoria cantante del bar, o la pequeña historia del bailarín y su profesora, y por supuesto, aquella que cierra el film. También hay que alabar elementos como las frases repetidas o el retorno al escaparate del restaurante.
No sé si sería muy atrevido hablar de una especie de Hooper europeo.
Tengo la sensación de que esta película se ama o se odia. En mi caso me ocurre lo primero, por todas aquellas cosas que ya he citado como la genialidad y el humor, también por su riesgo absoluto y por alcanzar un nivel de ligereza que hace que transcurra sin que uno se de cuenta, pero especialmente por la capacidad de su director de sorprenderme en cada segundo, sin que nunca llegue a presentir lo que me va a contar a continuación.
Y lo más importante: no sé como lo consigue, pero en todo esto, no hay un sólo atisbo de pretenciosidad, de soberbia, ¡ si encima parece un ejercicio de humildad!.
Una gozada.

Público

miércoles, 3 de junio de 2015

NOVELA: DISTANCIA DE RESCATE de Samanta Schweblin

Ramdom House Literatura
128 páginas
También disponible en ebook.

No hay que engañarse: con las primeras frases de este diálogo narrativo, puede parecer que nos encontramos ante un texto que va a pecar de críptico.
No es así.
Siempre que seamos capaces de asumir los territorios ambiguos, seguramente herederos del realismo mágico pero también, y sobre todo, de las introspecciones de un Poe, pronto podremos sentirnos ubicados en un lugar desde el cual seguir lo que se nos cuenta.
Y merece la pena.
Distancia de Rescate es, de alguna manera, un relato de terror Digo relato en lugar de novela porque me recuerda a esas narraciones breves de, por ejemplo, Arthur Machen, que alumbraron el género,  con la brevedad de no tener que explicar todo lo que ocurre, sino, fundamentalmente, crear sensaciones, en especial inquietud ante, precisamente, lo desconocido.
En lo que se refiere al contenido, el propio título remite a uno de nuestros principales miedos: no ser capaces de proteger a nuestros hijos, Pero , en una especie de juego de reflejos, también incorpora otro de los referentes más desconcertantes, y es precisamente el que nuestros hijos se conviertan en unos extraños, nada tan peligroso como el dolor que se puede causar desde la inocencia que se convierte en irresponsabilidad, ausencia de compasión y sentimiento de culpa. Además es difícil encontrar mayor situación de desproteción para un adulto que la de tener que defenderse de aquelllo que es lo que más ama.
Y todo esto, en un paisaje rural, pero maleado por el ser humano, que nos transmite su aridez. No es tropical, no es agreste, porque tengo la constante sensación ( de nuevo sensaciones, que bien sabe crearlas esta autora ) de que todo está sucio.
Antes he citado a Poe, porque lo cierto es que este texto magnético se sitúa en un nivel de evocación,, de pesadilla, que podría ser verdad, ser un sueño, ser una leyenda, no ser nada...
La autora nos agarra desde la primera página, o tal vez sería mejor decir nos clava con alfileres, y sin bajar el ritmo, manteniendo un difícil nivel de tensión, y de equilibrio entre lo que nos muestra y lo que nos deja imaginar, no nos suelta hasta el último momento. Algo sacudidos, agradecemos el viaje.
Para mi es una nueva voz, y es una voz particular, muy interesante, sin duda con mucho que contar y sabiendo como contarlo.
Me recuerda al extrañamiento que producían algunos de los cuentos, de los primeros cuentos leídos, del boom latinoamericano. De referencias culturales primitivas que han pervivido, no sólo en su entramado social, sino también en una memoria olvidada de la humanidad ya que no nos resultan del todo desconocidas. Pero ahora están más cerca, quizás porque ya ha dejado de sorprendernos o porque también ellos han tendido puentes literarios con el viejo continente.
Quizás comiencen a ser un poco viejos. Como lo es el terror.

Público

martes, 2 de junio de 2015

NOVELA: SUMISION de Michel Houellebecq

Anagrama
268 páginas
También disponible en ebook.

Supongo que uno de los juicios más injustos ante cualquier obra de arte son las expectativas.
Me adentro en Sumisión con el recuerdo de La Conjura contra América de Philip Roth, otra muestra de política ficción que se encuentra entre lo mejor de su autor ( que, por otro lado tiene mucho bueno ).
También tengo en la memoria la única obra que conozco de Houellebeck ( ¿ puede llamarse El Mapa y Su Territorio? ) y el apasionante juego intelectual que proponía, incluso sacrificando su propio personaje, en un divertido ejercicio de metaliteratura.
Sumisión parte de una premisa que suena muy atractiva y absolutamente actual: la llegada al poder en Francia de un partido musulmán ( logradísima la imagen de la portada, por cierto ). Llegada al poder que, eso es algo muy importante, se produce por la vía democrática.
Desde ahí, apunta una narración que en muchas ocasiones se asoma a lo que esperábamos, el "que pasaría". Pero no es ese el interés de su autor, quizás más sutil pero para mi menos efectivo.
Su decisión es centrar el relato en la transición ( la sumisión ) del personaje central, el propio narrador, siendo el fondo social y político sólo el paisaje tenue donde se enclava. Me suena a exceso la pátina sexual que, supongo, tiene como objetivo agrandar la distancia entre principio y final. También el transfondo filosófico de la propuesta que, al no estar ·narrado· sino expuesto, no consigue interesarme y hace que me encuentre pensando en otras cosas.
Sí me enganchan los momentos en que se explica esa especie de juego de tronos que es capaz de convertir en realidad aquello que parecía imposible ( aterrador si nos lo aplicamos ), así como los apuntes a los cambios sutiles que poco a poco se van produciendo en la sociedad. También es interesante, diría que importante ( y arriesgado ) el planteamiento interior en lo que se refiere a las razones reales de aquellos que enarbolan esa bandera, al parecer adalides de una estructura jerárquica y en las antípodas de la libertad a la que debe aspirar cualquier ser humano.
Sumisión no tiene nada de malo y hay que aplaudir la valentía de su autor en tiempos como los que vivimos. No en vano, creo que ha tenido que suspender algunas de sus presentaciones ( algo que dice mucho de lo que podría ocurrir si esta historia se hiciese real y de la necesidad de que se escriban y publiquen libros como este).
Quizás, lo dije al inicio, sea un problema de expectativas.
No soy justo.

Público