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sábado, 27 de diciembre de 2014

TEATRO: EN UN LUGAR DEL QUIJOTE - Versión libre de la novela de Miguel de Cervantes



Dirección- Yayo Cáceres
Intérpretes - Iñigo Echevarría. Juan Cañas. Daniel Rovelher. Alvaro Tato. Miguel Magdalena

Recuerdo una propuesta infantil, hace unos años,  sobre el personaje de Cervantes, creo que a cargo de la compañía Uroc, llamada Clown Quijote de la Mancha. Era un espectáculo divertido, fresco y muy cercano, excelente memoria tengo del mismo.
Hoy otra compañía Ron Lala, se enfrenta de nuevo al texto, enorme y genial, y para muchos sagrado, y digamos ya que, una vez más, el resultado es excelente.
Pero creo que hay algo que diferencia ambas:
Si bien En un lugar del Quijote se presentó la temporada pasada en el calendario de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, en el apartado Mi Primer Clásico, destinado al público infantil, según mi opinión, esta propuesta está destinada a un espectador de mayor edad, y los seis años del programa de mano me parecen un poco justos.
Ojo, no estoy diciendo que un niño de seis u ocho años, no disfrute de lo festivo de este montaje, pero sí que no creo que pueda captar la cantidad de matices que se esconden en su aparente sentido de juego.
De hecho, eran muchos los adultos que estaban hoy allí sin infantes.
Y aclarado esto, vayamos a lo importante:
Me he divertido horrores con esta versión metaliteraria, saltarina, hilarante y luminosa, pero también hermosísima, poética, inteligente y muy muy respetuosa con el material que utiliza de base.
¿Quien leía el Quijote cuando se escribió ?, el pueblo, y ¿porqué ? porque era un texto que caricaturizaba la realidad, que mostraba sociedad y cultura del momento a través del humor, que era un excelente entretenimiento.
Eso es lo que hace Yayo Cáceres con el texto, acercarlo a la actualidad, no avergonzarse de crear referencias del día a día, de ( ya lo he dicho ) jugar y hacer reír, mucho,muchísimo, pero también es consciente de que las aventuras del Caballero de la Triste Figura son un referente algo melancólico sobre la necesidad de regalar gramos de locura a esta vida para poder dejar en este mundo lo mejor de nuestras almas.
Entendiendo que es imposible aspirar a concentrar ni siquiera un porcentaje importante de sus páginas en una hora y media, se crea un Quijote de cámara , una especie de gabinete de los milagros en el que desde la imaginación todo es posible.
Podría seguir mucho rato recordando los pequeños detalles que riegan este espectáculo, pero mi consejo es que nadie se lo pierda, porque además de el acierto en el texto, la compañía nos regala un montaje absolutamente brillante desde el punto de vista teatral, con una escenografía sugerente, un vestuario delicado y una iluminación preciosa, pero sobre todo cargado de  movimiento, de agilidad, de travesura.
Y no he hablado de la música, porque este Quijote es musical, y eso se consigue por supuesto por la muy bien creada y variada partitura, pero también especialmente por esos cinco intérpretes que además de multiplicarse en un montón de personajes, son capaces de cantar y tocar a la perfección.
La he gozado, ya lo he dicho.
Sobresaliente a Ron Lalá.
Para mi, a partir de hoy, la figura del Quijote, tiene el físico y el gesto de Ignacio Echevarría. Y comparto su melancolía, su ilusión, sus sueños, porque es a él a quien espero parecerme un día como hace al final Sancho Panza. Cuerdos es lo que sobre.  
Nota al margen: tuve en mi misma fila, a dos butacas a la gran Blanca Portillo, aplaudió como una loca, a ella también le encantó, y ella sabe de teatro.

Público

viernes, 26 de diciembre de 2014

CINE: MR TURNER de Mike Leigh

UK 2014
Timothy Spall. Paul Jesson. Marion Bailey. Ruth Sheen. Karl Johnson. Lesley Manville. Martin Savage. Richard Bremmer.

Pocas veces un biopic al estilo clásico no se me queda corto: sin duda es imposible concentrar en la duración standar de una película una vida entera, y cuando además se pretende ahondar en motivaciones, el empeño roza lo imposible.
Generalmente ese tipo de propuestas lo que consiguen es crearme el interés para profundizar por otros medios en la figura referenciada.
Por ello, recibí con sorpresa y satisfacción la Camille Claudel de Bruno Dumont: escogiendo ciertos momentos de su vida, centrándose en lo cotidiano, conseguía algo tan importante como mostrar el interior del personaje y, desde ahí, el resultado era mucho más rico y su historia, entre recuerdos y referencias, conseguía trasladarse de forma más compleja.
Este Mr Turner no está lejos de ese tipo de propuesta.
En primer lugar, ya el título, explícito, deja claro que vamos a hablar, por encima del artista, de la persona.
Posiblemente la existencia de este genial pintor, reconocido en vida y de quien tuvimos la suerte de disfrutar de una exposición hace unos años en el Museo del Prado, fuese tan plural y contradictoria como la época que le tocó vivir; como un hombre en apariencia tan zafio y de origen humilde se convertía en exquisito cuando tenía los pinceles en la mano, que don le llevaba a ser un intérprete de la luz. Además, no es sencillo trasladar en breves apuntes la posición de esa especie de aristocracia cultural que existía alrededor de la pintura y posiblemente del resto de las artes. Todo ello enmarcado en una sociedad cruel en su clasismo, muy lejos de las postales almibaradas que se nos han mostrado en otras ocasiones.
Mike Leigh, un director al que debemos algunos de los mejores filmes británicos de realismo social ( inolvidable Secretos y Mentiras, pero también muchos otros, más demoledores e igual de logrados ), se decide por narrar los últimos años del pintor. No hay explicaciones. Aterrizamos directamente en el momento elegido y a partir de ahí comenzamos a caminar juntos. Y que sencillo es desde ese punto ir conociendo al complejo personaje, su seguridad en el valor de su arte y su capacidad, su humanidad en lo mejor y en lo peor fuera del lienzo, su indiferencia, su compromiso con lo que parecía entender más como profesión que como vocación.
No hay ningún tipo de preciosismo.Ni disculpas ni justificaciones ante sus peores pecados. Si su director aboga por el realismo cuando narra historias actuales, también lo busca cuando se sitúa en otra época. El último plano, desolador, un regalo mínimo a un personaje secundario, es en ese sentido casi una declaración de principios. Hay además un trabajo excelente en una dirección artística que tampoco apuesta por el feismo.
De todos modos , además de todos los valores antes citados, hay uno directamente referido a la obra de Turner, y es que, sin aprovecharse de ello, Mike Leigh no renuncia a acercarnos a algunas de sus obras maestras, no sólo en la pintura sino en los paisajes que inspiraron a este genio que fallece diciendo "Dios es el sol".
De la interpretación de Timothy Spall, premiado en Cannes, se dirá mucho, yo sólo quiero recalcar que es uno de esos casos en que más que interpretación debe de hablarse de identificación, de conversión.
Mr. Turner es en definitiva una película importante, posiblemente de las más logradas sobre un pintor, y no es fácil en su propuesta, su director nunca ha optado por los caminos trillados. Creo que este es, sin duda, un paso adelante en su larga filmografía.

Público

miércoles, 24 de diciembre de 2014

NOVELA: OJALA NOS PERDONEN de A.M. Homes

Anagrama
656 páginas
También disponible en ebook

Esta larga novela comienza, tras un prólogo , esa comida del Día de Acción de Gracias que le dará su marco temporal, con unos sucesos brutales encadenados de una forma tan rápida que sorprenden, teñidos además de una ausencia absoluta de dramatismo. Todo ello es un inicio impactante sin duda.
A partir de ahí, nos sumergimos en como todo ello afecta al conjunto de personajes que directa o tangencialmente tienen alguna relación con lo ocurrido, su día a día ante una nueva situación, para llegar a un lugar desde donde poder contemplar su futuro.
Hay muchas cosas que hacen singular esta propuesta, especialmente el tono ligeramente irónico pero con un humor no exento de la ternura que la autora siente y muestra hacia sus personajes, pero también la delicadeza y lo cotidiano ( con los matices de los que luego hablaremos ) de lo que se nos va contando, como si fuese una especie de moderno Chejov americano .
Y cuando hablaba de los matices, me refiero al hecho de que Ojala nos perdonen es una novela absolutamente pegada a la actualidad y a la sociedad en la que se enmarca. Así, con un referente en el nacimiento del sueño americano, a través de la aparición de la figura de Nixon, lo que nos encontramos es con un paisaje de en que ha quedado ese antiguo sueño hoy día, mantenido en el mayor de los casos a base de pastillas de distinta índole ( la mayoría de los personajes son verdaderas farmacias ambulantes ).
No hay dulcificación falsa en lo que se nos muestra, pero tampoco ningún morbo en la desgracia. Ya he dicho antes que la autora escribe con ternura, también con mucha esperanza; sin duda, tras el inicio, hay mucho que se deshace, pero también nace algo nuevo; la familia puede haber desaparecido en el concepto más tradicional, pero siempre puede el amor funcionar como pegamento para crear nuevos modelos de tribu igualmente válidos.
No es fácil el empeño.
Asume el riesgo de mantener durante más de seiscientas páginas un equilibrio sin estridencias y con un sentido del humor al límite de la caricatura pero totalmente verosimil.
Y hay que concluir diciendo que, todo lo que se propone la autora lo consigue.
Una voz singular, pero sobre todo una mirada única donde conviven corazón y cerebro.

Público

CINE: MAGIA A LA LUZ DE LA LUNA de Woody Allen

USA. 2014
Colin Firth. Emma Stone. Simon McBurney. Eileen Atkins. Jacki Weaver. Hamish Linklater. Marcia Gay Harden

Allen sigue fiel a su compromiso anual, lo que hace que su producción esté muy por encima de la media de cualquier director.
Con ello, es difícil que todas sus obras estén al mismo nivel, así como que cada uno no encuentre en su catálogo algunas que le llenen especialmente. Se podría decir que también debería ocurrir lo contrario, pero a mi, personalmente, salvo su visita patria en Vicky Cristina Barcelona, ninguna me produce especial rechazo.
Tras la dureza de Blue Jasmine, llega ahora un descanso, una comedia agradable incluso en la época elegida y en su estética luminosa. Aun así, el autor no puede evitar cierto nivel de reflexión, más amable al parecer a medida que se hace mayor, sobre la existencia o, mejor dicho, la necesidad de la magia en nuestras vidas.
La trama es lineal, fácil y tierna, sobre el trayecto de un mago escéptico, racionalista y amargado, a descubrir lo incomprensible del amor, a través del camino inesperado del engaño.
El resultado, una comedia que huele a antiguo, a delicia ya conocida pero no por ello poco disfrutable, sin aristas pero con corazón y menos hilarante que en otras ocasiones pero con permanente sonrisa.
Sí es cierto que la dinámica por la que en esos momentos Europa ( o mejor dicho la sociedad europea ) se vio presa del engaño de muchos timadores que decidieron aprovecharse de la búsqueda de una dimensión más espiritual, hubiese dado para una cinta histórica , pero este nunca ha sido el género en el que se ha movido Allen.  
Él es capaz de presentar, entre sus logros mayores, pequeños cuentos didácticos desde la asunción de que los problemas de este mundo son más sencillos de lo que parecen, este es uno de ellos. Además tengo la sensación , la agradable sensación, de que al contrario de lo que le ocurre a muchos autores, los años le han convertido en alguien menos escéptico y mucho más empático, aumentando su ternura y su comprensión hacia los múltiples defectos del ser humano.
¿ Tiene eso algo de malo?.
el brillo en la mirada de Emma Stone y la entrega final de Colin Firth nos aseguran que no.

Público

lunes, 22 de diciembre de 2014

CINE: INTERSTELLAR de Christopher Nolan

USA. 2014
Matthew Mcconaughey. Anne Hathaway. Jessica Chastain. Michael Caine. Jonh Lithgood. Mat Damon. Casey Affleck. Wes Bentley

A estas alturas , nadie puede dudar de la capacidad de Nolan como director para manejar grandes materiales, ni , por supuesto, de su ambición.
El que se descubrió para la mayoría con ese thriller rompecabezas que fue Memento, ha avanzado en la escala de producción de Hollywood , pasando incluso por una trilogía de superhéroe, hasta convertirse ya en un referente para los taquillazos de calidad.
Y es que , hay que decirlo, algo que arrastra desde el origen antes citado, es que no es un escritor/ director dado a ponérselo fácil al espectador, sino al contrario, le exige toda su atención incluso en aquello que parecen meros entretenimientos de género.
Nolan jugo en Origen con el sueño, creando una estructura de muñecas rusas a las que era difícil seguir al cien por cien pero que atrapaban desde el primer momento. Ahora emprende una epopeya espacial, nada menos que la de aquellos que , desde un mundo apocalíptico, están llamados a buscar nuevos paisajes en los que pueda desarrollarse el ser humano. Pero tampoco en este caso se queda en los esquemas conocidos, sino que emprende un viaje alrededor del concepto de tiempo y su relatividad en el cosmos, como un gran juego de referencias en que se mezclan lo lógico y lo mágico.
Una vez más, igual que ocurría en el caso anterior, lo más difícil es conseguir fundir el ensayo con la narrativa , hacer creíble esa especie de explicaciones pseudocientíficas en donde no es extraño perderse en algún momento, y sobre todo tener la duda de si son meros soportes para otorgarle al artefacto cierto matiz de trascendencia. Pero incluso en este apartado, Nolan consigue crear universos propios, singulares y llamativos para, por lo menos, conseguir poner en imágenes propuestas tan complejas.
Interstellar además está muy bien contada , tanto en la aventura como en la lectura de melodrama familiar que también soporta; su director ya ha demostrado que es capaz de trazar un recorrido humano con el mismo pulso con el que mueve naves espaciales, bien sea entre padres e hijos, como en este caso, o, como en Origen , asomándose al romanticismo extremo.
Con todo ello, casi tres horas de película, transcurren sin que miremos el reloj y , en algunos pasajes,( creo que de forma intencionada a modo de homenaje ) , recordándonos a Kubrick ( esas danzas en el espacio con música clásica de fondo, esos silencios donde se puede percibir la nada ).
Lo dicho al principio, Nolan es ya una apuesta segura en cuanto a su capacidad de generar entretenimiento de calidad , tal vez pueda ser cuestionable su punto de trascendencia , en cualquier caso, lleva a cabo grandes obras , de esas que reiteran la función del cine como espectáculo, algo que nunca se debería de perder y que nos remite al inicio del séptimo arte.
Personalmente , ahora me gustaría verlo volver a alguna de sus obras en apariencia menores; que , de nuevo, me alcanzase la incomodidad que me regalo con la ya citada Memento o con Insonmia, en cualquier caso, que no se pierda entre fuegos artificiales.
Ya no le hace falta demostrar nada. Puede seguir por lo tanto haciendo simple y llanamente muy buen cine.

Público  
   

viernes, 19 de diciembre de 2014

CINE: AMOR FOU de Jessica Hausner

Austria 2014
Christian Fradel. Brite Schoeink. Stephan Grossmann.

El doble suicidio por amor, sin duda un suceso icónico del romanticismo más extremo, capaz de llenar muchas páginas de literatura pero también de llevarse a cabo en la realidad.
Henrich Von Kleist, escritor alemán del siglo pasado, llevó a cabo esa locura, tras disparar a una mujer, casada y con una hija, con la que al parecer había pactado compartir la muerte. ¿ Una trágica historia de amor? no parece ser esa la idea de la directora de esta película.
Todo esto ocurría en un momento en que la Revolución Francesa había sido un aviso al resto de Europa de que las cosas deberían de empezar a cambiar. Una etapa de mutación desde un régimen social heredero del feudalismo hasta estructuras más igualitarias. Hoy nos parecen increíbles algunas de las cuestiones que entonces se planteaban, pero fueron necesarios grandes esfuerzos para que siquiera llegasen a plantearse.
Haussner se esmera en narrar ese doble suicidio desde que el escritor se lo propone a su compañera hasta poco después de que este se lleve a cabo, y lo hace renunciando a cualquier tentación sentimentaloide: en el paisaje social que les rodeaba, en esa etapa de aparente transición, lo importante comenzaba a ser la razón, y ya no quedaba sitio para romanticismos de fábula.
Así, Von Kleist se muestra como un hombre despechado, aburrido y poco empático, y Enrietta es una mujer confusa, enferma y que si finalmente muere es, más que por una verdadera decisión, por un malentendido.
Nos producen mucha más compasión el marido y la hija que esta pareja tan fuera de lugar.
La forma de narrar de la directora es perfectamente coherente con su contenido, y así, utiliza una pluma fría, controlada, casi escenográfica desde el punto de vista teatral en sus composiciones, eso sí, hermosa y siempre equilibrada.
Además, tanto en la escritura como en la representación, es meticulosa y delicada, inteligente y precisa.Combina a la perfección las acciones y dudas de estos dos personajes, con la información sobre los cambios que se avecinaban. Crea un tapiz intelectualmente muy interesante, sólido y con un desarrollo muy bien organizado.
Amor Fou es una película atípica en su género, o deberíamos de decir "en sus géneros",  tanto desde el hecho romántico como desde el histórico. Esto la convierte en singular y en arriesgada. ¿ El resultado? una muy buena muestra de cine pero también un documento muy bien planteado para entender una época. De un rigor que puede ser limitativo, pero que a mi me ha causado un gran placer.
Por cierto: apenas una semana en pantalla. Filmin de nuevo. Pasará el tiempo y se recordará. Estoy seguro.

Público

martes, 16 de diciembre de 2014

NOVELA: EL LEOPARDO de Jo Nesbo

Ramdon House Literatura
696 páginas
También disponible en ebook.

La literatura negra es para mi uno de los géneros que ha creado muchas de las mejores obras que se han escrito. No sólo es uno de los mejores exponentes de la novela psicológica y social sino que es, posiblemente , la que ha generado un mayor número de lectores por su faceta de entretenimiento.
En ocasiones menospreciada por culturetas con pretensiones, personalmente es el repositorio donde he encontrado a muchos de mis escritores favoritos.
Esto tiene poco que ver con el best seller ( ojo, tampoco critico esta opción siempre que se escriba con pasión y respeto por el lector ).
Ültimamente , como ha ocurrido también con el género histórico, creo que se ha producido una evolución que no termina de gustarme: me refiero a la creación de obras que pretenden convertirse en hitos multiventas, emulando seguramente casos como los de Stieg Larsson ( de quien creo que sólo la primera parte de la trilogía responde a lo mejor del género).
¿ Cual es la dinámica utilizada por estos autores? fundamentalmente la manipulación del lector.
El autor cuenta con todas las cartas en su mano, no es tan importante la coherencia interna del relato como conseguir sorprender hasta el final, tensando cualquier situación y generando vueltas de tuerca contínuas.
No es demasiado difícil crear un entramado cada vez más complejo, llenarlo de trampas y conseguir que la curiosidad nos lleve de una página a otra. Lo difícil es saber equilibrar el desarrollo posterior de la trama y llegar a un final que sea creíble y que esté a la altura del enigma propuesto.
Nesbo comienza bien , tal vez con una excesiva truculencia en los crímenes de este asesino en serie , pero en cualquier caso, lo normal es engancharse en la primera mitad del libro.
Luego viene el resto:
Lo que podría ser una intriga alrededor de un asesino en serie, se desdobla en numerosos personajes que pueden llegar a confundir y que, en cualquier caso, no hacen fácil avanzar; se suceden los cambios y giros , a mero capricho del autor; se alarga no ya la trama sino también los detalles , los pasos por los que vamos avanzando.
En definitiva , a mi personalmente me ocurre algo que debe considerarse un pecado poco admisible en este género, y es que me llega a cansar , incluso a aburrir un poco y estoy deseando llegar de una vez a la conclusión.
No le niego a su autor la capacidad de crear un artificio de ardua elaboración , que seguramente ha requerido un trabajo ingente y muy respetable, pero el resultado está lejos de lo que a mi me gusta , de aquellas piezas con las que genios como Chandler o Hammet elevaron a literatura el género.
Viene del frío, tribu que inauguró mi adorado Mankell y que ha dado lugar a muchos seguidores, algunos me gustan otros no.
Nesbo seguramente será de los que van a tener un éxito mayor . Personalmente yo no creo que me encuentre entre sus futuros lectores.
Pero no me hagáis demasiado caso: son muchos los que han alabado El Leopardo. Serán cosas mías....

Público
  

sábado, 13 de diciembre de 2014

CINE: ADIOS AL LENGUAJE de Jean- Luc Godard

Suiza 2014
Heloise Godet. Zoe Bruneau. Kamel Abdelli. Richard Chevalier. Jessica Ericksson. Alexandre Paila. Dimitri Basil

Tengo que reconocer que mi cultura cinematográfica es tardía.
Es lo que tiene nacer y criarse en una ciudad de provincias en el siglo pasado ( que lejos suena¡ ) : mi cultura cinematográfica se creó a base de la televisión, sesión de tarde y sábado cine fundamentalmente.
Por eso, figuras como Antonioni, Bergman o el propio Godard, son algo así como genios del bosque sobre los que leía mucho pero a los que nunca había visto.
Una vez alcanzada la madurez, decidí embarcarme en travesías de descubrimiento, pero era tanto lo pendiente que, francamente tengo la sensación de que mi conocimiento se ha hecho a retazos.
Con  esto quiero decir que, como en otros casos, veo esta obra desde el aislamiento y su unicidad, no como parte de un catálogo o una trayectoria. Sí conozco alguna de sus películas, quizás las más antiguas, donde soy consciente de su interés por la forma, pero no puedo dibujar un itinerario que nos lleve a esta pieza, tan singular como inclasificable.
Adios al lenguaje es un título definitorio. Yo personalmente pienso que más que un adiós estamos asistiendo a un ensayo sobre su evolución : si hablamos de imagen, el material que utiliza su autor, nos encontramos con que, en muchas ocasiones, cuando se conoce como utilizarlo, lo importante es usarla desde la manipulación conceptual y estructural para transmitir ( el lenguaje transmite ) pero si le añadimos la capacidad epidérmica de crear sensaciones, tendríamos que pensar que el lenguaje ha mutado hacia una herramienta mucho más elaborada pero a lo mejor más espontanea y abierta en cuanto a aquello que transmite. Sumémosle música, texto, movimiento.... y veremos que el lenguaje ha mutado mucho y se ha convertido en algo que puede ser interpretado de forma diferente según el receptor.
La experiencia es tan lúcida como rica.
Me niego a hablar, como he visto en alguna crítica, sobre de que se trata; es tanto lo que hay en estos setenta minutos, son tantas las combinaciones posibles que cualquier intención de concentrarlo en una línea sería reductora.
Queda la experiencia, única, que percibimos con la vista y el sonido, siempre sorprendidos, pero también con la mente, siempre ilusionada en su búsqueda.
Esos balbuceos de bebe en los títulos de crédito finales, primeros pasos del lenguaje, no son más que una muestra del largo recorrido, desde el descubrimiento a la utilización.
Hermosa, siempre que comprendamos la belleza como algo no sólo estético, sino también espiritual.

Público

viernes, 12 de diciembre de 2014

CINE: MOMMY de Xavier Dolan

Canadá 2014
Anne Dorval. Antoine Olivier Pilon. Suzanne Clement. Patrick Huard

Veo esta película sin conocer ninguna de las obras anteriores de Xavier Dolan.
No tengo por lo tanto ni prejuicios ni referencias sobre lo que ha hecho hasta ahora; si bien sé, por la de veces que se ha publicado, que tiene sólo veinticinco años, pero desconozco si se repite en sus temas o en su estilo.
Disfruto por lo tanto Mommy como un producto aislado, como una pieza única.
Y reconozco que me produce una total fascinación.
 Argumentalmente la propuesta no se aleja de un melodrama familiar: una madre viuda, joven, atractiva, nada convencional y con pocos recursos, decide asumir la convivencia con su hijo enfermo de un trastorno de personalidad; en su difícil devenir se les incorpora una vecina también en situación compleja ( que acierto no contar , en este caso, cuales son las causas, y que sensibilidad en los retazos de información ) , todo ello en un entorno realista de clase media baja ( quiero señalar que soy consciente al decir realismo, que la cintase inicia con un mensaje que la sitúa en un cercano futuro, 2015, pero creo que es más una opción de desarrollo narrativo que de género ).
Uno de los aspectos que convierten en singular esta historia es efectivamente la personalidad visual de Dolan, una caligrafía que a pesar de su obvia artificialidad, destila frescura, ligereza y una leve hermosura, todo ello dominado con una gran lucidez, creo que la de alguien que ha visto mucho cine o para quien, por lo menos, el cine forma parte de su carnet sentimental.
Otro, es la propia escritura del guión, que sin ahorrar dramatismo y violencia, es capaz de equilibrar la relación de los tres personajes principales, dotando cada uno de su personalidad y su corazón, hasta conseguir que , difícil, empaticemos con ellos individualmente.
En tercer lugar, no pudo evitar hablar de los actores, algo que no siempre hago, pero es que es imposible imaginar esta película sin alguno de ellos . Son sus personajes en cada minuto, algo nada fácil en una constante serie de omnipresentes primeros planos. El papel de la madre es el eje central, aquella alrededor de la cual se vertebra la historia, de su amor, su dolor, su lucha; pero era necesario que el hijo tuviese la suficiente entidad para ser creíble, para ocupar su lugar, y el rostro con que nos encontramos está plagado de plástica para hacernos ir y venir de una sensación a otra, del miedo al cariño, del desconcierto al foco absoluto en el objeto de su confusa pasión, es tan querible como odioso; la vecina, Kyla,  no es un dibujo fácil, es la que tiene menos referencias a las que agarrarse, no importa, nos convence de que puede funcionar al tiempo como público y como catalizador, y que también su historia merecería ser contada..
Pero lo más importante, lo que me ha hecho estar durante las más de dos horas atrapado en esta historia, no son tanto sus elementos como lo que producen , y es que a pesar de lo dramático del asunto que se trata y lo nada complaciente de su desarrollo, la película transmite un gran calidez y es algo así como totalmente luminosa. Supongo que es lo normal si tenemos en cuenta que esta es una cinta que fundamentalmente habla del amor, de un amor tan incondicional como el que existe entre madre e hijo, pero precisamente, y más en circunstancias como estas, es ese un amor lleno de esquinas por lo que tiene de dependencia y de obligación; también de un amor que llega, que se coloca, que busca su hueco aunque no sepa si le corresponde. Uno de los logros de su director, de sus muchos valores en esta obra, es ser capaz de mostrarlo, y de mostrar sobre todo su esencia, como si hubiese destilado el sentimiento de todo aquello que lo puede envenenar para extraerlo y mostrarlo en toda su pureza, algo tan difícil como eterno. Y lo consigue, en momentos, en miradas, en detalles, en definitiva en un aire general de milagro que parece mojar todos sus fotogramas.
A veces he hablado de la alquimia, eso que convierte a ciertos creadores en magos, capaces de generar , sin que sepamos como, sentimientos y sensaciones únicos.
Xavier Dolan, al menos en mi caso, es uno de ellos. Me interesa saber si es un caso único o lo ha hecho también en sus otras cintas, las buscaré.
Mientras tanto me quedo con la experiencia epidérmica, cruda, tierna y difícil que me ha regalado con esta maravillosa Mommy.
Gracias por ello.

Público

martes, 9 de diciembre de 2014

TEXTO: ALABARDAS de José Saramago

Alfaguara
70 páginas
También disponible en ebook.

Cuando perdemos a un escritor del nivel de José Saramago, todos agradecemos cualquier descubrimiento de textos perdidos o inconclusos.
Hace no mucho, hablaba del placer de la obra inacabada de Ana María Matute.
Por ello, Alabardas se presenta en principio como un regalo.
Imposible resistirse....
Sin embargo, conviene aclarar varias cosas al respecto del documento que presenta Alfaguara:
No puede hablarse de Alabardas como una novela inconclusa, son apenas tres capítulos que esbozan una posible narración pero sin pasar de su inicio, algo muy limitado. Por supuesto está la prosa sencilla y sabia de su autor , su tono entre el cuento y la parábola y su interés en bucear en los males que acechan a esta sociedad, pero son meros apuntes.
También son mínimas las notas del propio escritor a las que se hace referencia, sobre lo que sería el desarrollo posterior de esta obra. Aportan muy poco sobre su pensamiento, insuficiente para avanzar con él en la historia de este , uno más, de sus personajes cotidianos sometidos a la fuerza de los elementos.
El volumen se adorna con ilustraciones de Gunter Grass, atractivas pero difíciles de encajar con el texto, y con dos artículos, uno de ellos de Saviano, que nos acercan a la ética de un hombre que , hasta el último instante, estuvo agarrado a su interés por contar.
Posiblemente sería absurdo renunciar a sus últimas páginas , pero quizás debería de haberse hecho de otra manera que sonase menos a maniobra editorial.
Me ha gustado leerlo, eso es cierto. Bueno, quedémonos con eso.

Público  

domingo, 7 de diciembre de 2014

TEATRO: DONDE HAY AGRAVIOS NO HAY CELOS de Francisco de Rojas Zorrilla

Dirección.- Helena Pimenta
Interpretada por.- Jesús Noguero. Clara Sánchis. David Lorente. Rafa Castejón. Natalia Millán. Nuria Gallardo. Fernando Sansegundo. Oscar Zafra

Son ya más de 25 los años que la Compañía Nacional de Teatro Clásico lleva con el objetivo de acercar a un público masivo las obras de nuestro siglo de oro.
Sin generalizar, era difícil antes de su nacimiento que acudir a una representación de Lope o Calderón fuese un plan apetecible para alguien por debajo de la cincuentena.
Han pasado diferentes directores y algunos han entendido mejor que otros el propósito. En general el balance es muy bueno, tanto en lo que se refiere a popularizarlos como a rescatar muchas piezas casi desconocidas.
Posiblemente ninguno ha sido tan valioso como su fundador, Adolfo Marsillach, atrevido y genial por partes iguales, pero eso es otra historia.
Helena Pimenta , me atrevo a apostar, va a ser un buen fichaje: no en vano, ya ha servido a Shakespeare con lucidez y frescura ( son muchos los que se bautizaron en el bardo inglés con su versión del Sueño de una noche de verano, varias veces repuesta ). Ahora afronta, dentro del programa de esta temporada, la dirección de una comedia que tiene como fondo el honor, y ,comprendiendo el cambio de los tiempos, lo acerca al género de enredo potenciando con acierto la vena cómica.
¿El resultado? pues bien, nada como escuchar las carcajadas del patio de butacas para tenerlo claro.
Hay elegancia, hay ritmo ( ayudado por la música y el baile ), hay una adaptación que se para a explicar lo necesario para que nadie se pierda. Hay un control cromático muy hermoso y toques de actualización que no buscan la fácil sorpresa del anacronismo.
Sobre todo hay respeto ( por el autor y por el público ), y hay eso tan difícil que es versionar sin profanar.
Y mucho, mucho, mucho juego.
Además, imprescindible, hay un conjunto de actores excelentes , capaces de decir el verso con elegancia y contundencia. De moverse como muñecos. Y de divertirse tanto como nos divierten a nosotros. Noguero y Lorente , a los que no recuerdo de otras veces , componen una hilarante pareja de clowns, tienen los mejores momentos, de Nuria Gallardo ya nadie duda , haga lo que haga; pero nunca me pude imaginar a la habitualmente dramática Clara Sanchis tan gamberra ni a la multiusos Natalia Millán ( ¿perohay algo que esta mujer haga mal?) recitando así.
Lo dicho: un juego elegante, hermoso, vivo. Y que algo esté tan vivo después de tantos años dice mucho a su favor.
Reírse con los clásicos es mucho más sano. De verdad.

Público

NOVELA: LOS CUATRO JINETES DEL APOCALIPSIS de Vicente Blasco Ibáñez

Varias editoriales.
También disponible en ebook.

Lo dije cuando descubrí a este autor en Sangre y Arena: iba a seguirlo, y de hecho, sin terminar aquella, ya había comprado esta, Los cuatro jinetes del Apocalipsis.
Pues bien, una vez que he terminado la segunda, sólo puedo decir que confirmo mi admiración y también mi sorpresa.
Voy por partes:
Por un lado, admiración por su capacidad narrativa pero también y sobre todo, por su capacidad de dibujar y su paleta de colores. En esta ocasión me cuesta hablar de costumbrismo; quizás porque es esta una palabra mal referenciada a lo castizo, lo localista, y , si bien la novela anterior era muy española en su ambiente, en esta nos encontramos con la Europa de la Primera Guerra Mundial , tras un periplo en Latinoamérica. Algo totalmente alejado pero igual de bien escrito.
Y sorpresa porque me encuentro con, no exagero, un antecedente a Ken Follet y similares. Nada menos. Por ello me sorprende que no tenga en nuestro país el reconocimiento que merece y que no venda libros sin parar. Me sorprende también , aunque esto no tanto, que sea Hollywood quien lo haya reconocido hace ya mucho tiempo y que  también de esta hubiese película, con gente como Glen Ford y Charles Boyer.
Lo dicho: es un grande. Reiterado. Pero también un ejemplar atípico en momentos de narrativa social o naturalista. Descubrámoslo pues . Nunca es tarde.

Público

viernes, 5 de diciembre de 2014

CINE: EL AMOR ES EXTRAÑO de Ira Sachs

USA. 2014
Jonh Lithgow. Alfred Molina. Marisa Tomei

El director de esta hermosa película no pretende epatarnos con un ejercicio de estilo ni abrumarnos con su sabiduría visual. Tampoco nos quiere obligar a una inmersión intelectual de primer orden. De hecho, Ira Sachs casi parece que pretende no estar. Porque lo que verdaderamente tenemos ante nuestros ojos, lo que nos encontramos, es algo tan simple y tan grande como una historia sencilla.Que difícil parecer fácil.
Los protagonistas son dos hombres que deciden casarse después de casi cuarenta años juntos. Podrían ser indiferentemente un hombre y una mujer o dos mujeres, lo importante es que son dos personas que se han amado desde mucho tiempo atrás y han compartido muchas cosas, y como esas personas tienen que afrontar cambios inesperados en una edad complicada.
Lo que convierte esta película en una obra tan especial es la decisión de su creador, su espíritu y su elegancia. No hay nada que desentone en su hora y media. Hay un ritmo pausado, un aire a Chejov como hacía mucho que no veía en el cine. Una capacidad de observación minuciosa que consigue captar infinidad de matices, de sentimientos , de perfiles. Creo que nunca hasta ahora había sentido tan cerca el retrato del amor , como ese precioso jersey de toda la vida que abriga más que ninguno, ese estado maravilloso que compensa toda una vida y a la que cualquier persona sueña con llegar.
Son miradas, son sonrisas, son gestos, pero además Ira Sachs enmarca todo ello en un paisaje urbano precioso pero nunca falso, con una luz y una música capaz de llegar al alma.
Todo esto, este conjunto de escenas que tienen la importancia que tiene la vida, la de verdad, se hace realidad gracias a todo lo que hemos dicho antes, pero también y sobre todo por las dos interpretaciones antológicas de Lithgow y Molina, dos grandes que están mejor que nunca; es impresionante la cantidad de matices que consiguen. Los acompaña Marisa Tomei, una actriz que nunca falla y aquí , como empujada por el talento de sus dos compañeros está mejor que nunca.
Salgo pues enamorado de esta cinta que dude si ir a ver y que se ha convertido en una de esas sorpresas que de vez en cuando nos regala en cine.
Sí, me ha tocado el corazón.
Y siendo una película triste, verdaderamente supone una especie de viaje hacia la luz, una forma de hacernos comprender que, pese a todo lo que nos rodea, el amor existe y puede cambiar el mundo. Aunque muchas veces sea algo extraño.

Público

martes, 2 de diciembre de 2014

NOVELA: OFRENDA A LA TORMENTA de Dolores Redondo

Destino
544 páginas
También disponible en ebook.

Siempre he pensado que en la novela negra , lo difícil no es empezar sino terminar.
Tampoco es que empezar sea fácil, cuando uno se sitúa , como lo hace Dolores Redondo, en un peligroso terreno que bascula entre lo criminal y lo sobrenatural. No es sencillo fusionar la realidad y la leyenda haciendo que todo sea creíble, vincular el presente al pasado sin que se vea el artificio, convertir la tensión en miedo.
A mi entender , las comparaciones entre la obra de esta autora y Stieg Larsson ( Los Hombres que no Amaban a las mujeres ), se deben sólo a su carácter de trilogía y su capacidad para crear tensión; personalmente Redondo me parece mucho más cercana a Jonh Conolly, que también se atreve con el más allá, sin temer que sus lectores se sientan confundidos o engañados.
Pero tengo la sensación de que quien ahora he comenzado por el final he sido yo.
Pongamos un poco de orden:
Me sorprendió su autora, como a tantos, con El Guardián Invisible, apasionante, retadora, oscura. Me lancé por Legado de Huesos en cuanto se publicó, y de nuevo consiguieron sobrecogerme las historias de la inspectora Amaia Salazar ; no sólo, ya lo he citado antes , me atrapa ese tono entre lo mágico y lo criminal tan bien conseguido que podemos sentir en sus páginas la humedad del Baztán, también su capacidad para estructurar el ámbito cotidiano de un conjunto de personajes y sus relaciones en el entorno donde se desarrollan los hechos.
Por supuesto, en cuanto me enteré de que iba a ver la luz Ofrenda a la Tormenta , me puse nervioso. Y me han bastado tres días para devorar sus más de quinientas páginas.
Y ahora sí, vuelvo a lo que comentaba al iniciar esta entrada : muchas veces es muy difícil, por un lado mantener un tono de tensión y sorpresa durante lo que ( sumando los tres libros ) son más de 1.500 páginas , y , por otro lado, conseguir encajar todas las piezas , todas las líneas abiertas , explicar todo aquello que ha permanecido sin explicación.
Pues bien , voy a decirlo ya : Dolores Redondo lo consigue. Ofrenda a la Tormenta es un cierre que está al nivel de las dos entregas anteriores y tiene el nivel suficiente para convertirse en el final de esta Trilogía del Baztán que tanta inquietud nos ha regalado.
De nuevo es un suceso criminal más o menos sorprendente el que abre la acción , de nuevo el presente se funde con el mundo mágico que sigue habitando en los bosques y alrededor del río, y de nuevo al final parece que todo es posible, que nadie nos ha engañado, que más que una novela hemos leído una oscura crónica que nos ha llevado a asomarnos al mal.
Y además de manejar a la perfección su estructura , la autora tiene la capacidad para asumir que encajar todas las piezas , forzar todos los cierres, sería más dibujar un puzzle que una novela. Tengo la sensación de que aun existe la esperanza de que , si no rodeada de las nieblas del Baztán sí en otros lugares , Amaia Salazar tenga que volver a aparecer para arreglar el desequilibrio que , en ocasiones , las fuerzas no deseadas producen en el mundo. La estaré esperando.

Público