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viernes, 27 de marzo de 2015

CINE: EL AÑO MAS VIOLENTO de J.C. Chandor

USA. 2014
Oscar Isaac. Jessica Chastain. Albert Brooks. David Oyelowo. Alessandro Nivola. Elyes Gabel. Catalina Sandino Moreno. Christopher Abbott. Ashley Williams.

Durante los años ochenta, surgieron una serie de cineastas, capitaneados por Spielberg y Lucas, que volcaban en sus obras lo que habían disfrutado en la oscuridad de las salas; sus primeras cintas, trepidantes, tenían mucho de homenaje.
Han pasado los años, y últimamente, me encuentro con películas que me llevan a pensar que hay otra generación haciendo de nuevo lo mismo: rodando las películas de las que aprendieron.
Lo percibí en Drive, en El sueño de Ellis, y ahora en El año más violento.
Tal vez estén menos centradas en el cine como diversión ( generación Spielberg ) y más en el cine como elemento narrativo.  Creo que tiene más de mimetismo, de repetir lo que saben que es bueno, que de homenaje.
¿ Sus referentes ? por ejemplo Lumet, Coppola, Fuller, etc.
El año más violento, un excelente thriller, podría haber sido rodado por cualquiera de ellos. Y también escrita.
Nos encontramos en 1981, en un entorno no directamente gangsteril pero suficientemente turbio. El sueño americano de un empresario hecho a si mismo, se ve en peligro por unos ataques a su negocio que parecen querer recordarle que es un outsider. No cuentan con su fuerza, su capacidad de enfrentarse a todo y a todos por conseguir sus objetivos, y el acompañamiento de una esposa que no le va a la zaga cuando se trata de seguir siendo ganadores, aunque para ello haya que saltarse algunas normas.
El personaje que interpreta fantásticamente desde dentro Oscar Isaac, no está lejos de aquel que bordaba Al Pacino en El Padrino, especialmente en los dos primeros, esa capacidad de asumir que el sueño está pervertido, que siempre quedarán víctimas en el camino y que para ganar hay que ser el más fuerte.
A su lado, Jessica Chastain está vulgar, perversa, única.
Ambos están perfectamente escritos, en un guión lleno de sugerencias, claro en su desarrollo y abierto a mucha profundidad.
El año más violento se disfruta de principio a fin, como hemos disfrutado tantas veces . Es estupenda.
Me encanta que ahora lo más moderno sea ser clásico.

Público

ULTIMOS VERSOS DE TOMAS TRANSTROMER

Cuando en el año 2011 le entregaron el Premio Nobel de Literatura, no lo conocía. No soy lector habitual de poesía.
Motivado por la crítica y la difusión de su peripecia vital, me acerqué a su obra, en concreto a Deshielo a mediodía.
Desde entonces en un libro que esta siempre a mi lado.
Me conquisto el grafismo con el que su pluma dibuja los sentimientos, la placidez de su mirada y la serenidad de su lenguaje.
Sus canciones son cuadros que muestran y narran, con los colores del amor y de la paz.
La belleza.
Esta noche, leere de nuevo " Aquí estuve a punto de perder algún día una tarde de febrero".
Descanse en paz.
Lo hará. Seguro.

Público

miércoles, 25 de marzo de 2015

NOVELA: EL MAPA DEL CAOS de Felix J.Palma

Plaza y Janés
672 páginas
También disponible en ebook.

Ya he hablado aquí de las dos novelas anteriores que componen esta trilogía denominada Trilogía Victoriana : El Mapa del Tiempo y El Mapa del Cielo. Si alguien lo ha leído, sabrá el entusiasmo con el que las devoré y puede imaginar mis expectativas con respecto a la obra que iba a cerrar el proyecto.
Recordando en líneas generales lo que hacía tan especiales las otras dos entregas , hablaría por un lado de esa textura de folletín y esa capacidad pictórica para dibujar un mundo propio a través de referencias ( posiblemente literarias y cinematográficas ) que tenían mucho de la mirada con la que un niño sorprendido accede a el universo que le brindan autores como H.G. Wells , Julio Verne o Conan Doyle.
Ese nivel de homenaje , llegaba al punto de convertir a sus admirados escritores en personajes de sus tramas y sus novelas en guías de viaje para sumergirse en sus páginas.
Verdaderamente era una experiencia que tenía mucho de recuperar esa pasión por la lectura cuando esta es todavía un descubrimiento y cuando no existen límites a la imaginación.
Pero además , con todo ello y mucho esfuerzo, el autor era capaz de crear unas tramas apasionantes desde la primera a la última página , manejando el humor como punto de distancia para el lector adulto.
El Mapa del Caos debería de cerrar esta epopeya con el mismo nivel, aunque tal vez no era fácil cuando las expectativas eran tan elevadas.
Y tengo que empezar diciendo que las virtudes literarias que encontrábamos en las anteriores novelas , también están aquí.
Pero... lo siento, el resultado no es el mismo.
¿Motivo? la trama. Independientemente de que se utilicen los mismos elementos , de que siga siendo capaz de crear momentos e imágenes fascinantes y que algunas de las aventuras que lo conforman ( en especial en la primera parte ) nos consigan pegar a sus páginas , la trama de El Mapa del Caos se complica en exceso, tanto que en momentos es difícil seguirla y , a mi personalmente , llega a dejar de interesarme . No existe la necesaria guía para que el lector no se pierda o, quizás, hay un exceso de ambición. En cualquier caso, en el último tramo, me encuentro acelerando la lectura , no por las ganas de saber lo que ocurre al final, sino, especialmente , por terminarlo.
Me cuesta no sentirme satisfecho.
Es mucho lo que esperaba porque es mucho lo que había recibido en las dos anteriores entregas.
Vamos a pensar que es sólo personal. Que es un libro para lectores más inteligentes y que ellos si encontrarán el placer que merecen sus páginas.

Público

TEATRO: LA PECHUGA DE LA SARDINA de Lauro Olmo

Director- Manuel Canseco
Intérpretes-
María Garralón. Amparo Pamplona. Natalia Sánchez. Alejandra Torray. Nuria Herrero. Cristina Palomo. Jesús Cisneros. Juan Carlos Talavera. Marta Calvó. Victor Elias.Marisol Membrillo

Hace unos días , cuando comentaba Salvator Rosa, mencionaba el olvido en el que había caído la generación de dramaturgos del realismo de postguerra en nuestro país. Lauro Olmo o  Martín Recuerda, por poner dos ejemplos, son ahora prácticamente desconocidos en nuestros escenarios , incluso Buero Vallejo, en su momento decano de los escritores teatrales contemporáneos , lleva mucho tiempo sin ser representado.
Posiblemente , se les reconoció en su momento una función social, y una vez superada ( ¿superada? ) esa etapa , ya no parecían tan necesarios, y sus textos , excelentes en algunos casos, sonaban a teatro antiguo.
Por eso es tan importante que el CDN recupere de alguna forma a esa generación que , para los más jóvenes es hoy día prácticamente inexistente. Y lo haga con el respeto que merecen.
¿ Como se debe de afrontar hoy día ese tipo de textos? buena pregunta. Personalmente creo que desde la perspectiva histórica, no con ansias revisionistas o desde el rencor, sino desde la plasmación de otra época , como se hace , por otro lado, con, por ejemplo, Chejov ( al que aquí referencia Canseco en el programa de mano, acertadamente ). Cuando asistimos a una representación de Tres Hermanas , no buscamos la actualidad en la sociedad estamental rusa , sinó conocer lo que ocurrió entonces y acceder a conceptos universales sobre el ser humano que están presentes en cualquier buen texto.
Y La Pechuga de la Sardina es un buen texto.
Sorprende la modernidad de su trazo en la ligereza con que se marcan los acontecimientos y la ausencia del peligroso melodrama, también sus pinceladas tenues a la hora de delinear a un grupo de personajes que quedan abiertos, por lo imposible de captar la esencia absoluta de un ser humano. La mirada del autor es casi de fotógrafo, sin siquiera la pretensión de un cronista.
Así se desarrolla ante nosotros este dibujo de un conjunto de mujeres en un mundo que no estaba preparado ni dispuesto a dejarles respirar más allá de las convenciones; una pensión seguramente reflejo de muchos otros escenarios donde la tristeza tiznaba el paso del tiempo sin demasiadas esperanzas y donde la agresión por parte de los hombres estaba considerada casi una mera circunstancia. Un mundo con miedo, con mucho miedo, aunque no siempre se supiese a que o a quien.
Uno de los factores que hacen especial este delicado montaje es la decisión escenográfica , ese escenario dividido en diversas habitaciones , rodeado, presionado, por el público, donde el ritmo se vuelve casi cinematográfico.
Otro es el conjunto de intérpretes que, liderados por la veteranía de unas excelentes María Garralón y Amparo Pamplona, componen un equipo homogéneo y entregado.
Todo ello conforma el muy positivo resultado de una acertada decisión de programación. Esperemos que no se quede en un hecho aislado y podamos recordar a toda esa lista de escritores de nuestro país que hicieron del teatro su forma de contar el mundo.

Público

    

sábado, 21 de marzo de 2015

TEATRO: DOS PEOR QUE UNO de Richard Bean

Director- Alexander Herold
Intérpretes-
Fernando Gil. Miren Iberguren. Peter Vives. Mar Abascal. Fermi Herrero. Toni González. Anna Gras. Miner Montell. Miquel Ripeu. Javi Coll. Vito Sanz. Maribel Lara
Músicos-
Amelie Angebault. Sergio López. Nacho Olivar. Joan Vigo
Basada en Arlequín servidor de dos amos de Carlo Goldoni.

Ya lo entendió Aristofanes, luego muchos otros, en el Siglo de Oro, el referenciado en este caso Goldoni, por supuesto Shakespeare.... hacer reír. es muy importante.
Ellos lo intentaron.
Porque conseguirlo es otra cosa, muy difícil, diría que más que hacer llorar.
Pero como la vida no es justa, tendemos a dejar de lado aquellas obras cuyo objetivo principal es ese, con frases como "es una tontería", " no vale mucho"... eso sí, después de haberlo pasado estupendamente.
Creo que lo primero cuando alguien se decide a intentar que nos divirtamos ( ojo, no es un objetivo por el que deba permitirse reducir la exigencia de calidad , eso no ), es sentirnos agradecidos.
Estoy seguro de que la risa es totalmente medicinal, que alarga la vida y hace que sea mucho más saludable.
Y eso es lo que ocurre con Dos peor que uno.
Es importante señalar que la obra es un encargo del National Theatre a Richard Bean, que tras triunfar allí se transfirió al West End, que estuvo nominada a muchos Laurence Olivier y, en su presentación en Broadway, a varios Tony, es decir, que cometeríamos un error despachándola como una tontería superficial.
De hecho, no me cuesta decir que su primera parte es brillante. Asume la farsa en todo su nivel, incluso manipulando los trucos como la intervención del público con el único objetivo de despertar las carcajadas, y lo consigue.
Me pareció un poquito más floja después del descanso, como si al director le hubiese afectado de repente un ligero cansancio y quisiese encajar las piezas y acabar de una vez, pero no por ello dejé de divertirme con muchos gags ( el de la gaviota es único ).
Además, el envoltorio cuenta con la estupenda participación de un grupo de músicos excelentes, brillantes, que aligeran las transiciones pero además imprimen el ritmo necesario.Que se suman a la cantidad de elementos de calidad que conforman el espectáculo.
Como columna vertebral, me sorprende Fernando Gil, al que sólo había visto en un papel dramático, Enrique VIII. Es un hombre orquesta, que entra y sale de su papel, dialoga con el público y consigo mismo, domina la expresión vocal y gestual. Todos los demás le acompañan a la perfección.
Lo dicho, nunca se debe de infravalorar la risa, el humor es una de las armas más valiosas de cualquier ser humano, que error sentirnos ridículos por divertirnos, casi disculparnos por haber disfrutado de un espectáculo estupendo por el hecho de que carezca de trascendencia..
Mientras pensáis sobre ello, id a ver Dos peor que uno. Es una tarde teatral absolutamente gozosa.

Público

viernes, 20 de marzo de 2015

CINE: CALVARY de John Michael McDonagh

UK/ Irlanda 2014
Bredan Gleeson. Chris O'Dowd. Kelly Reilly. Aidan Gillen. Dylan Moran. Isaach de Bankolé. M Emmet Walsh. Marie Josee Croze

Desde los diez años pasé muchos veranos aprendiendo ingles en Irlanda.
Era muy habitual que, desde el catolicismo imperante en nuestro país, se eligiese ese destino de similitudes religiosas , mucho más seguro que la protestante Inglaterra para la que todavía no estábamos preparados.
Recuerdo un país pequeño, alegre, de pueblecitos reducidos. Muy muy católico.
Tiempo después, cuando vi la excelente y terrible Las Hermanas de la Magdalena de Peter Mullan, me sentí tan horrorizado que no pude evitar pensar que el dibujo era excesivo. Desgraciadamente no sólo era verdad sino que los siguientes descubrimientos sólo demostraron que aquello era un mero retazo del infierno que, bajo el nombre de Cristo, muchos se habían atrevido a crear en la tierra.
La Iglesia Irlandesa ha tenido que ser para muchos creyentes una gran decepción, dramática. Además de que se había sembrado con la ausencia de dos condiciones irrenunciables para cualquier religión: la libertad y la comprensión.
Calvary me crea dos dudas, especialmente en lo que leo sobre ella:
Por un lado se habla de comedia negra; definitivamente debo de tener un concepto equivocado de la comedia; para mi esta historia es un drama, roza la tragedia.
En segundo lugar, el propio director dice que pretende que lo que narra no sea  fruto del entorno irlandés, sino universal; me permito ( sé que es una osadía ) disentir: Calvary está anclada en las heridas de ese país de las que antes he hablado.
El inicio es de los más potentes que se recuerdan, desde ahí se asume un thriller en el que lo importante no es lo que va a ocurrir sino descubrir quien. Pero creo que ese thriller es una excusa para responder a una pregunta ¿ como puede la religión católica convivir ahora en ese país ?.
Para responder, se dibuja un microcosmos donde se han abierto las puertas de todo aquello que antes estaba prohibido, chaperos, adúlteras, avariciosos, drogas, alcohol, ateismo agresivo... tal vez la concentración traslade cierto exceso, pero sus pequeñas historias conforman un escenario postdesengaño, que transmite una triste sensación de oscuro hedonismo..
En ese paisaje, la religión sólo puede aspirar a permanecer recuperando su esencia más humana, comprendiendo sin juzgar, ofreciendo el amor que durante tantos años se ha negado a dar, y tal vez así, ese Dios que parece presente en la fuerza de esos terriblemente bellos paisajes que de vez en cuando copan la pantalla, otorgue el perdón por lo que se ha hecho en su nombre.
Brenda Gleeson compone a la perfección ese personaje que sufre el calvario de asumir la responsabilidad de esa especie de pecado original del clero irlandés, al que se acumula ahora una condena de muerte.
Calvary es una película dura, difícil, pero necesaria. No es una acusación ni un alegato anticlerical. Aunque parezca mentira, al final es una historia sobre el perdón.
Como obra cinematográfica es potente, arriesgada y está muy lejos de ser la obra menor como alguno la ha etiquetado.
Aun la tengo dentro.

Público

martes, 17 de marzo de 2015

TEATRO: SALVATOR ROSA O EL ARTISTA de Francisco Nieva

Director - Guillermo Heras
Intérpretes - Nancho Novo. Angeles Martín. Juan Meseguer. Beatriz Bergamin. Isabel Ayucar. Alfonso Blanco. Carlos Lorenzo. Alfonso Vallejo. Juan Matute. Sergio Reques. Sara Sánchez. Gabriel Garbisú

Francisco Nieva es uno de los clásicos vivos de este país.
Además, creo que su rechazo al realismo ( que presente en esta obra dicho rechazo!  ) le ha hecho más universal de lo que ha resultado ser el teatro social, casi olvidado como una reliquia.
Una especie de moderno Valle Inclán, donde el esperpento pierde crítica y se llena de humor, igual que su antecesor, son tan desbordantes teatralmente sus obras que esto es posiblemente una de las causas de que no se haya representado con mayor frecuencia. Su profusión de imágenes , su mundo propio, no encuentra una traslación sencilla ( ni barata ) a un escenario.
Aun recuerdo mi favorito: un delicado montaje ( creo que dirigido por el propio Nieva ) de El Baile de los Ardientes en un Festival de Otoño de hace unos veinte años; también se debe de recordar la apuesta de Pérez de la Fuente por Pelo de Tormenta.
Ahora, el CDN cumple una buena labor poniendo en pie Salvator Rosa. Creo que es esta sin duda una de las labores de un teatro público, invertir su presupuesto en la adecuada representación de textos nacionales que serían difíciles de afrontar por parte de la empresa privada. Resucitar o impedir que caigan en el olvido nuestros maestros.
Por lo demás, esta propuesta que Guillermo Heras afronta sin duda con un gran amor hacia el escritor, se atreve con una de las piezas que el autor define en el programa de mano como una de sus más ambiciosas Es un muy buen proyecto, pero tiene cierto desequilibrio.
Basada en un personaje que parece su alter ego, durante una breve revolución, nos habla de la libertad , del gozo, pero sobre todo , de la relación entre el arte y la realidad , más concretamente entre el arte y la Historia; se  puede resumir en una de sus frases "La Batalla de Lepanto la ganó Tiziano".
La primera parte es Nieva puro, una gozosa fiesta teatral divertidísima y absolutamente liberrima en fondo y forma, en una Italia de falla, con una escenografía y  una iluminación brillantes y un apasionante vestuario. Los actores consiguen hacernos partícipes del festín, trasladan el texto con infinidad de matices y sin asombrarse de su surrealismo.
Es una tormenta visual e intelectual, donde las acciones se superponen, se desarrollan solas creando la trama por llamarle de algún modo. Sube poco a poco hasta concluir a elevada altura.
Sin embargo, la segunda parte opta por ser más narrativa, algo que es válido desde el punto de vista estructural, pero no puedo dejar de tener la sensación de que se ha perdido algo de la riqueza inicial. Por buscar una comparación fácil, es como si después de una sonora borrachera nos hiciesen ir a clase.
Tal vez tenga algo que ver la falta de la omnipresencia de Nancho Novo, un actor fantástico que hace su personaje propio desde el principio, con absoluta confianza, encanto y generosidad. Desde su primera aparición a través del patio de butacas , consigue enamorar con su subversión cándida y su lenguaje único. Siempre me había gustado pero nunca lo había visto así.
También Angeles Martín, Beatriz Bergamín y Juan Meseguer , están excelentes en un reparto en que nadie falla.
En cualquier caso, no por ello debemos dejar de valorar el conjunto, Nieva es Nieva , y por ello es único; requiere montajes capaces de trasladar , de lanzar al patio de butacas toda su riqueza , toda la potencia de su imaginación , y este lo consigue.
Aplauso.

Público  

viernes, 13 de marzo de 2015

EXPOSICIÓN: EL RUIDO Y LA FURIA de Pablo Genovés

Canal Isabel II- Madrid
Hasta el 22 de marzo.

Entre las imágenes de mi infancia, ocupa un lugar especial la escena final de El Planeta de los Simios, aquella en que la Estatua de la Libertad es sólo un recuerdo derrotado de una civilización.
Desde entonces, hemos visto caer imperios, nos hemos asomado al contraste entre la belleza arquitectónica de las antiguas repúblicas rusas y la miseria en la que vivían muchos de sus habitantes. Y no hace muchos años que nos hemos tenido que enfrentar a una crisis que ha hecho cotidiano el concepto de pobreza.
Las fotografías de Pablo Genoves me demuestran dos cosas:
Por un lado, que también la realidad puede ser ficción, y que la fotografía, ese arte notario de lo existente, también puede superar los límites.
En segundo lugar, como representar, desde la belleza, la ruina de un mundo que ya posiblemente nunca volverá a existir, pero otorgándole al menos la grandeza de que sea la naturaleza la que ejecute la sentencia del tiempo.
Hermosa. Singular. Sorprendente.

Público

NOVELA: MRS DALLOWAY de Virgnia Woolf

Diversas editoriales.
También disponible en ebook.

Mirar y ver.
Hacia fuera pero también hacia adentro.
Ser capaz de contemplar el mundo, y también de contemplar la vida, la que corre por el interior de cada uno en un caudal continuamente mutable de sensaciones y sentimientos, como un plasma de luz y oscuridad , que tan pronto regala destellos de felicidad como de tristeza.
Atrapar esos colores y esas texturas , percibirlos, entenderlos y convertirlos en palabras.
Eso y más es lo que consigue en esta novela Virgina Woolf , algo que sólo desde una sensibilidad extrema se puede palpar y desde una extrema inteligencia , transmitir.
Que difícil vivir con unas antenas permanentemente saturadas. Que difícil no poder cerrarlas en algún momento y ser conscientes en cada minuto del extraño caos en el que se desarrolla nuestra existencia, de su falta de sentidos y su imposibilidad para explicarse minimamente.
Esto y mucho más está en Mrs Dalloway , un cuadro plural y hermoso, como plural y hermosa es la vida , una especie de poema narrativo que se abre y se cierra en diferentes narraciones , en atisbos de historias . Posiblemente una de las mejores descripciones que nunca se han hecho de la sociedad de una época y una de las introspecciones psicológicas más lúcidas que recuerdo.
Su personaje principal no es sólo papel, es un alma que transita desde el pasado al presente con todos los rasgos de un ser humano, de una riqueza tan brutal y no por ello artificioso, sino capaz ( capaz su autora , su dibujante ) de recordarnos que esa riqueza, para bien o para mal, está en el interior de cada ser humano.
Hablaba el otro día con mi amiga Ana de lo reposado de mucha de la literatura de antaño. Reposo en su escritura que se matiza al detalle , y reposo en la lectura que se puede paladear con absoluto placer ( estético e intelectual ).
Que necesario en nuestro atropellado mundo, descansar , reposar de vez en cuando en páginas como las que nos ofrece esta incuestionable joya.

Público

jueves, 12 de marzo de 2015

CINE: CAMINO DE LA CRUZ de Dietrich Brüggemann

Alemania 2014
Lea Van Acken. Franziska Weist. Florian Stetter. Ramin Yazdani. Hanns Zischler. Bridge Schacle

En los primeros capítulos de esta película , que recuerda temáticamente a la española Camino, tenemos la sensación de estar asistiendo a una crítica de los fundamentalismos religiosos. Importante poder ser conscientes , en los tiempos que corren , que estos comportamientos no se limitan al horror del Estado Islámico, sino que en todas las confesiones puede existir un exceso que termina remitiendo al desprecio de la vida como regalo, a la condena de la felicidad. Ese es un punto.
Sin embargo, a medida que avanzamos a través del vía crucis de esta adolescente, el director parece mostrarse mucho más generoso con su protagonista, tal vez con la idea de trasladarnos que , para él, lo que verdaderamente importa es la fe y el deseo de hacer el bien , sin importar el sacrificio que esto pueda acarrear.
Finalmente , puede verse Camino de la Cruz ( película que a mi entender es tremendamente rica en lecturas ) como un retrato de santidad , de un pequeño milagro, que puede habitar a la perfección en nuestro prosaico entorno cotidiano. El plano que cierra la cinta , de una gran belleza interior, es en este sentido muy significativo.
Por lo tanto Camino de la Cruz es una obra abierta al debate sobre un tema realmente complejo. He leído críticas que la definían como el advenimiento de un Jesucristo femenino en nuestros días, otras que hablaban de crueldad o de ternura , cualquier visión es válida, y ninguna debe presentarse como verdaderamente cerrada ya que no puede existir la fe sin dudas.
Lo importante es que sus creadores sean capaces de trasladarla con sinceridad y la claridad suficiente para evitar cualquier asomo doctrinario o didáctico.
Quiero llamar la atención sobre su aspecto formal:
Citaba al principio Camino, película que me gusta muy poco por excesiva y pretenciosa . Pero creo que las mayores diferencias no están sólo en la humildad de la mirada sino en la forma de estructurarla. En la española , ya de por si recargada en acciones y trampas , un montaje caprichoso lastraba totalmente la narración, haciéndonos navegar sin rumbo entre lo sobrenatural y la crítica, que en ocasiones rozaba la burla. En Camino a la Cruz , el director opta , posiblemente inspirado en los via crucis que pueblan tantas iglesias, por una estructura de planos estáticos donde se desarrolla la acción como si fuesen pinturas en movimiento; sólo en dos ocasiones la cámara afronta algún giro, en la escena crucial de la confirmación y en el plano final antes citado. La coherencia es absoluta , fundiendo de una manera perfecta fondo y forma y recordando que nos encontramos ante una obra de arte y no ante una tesis.
Camino de la Cruz apenas ha tenido eco en nuestro país.
Posiblemente todos estemos cada vez más acostumbrados a un consumo inmediato, de impactos rápidos y, además, ni es un tema fácil ni un debate que se afronte habitualmente sin contaminaciones emocionales.
En cualquier caso es un cine necesario que se sigue haciendo, el que nos lleva a pensarnos como seres trascendentes, el que en su día cultivaron maestros como Bergman o Tarkovski.

Público    

domingo, 8 de marzo de 2015

NOVELA: EL COMITÉ DE LA NOCHE de Belén Gopegui

Random House Mondadori
272 páginas
También disponible en ebook.

Creo que hay pocos escritores hoy día tan políticos como Belén Gopegui.
Esta periodista de El País, ha utilizado siempre la literatura como un arma de combate frente al silencio ante la injusticia. Y recalco la literatura, ya que Gopegui en ningún caso escribe panfletos, ni olvida la forma; junto a la importancia del contenido, hay una búsqueda constante de estilo y lenguaje, un interés por encontrar nuevas vías de expresión, cada vez más adecuadas al relato que aborda.
Entre sus obras, La Conquista del Aire, esa crónica del desengaño, sigue pareciéndome la más redonda; en cuanto a la más arriesgada, Lo Real; pero entre el resto de sus piezas hay mucho interés aunque tengo ganas de algún empeño de nuevo de más envergadura.
El Comité de la Noche habla, parece , del nivel de vampirismo que puede alcanzar el capitalismo, a través de la metáfora de la compra de sangre, pero creo que de lo que verdad habla es de la necesidad de luchar, de organizarse y de responder frente a un mundo injusto, para impedir que siga avanzando por la dirección equivocada.
Esta vez, establece dos partes que son dos personajes, dos mujeres que terminarán fundiéndose en su destino, amor y muerte.
La primera, opta por una abstracción poética que eleva el tono del realismo, hasta acercarse casi a un género sin época, sin referencias aunque quede claro que estamos en nuestro país y en la ciénaga de la crisis que ha transformado la vida de muchos seres humanos en una pesadilla de desconcierto y parálisis. No es un tramo fácil, pero sí de prosa muy hermosa y donde, como siempre, nos regala la capacidad lúcida de observación de su autora.
En la segunda, más narrativa, la novela deviene en un thriller y en una extraña historia de amor. Sin dar demasiadas pistas, sólo decir que Gopegui maneja a la perfección los lugares comunes para llevar la acción adelante, pero siempre sin olvidarse del mensaje.No sé lo que hay de verdad o lo que hay de regalo a los más débiles, en su entramado de respuesta, pero sea real o no, consigue darle el suficiente nivel narrativo. Es importante ser capaz de creer que , desde la rebeldía singular de un grupo de personas sin muchos recursos , puede llegarse a levantar una estructura de lucha al menos tan elaborada como la del enemigo. Repito, no sé lo que ese comité de la noche tiene de verdad o de anhelo, pero es en cualquier caso una buena apuesta literaria si de lo que se trata es de insertar la ficción en una base tan radicalmente realista.
Cualquier novela cuyo objetivo sea de denuncia, corre el peligro de convertir a los personajes en arquetipos y agotar con frases grandilocuentes. Belén Gopegui cada vez sortea mejor ese riesgo, aquí hace mucho al respecto el personaje del narrador, las notas sobre su vida y la magia ( no voy a decir nada más ).
Por lo demás, cuando un escritor se limita por un objetivo, no queda más que alabar la coherencia. No coincido posiblemente con la autora en muchos de los motivos, pero sí en la necesidad de la lucha. Todo menos asumir las derrotas.

Público

viernes, 6 de marzo de 2015

CINE: MAPS TO THE STARS de David Cronenberg

USA/ Canadá 2014
Mia Wasikowska. Julianne Moore. Jonh Cusack. Robert Pattinson. Olivia Williams. Evan Bird

Cuando se presentó en Cannes esta película, Cronenberg consiguió causar cierto revuelo ( algo que no es nuevo para este director ) por la crudeza de su visión de la meca del cine, como si estuviese actuando como una especie de Caballo de Troya a la hora de contar las intimidades de su tribu.
En cualquier caso, parecía poco probable que alguien como Cronenberg pretendiese una especie de actualización de El Crepúsculo de los Dioses. Si bien en los últimos tiempos nos ha sorprendido con alguna propuesta más académica ( y exceléntemente resuelta) como Un Método Peligroso, lo habitual es que sus películas nunca se parezcan a otras, por mucho que usen los mismos materiales, y este caso, es una muestra ejemplar de esta afirmación.
Efectivamente el paisaje de Maps to the Stars es ese Hollywood afilado, henchido de ansiedad y ambición, de paraísos artificiales conseguidos a base de culto a la belleza, sustanciar artificiales y sexo triste, fácil y epidérmico, en definitiva,  un parque temático de sensaciones inmediatas que parecen conseguir alejar el pensamiento de la función de reflexión . Aunque expuesto con mayor crueldad, nada nos suena demasiado nuevo; los personajes son también conocidos: la actriz en decadencia en modelo desesperado, el muchacho sin adolescencia, los padres manipuladores... Pero, lo dicho, esos son los materiales.
El guionista ( creo que sobre una novela propia, basada en parte en experiencias personales ) compone una estructura de thriller que, estoy seguro, si consiguió atraer al director, fue por su punto perverso, más cercano a un cuento muy muy oscuro que al puro género negro. Un magma de secretos escondidos, de pasados pecados que, como leí en una novela de no recuerdo quien "siempre arrastran largas sombras".
Y con todo esto, Cronenberg, el singular, el que se atrevió con una cinta tan arriesgada y tan genial como Cosmópolis, decide, destilando toda la crudeza de los monstruos que le regalan como personajes, crear una especie de gótico americano, de historia de fantasmas que acuden para ajustar cuentas y para jugar con los vivos, con una poema que funciona como una especie de conjuro a través de las diferentes historias cruzadas y referencias ambiguas que saltan de una a otra escena, en un conjunto de comportamientos que en muchos casos hacen dudar de la cordura y en otros apuntan a la locura absoluta..
Pero hay algo más, una apuesta más radical, porque en el final de esta tragedia ( que lo es ), Cronenberg decide sellar un anacrónico y atrevido cromo de amor; no es que piense que estos dos  muchachos no sean , como el resto, unos monstruos, sino que posiblemente le parecen más dignos de piedad. Esa extraña libertad que parecían buscar y que terriblemente obtienen , no se las niega.
Un último apunte dedicado a Julianne Moore; hace ya años que, en Vania en la Calle 42, me pareció una Elena hermosa y sensible, desde entonces se ha convertido en una de las actrices más solventes del panorama actual. Hay que ser muy valiente para atreverse con un papel tan brutal y tan expuesto como este. Eso sólo lo hacen las grandes. Y solo las grandes son capaces de una creación tan perfecta.
Me doy cuenta que he escrito un buen rato sobre Maps to the Stars y no he dicho lo que me parece, pues bien, me ha gustado mucho, me parece singular, magnética, con el amor de Cronenberg por el retrato de la deformidad y un ritmo que consigue que desde el extrañamiento inicial nos vayamos envolviendo en el drama. Terrible y magnífica.

Público  

miércoles, 4 de marzo de 2015

NOVELA: LAS LUMINARIAS de Eleanor Catton

Nuevos Tiempos- Siruela
808 páginas
Man Booker Prize

Muchas veces he hablado con amigos de algo de lo que en el fondo me enorgullezco: mi incapacidad para abandonar un libro a la mitad.
Muy pocas veces, he abandonado una novela antes del final por mucho que me pesase.
En ocasiones , esto me ha traído sorpresas de última hora, que saben mucho mejor. En otras queda tan solo el regocijo del esfuerzo, de la labor completada, del respeto por cualquiera ( o casi cualquiera ) capaz de instalarse en el ingrato y maravilloso oficio de escribir.
Las Luminarias , vamos a entrar ya en materia ( y a explicar el porqué de esta introducción ) me parece un libro agotador . Una especie de ejercicio absoluto de paciencia al que , si bien no descarto méritos, estos están muy por debajo del esfuerzo que me ha supuesto llegar hasta la última página, lo siento.
La historia ( compleja , inexplicable a veces, llena de meandros... ) sucede en la fiebre del oro en Nueva Zelanda y acoge a mineros, prostitutas , tramposos de todo tipo, funcionarios expatriados, buscavidas.... Sería un buen escenario ( así como su trama si se limpiase un poco ) para una sólida novela histórica de aventuras , a lo mejor más ligera y, seguro, menos pretenciosa.
Sin embargo, su autora opta por una estructura extraña que , si bien por razones de intriga consigue enganchar , sobre todo en la primera parte donde no cesa la acumulación de misterios ( hasta el punto que en un capítulo ella misma ve necesario recapitular y ordenar lo contado ), luego se precipita gratuitamente en tiempos y longitudes, hasta llegar a un final no sólo ya conocido ( ¿para que esas páginas interminables cuando todo ha ocurrido en las primeras?) sino también ridículamente escueto.
He dejado para el final una opción : la de que yo no haya entendido nada . Tanto el título como los diferentes capítulos y mapas estelares que acompañan el relato, hacen referencia a arcanos o similares que , no sólo no me dicen nada sino que no entiendo porqué están ahí, ni que aportan a la narración. Tal vez , si fuese capaz de integrarlos en la novela , esta tendría otra perspectiva .... no lo sé pero no voy a comprobarlo.
Las Luminarias ha recibido un premio tan prestigioso como el Man Booker Prize y buenas críticas . Posiblemente el confundido sea yo.
Por mi parte lo he terminado. Creo que ya he hecho suficiente.

Público

lunes, 2 de marzo de 2015

FRANCISCO GONZALEZ LEDESMA DEJA DE ESCRIBIR

Tenía poco dinero para comprar libros, 1984 , y absorbía las novelas que Alianza Editorial, en su edición de bolsillo, editaba de los grandes de la novela negra norteamericana : Hammet, Chandler....
Alguien me regaló el Premio Planeta de ese año,. Crónica sentimental en rojo, y tuve la sensación, al devorarlo, de que cualquiera de los escritores antes citados , se había reencarnado en las playas de Cataluña.
Había mujer fatal, y ex boxeador enamorado, amor mucho, y también dolor, negro y rojo que se cruzaban en una historia apasionante y llena de carne y de alma.
Desde entonces , hubo más encuentros, el tiempo pasó, yo ya pude comprar los libros que me apeteciera y González Ledesma siguió escribiendo. Yo habría dado mi posibilidad de comprar libros por ser capaz de escribir como él, pero esa es otra historia.
Recuerdo , entre muchos, El pecado o algo parecido y Una novela de barrio, y con su recuerdo, recuerdo muchos momentos de encontrarme pegado a sus páginas.
Resulta que hoy me entero de que nos ha dejado. Y con cierta nostalgia, recupero la portada de ese libro que todavía guardo y que tal vez sea el momento de volver a leer.
Sólo me queda darte las gracias por tanta aventura, tanto misterio, tanto pellizco en el corazón.
No te olvidaré.

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