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viernes, 30 de mayo de 2014

CINE: HERMOSA JUVENTUD de Jaume Rosales

España. 2014
Ingrid García- Jonsson. Carlos Rodríguez. Inma Nieto. Fernando Barona. Juanma Calderón. Patricia Mendy. Miguel Guardiola

Me gustan mucho las películas de Jaume Rosales.
Creo que he visto todas y me resulta muy atractiva su capacidad de manejar lo que en principio es una observación realista y objetiva , en cierta distancia, con una caligrafía visual sofisticada que se adecúa a cada una de las narraciones.
Para mi alcanzó su cumbre en Sueño y Silencio, criticada por algunos, a mi me pareció una obra perfecta, casi una instalación con alma.
Parece ser que su director la terminó agotado y con la duda de si estaba convirtiendo sus películas en obras de museo. Por ello, dice, decidió volver a un modelo de rodaje más tradicional. De ahí nace esta Hermosa Juventud.
Pues bien, a mi me parece que , gracias al cielo, seguimos pudiendo disfrutar de las constantes que a mi me han hecho apreciar, y mucho, a Rosales.
Vamos primero a hablar de forma:
En primer lugar, aunque por la temática la aproximación pueda parecer más emocional, la observación sigue evitando cualquier atisbo de juicio, siendo una mirada limpia, objetiva.
También el director esta vez es capaz de adaptar su saber audiovisual a aquello que narra, entre primeros planos que profundizan hasta el alma a través de las dudas ,y artificios mucho más elaborados, en especial en la excelente utilización de las nuevas tecnologías, tanto para enmarcar a esa generación, como para trasladar de una forma excelente el paso del tiempo.
Por último, me gustaría también destacar que, desde esa aparente aspereza, siempre me ha llamado la atención la capacidad de Rosales para extraer lo mejor de sus intérpretes; ya lo hizo con un casi debutante Alex Brendemuhl en Las Horas del Día, no era difícil con Nuria Mencía y Petra Martínez ( además de todos los secundarios ) en La Soledad; aquí todos están perfectos, pero es difícil no destacar la solvencia de Ingrid García- Jonsson, una actriz para mi desconocida pero que demuestra una naturalidad y una verdad presente en cualquier gesto, en cualquier palabra, su interpretación no puede tener más matices.
Pasamos al contenido.
Rosales, de nuevo, se acerca , se pega, para ser exactos, a la realidad. Posiblemente esta vez más que nunca.
Hermosa Juventud habla de la juventud, que si bien puede entenderse hermosa por naturaleza, en este caso, y en muchos casos del día a día, dista mucho de serlo. Lo importante es que no hablamos de dramas concretos o de perfiles especialmente singulares, sino de aquellos que posiblemente era impensable que accediesen nunca a protagonizar una película. Están en la media baja, cercanos a la pobreza, pero no pobres, sin trabajo, pero tampoco son los frustrados licenciados sino que adolecen de una falta casi total de preparación, enamorados y con sus pequeños incidentes pero sin grandes dramas.... es decir, unos ni nis pero que, así en principio, tienen muy poco que ofrecer para resultar interesantes.
Rosales, antes lo decía, creo que pone cierta ternura en su mirada, o a lo mejor es compasión. En cualquier caso, consigue acercarnos a estos muchachos, ponérnoslos delante y, en mi caso, generarme un respeto absoluto por ellos. Eso es mucho. Aunque no por ello evita el realismo, con un final que es de los más tristes que puedo recordar.
Hermosa Juventud está limitada por su propia naturaleza, la decisión de su director de no dejarse llevar por ningún exceso,  y eso puede jugar en su contra.
Por mi parte, creo que es una buena película, que sigue apuntando logros a la carrera de este hombre. Y sobre todo, una película, hoy día, muy necesaria.
Extraño que nadie se haya interesado por esto hasta ahora, quizás lo más cercano haya sido Los Lunes al Sol, de Leòn de Aranoa.

Público

jueves, 29 de mayo de 2014

NOVELA: EL SUPLICIO DEL AROMA DE SANDALO de Mo Yan

Kailas Editorial
800 páginas

Seguramente , si no fuese por la concesión del Premio Nóbel de Literatura en 2012 , la obra de Mo Yan , nos llegaría con mucha menor abundancia.
No  en vano, nos encontramos ante una narrativa que hunde sus raices en la historia y las tradiciones de China de forma absoluta, inmersa en una cultura tan singular y tan enigmática que muchas veces puede volverse incomprensible para el lector occidental.
Pero, por encima de todo ( creo que ya lo dije cuando le concedieron el premio ) Mo Yan es un gran contador de historias, con un lenguaje propio capaz de generar una realidad en la que introduce matices de una dimensión diferente ( me cuesta acuñar la expresión "realismo mágico" ) para dibujar tapices únicos. Es como si el escritor tuviese la capacidad de atisbar en la realidad un nivel complementario, que fusionase perfectamente la vida con la representación artística, algo palpable en sus personas/ personajes, siempre dotados de cierta dualidad.
El Suplicio del Aroma de Sándalo parte de una situación que se presenta desde el primer capítulo: un hecho trágico ( aunque lo grotesto esté siempre presente en la visión de su autor ) que vincula a tres hombres y a una mujer.
A partir de ahí, con su habitual libertad narrativa ( monólogos, voces ajenas, diálogos teatrales... ) hacia adelante y hacia atrás, como quien desenreda una madeja , se va contando una historia, plagada de pequeñas historias, totalmente vinculada al entorno social y a los hechos que marcaron una etapa del país, el principio del final de la dinastía Quin y la construcción del ferrocarril por parte de los alemanes.
Estoy de acuerdo con quienes alegan las dificultades de acceder al total de lo leído ( de hecho en mi comentario sobre su obra anterior ¡ Boom ! , reconocía que hay una parte concreta en la que me sentía absolutamente perdido ), pero no me parece el caso de esta gran novela.
Si bien es cierto ( y así se referencia en varias ocasiones ) su paralelismo con la disciplina, para mi desconocida, de la öpera de Maquiang, la narración fluye a la perfección dentro de unos cánones totalmente clásicos , asimismo, la introspección psicológica en los personajes principales, los hace absolutamente reconocibles.
El Suplicio del Aroma de Sándalo es sin lugar a dudas una narración larga y densa, potente, con textura de clásico y el sabor a especias de una cultura milenaria . Por su puesto, es su vinculación a esa cultura lo que , con respecto al contenido, nos aleja en ocasiones , y me refiero a la percepción del honor y la disciplina o, fundamentalmente , la percepción de la crueldad , en escenas difíciles de soportar pero a las que hay que reconocer una maestría absoluta.
También tiene mucho de crónica , y es que , de alguna manera , Mo Yan no puede dejar de recordarme a los juglares de tradición oral, capaz de otorgarle a su literatura siempre ese mátiz que la hace parecer recien salida de la tierra.
Es , ya lo he dicho antes , una gran novela . Crítica y brillante , apasionante y lucida, emocionante y dolorosa. Una historia de gentes corrientes que son , a fin de cuentas , quienes conformanb la Historia de los países.
Una última recomendación : la novela termina con un postfacio del autor . Leerlo nos acerca , no sólo a una explicación sobre esta obra en concreto, sino a su pluma , a su origen y a percibir a ese muchacho que recorrió un larguísimo camino desde su infancia rural a su situación presente ; son pocas páginas pero me da la sensación de que están llenas de alma.

Público  

viernes, 23 de mayo de 2014

CINE: SNOWPIERCER ( ROMPENIEVES ) de Bong Joon-ho

Corea del Sur.EEUU- 2013
Chris Evans. Song Kang. Jamie Bell. Tilda Swinson. John Hurt. Ah Sung Ko

No conozco Memories of a Murder, la primera película que hizo que los cinéfilos occidentales se fijasen en este director.
Sin embargo, sí disfrute de The Host, genial mezcla de comedia, cine de monstruos y saga de superhéroes.
Si tuviese que buscar una palabra que definiese a su director ( tanto en lo visto como en lo leído ), creo que esta sería energía, tanto en el movimiento como en la capacidad para generar un torbellino de sensaciones epidérmicas , la tensión, la sorpresa, el humor...
También podríamos hablar de mestizaje: Oriente , por supuesto, pero desde alguien que, claramente, ha visto mucho cine americano de género en su adolescencia y lo ha metabolizado.
Con estas referencias, no es extraño que Joon- ho de el salto a la producción internacional. Mayor presupuesto, figuras internacionales, más ambición y también mayor exigencia.
La historia, de nuevo como en The Host enclavada en la ciencia ficción, pero mucho más aparatosa en lo que se refiere a escenario: estamos en el 2031, en un mundo congelado, del que ha desaparecido la vida; la única forma de sobrevivir es estar a bordo de un tren en perpetuo movimiento, estructurado a través de sus vagones como reflejo de una sociedad de castas. Por supuesto, existe una revuelta, y con ella, salvo unas preciosas visiones del exterior, un recorrido desde el vagón de cola hasta la máquina, en la cabecera. Esto exige una maestría importante a la hora de conseguir filmar en un espacio tan reducido y tan particular, escenas de acción de alto nivel. El director supera la prueba, en algunos casos con excelencia, aunque en otros, sobre todo al final, se abuse de la cámara lenta y de un poco de grandilocuencia.
Pero creo que para hablar de Rompenieves, no debemos olvidar que se basa en un novela gráfica ( cómic ) y que la citada The Host,  se movía también en esta línea.
Y cómic es lo que parece que quiere crear su director, tal vez como decisión consciente o tal vez como forma de poder manejar el material sin demasiada profundidad. Bien, como tal funciona, no existe un exceso de explicaciones, es efectista, avanza en movimiento continuado hacia adelante, no se muere por la credibilidad sino que cada sección se sostiene a si misma ... pero a mi entender, le faltan dos cosas para tener un total equilibrio, o mejor dicho una en dos vertientes, me refiero al sentido del humor, sentido del humor para contrastar el dramatismo excesivo y algo claustrofóbico ( sólo visible en el personaje de Tilda Swinson ), y el sentido del humor sobre el propio proyecto, lo que habría evitado la antes citada gradilocuencia o cierta ampulosidad, especialmente en el último tramo.
De todas maneras, Rompenieves es claramente cine espectáculo, cine de acción trepidante y como tal funciona muy muy bien. Joon- ho aterriza en el espectro internacional demostrando que puede dar mucho juego , que es un profesional con mucho estilo y, ya lo he dicho antes, energía a raudales.
Sólo espero, que además no pierda ese punto, ese sabor a especias, que le da su origen oriental. La mezcla es  su estilo. Y  yo lo disfruto, mucho.

Público

jueves, 22 de mayo de 2014

TEATRO: AVENTURA! de Alfredo Sanzol

Director- Alfredo Sanzol
Mamen Duch. Marta Pérez. Carme Pla. Albert Ribalta. Jordi Rico. Agata Roca
Compañía T de Teatre

Algo tendrá que ver la situación que estamos viviendo, pero lo cierto es que dos de las mejores propuestas teatrales de la presente temporada, están ambientadas en el mundo de la oficina.
Me refiero a La Punta del Iceberg y a esta, Aventura!.
A pesar de sus muchas diferencias ( para empezar en su género: drama vs comedia ) también existen algunas similitudes importantes entre ellas.
La primera de contenido:
Reconociendo la crisis económica como paisaje de fondo, y posible catalizador, las dos ahondan en otra crisis, la moral, la de los valores que nuestra sociedad ha ido perdiendo con el tiempo; creo que en la lectura de ambas, subyace la responsabilidad, la necesidad de hacernos reconocer nuestra participación, la de cada uno, a la hora de asumir nuestro papel en lo que ha ocurrido, de ser adultos. No es una mala lección, incluso necesaria en un momento donde algunos de nuestros políticos, utilizan la miseria como arma electoralista, pero sin ser conscientes de que en su discurso, convierten a sus votantes en menores de edad.
La segunda similitud es más bien en el continente:
En ambos casos se puede decir que nos encontramos ante teatro de texto, teatro fantásticamente escrito, tanto en el desarrollo de su trama como en la definición de personajes, todos absolutamente perfilados en perfecta singularidad. En este caso, es una maravilla como se combina una acción trepidante, montada a base de escenas cortas, con un ritmo casi cinematográfico, con la calidez de los matices que hace humanos a cada una de las seis personas que ocupan el escenario.
Sanzol aborda la dirección de la obra con economía de recursos, un decorado mínimo, un vestuario que no varía en toda la obra, una iluminación correcta; sabe que cuenta con los mejores mimbres para construir un cesto perfecto, seis actores en estado de gracia. Sólo tiene que moverlos, darles el ritmo adecuado, y eso lo hace a la perfección. Ya había demostrado en otras ocasiones su capacidad para conseguir lo mejor de los intérpretes. Desconozco su montaje anterior con T de Teatre pero está claro que es un maridaje donde se descubre una gran camaradería y sincronización.
Nos reímos muchísimo, porque Aventura¡, además de excelente es divertidísima. Pero no seríamos humanos si esa sonrisa no se nos congelase en más de una ocasión. La situación no es una broma, y en lo que nosotros nos hemos convertido o podemos convertirnos, tampoco.
Gracias al cielo, contamos con algo tan maravilloso como la cultura, y en este caso el teatro, para servirnos de recordatorio y, de vez en cuando, hacer que nos paremos a reflexionar.

Público


miércoles, 21 de mayo de 2014

NOVELA: HERIDAS ABIERTAS de Gillian Flynn

Literatura Random House
Novela Negra
320 páginas

Lo dije al terminar Un Viaje a la India: necesitaba desquitarme de tanta reflexión con una policiaca al uso.
Dicho y hecho.
No conocía a Flynn pero las referencias eran buenas. De cabeza pues a Heridas Abiertas.
Creo que existe una prolongación del gótico europeo actualizado en la literatura americana moderna , por supuesto en el género oscuro.
Lo que en el viejo continente son fantasmas y mansiones , aquí se convierte en poblaciones antaño con un fondo aristocrático ( el Sur da mucho juego en ese sentido, parece cuna de todos los pecados de su cultura ) y hoy resistiéndose a adaptarse al presente.
En común están los secretos escondidos que terminan saliendo a la luz y son semilla de maldad, la familia como entorno donde ese mal germina, y la constante sensación de amenaza que , en muchas ocasiones, acerca lo policiaco al terror.
La localidad de Wind Gap parece un laboratorio perfecto donde las antiguas familias han dado fruto a vástagos que no encuentran su lugar en el mundo; tampoco sus progenitores están lo que se dice muy ubicados; los dos grupos , en extraña situación de huida de la realidad; y un pasado de violencia larvada que pesa como una losa. El odio es algo que se respira y que crece de forma constante , la compasión ha dejado de existir hace mucho. Incluso aquellos que parece que han escapado a tiempo, llevan en su interior el estigma.
Es allí donde la protagonista , que ejerce de periodista en Chicago, debe de regresar para informar sobre el macabro asesinato de una niña y la desaparición de otra. Es allí donde volverá a encontrarse con sus fantasmas, hasta llegar a entender que no son sólo fantasmas o recuerdos magnificados, sino que tienen la consistencia y la solidez de los monstruos.
Es allí donde se verá inmersa en una verdadera pesadilla.
Flynn gradúa perfectamente la tensión , a medida que va haciéndonos partícipes de lo que ocurre, algo que es capaz de extender hasta la última página , también tiene capacidad para bucear en el alma de sus personajes y de la sociedad que retrata con precisión , y el coraje para contarlo, sin miedo, rozando en ocasiones lo salvaje. Su prosa consigue elevar en momentos el libro a niveles de dimensión mitológica, como esas historias donde Saturno es capaz de devorar a sus hijos.
No hay ninguna ligereza en la propuesta. No es un mero entretenimiento sino una novela de género que resulta apasionante de principio a fin y en la que hay mucho de buena literatura.
Una muy buena escapada. Me lo merecía.

Público   

viernes, 16 de mayo de 2014

CINE: EL PASADO de Asghar Farhadi

Francia 2013
Berenice Bejo. Tahar Rahim. Babak Karimi. Ali Mosaffa. Pauline Burlet. Elyes Aguis. Jeanne Jestin

Hace unos años, muy pocos, una película procedente de Irán, Nader y Simin una separación, se convirtió en uno de los referentes de la temporada, para concluir alzándose con el Oscar a la mejor película extranjera.
La cinta tenía muchas virtudes, tanto en su realismo como en su capacidad para atisbar dentro del alma humana.
Sin embargo, personalmente creo que gran parte de su éxito, o más bien de que ese éxito llegase a tanto público ( infinitamente más del que nunca había conseguido un film procedente de Irán ) fue por su universalidad en la gestión de los tiempos y el desarrollo de la narración: si bien la historia narrada era totalmente autóctona, se contaba como si fuese un thriller , tanto en la parte emocional como en la judicial.
A raíz, supongo, de ese éxito, su director ha sido convocado por el cine francés.
Las críticas en su presentación en Cannes fueron diversas, si bien, en su estreno en España, parecen más unánimes decantándose hacia lo positivo. Lo entiendo y lo comparto: por un lado, es sin duda una película excelente, por otro, supone una evolución racional sobre su cinta anterior.
Y es que Farhadi avanza aun más en esa universalidad, alejándose de cualquier asomo de localismo; de hecho, el único anclaje con su país de origen, parece la nacionalidad de los dos protagonistas masculinos, sin que esto tenga ninguna importancia práctica, podrían ser perfectamente franceses sin que nada cambiase.
Pero como decía, El Pasado es otra muestra de que su director es un creador universal, vinculado al cine de género más tradicional e identificable.
El Pasado es un melodrama, un melodrama donde ese pasado irrumpe con su carga de recuerdos y cicatrices para enfrentarse a un presente donde, seguramente fruto de esto, también las relaciones son muy  complejas, hasta el punto de estar cerca dedesmoronarse. Y como fondo, algo tan conocido como un triángulo.
Hay mucho primer plano,  mucho interior de personaje, mucha mirada, mucho silencio, mucho detalle, en definitiva,  muchos de los códigos que podíamos conocer desde Douglas Sirk hasta Almodovar , admitiendo las múltiples diferencias ( como por ejemplo que aquí el humor no tiene ninguna cabida ).
El resultado es muy potente. Gracias sin duda a unos intérpretes excelentes ( guapísima Berenice Bejo ) y a una realización epidérmica, de mano firme, que es capaz de sostener el exceso por otro lado tan aceptable en el género, al tiempo que, con la precisión de un cirujano, es capaz de diseccionar los matices del alma humana.
No se le puede echar en cara a Farhadi acudir a fórmulas existentes siempre que lo haga con oficio.
Y menos si el resultado es tan conseguido como en este caso.
Huele a cine de toda la vida, venga de donde venga.
Ah¡ y no podemos olvidar que, también como marca de la casa, el director nos regala un esplendido final abierto, para que seamos nosotros los que pongamos el fin.

Público

jueves, 15 de mayo de 2014

CINE: PARADISO de Omar A. Razzak

España 2013
Documental.
Disponible en Filmin,

Hay varias certezas que se confirman después de gozar los setenta minutos de esta película, pequeña y muy triste:
Una. Que cualquier cosa es susceptible de conformar el contenido de una obra de arte.
Dos. Que el presupuesto no es lo más importante cuando chorrea el talento.
Tres. Que lo importante no es lo que se ve, sino la mirada y esa mirada es la labor más importante de un director de cine.
También es una de las muestras claras de que el cine ha cambiado, no sólo porque como decía antes puede atreverse a contar cualquier cosa, sino también por lo que han cambiado los canales de distribución: lamentablemente, no puede esperarse que una película como Paradiso dure semanas en un cine; pero deseo de verdad que pueda gozar de larga y exitosa vida en otras plataformas como Filmin.
Bueno, pues vamos con el contenido de esta delicada muestra de vida, de este triste retazo de humanidades, de esta joya pequeña y llena de alma.
Nos encontramos en un escenario sórdido: un cine x en Madrid, al parecer el único que queda en la capital, convertido en lugar de encuentros fugaces, de edades ya avanzadas en las que supongo que la oscuridad puede ser una ayuda a la hora de sentir de nuevo , de acceder al reflejo epidérmico de algo como el amor, de huir de la soledad por unas horas aunque sea a través de conversaciones banales que pueden rozar el surrealismo. Y también hablando de cine, porque a fin de cuentas, la sala es un cine, plagada de carteles que recuerdan que hace años, posiblemente el tipo de programación era otra.
En medio de ese colectivo, como guardián y guía, como amigos que no juzgan, el portero/ conserje y la taquillera son casi dos geniecillos que mantiene este oscuro Bosque de Arden, dándole la pátina de humanidad, incluso intentando que el lugar sea más acogedor. Cuando uno de ellos se jubila, lo que ya hasta entonces era triste, se convierte en desolación, en orfandad, no sólo para el compañero, sino para todos los habitantes de ese lugar.
Lo más importante, llegados a este punto, es para mi la caligrafía de su director, como decía antes, su mirada. No sé quien es, pero me permito adivinar quien será, alguien grande. Esta historia, o esto que convierte en historia, nos lo cuenta con planos que convierten el lugar en una especie de caserón encantado, una banda sonora de gemidos y alguna canción, mucha poesía y unos dedos que manejan todo el material con una ternura infinita.
Lo dicho, Paradiso es muy triste porque habla, entre muchísimas cosas, de la pérdida, de la decadencia, de la soledad, del imparable paso del tiempo.
Pero es también una gran pieza de cine y que "habla y dice" un montón de cosas del cine, en fondo y forma.
Hacedme caso: imperdible.
Gracias Omar, seas quien seas.

Público  

NOVELA: UN VIAJE A LA INDIA de Goncalo M. Tavares

Seix Barral
448 páginas
También disponible en ebook

Creo importante recordar de vez en cuando, que soy lector, no crítico.
El hecho de que este blog donde sólo pretendo compartir aquello que disfruto, se llame Público, es una declaración de intenciones: esa es mi posición, la de quien tiene la suerte de poder acceder a una oferta cultural plural y , repito, disfrutarla.
Tal vez por eso, a muchos les sepa a poco algún comentario como el de este libro, considerado por gran parte de la crítica como un hito literario.
Seguramente merecería un análisis después de varias lecturas en las que, levantando sus sucesivas capas ,se pudiese llegar a su genialidad, y como en el viaje a Itaca, degustar el camino.
No es mi caso.
Se me puede tachar de superficial, porque me quedo en la superficie.
Y desde aquí, se presienten, debajo del agua, sin duda ruinas de naufragios, tesoros que encontrar, pero para los que hace falta sumergirse.
Tavares afronta una revisitación a la epopeya que Joyce escribió basándose en La Odisea ( y que algún día deberé de leer, quizás este verano sea un buen momento ) , incluso utilizando el mismo nombre del personaje principal, Bloom. Lo escribe, dando un paso atrás, en verso. Lo dirige a la India, como dice el título, pero lo convierte en un viaje circular que cruza varias ciudades europeas, camino a buscar la esencia de la vida y del ser humano.
Está bañada de una continua ligereza que hace llevadera la densidad de su interior.
Tiene destellos de lucidez, momentos y frases inolvidables ( si se apuntan ), y una posición contante entre la poesía, la sensibilidad para captar el exterior y la sabiduría para interpretarlo.
Aun así, con todo lo dicho, Un Viaje a la India me regala, junto con buenos momentos, otros de tedio, quizás derivados de una lejanía constante con lo que se narra.
Es, creo, más una obra para crítico que para lector.
O no soy yo el lector adecuado.
O no estaba en el momento... eso también ocurre.
Necesito una policiaca ahora.

Público

sábado, 10 de mayo de 2014

NOVELA: EL MAESTRO Y MARGARITA de Mijail Bulgakov

Alianza Editorial
528 páginas
Múltiples ediciones.
También disponible en ebook

Existen obras míticas que, sin haberlas leído, forman de alguna forma parte de nuestro conocimiento por todo lo que hemos escuchado de ellas, y de su influencia en otras piezas posteriores que sí hemos leído.
Es como si tuviésemos en nuestra mente una biblioteca de pendientes, de novelas ( en mi caso, sobre todo novelas ) que , por unas razones u otras, he dejado orilladas en el "recordármelo más adelante". ¿Pereza? ¿miedo al desengaño frente a la expectativa? pues la verdad es que rara vez decepcionan ( no lo hacen los clásicos, por eso lo son ).
Me refiero , por ejemplo, a El Corazón de las Tinieblas ( en el que me introduje no hace mucho ), El Principito ( que en cambio  disfruté hace tiempo ), Ulyses de Joyce ( aun sin abrir ), cualquier Henry James ( lejos, me temo ) y muchos  muchos  más. Entre ellos el que ahora nos ocupa.
Pues bien, no queda otra forma de actuar que la habitual: un buen día, subirse al estante, asomarse a la ventana y tener la suerte de entender porque ese paisaje había seducido a tantos.
Y por supuesto, utilizar esto para revalidar una de mis certezas : un clásico lo es por algo.
El Maestro y Margarita me ha hipnotizado durante la semana que he dedicado a su lectura.
Es una novela extraña. Totalmente singular.
Posiblemente utiliza Fausto como punto de partida, pero también podría decirse que subvierte su contenido, en una ambiguedad sobre las verdaderas diferencias entre el bien y el mal en el mundo contemporaneo ( contemporaneo entonces ).
Efectivamente, Satanas, con alguno de sus acólitos, aterriza en Moscú en pleno siglo XX, a partir de ahí asistimos a una mezcla de novela fantástica, en ocasiones cercana al género de terror ( manejando lugares comunes de este tipo de novelas ), con la sátira más rabiosa, cercana en algunas escenas ( que precisión tan cinematográfica en el movimiento ) al esperpento. Además, la sátira política se adereza con retazos de historia del origen del cristianismo y una nueva interpretación de los evangelios.
La fusión es apasionante, posiblemente por un ritmo sin descanso, una creatividad que va de sorpresa en sorpresa y un lenguaje bellísimo. Ya lo he dicho antes: hipnótica.
Creo que estas quinientas paginas darían para sesudos trabajos de ensayo, para interpretaciones diversas, y también creo que esconden debajo mucho más que una simple narración. Quizás vuelva alguna vez a asomarme ; ha merecido muchísimo la pena. Mientras tanto seguiré, de cuando en cuando, abriendo nuevos paisajes, esperando tener la misma suerte que esta vez.
El Maestro y Margarita ocupa ya un lugar en mi mitología literaria particular, y creo que eso no me hace ser precisamente original.

Público

viernes, 9 de mayo de 2014

CINE: EL VIENTO SE LEVANTA de Hayao Miyazaki

Japón  2014
Animación.

Parece ser que con esta bellísima película nos encontramos ante una despedida.
Miyazaki, este mago del color, ha anunciado que será su última obra.
A él debemos propuestas tan creativas , tan hermosas, como Mi Vecino Totoro, El Viaje de Chihiro y Ponyo en el Acantilado entre otras, verdaderos sueños, cuentos en los que lo cotidiano se impregnaba de fantasía para alcanzar una dimensión diferente.
Y sobre todo, una sencillez que es absolutamente expresiva, un dominio del color brillante, un nuevo concepto del realismo, una capacidad increíble de crear conjuntos, y una veneración visual por la naturaleza.
Pues bien, no sé si puede hacerse alguna lectura al respecto o sería artificial, pero el caso es que por primera vez ( si mi información no me falla ) afronta una historia real, encajada nada menos que en el Japón de entreguerras, un país cercano a la pobreza y a punto de participar en una contienda al lado de la Alemania nazi; entre las estampas, un terremoto brutal y una epidemia de tuberculosis. El personaje central, nada menos que el ingeniero que creo el caza de guerra más mortífero que se conocía entonces.
Sin duda estos mimbres suenan a elegía; es como si su autor, a punto de dejarnos, de cerrar su herencia, hubiese decidido renunciar a los mundos fantásticos para volverse a su propia realidad, o quizás simplemente tener la seguridad de hacer el esfuerzo de dedicar algo de su tiempo a un público más adulto ( ojo, personalmente me parece que sus obras son universales, que no tienen edad ).
El caso es que finalmente Mizayaki no da un salto mortal. Su biografía es fundamentalmente la de un hombre que persigue un sueño y su triste historia de amor. Existe un subtexto que no nos engaña, que acerca la realidad y que nos asegura que el autor no pretende engañar a nadie, sino que ha decidido donde quiere poner el foco.
El resultado es una historia preciosa y delicada, contada con un ritmo suave, casi chejoviano, sin ninguna estridencia y dibujada por su pluma con su maestría habitual, con una caligrafía llena de poesía y siempre sorprendente, llena de momentos inolvidables; un festival de color.
Importante señalar que posiblemente es su obra más contenida, y esto que para muchos parece ser una pega, al renunciar a la efervescencia deslumbrante de alguno de los momentos de sus otras películas, para mi sin embargo es una virtud, totalmente acorde con aquello que se intenta contar.
Lo más triste no es sólo el final, sino saber lo que ese final implica para el cine de animación; Mizayaki es más que un autor, es una forma vital de ver la vida y de contarla; algo que echaremos mucho de menos.

Público
  

ZARZUELA: LA CORTE DEL FARAON de Vicente Lleó, Guillermo Perrín y Miguel Palacios

Director de Escena - Emilio Sagi
Director Musical- Carlos Cuesta.
Director del Coro- Felix Redondo
Intérpretes-
Sandra Fernández. Itxaro Mentxaka. Manel Esteve. Axier Sánchez. Jorge Rodríguez Norton. Enrique Viana. Inés Ballesteros. Jose M Diaz. Sol Maguna. Gemma Martínez. Maribel Salas

Pues tengo que decir que , a pesar de las críticas que le precedían , a mi me gustó esta versión de La Corte del Faraón.
Vayamos por partes:
La Corte del Faraón es en principio una zarzuela , pero pertenece a la época en que el género se acercaba ligeramente a la revista y perdía totalmente su aura dramática para conseguir una diversión epidérmica y sin ninguna profundidad.
A ver , ambientar una zarzuela en el antiguo egipto, con un general dolorosamente ( y masculinamente ) mutilado, una fogosa tebana y un personaje que responde al nombre de El Casto José, ya dice mucho. ¿Alguien de verdad está dispuesto a tomárselo muy en serio?.
Está claro, repito, que el objetivo era divertir y , según dicen , burlar a la censura de esos años con un argumento algo picante y de fácil equívoco.
Sagi lo entiende perfectamente , y también entiende que la arqueología, en este caso, sólo podría conducir a un estrepitoso fracaso. Por ello decide potenciar las posibilidades estéticas y el humor , un humor cercano al que tantos años nos regalaron cómicos como por ejemplo Raúl Sender o incluso Martes y Trece , cuando nos preocupábamos menos de lo que era políticamente correcto y se entendía que la caricatura no podía dar lugar a una caza de brujas.
En este sentido, el "Ay Ba " de Enrique Viana ( fantástico ) y su posesión del escenario durante el rato que lo ocupa, es toda una declaración de principios.
Estéticamente , el espéctáculo es de un kitsch que revienta , lleno de brillos y colores, con un vestuario gozosamente imposible, buenas ideas y la decisión ( sabia ) de que se note el dinero invertido. Nada cutre. Antes muerto que sencillo.    
La Corte del Faraón no es una joya musical, aunque aquí esté bien cantada. Es una broma, un juguete, un rato de expansión.
Lo dicho : yo lo he disfrutado como se merecía. Y no he sido el único: en el patio de butacas de la Sala Roja de los Teatros del Canal eramos muchos , y muchos los que , sin complejos, acompañamos al final a todo el elenco en su Babilonio . Y les premiamos al final con muchos aplausos.

Público


 

domingo, 4 de mayo de 2014

NOVELA: LA PARTE INVENTADA de Rodrigo Fresan

Random House Mondadori
640 páginas
También disponible en ebook

Voy a intentar hablar de esta obra ( tengo la sensación de que llamarla novela sería reduccionista ), desde mi experiencia personal en  su lectura, porque si debemos de entender la lectura como un diálogo íntimo y singular entre lector y autor, creo que, en mi caso, pocas veces se ha dado esa situación de una forma tan clara. Tengo la sensación de que nadie percibirá La Parte Inventada como yo, pero no como una posición de prepotencia, sino que percibo que este texto, conjunto de textos, obra/s,  muta de forma independiente, casi plástica, para cada uno, tal es su riqueza.
Voy, repito, con mi experiencia personal:
Entré, y no tardé en asustarme, al encontrarme inmerso en algo que a priori me gusta tan poco como la disgresión; sin embargo, algunas páginas después, me descubría habitando un lugar poblado de la mejor literatura, tanto en las formas, como en el contenido, belleza e inteligencia unidos con una precisión absoluta.
Pues bien, a partir de ahí, ese ha sido el viaje en cada uno de sus largos capítulos, casi obras sueltas, o podrían serlo, aunque a partir del primero, el miedo ya se había transformado en expectación.
Es como si un mecano, estuviese compuesto de un conjunto de piezas siendo cada una, una construcción única, pero pudiendo encajarse por no se sabe que mágico mecanismo que nunca se ve; por decirlo de otro modo, como si los ladrillos de un edificio fuesen Notre Dame, el Coliseo, la Mezquita de Córdoba... y finalmente juntos formasen un todo diferente.
Entre los componentes del cemento, ya he citado la inteligencia, también están la imaginación, la libertad absoluta y el humor.
En La Parte Inventada hay mucha literatura y mucho material sobre literatura; hay muchas historias y muchas historias sobre la creación de las historias. Es un restaurante donde no sólo nos enseñan la cocina sino que también nos cuentan porqué decidieron plantar un huerto.
Es un melodrama realista, una historia de búsqueda juvenil, una colección de pensamientos de un escritor y una historia de escritores, una novela fantástica y crítica de la aristocracia más caricaturizada, y quizás el pasado bajo la visión del recuerdo de una loca, y por supuesto, un ensayo o documento sobre la génesis de Suave es la Noche.
Para hacer el conjunto más complejo y más apasionante, el autor es capaz de que cada uno de los hilos se cruce con el resto, y en todos se quede una puerta abierta, para que seamos también nosotros autores, dándonos el derecho absoluto de completar lo que falta.
Por concluir: La Parte Inventada me parece genial.
En su lectura tengo la sensación de haber estado en otro sitio, de alcanzar una dimensión diferente a la que siempre que quiera puedo volver. Es posiblemente el reverso de la vida... ¿o es la vida?.

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CINE: LA IMAGEN PERDIDA de Rithy Panh

Camboya 2013
Documental

Creo que ya lo he comentado alguna vez:
El cine documental tiene cada vez menos diferencias con el cine de ficción, quizás la única sea que no cuenta con unos intérpretes y que sabemos que lo que se muestra es real.
Al margen de esto, su objetivo es también narraar una historia, aunque en este caso, podría decirse que es "dar fe" de una historia, realizar el ejercicio de un notario sobre hechos que no deberían ser nunca olvidados.
Esta labor de almacén y garante de la memoria que ostenta el documental como género, le lleva en muchas ocasiones a tener que enfrentarse con los episodios más oscuros de la humanidad, para dejar constancia de que han ocurrido y asegurarse de que no vuelvan a suceder.
Y el debate que se abre aquí, es si recrear el horror, no es una forma de contribuir al mismo, acercándolo al morbo.
Igual que ocurría con la tremenda The Act of Killing, el gran logro es conseguir ponernos ante los ojos el espanto de lo ocurrido, sin contar con imágenes reales. El resultado está incluso más conseguido que en ese caso.
Hay que empezar por decir que el acercamiento en La Imagen Perdida es más visceral: el director ha vivido en primera persona lo que cuenta y gran parte de los miembros de su familia , fueron víctimas del régimen creado por los jémenes rojos, en su delirante trayectoria para crear una sociedad perfecta y totalmente igualitaria.
Utiliza material de archivo, imágenes reales, pero hay otros dos elementos que convierten esta experiencia en única:
Por un lado el sonido. La voz personal del narrador parece susurrarnos al oído todo lo ocurrido, desde la ausencia de emoción que puede generar lo concluido, aquello que ya no tendrá remedio. Acompañan a sus palabras, una banda sonora donde se mezclan ruidos, lamentos y música, en una presencia constante que parece terminar siendo el murmullo interior del dolor.
Pero lo más sorprendente, es la decisión del director de utilizar como personajes, pequeños muñecos de arcilla, figuras que consiguen transmitir una desesperación absoluta, una vida truncada, y generar, desde su estatismo, la compasión de los desheredados.
Cabría una reflexión más larga a raíz de esta película, sobre la necesidad del cine, la imagen como presencia y ausencia etc. Lo dejo para otros, yo me quedo con la valentía de un director capaz de enfrentarse a su pasado, sea cual sea el dolor que despierte, y con la inteligencia para encontrar el lenguaje adecuado para hacerlo.

Público