Páginas vistas en total

sábado, 31 de enero de 2015

CINE: LA TEORIA DEL TODO de James Marsh

UK.2014
Eddie Redmayne. Felicity Jones. Emily Watson. Charlie Cox David Thewlis. Charlotte Hope

Salvo error por mi parte ( no lo creo, ya que lo he comprobado en varias ocasiones ), en los últimos números de mi biblia cinematográfica, Caimán Cuadernos de Cine, no se hace mención al estreno ( ni por supuesto existe crítica ), ni de The imitation game, ni de la película que ahora nos ocupa, La teoría del todo.
Salvo problemas con las distribuidoras, sólo se me ocurre que , desde una posición más centrada en un tipo de cine innovador y diferente, estas propuestas, por otro lado vinculadas casi desde su nacimiento a la carrera de los Oscars, pecan de excesivamente convencionales para el consejo de redacción de la revista.
Pues bien. Me parece un error.
Quien haya leído alguna vez este blog, sabrá que por lo general, me gustan las nuevas propuestas, tanto en cine como en teatro y literatura, no por ello creo que se deba de desechar cualquier propuesta por no encajar en ese perfil; así considerado, lo innovador no tardará de ser otro rasgo convencional más.
Desechar The imitation game, de la que hablé el otro día, es prescindir de una buena película.
Hacerlo de La teoría del todo, es prescindir de una muy buena película y, en general un producto muy sólido.
Stephen Hawking es un personaje fascinante conocido a nivel mundial como uno de los cerebros más potentes del planeta. También como la terrible contradicción de que un hombre de su capacidad mental viva postrado en una silla de ruedas y con sus capacidades físicas cruelmente limitadas. Lo que se nos ofrece no es verdaderamente una biografía, pero sí recorre los años cruciales: su  lanzamiento al estrellato científico y su primera historia de amor, con su primera mujer y madre de sus tres hijos. De hecho, está basado en el libro escrito por ella, su primera esposa, sobre sus años juntos, e incluso podría decirse que es ella su principal protagonista.
Desde ahí, desde su visión, la historia adquiere una dimensión importante, no sólo la de un hombre dolido y roto, con capacidad de volar pero las alas partidas, sino también la visión de alguien que se cree capaz de acompañarle en el duro camino, pero a quien el tiempo ( ese tiempo que, paradójico, es el contenido de todos los ensayos de Hawkins ) hace pasar por las duras pruebas de la vida.
Efectivamente, la cinta no destaca por su carácter innovador o atrevido, pero sí por su solidez narrativa y su elegancia. También  por dos interpretaciones enormes de la pareja principal, una especialmente física y otra más íntima.
En general, como decía al principio, una muy buena narración y, sobre todo, sobre un hombre del que todos deberíamos aprender algo, y de la mujer que fue capaz de amarle. Una historia que había que contar y que se ha contado bien.  

Público

viernes, 30 de enero de 2015

TEATRO: DON JUAN TENORIO de José Zorrilla

Directora.- Blanca Portillo
Versión.- Juan Mayorga
Intérpretes.- José Luis García- Pérez.Eduardo Velasco. Juanma Lara. Beatriz Arguello. Miguel Hermoso. Ariana Martínez. Francisco Olmos. Daniel Martorell. Luciano Federico. Alfonso Begara. Raquel Varela. Alfredo Noval. Rosa Manteiga. Marta Guerras

A estas alturas , ya todos hemos leído que , el propósito de Blanca Portillo al poner en pie este Tenorio, era ajustarle las cuentas a Don Juan, héroe del imaginario popular que representa para ella lo más deleznable del ser humano.
Como punto de partida es sin duda interesante.
Tiene derecho también, como lo tiene cualquier buen director ( ya que tan a menudo lo hacen los malos ) a plantear su particular versión escénica. Así, este Tenorio parece cosido con los mimbres del cómic El Víbora, en color, movimiento, contenido.... Convertir a este rufián en un macarra parece tal vez excesivo, pero todo es posible, ningún texto es sagrado. Tal vez con ese entorno, Portillo no sólo recela de Don Juan sino de esa sociedad donde algo tan absurdo como el honor malentendido podía costar una vida. Sobre la proliferación de sexo, no voy a decir nada , creo que va unido a todo lo demás.
Un problema que veo de partida es que, más allá de su musicalidad, Don Juan Tenorio no es una gran obra de teatro, y hay que tratarla con cierto cariño para sacar de ella lo mejor. En esta representación hay todo menos cariño, con lo que la pieza queda expuesta , en sus valores pero también en sus faltas.
El resultado, es desigual, o a mi me lo parece ; más una propuesta conceptual que bien realizada , tal vez por su exceso.
En cualquier caso hay aciertos y he decidido hacer así este comentario, primero citando aquellas cosas que menos me han gustado para terminar con lo bueno, siempre es mejor dejar lo bueno para el final.
Me falla:
Creo que sobran sonido y furia, no siempre justificados y que llegan a aturdir.
Relacionado con lo anterior, me parece que hay muchas decisiones que dependen más de la arbitrariedad estética que de una verdadera coherencia dramática.
Y ahondando en ello, narrativamente no está del todo bien resuelta, habiendo disensiones entre lo que se dice y lo que ocurre, no siempre esto último bien explicado, llegando a generar comportamientos muy confusos por parte de ciertos personajes.
Las transiciones , con la buena voz de una solista ( ¿porqué embarazada?) no aportan más que cierta lentitud y longitud al conjunto.
En cuanto a la interpretación, bien en general, Gonzalo de Ulloa debe ser un personaje totémico, aquí es intrascendente.
Me gusta:
Seamos sinceros , Portillo consigue convencerme en su lectura , aunque exagerada; es la primera vez que al escuchar las palabras de Don Juan sobre sus "logros" soy consciente de la vileza que esconden , de lo repugnantes que son ; ese tipo cobarde , mediocre y cruel, posiblemente sea lo que siempre fue el Tenorio, aunque nos lo escondiesen en otros ropajes.
Hay escenas arriesgadas muy conseguidas, por ejemplo, sustituir la del sofá por ese encuentro que se inicia en erotismo y termina casi en transfiguración.
El personaje de Brígida , cambiarlo desde una vieja alcahueta a una joven celestina con experiencia reciente en lances amorosos , es un acierto, pero mucho más si su interpretación se pone en manos de Beatriz Arguello, sin duda lo mejor del reparto.
En fin . No puedo decir que haya salido disgustado de este Tenorio. Quizás un poco frustrado ante una propuesta que no termina de ser redonda.
Eso sí, Portillo consigue su objetivo y nos lo deja claro, ese escupitajo final es toda una declaración de intenciones , aunque cueste entender como su estancia en la tumba ha convertido a Doña Inés, desde una novicia núbil en una especie de gogó de discoteca. Misterios.

Público
 

jueves, 29 de enero de 2015

ADIOS A AMPARO BARO

La primera vez que asistí al teatro, en una visita familiar a Madrid , fue a ver La venganza de Don Mendo, ahí estaba ella.
La segunda , en otro viaje, Los habitantes de la casa deshabitada, también.
Por supuesto la conocía de multitud de Estudio 1.
Luego, cuando ya me vine a vivir a la capital, tuve ocasión de seguir disfrutando, no sólo de su humor, en Un marido de ida y vuelta por ejemplo, sino también de su capacidad dramática en , también por ejemplo, Hazme de la noche un cuento.
En Londres asistí al estreno de Lettice and Lovage de Peter Shaffer con la gran Maggie Smith ; cuando se estrenó en España, con el simple título de Leticia, sólo había una protagonista posible Amparo Baró. Porque ella era también una grande.
Recorrer en wikipedia su curriculum teatral mete miedo, es como leer un resumen de la historia del teatro mundial. No falta nada. Y nunca estuvo menos que bien .
La recuperó, para la juventud, 7 vidas; volvió al teatro con Agosto , y también al cine con , entre otras 7 mesas de billar francés.
Lo dicho: era una grande. De las más grandes.
Siempre la he admirado y nunca he podido darle las gracias por todos sus personajes.

Público

lunes, 26 de enero de 2015

NOVELA: NIVELES DE VIDA de Julian Barnes

Anagrama
143 páginas

La narrativa hace ya mucho tiempo que está abierta a cualquier opción que el autor quiera presentar.
Desde el malabarismo de Si una noche de invierno un viajero de Italo Calvino hasta la intimidad de El balcón en invierno de Luis Landero, hay infinidad de propuestas entre la introspección y el diario personal o el juego. Todo vale.
Otra cosa es que todos los resultados sean iguales.
Barnes divide esta pequeña obra en tres partes: la primera es una elucubración, un cromo, sobre los primeros vuelos en globo; la segunda, una estampa histórica de uno de los personajes del anterior y Sarah Bernard; la tercera, es una colección de reflexiones dolorosas sobre como intentó afrontar el escritor la muerte de su esposa.
Respeto muchísimo la sinceridad de esta tercera parte porque atisbo mucha alma, mucha necesidad de contar y me agrada la ligereza con la que están tratadas las otras dos.
Otra cosa es que me interese.

Público

sábado, 24 de enero de 2015

CINE: THE IMITATION GAME ( DESCIFRANDO ENIGMA ) de Mortem Tyldum

UK. 2014
Benedict Cumberbatch. Keyra Knightley. Mark Strong. Charles Dance. Matthew Goode. Matthew Beard. Allen Leech. Roy Kinnear.

En ocasiones, una cinta que no destaca por un estilo singular ni su capacidad de sorprender, se convierte en receptora de un conjunto de críticas positivas, sumadas al éxito de público y la presencia en la mayoría de premios anuales.
Generalmente son películas correctas desde el punto de vista narrativo, sin fisuras. No brillantes pero sí eficaces y muy respetables.
¿Cual es su valor principal?.
Pues por supuesto la historia que cuentan, por supuesto apoyada en un guion que la sabe contar y unos actores que la hacen creíble.
The imitation game ( nunca entenderé el misterio de porqué unos títulos se traducen y otros no ) , pertenece a esa casta de obras, muy bien contada, muy bien rodada, pero sobre todo, una de esas historias que es obligatorio recordar.
Alan Turling fue el responsable de descifrar el código secreto que utilizaban los alemanes en la Segunda Guerra Mundial; gracias a él es muy posible que su país se haya ahorrado varios años de contienda y un montón de muertos. Además, tanto él como sus compañeros de trabajo, fueron capaces de ser honestos y de mantener el silencio sobre lo ocurrido, con el objetivo de que su logro pudiese volver a ser útil en un futuro. Sin embargo, a pesar de que la película se estructura alrededor del hallazgo, no es eso lo fundamental. Lo importante es el personaje central, ese Turling, lo importante es que era una persona diferente, no sólo por su condición de homosexual , la acusación fácil, sino porque era una especie de Frankestein sentimental, de ser humano incapaz de empatizar con algo más que una máquina, de un hombre frágil aunque pareciese fuerte. The imitation game habla de eso, de la necesidad de imitar, de parecer, de plegarse a las reglas. El mensaje es claro, hasta sesenta años después, ese personaje, vital para la Historia, no fue rehabilitado.
La narración no profundiza en su vida, es consciente del enorme volumen de material y selecciona, pueden echarse cosas en falta, pero el armazón dramático es perfecto.
Entre los intérpretes, Cumberbatch tiene al fin un papel a su altura, y lo borda, pero ninguno del resto desentona y Knightley, una vez más, nos regala todo su encanto.
The imitation game es una buena historia bien contada, no supondrá un hito cinematográfico pero sí una de las buenas películas del año.
Y sobre todo, una importante reivindicación, la que merece cualquier personaje que haya sido condenado al dolor y al silencio sólo por ser diferente.

Público

viernes, 23 de enero de 2015

NOVELA: MORIR BAJO TU CIELO de Juan Manuel de Prada

Espasa Calpe
747 páginas

Conozco la historia de Los últimos de Filipinas.
La película es una de las favoritas de mi madre ( como supongo de muchas personas de su época ). Sin duda era una forma de mantener la dignidad cuando no las colonias.
Nos gustaban, o gustaban, esos héroes que, incluso en el absurdo, tenían mucho de antiguos caballeros.
Juan Manuel de Prada me parece un excelente novelista, un gran contador de historias ( salvo en La Tempestad, pero esa es la maldición del Premio Planeta ) y ambicioso en sus propuestas desde la fantástica Las máscaras del héroe.
Ahora afronta narrar esa historia que ya conozco pero no sólo yo, teniendo ya un halo de leyenda. Y tengo que decir que que ha conseguido tenerme más de diez días como una especie de sísifo, cargando en el metro con este mamotreto ( no sé a que se debe la imposibilidad de encontrar sus obras para ebook pero eso es otro debate ).
En ocasiones he hablado aquí de la manía nefanda de muchos autores de buscar el best seller a través del pretendido género histórico, confundiendo la aventura con propuestas rocambolescas.
Pues bien, Prada no cae en el error, todo lo contrario.
Morir bajo tu cielo es una excelente novela histórica y para definir porque lo pienso utilizaré esas dos palabras:
Histórica. Porque es perfectamente creíble, no hay anacronismos, esta magníficamente documentada, pero no peca del exceso de pretensión, de creerse enciclopedia y agotarnos con datos; mantiene perfectamente el equilibrio entre conocimiento y narración.
Novela. Porque asume que lo es, y por eso, siempre dentro de los límites, se permite fabular, introducirnos en la mente de una serie de personajes perfectamente dibujados, crear situaciones que hacen avanzar la acción con calma y pulso firme.
El resultado es lo que tiene que ser, una obra grande, siempre entretenida y muchas veces apasionante. ¿Algo antigua ? puede ser, pero era entonces cuando se escribieron las mejores novelas del  género.
Enhorabuena.

Público

CINE: CIUTAT MORTA de Xavier Artigas y Xapo Ortega

España 2014
Documental

Creo que ya he comentado en alguna ocasión que el género documental no es para mi más que otro sistema narrativo que, eso sí, maneja la verdad como fuente y la obligación de ser creíble como principio.
Recuerdo cintas de la pasada temporada como La Imagen Perdida, que utilizaba recursos que iban mucho más allá de la acumulación y plasmación de información, para crear un documento brutal de una época histórica y su pregnancia en cada vida humana.
Ciutat Morta es también una de esas películas que se muestran como necesarias.
Nos encontramos en Barcelona, hace unos cuantos años pero ya en democracia, de todos modos sus personajes se ven inmersos en una especie de conspiración policial y política en la que parece que Kafka se ha casado con Al Capone.
Posiblemente, Ciutat Morta tiene mucho más, no sólo la trama que la puede acercar al thriller sino un verdadero estudio sobre ser diferente, como si admitir una estética rompedora y un modo de vida fuera del sistema, fuese algo así como una renuncia expresa al derecho a la justicia ( y mostrado de una forma en la que, seamos sinceros, también a nosotros puede llegar a causarnos rechazo ); también sobre el racismo que impera en ciertas instituciones y la lejanía que estas tienen de los pequeños o grandes dramas de las personas corrientes ( las sonrisas de los políticos en el acto de entrega del informe sobre la tortura pone los pelos de punta)..
Tengo la sensación de que hay en esta obra una caligrafía muy potente, pero no sé si me percepción está contaminada por la propia fuerza de la historia. En cualquier caso, noquea, es un puñetazo necesario y nos cuesta pensar que, nosotros que creemos vivir en un mundo civilizado, estamos cercanos a este nivel de corrupción.
He dejado para el final hablar de Patricia Heras. Si bien parece la protagonista y el motivo de la historia, no es un personaje que se desgrane ni que pugne por empujar la narración; su imagen es como una línea, como un verso que cruza las vidas de todos, que por accidente está ahí, como si en una batalla un tiro perdido hubiese matado un ángel. Creo que uno de los principales logros de Ciutat Morta es su respeto por ella, y como prolongación, por los demás, su equilibrio y su ausencia absoluta de pornografía.
Salir a la luz no ha sido fácil para esta obra.
Carne de Filmin, ha tenido también proyecciones aisladas
Gracias a ello, tienen voz las víctimas y podemos escuchar la poesía desconcertada de alguien que, mirando a su alrededor sólo veía silencio y quiso escapar;  gracias a ello, tienen derecho a gritar y a otorgarle cierta grandeza a la palabra venganza.
Gracias a ello, comprendemos ( o somos llamados a comprender ) que también aquellos que son diferentes, que nos causan rechazo, tienen derecho al respeto y a la vida.
Quizás esa lección no llegue muy lejos.
Pero no por ello hay que dejar de intentarlo.
Y recordar que es el mundo un lugar donde todos podemos sonreir.

Público

jueves, 22 de enero de 2015

TEATRO: RINOCERONTE de Eugene Ionesco

Dirección y versión.- Ernesto Caballero
Intérpretes.- Pepe Viyuela. Fernanda Orazi. Fernando Cayo. Jose Luís Alcobendas. Ester Bellver. Paco Deníz. Juan Antonio Quintana. Juan Carlos Talavera. Janfri Topera. Pepa Zaragoza. Bruno Ciordia. Chupi Lorente. Mona Martínez. Paco Ochoa.

Ionesco escribió Rinoceronte en 1959, como respuesta al auge de los totalitarismos.
Su voluntad política y claramente didáctica, hace de la obra una pieza más clara desde el punto de vista narrativa que otras donde el absurdo componía una especie de sinfonía poética mucho más abstracta, como Delirio a Duo o La Cantante Calva ( por citar dos ejemplos recientemente representados en Madrid y muy bien ).
No renuncia de todas maneras a la imaginación y a la asunción absurda de cualquier premisa planteada: en una pequeña ciudad de provincias, la aparición inesperada de un rinoceronte , evoluciona hasta convertirse en una epidemia desde la que los habitantes van sumándose a una filosofía en la que abandonar el reciocinio y la lógica frente al retorno de su vertiente más animal. La resistencia es una forma de lucha que por momentos puede llegar a resultar un ejercicio débil y ridículo de cobardía en lugar de una verdadera lucha , un ejercicio de voluntad frente a la masa.
No conozco el original que , al parecer, ha sido aligerado a dos horas de duración. A algún crítico sigue pareciéndole excesiva . No a mi, que he seguido con interés e inquietud, y la sonrisa que siempre produce el humor algo ingenuo de Ionesco, el desarrollo de la trama , atisbando sus esquinas , descubriendo las dudas y los momentos de fuga , comulgando totalmente con un mensaje que , lamentablemente, no termina de estar obsoleto.
Pero lo verdaderamente destacable de esta representación es la excelencia del montaje. La producción que se ofrece en el María Guerrero, es sin duda de las que se recordará.
El director entiende perfectamente la teatralidad de su autor; antes citaba la ingenuidad de su humor y es que no dejo de ver en sus obras un ritmo circense que aquí está presente desde el primer momento, con un conjunto de actores que funcionan como personajes pero también como un coro deslabazado y sorprendente.
El escenario, potente , genial, ofrece muchas posibilidades, todas aprovechadas , pero no acota la acción, que se extiende a los pasillos de la planta baja creando un movimiento constante pero nunca confuso, lleno de simbolismo.
Los figurines son fantásticos, desde el vestuario brillante sin ser estridente , hasta el resto de materiales que culminan con la enorme maqueta final.
La luces , la música, el sonido... todo contribuye a un espectáculo total de gran riqueza.
Con respecto a los intérpretes , no hay uno que falle, ni en la voz ni en su esfuerzo físico. Destaca por longitud , el encanto de Fernanda Orazi, pero Viyuela es caso aparte: maleado para muchos como un actor de televisión fácil, es capaz de demostrar que en nuestro país los hay grandes hasta debajo de las piedras, su Belenguer carece de cualquier tic fácil y está plagado de humanidad , la que se resiste a su vertiente animal.
Podría alargarme citando cantidad de hallazgos plásticos en este Rinoceronte de lujo. Baste decir que es una representación de las por si solas justifican un teatro público.
Es importante que el público acceda a nuevas creaciones , pero también que tenga la oportunidad de retomar clásicos que , por edad , les quedan lejos.
Esta es sin duda una fantástica ocasión.

Público

viernes, 16 de enero de 2015

CINE: LEVIATAN de Andrey Zvyagintsev

Rusia 2014
Alexey Serebryakov. Elena Lyadova. Vladimir Vdovichenkov. Roman Madyanov. Lesva Kudryasova

Se abre esta potente cinta con unas imágenes de la naturaleza agreste, del mar furioso, acompañadas de una música con cierta solemnidad casi religiosa.
Serán imágenes muy similares y la misma sinfonía, las que cierren las más de dos horas de narración.
Son estos unos paréntesis muy significativos para enmarcar una historia profundamente humana pero a la que su director es capaz de otorgar, sobre todo en su primera parte, una dimensión casi mitológica, una grandeza que hace más patente la fragilidad de sus personajes. Lo que parece quedar ahí de la civilización, son sólo ruinas, barcos fantasmas que parecen animales muertos, como el esqueleto de la ballena.
Estamos en Rusia.
Un gran país que, tras décadas de encierro y control, ha visto como desaparecían las paredes y se abrían al mundo, una libertad que, aunque incuestionable, en ocasiones ha producido situaciones de una tremenda injusticia.
La ciudad, pequeña ciudad , en la que se desarrolla la historia, parece un pueblo abandonado por Dios y donde la corrupción es sólo una herencia atávica , la utilización de la apertura antes citada sólo para destruir. En ese paisaje, físicamente hermoso pero abrumador, y de una gran pobreza moral, sus habitantes parecen vivir en un vacío donde el paso del tiempo es un lastre pesado, casi pegajoso, en el que hay que buscar cualquier ventana a la que asomarse, sobre todo si se tiene cierta sensibilidad, lo demás es cansancio, apatía, alcohol, aburrimiento y un futuro que parece ser sólo un muro de niebla.
Y si bien es efectivamente la corrupción, posiblemente como referente a la situación del país, el núcleo de la narración, finalmente esto es tan sólo un pretesto para asistir a la epopeya interior de unos personajes que se nos muestran en cuerpo y alma con una lucidez que los desnuda ante el espectador. Sentimos su dolor, su deseperanza, su búsqueda, sus dudas... por eso es en ese largo tramo donde la película alcanza una grandeza casi bíblica, capaz de remitir al mejor Bergman, y donde narrativamente, nos atrapa totalmente, con bloques como la de la excursión escritas y rodadas con una maestría absoluta. Sin querer destripar la trama, sólo diré que para mi esta parte termina con una mujer mirando al mar, y si la cinta hubiese concluido ahí, estaríamos ante una obra maestra incontestable.
No es que el resto, seguramente la parte más narrativa de la cinta, no tenga pulso ( quizás algo de precipitación ) pero no era fácil mantener el nivel alcanzado hasta entonces.
Leviatan es una película muy importante, con muchos valores y posiblemente necesaria.
Una muestra muy sólida y grande a ratos del cine que quiere y sabe contar historias, por dentro y por fuera, al que pertenecen maestros como el ya citado Bergman pero también Jonh Ford. Sabe hacer algo tan difícil como mezclar sensibilidad y épica, sabe combinar la belleza de un paisaje estremecedor con la crudeza de retratar sin tapujos el alma humana. Eso es arte.

Público
    

jueves, 15 de enero de 2015

NOMINACIONES OSCARS 2015

Me pasa lo contrario que con los Goya : en ese caso, había visto prácticamente todas las nominaciones. En este, hay muchas que aun no se han estrenado en España y, de las que lo han hecho, aun no he tenido tiempo de ponerme al día.
En cualquier caso, me apetece comentar y comento:
Lo primero , a mi los Oscars me gustaban más cuando eran sólo cinco las nominadas a Mejor Película, haberlo ampliado, hasta diez máximo me parece más una decisión de cara a la industria y les hace perder valor a las elegidas; aun así, posiblemente eso haya facilitado la entrada de El Francotirador de Clint Eastwood , que en principio no estaba entre las favoritas , y cualquier lista con el viejo vaquero me gusta mucho más.
De las tres que conozco , El Gran Hotel Budapest, Boyhood y Birdman, ni una pega , y de las demás sólo he oído buenas cosas , o sea que de acuerdo, y esto se traslada a la categoría de Mejor Director.
En interpretación masculina protagonista, un premio que espero sea para Keaton , echo de menos a Timothy Spall por Mr Turner ( en general echo de menos a Mr Turner en muchos sitios ) y , por supuesto, al Jonh Lithgow de El Amor es Extraño , que también me gustaría ver en Mejor Director, secundario Alfred Molina, guión y, sin género de dudas , Mejor Película .
Actriz: sólo he visto Perdida ( bien ) y a Cotillard, cuya nominación encontraría más acertada por El Inmigrante, aunque a lo mejor menos exótica...
Secundarios, ya he dicho lo de Alfred Molina, pero de los que están en lista hay muchos que me caen bien : Hawke y Arquette ( espero que ambos ganen ), Edward Norton, Ruffalo, la bella Kyra y, como no , Streep, a la que no puedo de ganas de ver en el papel de bruja.
Por lo demás , paso de un análisis pormenorizado, sólo dos comentarios:
Sin haber visto Leviathan , pero sí Ida , espero que Relatos Salvajes se haga con muñequito , y el guión de La Trama merecía estar ahí.
Un buen año.
A ver si el que viene nosotros enviamos algo más del gusto de los académicos.

Público

martes, 13 de enero de 2015

NOVELA: LA FIESTA DE LA INSIGNIFICANCIA de Milan Kundera

Tusquets
137 páginas

Kundera es un autor que gozó de mucho reconocimiento y éxito en nuestro país.
Creo que su "popularización" le llegó a través sobre todo de La insoportable libertad del ser.
Personalmente, La inmortalidad me parece de las novelas más valiosas de las últimas décadas.
Estas dos eran obras con volumen y un contenido en el que su estudio sobre la condición humana, se integraba en un momento muy determinado de una Europa sumida en una vorágine de cambios. De todas maneras, nunca dejó de lado, ni siquiera en estas, su sentido del humor.
Además de estas obras había otras, menores sólo en extensión, en las que quizás era más obvia esa levedad que no sólo acompañaba uno de sus títulos sino que también empapaba su buena prosa.
Luego dejó de escribir ficción.
Y nos quedamos un poquito huérfanos y desconcertados por su ausencia.
Ha vuelto.
Nos regala en 2014 una pieza de cámara, posiblemente más jocosa que cualquiera de los anteriores, de lectura rápida. Hay unos amigos, está la Historia representada en Stalin, los recuerdos que componen el magma de cualquier ser humano, los pensamientos inútiles que nos ocupan la mayor parte del tiempo, la volatilidad, la libertad que un autor presente tiene para escribir y construir su narración como le apetezca,... en fin, muchas cosas "serias" y, sin embargo, es sorprendente y totalmente encantador el tono ligero, casi de vals , que Kundera consigue imponer en estas páginas.
Pero estaríamos ciegos si nos limitásemos a ver  La fiesta de la insignificancia como un epílogo divertido de un maestro. Hay mucho más dentro, y en especial un mensaje que me encanta: la insignificancia existe, la vida está llena de insignificancia, buscar la trascendencia continua es una pérdida de tiempo y una forma de convertir nuestra existencia sólo en carne de museo; seamos capaces de apreciar la levedad, los pequeños detalles que no tienen porqué querer decir nada, esa pluma que vuela...
No sólo es un gran escritor. Es un sabio porque sabe mirar con ojos sencillos.
El cierre de esta nota es fácil: que no nos haga esperar otros diez o doce años.

Público

lunes, 12 de enero de 2015

TEATRO: HAMBRE, LOCURA Y GENIO ( DOS PIEZAS ) de August Strindberg

Versión y dirección - Juan Carlos Corazza
Intérpretes - Rafa Castejón. Ana Gracia. Manuela Velasco. Tamar Novas. Manuel Chacón. Paula Soldevilla. Raúl de la Torre. Pilar Bergés. Pepe Lorente. José Gimeno

Obras:
"Débito y Crédito"
"El Pelícano"

No sé si es fruto de la crisis, quiero creer que se debe a otras razones, como la efervescencia del teatro, pero el caso es que Madrid se ha convertido en un paraíso para aquellos que disfrutamos con propuestas plurales, diferentes, variadas.
En los últimos años han proliferado nuevos espacios , pequeños, cercanos, donde lo único que no se puede suplir es el talento.
El Lara combina esa sala coqueta por la que se le conocía como "la bombonera" con una sala off con una programación envidiable. De allí vengo, de ver muy buen teatro.
Es importante resaltar que las propuestas más rompedoras no tienen porque estar reñidos con el clásico, no todo son  monólogos o textos inmediatos ( nada malo en cualquier caso ), sino que también pueden ser formas de contarnos lo que escribían algunos de los que son considerados como los padres del teatro moderno, en este caso el furioso Strindberg.
¿Y como se pueden contar las obras de Strindberg ahora?  o mejor dicho ¿ como pueden contarse las dos obras elegidas? posiblemente las hay más fáciles como La Señorita Julia o Danza Macabra, pero Corazza se ha decantado por dos piezas de cámara, duras hasta el extremo, en especial la segunda, en las que ya empezaba a apuntar como padre del teatro del absurdo.
Pues bien, creo que el director encuentra la forma más adecuada:
Ya al principio nos avisa , dice algo así como "quizás si nos muestran nuestro mal eso nos llevará a corregirnos", y pienso que la decisión de base es mostrarnos la maldad, pero desde el convencimiento de que la maldad expuesta en su forma más transparente, es esperpéntica.
Así, el montaje de las dos piezas navega entre el humor negro y la crueldad, entre la agresividad y el ridículo asumido, y excelentemente utilizado.
De otra forma sería irrespirable, ya que en un tiempo límite , se concentran en cada caso de forma reiterada las obsesiones de su autor: la avaricia, la familia como ente destructor, la vida como un estado fantasmagórico... Tampoco sería fácil soportar como mínimamente creíbles sus personajes, ese profesor vanidoso y desagradecido, esa madre inhumana, esos hijos que parecen no conocer otro papel que el de víctimas...
El espacio está utilizado con una caligrafía perfecta, medida, mínima en sus recursos y máxima en su lucidez, en su movimiento, como también lo es excelente la versión , perfectamente cosida con un hilo muy ligero que no deja que se vean las costuras.
Corazza es un profesor de actores y eso se tiene que notar, Lo más potente de este montaje son precisamente ellos, todos ellos, desde los más conocidos como Manuela Velasco o Tamar Novas a cualquiera que pisa el escenario; personalmente, y sabiendo que es injusto, citaría, por un lado a Ana Gracia, una actriz a la que siempre he considerado con gran talento y nefasta carrera, y a Manuel Chacón, es difícil sacar tanto de un personaje que podría quedarse en episódico y equilibrar así una interpretación que podía resbalar hacia el humor ´más epidérmico.
Si alguien piensa que los off tienen mucho o algo de amateur, todavía están a tiempo de acercarse a Hambre, Locura y Genio y cambiará de opinión para siempre.
Enhorabuena a todos.

Público

sábado, 10 de enero de 2015

NOVELA: COMO SOMBRA QUE SE VA de Antonio Muñoz Molina

Seix Barral
536 páginas
También disponible en ebook.

Creo que, sin lugar a dudas, Muñoz Molina es uno de los grandes escritores actuales en idioma castellano.
He leído tantas obras suyas que se me confunden en la memoria, si bien puedo recordar, además de la constante calidad de su prosa, dos características para mi singulares:
Una es la total libertad de géneros, sea cual sea el que aborda, así no podría calificar claramente algunas como Sefarad o Ventanas en Manhattan, y en muchas otras siento que salto de la narración al ensayo o al diario íntimo sin siquiera darme cuenta.
Otra es su cercanía con el lector, presente en la intromisión muy frecuente de temas personales, algo que hace que tengamos la sensación de que el autor es algo así como un compañero de mesa que nos está contando una historia casi al oído.
Pues bien, el avance en estas líneas de escritura puede tener mucho que ver con la búsqueda de nuevos modelos, colocándose a veces en la metaliteratura y presentándose con cada vez mayor nivel de riesgo. Nunca hasta ahora como en Como sombra que se va.
El personaje central de la novela es el presunto asesino de Martin Luther King. Si bien, existen referencias a toda su vida ( y sus declaraciones posteriores, y por supuesto el atentado ), el núcleo lo componen los días que pasó, de forma errática, en Lisboa. Asistimos a su angustia, a su miedo pero también a sus momentos de ensoñación algo paranoide, en un ejercicio de introspección del que podemos asumir su carácter ficticio pero sabiendo que es fruto de una profunda investigación y que no recurre a ningún apoyo falso.
He dicho antes el personaje central de la novela, pero no del libro, porque este libro tiene otro personaje principal y es el propio autor, vinculado al anterior no sólo por estar escribiendo sobre él sino también por tres viajes a la ciudad portuguesa, viajes que sirven para puntuar su propia historia: uno como escritor en ciernes y marido atrapado, en camino para investigar su primera novela de éxito; otro como autor prontamente consagrado, y el último, como hombre enamorado y feliz asomándose al pasado desde la edad adulta a través de la observación de uno de sus hijos. En este nivel, la obra es una historia de amor real, una confesión tardía, una reflexión cargada de detalles sobre el oficio de escritor y , enlazado con el otro cuerpo del libro, un ensayo sobre el arte de novelar sobre la realidad, desde el ejercicio de creación de una novela.
Porque eso sí, Muñoz Molina no renuncia a que este libro sea una novela, y de ahí las diferentes entradas que se van encajando como uno de esos mosaicos que adornan la fachada de la ciudad que tanto ama, y que dan protagonismo al propio Martin Luther King y a la lucha por los derechos civiles.
El resultado es un libro que puede ser muchas cosas, y que en todas ellas es un buen libro, escrito con maestría, con absoluta libertad, pero pagando a cambio con entrega y sinceridad.
Más que un ejercicio o un experimento, una obra conseguida y que en ningún momento deja de ser entretenida y en muchos resulta apasionante, refrendando mi valoración de su autor.

Público

viernes, 9 de enero de 2015

CINE: BIRDMAN ( O LA INESPERADA VIRTUD DE LA IGNORANCIA ) de Alejandro González Iñárritu

USA 2014
Michael Keaton. Edward Norton. Zach Galifianakis. Naomi Watts. Andrea Riseborough. Amy Ryan. Emma Stone. Lindsay Duncan

Pero ¿ alguien podía esperarse esto?.
Las tres primeras películas de Iñárritu, los puzzles creados en tándem con Arriaga como guionista, eran una muestra casi demasiado repetitiva de hacer cine, a pesar de sus indudables valores.
No vi Biutiful, pero todas las referencias hablan de hiperrealismo extremo, de un drama absolutamente desolador.
¿ Quien podía imaginar que su siguiente película iba a ser una especie de comedia surrealista con mucho de demencial, una libertad absoluta en su planteamiento y capaz de producir una fascinación difícil de definir?.
¿ Alguien de verdad creía que Iñárritu tenía sentido del humor e imaginación?.
Pues tiene, y si nos atenemos a Birdman, por toneladas.
Para ser claros: esta película habría sorprendido viniese de quien viniese, en el caso de Iñárritu la sorpresa se multiplica por mil.
El argumento no está lejos de Eva al Desnudo o incluso de Lo Importante es Amar, dos dramas sobre el mundo del teatro. Un actor que en su día fue una figura muy conocida debido a su interpretación de un superhéroe, quiere recobrar su prestigio apostando por el teatro,  adaptando, produciendo, dirigiendo y protagonizando un drama "serio" basado en un cuento de Raymond Carver. A partir de ahí, con él como centro pero atendiendo también al microcosmos que orbita a su alrededor, nos encontramos con una narración riquísima que posee cientos de capas. Habla del éxito y el fracaso, de la superficialidad de la fama y su volatilidad, de la necesidad de sentirse querido y de la confusión del amor con la admiración. También de la cultura y el posible debate entre la cultura de masas y la elitista. De la envidia, los celos, la mediocridad, la competencia desleal, los amores fracasados....
Y todo ello, con un guión perfecto en su estructura y sus múltiples detalles que además se atreve a trabajar también el nivel de la fantasía, una fantasía que me gustaría definir como surrealismo ya que no pretende subrayados sino dejar vías abiertas a la interpretación del espectador y que , si en algún momento ha dado la sensación de que todo sonaba a conocido, lanza la historia a galaxias inexploradas..
¿Se pueden encajar todas esas piezas?. Pues se puede, pero para ello es necesario arriesgar mucho y asumir que la obra resultante será totalmente singular.
Tal vez parte de la alquimia esté en la caligrafía, también absolutamente rompedora, por la que opta el director, ese trampantojo de plano secuencia único que nos transmite la sensación de una imparable montaña rusa, física y emocional. Es como si nos estuviesen golpeando constantemente con una catarata de imágenes sin fin.
El caso es que no he sido consciente de que lo que estaba viendo era una comedia hasta que salí del cine y recordé lo gozoso de la experiencia, su sensibilidad y su inteligencia, algo que puede dar como resultado un sentido del humor maravilloso y cálido, lúcido y brillante, pero que también esta lleno de emoción y de momentos delicados, llenos de alma .
De lo que sí fui consciente durante toda la proyección es de estar presenciando una interpretación genial de Michael Keaton, un actor al que personalmente nunca consideré menor, pero tampoco capaz de esta grandeza. También de esa banda sonora que se pega como la piel al desarrollo de la trama, con una batería que el director tiene la genialidad de mostrarnos fugazmente en el último tramo.
En definitiva, se puede cuestionar si Bridman es una obra maestra ( para mi prácticamente lo es ), pero no su singularidad, su capacidad para sorprender y el nivel de experiencia que produce, así como el riesgo que asume su director y su coherencia al mantener el reto hasta el final. No en vano, creo que , en todos sus aspectos, es una de las películas más elaboradas que recuerdo.
A veces el cine hace estos regalos.
Y me pregunto ¿ que nos traerá Iñárritu después?.

Público

jueves, 8 de enero de 2015

TEATRO: GHOSTS de Henrik Ibsen

Director y versión- Richard Eyre
Intérpretes- Lesley Manville. Adam Kotz. Jack Lowden. Charlene McKenna. Brian McCardie
Disponible en Digital Theatre.

No hace mucho, hablaba de un cambio en nuestros hábitos, referido al visionado de películas a través de otras plataformas más allá de las salas ( Filmin en mi caso ); importante señalar que no lo defiendo como un abandono de lo tradicional sino como una forma de tener acceso a obras que , de otra manera, se convertían en invisibles debido al fondo principalmente comercial de la distribución.
Pues bien , acabo de hacer un descubrimiento que me tiene entusiasmado: leyendo el otro día un comentario de Marcos Ordoñez en El País, hablaba de Digital Theatre como una forma de acceder a representaciones creo que sólo británicas , de teatro, ópera, ballet.... Ya lo tengo descargado y, si bien voy a hacer lo posible por no convertirme en un adicto, tampoco voy a perder oportunidades como la que he disfrutado en este caso: una producción de Ghosts de Ibsen , estrenada en el Almeida Theatre en el primer semestre de 2014 , a punto de hacer un transfer a Broadway y ganadora de tres Laurence Olivier Awards, entre otros el de mejor reposición.
De otra manera , no tendría ninguna oportunidad de asistir a esta joya que , creo ( según reza el cartel ) en algunos lugares también ha tenido una sesión en cines.
Conocía el texto de Ibsen pero nunca había tenido la oportunidad de verla en pie. Me parecía una de las piezas más rotundas de su autor. Sin duda un estudio cruel de una sociedad que se ha ido colgando obligaciones y máscaras , que se ha construido sobre la falsedad del puritanismo y que ha sido incapaz de convertir la vida en algo más que un pequeño infierno sin sentido. Una tragedia donde el pecado original es algo real que se hereda de padres a hijos, entre la vergüenza y el miedo. Un estudio de personajes donde destaca una mujer que sólo cuando ya es demasiado tarde es consciente de que posiblemente ha sido verdugo cuando siempre se había vanagloriado del papel de víctima y un hombre que tiene que reconocerse a si mismo en la cobardía cuando siempre se había justificado en otras motivaciones más elevadas.
Es necesario tocar el melodrama intenso de otras épocas para hacerlo asumible en la actualidad , pero sin perder su esencia y su grandeza. La versión de Eyre , concentrada en noventa minutos de constante crescendo, lo consigue , moviéndose en un ritmo de thriller psicológico que nos atrapa hasta llevarnos al último estertor y dejarnos sin aliento.
Son muchos los valores que hacen especial esta producción, además de la versión del texto ya citada; una atmósfera única que la fantasmagórica dirección artística y una iluminación brutal , consiguen convertir en un cuadro de belleza oscura que parece apelar directamente al alma; unas interpretaciones que , por contraste , son carnales, sanguíneas, terribles, es impresionante como cada uno de los actores consigue dotar a sus personajes de cada matiz necesario, y en especial, como Lesley Manville ( a la que hace unos días veía en un pequeño papel en Mr Turner ), mide el desgarro interior sin llegar en ningún momento al exceso pero trasladando todo la turbulencia que atraviesa su espíritu. Es una creación única.
Me apetece aplaudir cuando escucho al final el ruido de los aplausos. Es como si estuviese allí. He tenido una oportunidad con la que no contaba : acceder al teatro que se está representando en la , para mi, capital de la cultura dramática. Estoy feliz, emocionado.
Volveré, sin moverme de aquí.

Público        

miércoles, 7 de enero de 2015

NOMINACIONES PREMIOS GOYA 2015

La resaca postnavideña se inicia con las nominaciones para los premios Goya 2015, ya por derecho propio, un referente para el cine español.
Acaban de darse a conocer y un comentario de urgencia estará siempre marcado por mi opinión particular , señalando que este año he visto la gran mayoría de las cintas colocadas en la parrilla de salida.
En general, pocas sorpresas , lo cual no tiene porqué ser malo.
En cuanto a las ausencias , por supuesto la de Ocho apellidos vascos, el taquillazo de la temporada que arrastra tras si el mal eco en modelo premios del género de la comedia , yo la echo de menos, reir me parece una de las actividades más importantes del ser humano.
Alegrarme de la buena presencia de El Niño que parecía haberse desinflado últimamente y por supuesto de la hermosa Loreak, a la que me gustaría ver más presente en otras categorías. Magical Girl nos demuestra la madurez del votante ante el riesgo y Retratos Salvajes su generosidad ante una cinta no española al cien por cien y en cualquier caso no identificable como tal ( representará a Argentina en los Oscar). De La Isla Mínima ya hablé en su momento y me gusta mucho.
En cuanto a las interpretaciones, tal vez se podría incorporar a Clara Lago y hay que destacar el efecto arrastre de las cintas más nominadas , lo que lleva a Ricardo Darín a una nominación de protagonista por un papel que claramente no lo es , algo que también ocurre con el Luis Bermejo de Magical Girl ( ¿tiene su papel más contenido que el de José sacristan , reconocido como de reparto por la misma película? ), en cualquier caso me alegro por ellos. Sin embargo es aquí donde encuentro la ausencia más increíble , me refiero a Jesús Carroza y su interpretación en El Niño, absolutamente premiable, y es que siempre hay alguien que se queda fuera.
Entre las "revelaciones" siempre hay anacronismos, no es nuevo, como que alguien piense en revelación al citar a un Israel Elejalde, con más tablas que muchos de los que aparecen en otras categorías, en cualquier caso dignifica el cuarteto.
De las europeas y latinoamericanas , apenas he visto una o dos en cada categoría, no puedo pues opinar.
¿Y ahora?
Pues personalmente , no me disgustaría el premio de ninguna de las cinco seleccionadas , es uno de los años más correctos, posiblemente porque sea uno de los mejores años del cine español.
Enhorabuena a todos.

Público

viernes, 2 de enero de 2015

CINE: FRIO EN JULIO de Jim Mickle

USA 2014
Michael C Hall. Sam Shepard. Don Johnson. Vinessa Shaw. Bill Sage. Nick Damici

Recuerdo en los años ochenta, un tipo de cine americano destinado al disfrute del público fundamentalmente, que bebía de los géneros clásicos para, con una pátina de serie B, intentar producir con mayor rapidez, menos recursos y mucho talento.
Era un cine de palomitas en el mejor sentido de la palabra, del cual bebieron muchos directores posteriores ( con Tarantino de mejor ejemplo ), bien en su primera vida en las pantallas, bien posteriormente a través de videoclubs.
Generalmente se enmarcaban en el terror, el thriller y la ciencia ficción.
Hace unos años, Super 8 fue un ejemplo entrañable de resurrección y homenaje, en el ámbito más juvenil.
Por lo que se refiere al thriller/ terror, había directores como Walter Hill o Jonh Carpenter a los que sólo el paso del tiempo puso al nivel que se merecían. Tengo la sensación de que cualquiera de los dos habrían disfrutado mucho con Frío en Julio.
El comienzo es conocido: un hombre corriente se ve amenazado en su hogar y, para defender a su familia, se ve obligado a actuar como nunca habría previsto, con consecuencias que podrían ser devastadoras y que, en cualquier caso, lo convertirán en otra persona una vez que transcurran los cien minutos de película.
A partir de ahí, la cinta se desarrolla con un nivel de acción continua que no deja respiro y que bebe de las fuentes que antes citaba, con respeto y ganas, con cariño y ganas de entretenerse y entretener, manteniendo un nivel de tensión sostenida y creciente.
Pero además, hay una historia donde están presentes muchas de las referencias de América: la vida en un pequeño entorno, la oscuridad que tantas veces se esconde en lugares insospechados, la mitología en la que, salvando las distancias, bebían Faulkner o Steinbeck.
Lo más llamativo de la narración es el cambio de tercio, como si a partir de un punto de inflexión, la historia mutase en otra totalmente distinta, desde un thriller que recuerda a El Cabo del Miedo hasta un producto sofisticado cercano a un Winding Ref.  Entonces el diablo se convierto en justiciero, el paleto en una especie de aprendiz de caballero andante, los que estaban condenados a destrozarse en una extraña pandilla unida por extrañas pero creíbles lealtades... . Ese puede ser un valor o algo cuestionable si en lugar de disfrutarlo uno se deja llevar por el desconcierto.En cualquier caso, el director tiene un pulso excelente al que quizás se le pueda echar en cara ( no seré yo ) la omnipresencia de la música.
Otro punto muy de serie B está en los intérpretes, la serie B tiende mucho a la segunda oportunidad para actores y actores olvidados o considerados menores ( recordemoa al Travolta renacido en Pulp Fiction o Pam Grier en ¿ como se llamaba aquella película también deTarantino? ); en este caso está Don Johnson, sí, el de Miami Vice, al que personalmente nunca valoré en exceso, pues bien, está totalmente genial en su representación de un detective hortera con un concepto importante de la amistad. De Sam Shepard poco que decir que no se haya dicho, y del desconocido para mi Michael C Hall que entra en la liga de los grandes.
En fin, lo dicho, Frío en Julio es un producto quizás algo extraño hoy día, pero nos remite a momentos en que el entretenimiento era una obligación y parecía compartida entre espectadores y creador. Es una experiencia muy gratificante, de verdad.

Público        

jueves, 1 de enero de 2015

NOVELA: Y EL CIELO ERA UNA BESTIA de Robert Juan- Cantavella

Anagrama
376 páginas
También disponible en ebook.

Como ya he comentado alguna vez, soy asiduo a los suplementos culturales de los principales periódicos, de los que en muchas ocasiones extraigo mis siguientes lecturas ( sí, yo creo en la crítica ).
De todas maneras en ocasiones me ocurre lo que ahora: soy incapaz de recordar de donde saqué esta recomendación.
En cualquier caso, me encontré la semana pasada inmerso en Y el cielo era una bestia, una propuesta tan extraña como, voy a decirlo ya, cabreante.
Vamos por partes: a una clínica situada en una montaña cercana a un pequeño pueblo oscuro, llega un extraño viajero. En su pasado, entre otras cosas, la búsqueda de animales míticos como el calamar gigante. Pronto se ve rodeado de  personajes igual de extraños, cada uno con su propio misterio, entre ellos una terrible venganza. Paisajes conocidos, tramas que se pueden recordar en novelas que van desde Stoker a Verne, misterios que se abren y se bifurcan.
Pero todo ello en un complicado ejercicio que acerca al lector en su intriga para minutos después lanzarlo lo más lejos posible, compartir para engañar, atraer para luego confundirlo.
En fin, no dudo que crear un libro que parece un organismo vivo y parece ser capaz de construirse con un total desprecio a la coherencia y sumando todo aquello que puede aparecer en una despensa intelectual, tiene su merito. Pero también lo tiene llegar al final.
Cierto control lo hubiese salvado. Tal y como está, a mi me parece un ejercicio de paciencia que no termina de dejar claro su porcentaje de seriedad.
Crear estampas atractivas con materiales conocidos, por muy bien dibujadas que estén, no me parece un ejercicio loable y, sobre todo, puede resultar estéril si no responde a un conjunto que suponga algo más que una demostración de capacidad de emulación.
Y llegado a este punto, tengo que preguntarme de nuevo ¿ y de donde saqué yo esta extraña recomendación? ¿ como llegó a mi lista de lecturas pendientes? un enigma.

Público

LISTAS ANUALES CINE - CAIMAN

Como cada año en estas fechas, la mayoría de publicaciones, generalistas o especializadas, confeccionan sus listas con lo mejor del año.
En lo que a cine se refiere, Caimán Cuadernos de Cine es mi lectura y en gran parte mi guía, y por eso voy a basarme en las suyas ( que se dividen en lectores y críticos y, en estos, proporciona el global y los individualizados ) para este comentario:
En ambas Boyhood como primera parece decantarse sin duda como la cinta del año ( pocas veces recuerdo una unanimidad tan clara ). En las de los críticos encontramos alguna como Jauja ( la segunda ) El Futuro o Norte, que apenas han tenido una distribución normalizada, con lo que están ausentes de la del público ( ¿ como podemos acceder a ellas si ni siquiera plataformas como Filmin ofrecen la oportunidad? )
Y claro, personalmente siempre hay algunas que echo de menos y otras de más:
Entre las primeras, sin dudarlo dos joyas del último trimestre, la delicada El Amor es Extraño y la luminosa Mommy ( ningún crítico incluye ninguna de las dos ). Empiezo a pensar que 10.000 noches en ninguna parte tiene mucho de experiencia personal para mi, tampoco aparece, pero no voy a renunciar a considerarla uno de mis mejores recuerdos.
Entre las segundas, The Grandmaster y El Congreso, las dos me parecen impactantes desde el punto de vista visual pero narrativamente no conseguidas, quizás por arriesgar en exceso. Son propuestas sin duda interesantes, más la primera, pero incluso no me extrañaría que alguien llegase a calificarlas como fallidas.
Por lo demás, coincidiría en muchas, sin complejos, pero me encanta en las listas individuales ver sorpresas como Como entrenar a su dragón 2. Y por supuesto que Her esté en ambas ( mejor colocada en la del público ).
En fin, nada nuevo, pero sí una conclusión obvia y universal: hay más o menos tantas opiniones como personas, esa es la grandeza del arte, que dialoga de forma individual con cada uno de nosotros.
Feliz 2015¡¡

Público