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jueves, 27 de noviembre de 2014

NOVELA: LA ULTIMA PALABRA de Hanif Kureishi

Anagrama
307 páginas
También disponible en ebook

Con Kureishi tengo como lector una relación muy gratificante.
Lo conocí en sus libros iniciales , los más salvajes, especialmente El Buda de los Suburbios y también El Album Negro, y en sus guiones para Stephen Frears ( Mi Hermosa Lavanderia, Sammy and Rossie .... ).
A partir de ahí leí infinidad de libros suyos , algunos recuerdo los títulos, otros no, pero siempre con la sensación de un viaje compartido hacia la madurez , y es que este autor refleja mejor que nadie el paso del tiempo, cuando desde una juventud muy joven ( algunos entendereis lo que quiero decir ) vamos haciéndonos mayores, y aunque existen siempre retazos de lo que fuimos, es necesario asumir que estamos entrando en un nuevo país, para lo bueno y para lo malo, para el descubrimiento de islas más reposadas y también para la nostalgia.
Tengo la sensación a veces de haber crecido juntos.
Su ironía está a la par de su capacidad chejoviana para captar la esencia de lo cotidiano con todas sus corrientes subterráneas.
La última palabra es algo diferente.
Por supuesto sigue manteniendo ese estilo lúcido y tranquilo, esa capacidad de observación para dibujar diálogos perfectos en su sinceridad, pero se aleja un poco de su mundo más común o lo enclava en otro paisaje, y también su estructura, sus capas , están en otra línea de elaboración.
Un joven escritor con un silencio que empieza a ser peligroso para su economía, es contratado para escribir la biografía de un autor de culto, polémico y complejo. Para ello, se traslada a la casa de campo donde este vive con su última pareja.
A partir de ahí, la obra se estructura en varios niveles:
Por un lado, la vida que vamos descubriendo de quien es considerado un genio.
Por otro, la biografía del propio biógrafo.
Y finalmente , una narración más novelesca que sirve de estructura al conjunto y consigue trasladarnos, a mi al menos , cierta sensación metaliteraria donde se funden personas y personajes.
El conjunto conserva las mejores virtudes del autor, siendo también una de sus obras más cercanas al ensayo, a un análisis posible sobre el arte y el artista , sobre el proceso de creación ( al tiempo que asistimos al propio proceso ), sobre la verdad y la mentira, la vida y la literatura.
Posiblemente Kureishi está hablando de algo que conoce muy bien , y aunque difiere de sus piezas anteriores , sus personajes , sobre todo el principal, sigue siendo reconocible en esos antiguos jóvenes rebeldes que siguen algo enganchados a lo que entienden que consiguieron en sus luchas libertarias.
Y algo muy importante , es que el autor sigue siendo capaz de , desde su presencia , trasladar a sus textos su humanidad, algo que le permite transmitir sus dudas , no ser nunca categórico en sus afirmaciones.
Me gusta mucho Kureishi, creo que es un autor literariamente muy bueno pero además capaz de la inteligencia de conocer sus limitaciones y de la humildad de contarlo.
Es ya casi un buen amigo.
La última palabra , una muy buena novela.

Público

TEATRO: DESDE BERLIN. TRIBUTO A LOU REED de Juan Villoro. Juan Cavestany y Pau Miró

Director- Andrés Lima
Intérpretes: Pablo Derqui. Nathalie Poza

Sabemos desde hace mucho que no existen ángeles en la tierra; cuando nos topamos con alguien que nos confunde, no suele ser más que un humano que intenta volar y que, por ello, está indefectiblemente condenado al fracaso.
Todos alguna vez hemos experimentado ese anhelo desl paraíso perdido, esa necesidad de tocar el cielo, agarrarlo y traerlo a nuestra habitación; lo único que conseguimos son retazos, llamaradas fugaces, y mientras tanto la vida real se nos escapa entre los dedos.
Para alargar esos momentos en que parece que nos hemos convertido en pura esencia del gozo, en pequeños dioses, hay muchas propuestas artificiales, el alcohol, pero especialmente las drogas.
Este ansia, más expuesta en otras épocas de descubrimiento de la libertad, ha existido y seguirá existiendo siempre, alimentado por la búsqueda de la felicidad, pero también por algo tan humano como el miedo.
Mientras tanto, mientras algunos echan el ancla en ese estado irreal, no son conscientes de que el tiempo siempre pasa, siempre transcurre con una lógica cruel e imparable. Y se termina la belleza, y el goce por repetido pierde su sentido, y llega el cansancio...
Al final quedan cosas: queda el recuerdo de la imagen del fuego, queda la poesía, quedan los sueños infantiles que se han conseguido salvar de la quema, queda dolor, un dolor infinito.... no mucho para toda una vida.
De este trata Desde Berlín. De lo que se puede perder y conseguir por querer vivir toda la vida de golpe, como si estuviésemos siempre al filo de perderla. Como si fuésemos ángeles; sin darnos cuenta de que al final esos ángeles siempre terminan convertidos en fantasmas, almas en pena.
No soy conocedor de la obra de Lou Reed para saber lo que esta historia, contada a trozos desde el recuerdo, le debe a sus canciones. En cualquier caso, es un texto vivo, brutal, cruzado de flechas de poesía y lleno de carne.
Para ponerlo en pie, Andrés Lima cuenta con el soporte continuo de la música de Reed en forma de banda sonora omnipresente, casi un musical de bolsillo, y dos pantallas que reflejan unas imágenes en constante estado de alucinación. Y por supuesto dos actores que se entregan en cuerpo y alma; no conocía la fuerza de Derqui, sigo fascinado por la voz de Poza que al mismo tiempo dice y cuenta y ahora también canta.
El espectáculo, excelente, es violento, agresivo, bellísimo, hipnótico.
Sólo dura una hora y cuarto.
Se agradece.
No sólo porque hubiese sido difícil mantener ese ritmo tan epidérmico un minuto más, sino porque hubiese sido demasiado doloroso soportarlo.

Público

sábado, 22 de noviembre de 2014

NOVELA: LOS HIJOS de Gay Talese

Alfaguara
752 páginas
También disponible en ebook.

Hay ocasiones en que los adjetivos deben de utilizarse en toda su amplitud, aquellas en las que, por ejemplo, "grande" expresa tamaño y grandeza, y , en lo que se refiere a tamaño, nos referimos tanto a volumen propiamente dicho como a ambición.
Entrar en Los Hijos me ha supuesto pasar más de diez días inmerso en una narración coral, plural en tiempos y personajes , donde la historia se maneja tanto en minúsculas como en mayúsculas. Un tiempo de disfrute absoluto, corriendo de un lugar a otro, de una época a la siguiente, de un suceso a una crónica, de un drama a una comedia, de un cuadro de costumbres a espiar por la mirilla la vida privada de una comunidad.
Talese se propone en este proyecto contarnos , mirando hacia atrás, la historia de su familia, en un sentido amplio por lo que se refiere al arco temporal, pero también espacial.
Nacidos en una pequeña localidad del sur de Italia, Madia, sus componentes son el embrión de este escritor americano, recogiendo muchas de las referencias que ya conocemos de esa comunidad de emigrantes, pero no sólo eso; algunos permanecieron hasta su muerte en su lugar de nacimiento, o regresaron tras su periplo en el extranjero; otro vivieron durante años en otras ciudades europeas como París; y dentro de los Estados Unidos, los hubo que buscaron , o encontraron sin buscarlo, su destino en lugares muy diversos. Los hubo también que apoyaron la unificación del país de la bota, otros se decantaron con el tiempo por el socialismo, o al contrario, por apoyar el fascismo de Mussolini, sobrevivieron a la guerra o allí fueron heridos para siempre; pero todos, todos , vivieron , amaron, tuvieron sueños y pesadillas, fueron adaptándose a un mundo que cambiaba, y criaron hijos, sus hijos, que continuarían y seguramente continuarán esta saga.
Talese aborda la narración desde el aliento de un clásico, sin intentar ejercicios de estilo pero con una prosa hermosa y precisa y, eso sí, con muchísimo cariño por todos y cada uno de sus personajes.
Pero antes he citado la historia con mayúscula , y es que esta no sólo sirve como telón de fondo, en el Resorgimiento, las dos Guerras Mundiales etc , sino que, como buen periodista, el autor es capaz de integrar en el largo devenir capítulos dedicados a hacernos conocer de una forma didáctica y perfectamente comprensible, quienes eran Garibaldi, el dictador italiano, como se desarrollo la vida en los campos de batalla, el nacimiento del capitalismo americano o la depresión.
Los Hijos, concluyendo, es una novela grande , en extensión, en ambición , en el número de historias que narra, en su cantidad de personajes y escenarios, y es una gran novela porque consigue todo eso con absoluta maestría y apasionando en cada página .
Una absoluta gozada que , sin duda , nace ya como un clásico.
¿Una pega?, que se acaba.

viernes, 21 de noviembre de 2014

CINE: ORIGENES de Mike Cahill

USA 2014
Michael Pitt. Brit Marling. Astrid Berges- Frisbey. Steven Yeun

No sé si es una apreciación personal, pero creo que Orígenes admite dos lecturas.
Por un lado, podemos verla como una película de ficción científica, muy atractiva en su planteamiento e hipnótica en su realización, de gran belleza formal. En este sentido, en su aire de thriller, consigue el director mantener la atención de forma constante, sin que se pierda el grado de interés en ningún momento, Para ello, ha compuesto un guión medido, muy bien enhebrado, en el que dosifica ciertas trampas necesarias , en forma de coincidencias, de quizás un exceso de artificio. Es un buen andamiaje.
Sin embargo, como he dicho al inicio, yo tengo otra lectura:
Veo una escena especialmente relevante, y es aquella ( voy a intentar no destripar sus sorpresas ) relacionada con el número 11.
Basándome en ella y en un modelo narrativo donde importan más los hechos que sus explicaciones , mi visión de Orígenes es la de un cuento fantástico y mágico, un hermoso relato de espiritualidad, del ser humano buscando un sentido a su existencia, incluso con una especie de hada capaz de guiar al protagonista a una vida más plena y desde la que, estoy seguro, será capaz de difundir aquello que ha recibido. Un camino desde lo pragmático de la ciencia hasta la luz y la esperanza.
Me gusta el mensaje y me gusta también la forma de escribirlo, con esos personajes tan humanos, esa definición del desarrollo científico sin excesos que lo hagan farragoso, esas dudas. Pero sobre todo, teniendo en cuenta que es una película, me gusta como está contada, a nivel de epidermis, con esos primeros planos capaz de captar cualquier gesto y que se mezclan con muy hermosos paisajes, y esa banda sonora intermitente y magnética.
Y, como no, me gusta su final. El doble final: aquel con el que termina  ( sorprendente, lúcido, bello, lleno de alma ) y el que nos reservan para después de los títulos de crédito, ojo, no os vayáis antes.

Público  

jueves, 20 de noviembre de 2014

UN CLASICO; MIKE MICHOLS. ADIOS

Hay muchos directores que adquirieron su nombre en otra época , algo que les ha llevado a ser recordados y considerados como clásicos.
Sin duda Mike Nichols es uno de ellos, desde que con El Graduado, seguramente rompió una forma de contar y las barreras morales de la época; luego vinieron muchas otras como ¿Quien teme a Virginia Woolf?, o Conocimiento Carnal  y se fue convirtiendo en un referente.
Pero el tiempo pasa y llegan otros en quien fijarse. Esa es la etapa que determina la grandeza  de un creador y, por decirlo de algún modo, su juventud ( aunque suene a lugar común ).
A muchos les sorprendería saber que era un hombre de su edad quien estaba detrás de una comedia tan fresca como Workin Girl, de una adaptación dramática con tantas esquinas como Closer, del primer atisbo de humor en la carrera de Meryl Streep , reina entonces del drama , en Heartburn , y de conseguir dos de las mejores interpretaciones de la dama en Silkwood y Postales desde el filo, o de la simpática y subvalorada A propósito de Henry. Entre muchas otras.
Nichols ya no buscaba epatar sino hacer buen cine , y lo conseguía con oficio e inteligencia, lo que transmitía la aparente ligereza del trabajo que no se ve.
Y también fue , desde siempre un hombre de teatro, pero no uno cualquiera ; por sus manos pasaron , con éxito, Chejov, Arthur Miller, Stoppard , Pinter etc.
Se ha ido. Pero no sus películas . Lo que se ganan los maestros es que siempre dejan un rastro muy sólido.
Hasta siempre y gracias por todo.

Público

viernes, 14 de noviembre de 2014

CINE: RELATOS SALVAJES de Damián Szifrón

Argentina/ España. 2013
Ricardo Darín. Leonardo Sbaraglia. Dario Grandinetti. Erica Rivas. Julieta Zylberberg. Oscar Martínez. Osmar Núñez. Maria Onetto. Rita Cortese.

Pero vamos a ver ¿ quien es este genio que atiende al nombre de Damián Szifrón? ¿ como no lo había conocido antes? ¿ donde andaba hasta hoy?.
Bien, tranquilidad, vamos a ver si me sereno y consigo explicar las razones de mi fascinación que, por supuesto, se encuentran en esta película que acabo de ver : Relatos Salvajes, una joya sin fisuras.
En dos horas de excelente cine, el director ( que además es guionista, ¡ la leche !), nos cuenta seis historias que tienen como nexo común, ( ya anunciado en los títulos de crédito ) mostrar pautas de la parte más animal de cualquier ser humano, algo que puede ocurrir cuando a alguien se le lleva al límite de lo que puede soportar.
Ya he dicho que son seis, pero, fuera de la posible brutalidad coincidente en las conclusiones así como el nexo común de la venganza ( que bueno el claming: " este año se ha terminado poner la otra mejilla"  , ¡ en esta peli hasta la publicidad es buena !), los relatos tienen tamaños texturas y tonos diferentes. Esto me hace preguntarme ¿ como es posible entonces que se tenga una sensación tan determinada de coherencia en el conjunto? y sobre todo ¿como puede conseguirse que sean todos tan fantásticos?.
Porque si bien es cierto que sorprende lo potente y epidérmico de la imagen y esa caligrafía de contrastes y golpes ( en sentido figurado ) a la pantalla, lo completo de cada historia ( hasta el punto de cada uno de ellos podría ser un cortometraje o mediometraje perfecto ), personalmente lo que más me fascina es el Szfrión escritor, capaz de generar cuentos que combinan la tensión en diferentes subgéneros, ya sea el thriller, el negro negro, el cine social, la tragedia, el drama de acción, también la comedia... y los desarrolla con infinitos matices ( ojo, cada relato, es susceptible de muchas lecturas , no confundirse pensando que nos encontramos simplemente ante una especie de comedia gamberra, aunque esa sería una de las lecturas posibles; este comentario se me está llenando de paréntesis , con lo poco que me gustan ... ) sin que afecte en nada el tiempo que les dedica. Lo que consigue con el de escasos cinco minutos previo a los títulos de crédito es sólo un fantástico ejemplo de lo que es capaz.
Con este nivel sostenido, consigue algo muy difícil en las obras episódicas , y es que no le afecte la fragmentación, algo que siempre se da cuando existe algún desequilibrio que termina afectando a un conjunto que no termina de ser homogéneo; aquí es al contrario, ya que esa estructura fragmentaria precisamente termina contribuyendo al enriquecimiento global de la propuesta.
Ah, por cierto, se me olvidaba, y también destacar la colocación de las piezas, desde es pellizco, hasta la traca final ( el más desmadrado ), pasando por el cuerpo central ( la de Bombita ), tal vez la más "grande", lo dicho, que todo está bien.
Los actores, bien  ( ¿me repito? )gracias, como todos los argentinos . La verdad es que en estos casos , y en los que últimamente nos ofrece también el cine español, no dejo de preguntarme porqué nos hemos pasado la vida alabando a los actores británicos como si fuesen los únicos capaces de crear escuela, debe de ser el amor a lo exótico.....
Lo dicho, Damián Szfrión, me quedo con tu nombre, voy a buscar lo que has hecho antes, pero sobre todo, no tardes en volver, ahora que has creado adicción.

Público

lunes, 10 de noviembre de 2014

NOVELA: LORD JIM de Joseph Conrad

Diversas editoriales.
También disponible en ebook.

Buscaba una imagen con la que ilustrar esta entrada y me he encontrado con esta portada ( junto con muchas otras ) de la legendaria colección de Clásicos Ilustrados. No he podido evitar utilizarla.
¿Porqué?.
Pues por todo lo que evoca en mi caso.
Y es que yo me eduqué, como muchos, con esas historias clásicas de grandes narradores, pero que se nos presentaban, acordes a nuestra edad, en versiones que combinaban texto e imágenes; teniendo en cuenta que estas historias también estaban presentes en muchas de las películas que veíamos por las tardes en Sábado Cine, la conclusión es que mi infancia está llena de este tipo de aventuras que me descubrían otros tiempos y otros paisajes.
Han pasado los años, muchos años, y ahora , no sé si en un intento subconsciente de rememorar las sensaciones de entonces o simplemente fruto de la curiosidad, me asomo a la novela, a una de esas novelas que tanto han inspirado.
Y me encuentro con lo mismo: mi admiración por este personaje que , tras una trágica derrota en su honor, lucha contra un destino adverso para recuperar su vida. Admiración por los matices que nos acercan a su perfil psicológico que, pudiendo estar tan lejano a nosotros, nos resulta casi íntimo. Y admiración ante un novelista capaz de trasladar de una forma tan brillante, esa atmósfera, esa extraña sociedad que crearon las aparentemente civilizaciones desarrolladas, en el paisaje exótico y todavía por descubrir en su totalidad.
Lo dicho, he disfrutado el regreso, además de recordar aquellos días en que cada página era un pasaporte a un mundo diferente.
Es un viaje gozoso, un viaje que se debe de repetir de vez en cuando.
Recuero un texto , creo que de Somerset Maughman que decía algo así como "fue consciente de que la vida de aquellos que se imbuían de literatura podía ser tan apasionante como la de los que cruzaban océanos o escalaban cordilleras desconocidas". Sabía de que hablaba.

Público

viernes, 7 de noviembre de 2014

CINE: LOREAK ( FLORES ) de Jose Mari Goenaga y Jon Garaño

España 2014
Nagore Aranburu. Itziar Ituño. Itziar Aizpuru. Ane Gabarain. Josean Bengoetxea

A veces la crítica me confunde.
Leyendo las referencias de Loreak desde su estreno en el Festival de Cine de San Sebastián, tenía la sensación de que iba a encontrarme ante una de esas historias mínimas que tienen en la sencillez su característica más destacada; me gustan ese tipo de propuestas, pero también reconozco que suelen estar marcadas por sus propias limitaciones, una de ellas la ambición.
Esto no es exactamente lo que me encuentro con Loreak.
Sí es cierto que se trata de una historia ( o un cruce de historias ) de gente corriente, y también que evita cualquier exceso melodrámatico, basando su desarrollo mucho más en lo que se calla que en lo que se dice.
También puede servir de identificación con ese modelo citado ( para mi, repito, erroneamente ) el uso de actores que, aunque profesionales, son desconocidos para el gran público, con lo que aumenta la sensación de autenticidad.
Pero en mi opinión, aquí terminan las similitudes:
Loreak es una película sin duda muy ambiciosa.
Cuenta con un guión original que combina hechos conocidos  en una estructura que cruza la vida de tres mujeres diferentes en un momento determinado de sus vidas, y es un guión trabajado, con la dosis necesaria de artificio, capaz de guiar la historia con rigor y ritmo, creando los momentos de tensión necesarios, e incluso generando un tono de thriller.
Pero sobre todo, Loreak es una propuesta sofisticada desde el punto de vista visual, con una excelente caligrafía, la capacidad para crear imágenes sugerentes que sirvan de apoyo para la narración y, sobre todo, de una belleza que no suena en ningún momento a artificiosa.
El resultado es, digámoslo ya, una película excelente, una propuesta original que, sin duda bebe del cine independiiente de bajo presupuesto pero es capaz de avanzar a modelos de producción mucho más elaborados. Por decirlo más claramente, es un cine capaz de tomarse su tiempo para observar cada mirada, pero sin entender que exista una contradicción entre la captación de la sinceridad y el oficio cinematográfico.
La historia que nos cuentan no trata sólo de flores, pero las utiliza para hablarnos del recuerdo y del olvido, de la memoria y su verdad o su artificio, de la necesidad que tenemos los seres humanos de encontrar donde  sea asideros, de la vida como un devenir en el que todo cambia con el tiempo o casi todo... Y lo hace, ya lo he dicho, con maestría, con serenidad, con belleza e inteligencia, pero también y sobre todo con una extrema delicadeza.
Salgo de Loreak maravillado por haber disfrutado de sus cien minutos, que han conseguido emocionarme y sorprenderme. Pero también por que no esté convirtiendose en una de las películas de la temporada, en un año donde el cine español está que se sale. Sería bueno que los Goya le diesen un empujón, por el bien de muchos espectadores.

Público  

martes, 4 de noviembre de 2014

NOVELA: CADAVERES EN LA PLAYA de Ramiro Pinilla

Tusquets
248 páginas
También disponible en ebook.

Leo este libro con la tristeza de un testamento.
Hace pocos días nos dejaba este gran escritor, Ramiro Pinilla.
Estoy seguro de que era un amante de la novela negra clásica, y estas historias del entrañable Samuel Esparta, tres ya, están escritas desde el amor, la admiración y el homenaje, por supuesto con la inteligencia, el humor y la excelente prosa a la que nos tiene acostumbrados. Perdón, nos tenía.
¿Obras menores?
No lo creo. Aunque si alguien escribe una pieza tan monumental como la trilogía Verdes Valles... se expone a que se considere menor todo lo que haga posteriormente.
Esta vez, a Samuel Esparta, detective metaliterario, le piden que investigue un crimen con treinta años de retraso; una historia de amor, enmarcada en la cruel postguerra, una muerte cuando la muerte campaba a sus anchas.
Tras una muy buena presentación y un rico desarrollo, tal vez la conclusión peque de poco creíble y precipitada. Puede ser. Pero no por ello perdemos la lucidez de la visión de Pinilla sobre el Pueblo Vasco y el oficio de escribir, para ser cronista de una época, en este caso llena de tristeza..
Repito, para mi era uno de los grandes, de los enormes. Voy a echar mucho de menos sus páginas. Siento con esto que estuvo escribiendo hasta el final, pensando en nosotros, en sus lectores.
Gracias Maestro.

Público

PREMIO NACIONAL DE ARTES ESCENICAS PARA LA INFANCIA: ETCETERA

Muchas veces he hablado aquí de la Compañía Etcétera de la que soy rendido admirador.
Recibo por lo tanto con gran alegría la noticia de que ha sido premiada con el Nacional de Artes Escénicas para la Infancia.
Independientemente de que personalmente considere que le sobra el apellido: los espectáculos de la troupe de Enrique Lanz no pueden limitarse como obras gestadas para la infancia, son para todos, como lo es el arte, la belleza , la poesía....
Sí es cierto que, gracias a sus dedicación , serán muchos los niños que crecerán sintiendo el amor al teatro, a la verdad de lo que ocurre encima de un escenario sin trampa ni cartón. Entre ellos espero que mis hijas. Han tenido la oportunidad de envolverse en un Carnaval de Animales, maravillarse con las titánicas marionetas del Retablo, reírse con el roedor de La Serva Padrona, dejar que les cuenten otra vez El Sastrecillo Valiente o compartir la sorpresa de lo que se esconde en una Caja de Juguetes.
Pero yo, ya superado con mucho el momento de ser considerado un niño, he disfrutado, me he maravillado, he descubierto, he soñado, con sus creaciones. Quizás es que también son capaces , desde esa magia que crean con amor y artesanía, de hacerme viajar a un tiempo que creía perdido.
En cualquier caso, ENHORABUENA, nunca un premio fue tan merecido, y personalmente, pocas veces me he alegrado tanto de su concesión.
Espero que hasta pronto.

Público

domingo, 2 de noviembre de 2014

NOVELA: CARTHAGE de Joyce Carol Oates

Alfaguara
536 páginas
También disponible en ebook.

Algunas veces he hablado aquí de algo así como la alquimia, referido a la misteriosa capacidad de algunos artistas para mezclar los componentes de su obra, consiguiendo efectos determinantes en nuestra apreciación de la misma, sin que se note ninguna acción artificial dirigida a ese objetivo, sin que se aprecie la maquinaria, es decir, esa alquimia sería lo opuesto a lo artificioso.
En este caso, esa cualidad casi mágica, consigue convertirnos en receptores de una narración, una densa historia contada por alguien, sin que en ningún momento parezca que el escritor hace nada más que contar, sin intervenir .
Entronca por lo tanto con la acción primitiva de contar y escuchar, y dada la ambición de la propuesta, con la de las grandes historias que forman parte de la literatura universal.
El argumento parte de un hecho concreto, la desaparición de una adolescente en un pequeño pueblo americano, y su búsqueda, al tiempo que se aproxima cada vez más la posibilidad del delito. La primera parte parece cerrarse una vez que alcanzamos la segunda. Hasta ahí hemos asistido a una disección social del entorno, pero también al análisis del núcleo familiar y de la fragilidad de su estructura cuando se ve sacudida desde el exterior. Pero aun queda mucha novela, muchas páginas donde conocer que es lo que realmente ha ocurrido y como ha afectado a los distintos protagonistas. Podrían ser varias novelas, diferentes, pero su autora tiene la maestría y la generosidad de concentrarlas en una sola.
Como ocurre siempre con la literatura clásica ( y Carthage tiene mucho de clásico ) la obra refleja o se refleja en muchos referentes que ilumina y/o comparte; no están nada lejos los grandes narradores norteamericanos, Faulkner, Steinbeck, ni el carácter muchas veces mitológico o bíblico de sus historias ( leyendas y personajes reconocibles, por ejemplo la virgen y el minotauro ); también podemos encontrar algo de  Dickens y de Chejov.
No conozco la obra de Carol Oates, por lo visto una escritora prolija, más allá de Blonde que apenas recuerdo. No sé por lo tanto si es esta su tónica habitual o está sólo referenciada a esta novela. En cualquier caso, es también importante señalar su capacidad para integrar elementos que convierten su creación en contemporanea sin que eso le haga perder universalidad; habla, ya lo he dicho, de la familia y las pequeñas comunidades sociales, pero también de la necesidad de sentirse querido, del hecho de que el ser humano por muy profundo que sea en su visión tendrá siempre un cúmulo importante de ridículas ansias superficiales, de la guerra y lo difícil de los regresos, del dolor, de la necesidad de la fe....
Lo hace con dureza porque lo hace con realidad. No engaña y posiblemente no se deja llevar por ninguna vinculación con sus personajes: es como si, sencillamente, las cosas fuesen así.
Carthage me ha llevado de nuevo a cuando leer era dejar que nos contasen, cuando por un periodo más o menos largo, te introducías en una historia; es prerogativa de los grandes autores; claramente Joyce Carol Oates es de esa casta.

Público

sábado, 1 de noviembre de 2014

CINE: DOS DIAS, UNA NOCHE de Jean- Pierre y Luc Dardenne

Bélgica/ Francia 2014
Marion Cotillard. Fabrizio Rongione. Pili Groyne. Simon Caudry. Catherine Salée. Baptiste Sornin. Alain Eloy. Myriem Akheddiou

Los Dardenne son claramente de esos directores, o artistas en general, dedicados a lo social, cronistas en clave de realismo del mundo en el que vivimos haciendo generalmente protagonistas a los desheredados.
Generosos con sus personajes, duros con aquellos que no precisan que nadie les compadezca.
Dentro de su catálogo, siempre en una Europa donde los valores empiezan a estar cuando menos confusos, creo que la cinta que ahora nos ocupa es la que responde de una forma más clara a la necesidad de enfrentarnos a las consecuencias de la crisis económica que vivimos.
Veamos si no: el argumento es muy simple, una mujer que acaba de regresar a su trabajo tras una baja por depresión , se encuentra con el despido; su única salvación está en la mano de sus compañeros, siempre que estos renuncien a cambio a una prima de mil euros; durante dos días y una noche, ella intentará convencerlos de uno en uno para que voten a su favor, escogiéndola frente al dinero.
La historia entra desde el principio directa, con una claridad absoluta, claridad que se mantiene durante todo el metraje; no quiere decir esto último que carezca de matices, pero sí que va siempre en línea recta, y que los apuntes son como paisajes que se ven a través de una ventanilla cuando alguien se dirige a un lugar. Es el film más didáctico de sus directores y quizás también por ello la que cuenta con una realización más transparente , dejando de lado su método frecuente de cámara al hombro y sustituyendo sus actores desconocidos por una star del nivel de Cotillard, perfecta, por cierto.
Por lo tanto, Dos días, una noche, es sin duda una muy buena película, pero no es posiblemente eso lo que pretende, sino lanzar un mensaje, ya no tan deprimente como otras veces: la solidaridad asoma incluso entre el miedo o la miseria, y lo que va a devolvernos nuestra confianza en nosotros mismos, no es vencer sino luchar, porque en tiempos tan difíciles la lucha es ya una victoria.
La propuesta es coherente. Y sobre todo, aplaudible. Debemos de contar con propuestas que nos hagan pensar , enfrentarnos con la ineludible obligación de todo ser humano de conseguir que este mundo sea un lugar mejor.
Se agradece especialmente que lo haga desde la sencillez, que evite la tesis, porque la vida se vive posiblemente así, sin que haga falta dibujar con los colores de la trascendencia para saber donde está el bien.

Público