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miércoles, 30 de abril de 2014

SE HA IDO BOB HOSKINS

Hay rostros que son parte de nuestra historia.
Generalmente lo que se conoce como secundarios, y que son en realidad intérpretes modélicos capaces de multiplicarse , apareciendo cada año en tres o cuatro películas, y estando perfectos en todas ellas.
Bob Hoskins era sin duda uno de ellos . Un decano.
Cotton Club , Mrs Henderson, Dulce Libertad, Brazil, Hook.... y muchas , muchas más.
Pero no se limitó a eso.
En mi memoria están dos interpretaciones protagonistas inolvidables:
La de aquel pobre diablo, enmarañado en una terrible historia de amor, lejos de su comprensión, en la maravillosa Mona Lisa , y el doloroso psicópata , cruel pero posiblemente desorientado , en El Viaje de Felicia.
Y es que era grande. Tan grande que era capaz de compartir cualquier minuto en pantalla en el paseo de un gigante. Nunca tuvo un oscar aunque podría haber tenido mil.
Con quien fuese.
Nadie, nadie como él, habría sido capaz de aguantar en el mismo plano que Jessica Rabitt.
Se ha ido a los 71 años cuando aun le quedaban muchos para seguir contando historias .
Triste.
A ver si , viendo en esta foto esa sonrisa que tiene mucho de infantil y de amigo, conseguimos hacernos a la idea sabiendo que lo que ha protagonizado hasta ahora , no se borrará nunca.
Que pena , cuando estos que son ya parte de nuestro santoral , nos dejan.

Público 

viernes, 25 de abril de 2014

CINE: HER de Spike Jonze

USA 2013
Joaquin Phoenix. Scarlett Johanson ( Voz ). Amy Adams. Rooney Mara.

A pesar de las excelente críticas recibidas por esta película, he tardado dos meses desde su estreno en ir a verla; siempre se me adelantaba otra que me apetecía más.
¿Porqué?.
Porque tengo en el recuerdo otra cinta de su director ( guión y dirección ) que también fue muy alabada , El Ladrón de Orquídeas, y que a mi me pareció un pastiche pretencioso, absolutamente artificial y, en su peor acepción, "moderno"; un intento intelectual al que por todos lados se le notaban las costuras.
Lo dicho: me causaba una gran prevención su cacareada originalidad.
Bien, pues al final me he decidido, y tengo que decir, lo primero, que me ha confirmado en ciertas certezas aunque no fuesen las previstas:
Una , ya intuida desde Gladiator y confirmada en The Master, y es que Joaquín Phoenix es un actor excelente, de múltiples registros. El es el tronco de Her, en un constante primer plano, y está tierno, triste, divertido, feliz, sólo... magnífico siempre.
Segunda, la voz  es uno de los elementos más relevantes en una interpretación; aquí Scarlett Johanson es sólo una voz. Y es inolvidable. Imprescindible ver Her en versión original. Dudo que por muy bien que esté doblada , pueda llegar a esa colección de matices.
Tercera, el paisaje urbano de Shanghai es fascinante, especialmente de noche.
Cuarta, todos podemos equivocarnos alguna vez, incluso los directores de cine, y alguien, después de un fiasco como El Ladrón de Orquídeas, puede ser capaz de una maravilla como Her.
La cinta está situada en un estiloso futuro, futuro  que no se refleja tanto en sus componentes estéticos ( aunque hay puntos tan logrados como el vestuario masculino ), como en las relaciones personales; un futuro donde parece que el amor, la comunicación, la compañía, se han convertido casi en otras necesidades fisológicas que deben de ser cubiertas; no en vano, el protagonista trabaja en un empresa dedicada a escribir cartas ajenas, plagadas de sentimientos ( falsos ).
Es ahí donde nos encontramos con un hombre tristemente romántico ( recien separado, de que forma tan estructurada, simple y sutil, nos narra el autor, desde el recuerdo, esa historia fracasada ) , que no es capaz de encontrar una pareja que responda a su ideal, a su pasión, a su romanticismo. Porque, digámoslo ya, Her es una película absolutamente romántica, a un nivel que emocionaría a, por ejemplo a Douglas Sirk. Y como cualquier historia de amor que pretenda sublimarse, es una historia de amor imposible, de dos personas condenadas a no encontrarse.
Theodore y Samantha , pueden ser cualquier pareja de las que viven en mundos diferentes, la sirena y el príncipe, la princesa y el sapo, la bella y la bestia o capuletos y montescos. Da igual. El caso es que sus dimensiones son diferentes y esto llena de matices a los dos personajes principales.Incluso cuando parece que se ha encauzado hacia la normalidad, no tardamos en comprender que, con toda lógica, era sólo un espejismo.
El guión no sólo es perfecto, capaz de resultar apasionante en su dificultad ( a fin de cuentas, de los dos protagonistas, sólo uno es corpóreo , y la máxima acción son los diálogos ), sino que es riquísimo en líneas de fuga, posibilitando reflexiones sobre la realidad y la necesidad de crearla, o la verdadera naturaleza del amor, e incluso la aceptación de lo diferente.
En Her, lo que podía ser artificio se despliega con una naturalidad pasmosa. Hay belleza, hay poesía y hay una gran sensibilidad llena de inteligencia.
Es una obra delicada y grande a un tiempo.
Espero que sea este el Jonze real, el que debe de darnos todavía muchas otras joyas como esta.

Público    

domingo, 20 de abril de 2014

NOVELA: PROHIBIDO ENTRAR SIN PANTALONES de Juan Bonilla

Seix Barral
385 páginas

De Juan Bonilla conocía la buena adaptación cinematográfica que Mateo Gil había hecho de su novela Nadie conoce a nadie, una historia sin duda interesante y bien resuelta, sorprendente a veces, pero que lo ubicaba en el género del puro entretenimiento ( nada negativo por supuesto )..
Me encontré años después hipnotizado por una colección de cuentos , Tanta gente sola, de una inteligencia y una lucidez exquisitas.
Ahora entro en Prohibido entrar sin pantalones, una biografía histórica.
Lo primero que me asalta es la dificultad para clasificar a un escritor, sin duda capaz de navegar con comodidad por diferentes géneros, adoptando en cada uno de ellos un modelo adecuado y distante del anterior, algo que a mi entender le otorga un gran valor como creador.
Desde ese punto de partida, el resultado será en cada caso independiente al contar con sus propios códigos y no tener en común más que el rigor y el nivel de apuesta de toda su producción.
Prohibido entrar sin pantalones, es una especie de biografía de un personaje al parecer carismático y referencial en el escenario de la Revolución Rusa pero que yo personalmente  desconocía: Vladimir Maiakovski, poeta creador, junto con muchos otros, de una de las corrientes vanguardistas de la época, el futurismo, y con una confusa actitud posterior que parece bascular entre el egoísmo del comisariado político y la traición y la beligerancia literaria.
Cuando digo, una especie de biografía,  es porque el enfoque de Bonilla ante la profusión de temas a contar ( no sólo la vida de un ser humano, sino también la de una época de una enorme riqueza ) es bastante despersonalizador, obviando muchos datos , prácticamente evitando cualquier descripción, e incluso una toma de postura frente a lo ocurrido.
De la vida de este hombre se decide por su vertiente más literaria y sus historias de amor ( en especial la que al parecer mantuvo con Lilly Brick, con el consentimiento de su marido creando un extraño trío ) y de la de la Revolución, opta por, a través de aquello que afecta a Maiakovski, mostrar como los diferentes vaivenes en función de los diferentes líderes, tenían una incidencia totalmente venenosa en la vida individual de las personas.
Si tuviese que buscar un objetivo por debajo de la propia transmisión del personaje, pensaría que Bonilla nos invita a la reflexión, interesante sin duda, del arte al servicio de la Historia o , más concretamente de la política, de la posición que debe de adoptar la cultura, algo que consigue integrar perfectamente en aquello que ha decidido contarnos.
Lo lleva a cabo a través de la acumulación, a veces fría y algo monótona, nunca conceptualmente anodina, que podría en momentos , llegar al agotamiento o transmitir una sensación de torrente informativo difícil de atrapar.
Sin embargo, esta es una de esas obras donde es el conjunto el que puede frente a las partes, y al terminar, yo me quedo con la percepción, no sólo de haberme entretenido y haber disfrutado de una prosa muy original y capaz de ser la estructura que soporta el experimento, sino también de lo que debería de ser en puridad el objetivo de cualquier narración histórica: conocer mucho más y de una forma mucho más clara, sobre el personaje y la época.

Público

jueves, 17 de abril de 2014

GABRIEL GARCIA MARQUEZ HA DEJADO DE ESCRIBIR

No tengo palabras para decir adiós a quien supo utilizarlas como nadie.
Un mago lleno de historias y de colores que, en su paleta, conseguían tonos hasta entonces imposibles, donde el sueño era otro ladrillo más de la realidad .
Un hombre que creo mundos.
Un hombre al que debo horas y horas y horas ...
Cien Años de Soledad, Crónica de una Muerte Anunciada, Noticia de un Secuestro, El Amor en los Tiempos del Cólera... y mil más.
Nunca te olvidaré.
Eras el más grandes.
Casi un mito, algo normal en los personajes, pero no tanto en los escritores.
Ahora, como el coronel, a nosotros ya tampoco nos escribirá más.

Público

miércoles, 16 de abril de 2014

CIRCO CONTEMPORANEO: KLAXON de Akoreacro

Compañía Akoreacro
Dirección- Alain Reynaud
Malabaristas - Claire Aldaya. Basile Narcy. Romain Vigier. Maxime Solé. Antonio Segura. Maxime La Sala
Músicos - Mathieu Santa Cruz. Guillaume Thiolliere. Guilhem Fontes. Boris Vassallucci. Vladimir Tsebarum

Me contaba mi amigo Gonzalo ( que alegría volver a verlo después de tanto tiempo ) que en Francia, el circo es una disciplina educativa, como música, interpretación etc
No es pues sorprendente, encontrar compañías como Akoreacro pero, sobre todo, esa es sin duda la base para que el Circo, así, con mayúscula, se haya acercado tanto a otras artes y haya conseguido convertirse en un espectáculo total, por lo que tiene de incidencia directa y epidérmica en el espectador, y la libertad que se le permite y supone.
Es aquí donde nace un tipo de circo contemporáneo que no está basado en la espectacularidad, como es el caso del Circo del Sol, sino en la perfecta simbiosis con otras disciplinas.
Klaxon ( supongo que un título que hace referencia al ruido y el caos ) respira muchas influencias, todas ellas con la ligereza de poder hacerlas propias y en ningún caso usurparlas, y además, con un justo equilibrio entre todas ellas, con lo que se compone un todo extrañamente coherente.
Hay algo de cabaret berlinés y parisino ( la música constante, perfectamente integrada, compone una banda sonora inolvidable, desde lo clásico a los burlesco ), también está el cine mudo y no andan lejos los zíngaros de Kusturica.  Mucho, muchísimo surrealismo ( ese piano no dejaba de recordarme alguna escena de Un Perro Andaluz ), y , en general, danza contemporánea ( hasta el punto de que en algún momento, podría incluso clasificarlo como un espectáculo de danza ).
El resultado global está lleno de una delicada poesía y de una belleza fuera de moldes.
Pero no nos olvidemos de algo que creo que ya he comentado alguna vez: en ocasiones, el circo contemporáneo se olvida de la importancia de los números, del más difícil todavía que es la verdadera esencia del género. Pues bien, no es el caso. Esta troupe de malabaristas tiene una maestría sorprendente, genial, increible, donde no existen trucos, ni redes , ni cables, sino mucha artesanía y toneladas de humor.
Klaxon es pues un espectáculo complejo y logradísimo que, con apariencia de pequeño es grande.
Una hermosa muestra de circo vintage.
Nadie debería perdérselo. Y es una pena que la actividad del Circo Price, uno de los mejores recintos de la ciudad, no reciba mayores apoyos para difundir este tipo de espectáculos y acostumbrar, con la visita de compañías como estas, al público madrileño, a una disciplina que nunca debería de considerarse menor.

Público  

sábado, 12 de abril de 2014

CINE: EL GRAN HOTEL BUDAPEST de Wes Anderson

USA 2014.
Ralph Fiennes. F Murray Abraham. Tony Revolori. Adrien Brody. Willem Dafoe. Mathieu Amalric. Jeff Goldblum. Harvey Keitel. Jude Law. Bill Murray. Edward Norton. Tilda Swinson.

No cabe ninguna duda sobre el hecho de que Wes Anderson tiene un estilo propio. Y al hablar de estilo no me refiero sólo a un planteamiento estético, que efectivamente es singular, sino a mucho más, porque esa estética responde también a una manera de contar, e incluso, dando un paso más atrás, a las historias que le gusta contar.
Esta claro que se sentía muy muy cómodo en Fantástico Mr Fox, en el universo de la animación ( que también fue capaz de hacer suyo ); pero también cuando continuó con Moonrise Kingdom, consiguió que los personajes reales tuviesen el colorido y la plasticidad ( física y emocional ) de unos dibus, eso sí, sin que en ningún caso se les pudiese achacar que fuesen caricaturas; en este caso , la historia de amor infantil en un campamento de verano, nos remitía a aquellos paisajes de los cinco o los siete secretos, que seguramente su autor también disfrutó.
En El Gran Hotel Budapest, la historia es de nuevo una historia basada en el pasado, pero no un pasado propio,  sino aquel que se ha creado a través del cine, la literatura etc y que es patrimonio de todos : el periodo de entreguerras en centroeuropa, en uno de esos países ( inventado pero que podría ser muchos ) donde se respira decadencia y un aire constante de leyenda , en una época llena  de confusión y expectativas; con todo esto, era fácil que conviviesen personajes totalmente pintorescos, mezcla de razas y culturas, entre lo que acaba y el futuro; Anderson junta un buen puñado en unos escenarios absolutamente únicos, todos alrededor del Gran Hotel, un edificio fascinante, que es casi un estilo de vida.
¿ Y la intriga? pues también, de las que nos suenan: aderezada con cierto nivel de nostalgia, fruto del hecho de saber lo que ocurrió después, una historia de herencias, de amores, de crímenes y misterios, de buenos y por supuesto malos, que no ahorra una acusación al nazismo que estaba por llegar,
El Gran Hotel Budapest, voy a decirlo ya, es una autentica gozada. Estéticamente da la sensación de estar dentro de un pop up, uno de esos libros de cuentos con volumenes, en este caso además lleno de colores y formas inimaginables; sumergirse en la narración es retroceder unos años, hasta los tiempos de la sorpresa, y disfrutar sintiéndose ingenuo y naive.
Tengo la sensación, de que no sólo el público lo disfruta, parece que todo el conjunto de actores que han formado parte de esta compañía , también se han divertido lo suyo ( liderados por un Ralph Fiennes en estado de gracia )..
Es un coctel brillante, lleno de belleza , inteligencia y buen rollo.
Una mezcla única. Y puro, puro cine.

Público      

viernes, 11 de abril de 2014

ADIOS A ALFREDO ALCON:

Era , creo recordar, el 83 o el 84.
Llevaba poco en Madrid, y estaba saltando de mis conocimientos teatrales a través de Estudio 1, a disfrutar del teatro en vivo, en el escenario.
Recuerdo entonces una representación muy potente en el María Guerrero, de Eduardo II de Marlowe, dirigido por Lluis Pasqual.
El patio de butacas estaba levantado para crear una pista circense rodeada de gradas. En el centro, liderando un equipo perfecto, estaba Alfredo Alcón. Grande, brutal, pura pasión. ( Por cierto, ese fue uno de los primeros trabajos teatrales de un joven y desconocido Antonio Banderas ).
Muchos años después, lo encontré de nuevo en otro lugar inolvidable: una excelente película de Antonio Hernández, En la ciudad sin límites; su papel era secundario , incluso pequeño, pero muy difícil, pues de su personalidad y su carisma dependía en gran parte la credibilidad de la historia. Lo conseguía, con una contención sorprendente . ( Le rodeaba un reparto excelente: Lorenzo Sbaraglia, Geraldine Chaplin, Fernando Fernán Gómez, Ana Fernández etc ).
Hoy se ha ido.
A mi me ha dejado por lo menos dos recuerdos inolvidables.
Y ha habido muchos más.
Gracias. Siempre estarás.

Público

CINE: FRANCES HA de Noah Baumbach

USA 2013
Greta Gerwig. Mickey Sumner. Adam Driver. Grace Gummer. Michael Zegen

Posiblemente, sea fácil encontrar la raíz de Frances Ha en el cine independiente americano.
Recuerdo cuando en los primeros ochenta, directores como Jim Jarsmuch aterrizaron en las pantallas con una mirada diferente: en primer lugar, adoraban el blanco y negro; en segundo lugar, convertían en protagonistas a personas cotidianas que, hasta entonces, sólo habían encontrado su lugar en el cine europeo; también lo rociaban ligeramente con alguna gota de Beckett; y en esas cintas se hablaba mucho, muchísimo, y no siempre de cosas trascendentes.
Luego esos directores crecieron y evolucionaron, pero antes crearon escuela, algo que se convirtió casi en un estilo.
Lo dicho: Frances Ha, en blanco y negro,trata de gente corriente a la que le pasan pocas cosas importantes en apariencia, un poquito absurdas a veces, y para más señas, su epicentro es Nueva York, la ciudad de Woody Allen ( posiblemente junto con Cassavetes, uno de los referentes de Jarmusch y cia ). Y, por supuesto, todos hablan y hablan y hablan.
Pero lo estupendo de esta película, es que no se queda ahí.
Su director tiene que ser un amante del cine, carne de cineclub, de clásicos. Por eso, el interior de esta cinta bebe de fuentes de todos conocidas: la comedia americana en su versión más deliciosa.
Secuencias como la visita navideña a sus padres, además de parecer trasplantadas de cualquier película de James Stewart , es totalmente encantadora. (Esas reuniones, ese barrio donde los habitantes contribuyen recogiendo las hojas, siempre sonrientes. )
¿Y que mezcla alquímica hay que cocinar para conseguir algo tan difícil de definir pero tan perceptible como el encanto?
Bueno, los ingredientes son muchos: bondad y sinceridad, amor a la vida, un mucho de ingenuidad que puede dar a sus personajes ( o al central, como en este caso ) cierto toque outsider, muy buen humor, poco dramatismo, algo de poesía, capacidad para sorprenderse, ternura.... salvando las distancias, ser hijas de Cabiria.
Pues bien, aun así, pueden mezclarse esos ingredientes pero el resultado sonar artificial.
No ocurre en Frances Ha.
La simbiosis actriz personaje tiene mucho que ver, pero también es culpable esa sensación de espontaneidad que respira toda la cinta. Y conseguir apariencia de ligereza cuando se está hablando de la complejidad de las relaciones humanas y la necesidad de encontrar un lugar en el mundo, es algo muy muy difícil y que precisa de mucha inteligencia.
Lo dicho, Frances Ha es una película encantadora de la que es imposible no salir con una sonrisa.
Me he enamorado de esa chica, entendiendo que puede ser algo agotadora en su optimismo , en su incontinencia verbal que parece no conocer límites ( esa cena con loa amigos de su nueva compañera de piso, es única )  y su descontrol, y que a veces se busca lo que le ocurre, pero también estoy seguro de que a su lado, la vida será un lugar muchísimo más divertido.
Que bueno sería que hubiese muchas personas como ella.
En fin, siempre nos quedará el cine. Fabrica de sueños.

Público

BIOGRAFIA: CIXI EMPERATRIZ de Jung Chang

Editorial Taurus
632 páginas

Me asomo a la biografía de este personaje, sin duda fascinante y para mi desconocido hasta ahora, con la deformación de haber disfrutado los dos acercamientos históricos de Stefan Zweig, María Estuardo y María Antonieta.
Y digo deformación porque sin duda existen muchas maneras de escribir la historia, pero a mi me ha cautivado la capacidad del escritor para acercarse a figuras claves y conseguir hacérnoslas conocidas , cercanas y comprensibles.
Por lo tanto, mi primer análisis , surge de la comparación . En esto echo de menos dos aspectos que hacían únicas las biografías de aquellas  mujeres:
Por un lado, la decisión del autor de dialogar con el lector , trasladándoles datos y leyenda , así como sus argumentos a favor o en contra de las referencias, pero dejando siempre el resquicio de la duda.
En segundo lugar , algo atrevido, su interés en profundizar en el perfil psicológico del personaje.
La biografía de Cixi,  ( una mujer que podía haber pasado de largo como una concubina más de un emperador pero que sin embargo llegó a convertirse en la persona más poderosa de su país y posiblemente la artífice del salto a la modernidad y la apertura a otras culturas ) , comienza con cierta premura en la enumeración de hechos y datos . Es difícil no sentir en esos primeros capítulos ( tal vez en toda la primera parte , que parece ser la que menos interesa a su autora ) cierta lejanía , como si simplemente estuviésemos leyendo una lista continuada de  sucesos.
A partir de ahí, hay que reconocer que el libro va creciendo en intensidad y llega a resultar tan apasionante como lo es el momento histórico que narra, siendo capaz de plasmar el contraste cultural y la arqueología de gestos y comportamientos que marcaban ese vasto imperio.
El acercamiento, de todas formas es claramente histórico y en este caso el historiador toma partido por un personaje al que admira y del que no reconoce excesivos defectos, en cualquier caso, mínimos comparados con sus logros y casi siempre justificados . Así muchas de las acusaciones no probadas, se despachan con una frase o dos . Y , eso sí, profusa documentación ( el libro tiene más de mil notas complementarias ).
En mi caso, sin embargo, me ocurre algo extraño: presiento cierto subtexto que me presenta otra Cixi, muy alejada de lo que se quiere mostrar ; yo veo una Cixi cruel, ambiciosa , egoista, muy paralela a un mundo y a una cultura de un clasismo salvaje y con un interés casi patólogico en la autocreación de un ser casi divino, y de su paso a la historia . No termino de comprender la generosidad más que hacia ella misma y considero que muchas de las acusaciones que posteriormente le regalaron sus enemigos pueden tener visis de verdad. Capaz de ordenar asesinatos, de despreciar a sus descendientes o de dejar que otros asuman la culpa por errores que ella había cometido. 
Tal vez esté siendo injusto.
Pero que duda cabe que , sobre la Historia es difícil navegar sólo en certezas.
Por cierto, me cabe la duda de que, de lo leído hasta ahora pueda deducirse que no me ha gustado esta biografía. Bien , pues entonces es necesario aclararlo: Cixi Emperatriz es sin duda un libro que termina siendo apasionante porque, repito, lo es el momento histórico que relata, el personaje de aliento shakespereano  y por supuesto la China de esos años; está muy bien escrito y fantásticamente documentado. Esconde admiración a una persona y amor a un país. 
Simplemente , considero que la posición , por supuesto tan legítima como cualquier otra , de su autora , no termina de convencerme o, algo contradictorio, a mi termina dándome una visión antagónica a la pretendida. Tal vez le falta humanidad al dibujo, y quizás esa falta de humanidad sea precisamente un rasgo determinante de la monarquía de esa época en Oriente.
En cualquier caso, absolutamente recomendable para los amantes del género.

Público       

viernes, 4 de abril de 2014

CINE: IDA de Pawel Pawlikowski

Polonia 2013
Agata Trzebuchowska. Agata Kulesza

Lo primero que llama la atención de Ida es su belleza: rodada en un precioso blanco y negro, en un formato cuadrado y con unos difíciles encuadres, cada fotograma es como una pintura, al tiempo que remite al más artístico cine clásico. Con ello, nos transmite una Polonia rural y urbana, solitaria, serena y profunda. Una ciudad sin duda con mucha historia en sus cimientos.
Lo segundo, es su esquematismo narrativo. No hay explicaciones, ni por supuesto, justificaciones; tampoco información que nos ayude. Está lo justo. Muy pocas palabras. Muchos silencios. Y hacer avanzar la historia sobre lo esencial.
De todas maneras, con ese ascetismo asumido, el director o/y guionista, son capaces de crear dos personajes totalmente sólidos , sobre los que pivota toda la película. Sobre ellas y sobre su forma de afrontar el pasado y los secretos que este esconde.
Con todo, tengo, durante su visionado , una sensación que desaparece en la reflexión posterior: veo en Ida dos historias diferentes, una la de la novicia que es obligada a asomarse al exterior y comprende la necesidad de conocer para decidir; por otro, la de las heridas sin cauterizar en el país tras la Segunda Guerra Mundial, representadas por la sordidez de la tía de la protagonista, una mujer que fue juez vengativa y que ha terminado entre el alcohol , el tabaco y los hombres.
Sin embargo, cuando la recuerdo, tengo una percepción donde todo se funde de una forma más adecuada,  más armónica, como la historia de dos mujeres frutos de la situación de un país que se mueve entre la culpa y la necesidad de perdón ,de un pasado aun reciente en la época narrada.
Posiblemente Ida sirva para explicarnos como afecta la historia colectiva a la historia íntima de cada ser humano, también puede interpretarse como una parábola que demuestra que sólo afrontando la verdad y desde el conocimiento, se puede seguir adelante; intentar esconder todo aquello en una esquina del cerebro puede terminar siendo letal.
También estoy seguro que hay mucho más esbozado en la sutileza de sus pliegues.
Miradas, gestos, dudas.
En cualquier caso, está en las manos de un director con una lograda concepción visual de la belleza y de lo que verdaderamente se necesita para cuidar una historia y ponerla en imágenes.
No sobra nada, ya lo he dicho.
Tal vez una mirada más serena, más tranquila, reposada, me habría dado desde el inicio una visión que fuese capaz sólo de contemplar.

Público

P/S Un día después...
Ida sigue creciendo en mi recuerdo.
Ese conjunto de postales de un país que tiene un gran pasado y busca su futuro.
Esas frases, llenas de sobreentendidos y que esconden toda la crueldad del ser humano, y también todo su dolor.
Ese volver a abrir las ventanas a la realidad al que puede obligarnos la inocencia. La inocencia que puede mantenerse como decisión, a pesar de enfrentarse al "mundo, el demonio y la carne".
La amistad, que difícil simplificar en una palabra la complejidad de relaciones que pueden tener los seres humanos, nunca medibles por el tiempo sino por su intensidad.
Como dice uno de los personajes, "la vida". Algo tan plural, tan abierto a millones de combinaciones; esta una de ellas, una más.
Todo lo que puede esconderse tras las cortinas de una historia, que vamos descubriendo poco a poco al abrirlas.

NOVELA: EL TESTAMENTO DE MARIA de Colm Toibin

Lumen
128 páginas
También disponible en ebook.

Es difícil, casi imposible, hacer un análisis meramente literario de este breve monólogo.
Muy difícil hablar sólo de la elegancia de su lenguaje y su capacidad para mostrar desde el interior, la personalidad de un personaje y, con apuntes breves pero certeros, dibujar un paisaje exterior lleno de luces y sombras.
Antes de comenzar , aclarar que soy católico y que , es desde esa posición y fe, desde donde intento comprender algo que sin duda será tachado por muchos como blasfemia.
Personalmente opino que , nada de aquello que humaniza a los personajes de la historia sagrada , me los aleja sino al contrario, otorga más valor a su dolor y a sus decisiones; al mismo tiempo, es en el amor a los demás , a pesar de que en ocasiones nos hagan daño, donde está la esencia del mensaje de Cristo.
Por ello, aunque hay puntos , sobre todo al inicio, donde me siento desconcertado, no estoy en ningún momento ofendido ante esta lectura.
María es un personaje inmaculado para la iconografía religiosa cristiana , en su pureza, en su entrega, en su capacidad de amor.... El personaje que nos dibuja su autor es muy diferente, no sólo por su lejanía de la doctrina de su hijo, sino también por su claridad a la hora de expresas su rechazo a sus seguidores. De todas maneras , esta María tan humana ¿ de verdad nos resulta tan lejana?, ¿ no entendemos que una madre ante el dolor inmenso de su hijo se sienta enfrentada a aquellos que cree que lo han empujado al calvario?, ¿ no es una mujer que pueda tener miedo en unos tiempos convulsos?, en una cultura infestada de dioses de todo tipo ¿ es tan extraño que para ella los milagros tuviesen menos importancia que el amor filial?, ¿ porqué se ha dotado al personaje siempre de una sabiduría sin duda ajena a su sexo y condición en la época que le tocó vivir?. ¿Nos cuesta tanto valorar a María como una mujer simple?.
Es cierto que estamos ante un personaje más creible , que por otro lado , en ningún caso cuestiona ( ni lo hace el libro ) la capacidad de su hijo para transformar el agua en vino o resucitar a los muertos. Otra cosa es que crea que merece la pena , y que su conclusión sea que para ella era más importante seguir disfrutando de su amor que el hecho de que consiga redimir el mundo. Creo que esta última es una visión de madre. Sincera . ¿ Cuestionable?.
Posiblemente hay otros aspectos más a tener en cuenta , por lo que suponen de decisión del escritor a la hora de crear el personaje ( y aquí no podemos olvidar que El Testamento de María es una obra de ficción ), como su falta de apego a los líderes judios o su cercanía a las divinidades paganas , pero no voy a entrar en aspectos que requerirían un conocimiento del que carezco.
También puede cuestionarse ( aunque personalmente creo que no tanto ) la politización que se hizo del mensaje de Cristo, su utilización por parte de algunos .
Con respecto a las crónicas posteriores , el autor utiliza una hermosa elipsis entre sueño y realidad , sensaciones y percepciones , que deja ,considero, campo suficiente para interpretaciones abiertas.
Lo dicho. Es difícil hacer una lectura sólo literaria . Pero a mi, no me resulta imposible amar a esta María, a este ser humano, muy humano, que , a pesar de reconocer su miedo, su pecado , su escepticismo, nunca ha dejado de amar.

Público  

jueves, 3 de abril de 2014

NOVELA: TOKIO AÑO CERO de David Peace

Mondadori
480 páginas

Termino absolutamente agotado la lectura de esta novela.
De esta excelente, sorprendente , cautivadora novela... pero agotado.
Dice en las referencias publicitarias alguien , que es un cruce entre Ellroy y Murakami, Dios nos libre , dado mi amor por el escritor japonés.
Me vale la referencia a Ellroy , el maestro, por lo que supone de trama oscura , compleja , brillante y , al mismo tiempo, la capacidad de narrarla de una forma comprensible, siempre que el lector se decida a poner de su parte ; es decir, no es fácil, Ellroy tampoco lo es ; pero siempre merece la pena.
Sin embargo, la referencia a Murakami, absurda a mi entender , la cambiaría por otra cinematográfica , David Lynch, y es que , junto a la capacidad del autor para crear imágenes ( turbias en la mayoría de las ocasiones ), existe una opción asumida y es la de contar la historia desde el interior del cerebro de su protagonista , sin importarle su estado mental. En este sentido, tampoco está lejos de alguno de los films más duros de Scorsese.
Nos encontramos en Tokio inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial, del año de la rendición . La ciudad , y el país en general, son unos escenarios de pesadilla, invadidos por la suciedad y la ruina , donde sólo se puede sobrevivir poniéndose a la altura del paisaje, así los habitantes han perdido toda referencia moral y están vencidos por el hambre y la necesidad.
Los vestigios de una educación protocolaría caduca , permanecen como referencias grotestas entre el dolor y la mugre. Como también parece permanecer la necesidad de un policía por dar sentido a su existencia , aunque la justicia que persigue se encuentre siempre perdida en el fango de la venganza.
Desde su interior, desde su desorden mental, desde su inestabilidad, asistimos entre sueños, realidades que lo parecen y otras que nos gritan en su dureza, a una trama en la que se cruzan crímenez atroces y que podrían quedar sin castigo, con casos de corrupción policial y bandas mafiosas. 
La narración está llena , impregnada de sus reflexiones , cortas , perdidas , inestables, difíciles de encajar a veces, pero si tenemos cuidado, nunca llegaremos a perdernos . Y al final todo cobra sentido.
La visita al infierno se cierra, no porque salgamos sino porque, por lo menos hay razones que explican la cadena de horror y locura.
De todas maneras , como decía al principio, el viaje es tan denso que es imposible no llegar exhausto al final, no necesitar un periodo de descanso antes de bucear de nuevo en la obra de este escritor, hasta ahora desconocido para mi y que , sin duda , debera de ocupar un lugar importante dentro de la literatura del género.
Es casi una experiencia que , en muchas ocasiones nos lleva a hacerla singular y siempre apasionante.
Ni más ni menos que lo que es la lectura : un ejercicio solitario de comunicación entre quien cuenta y quien escucha.

Público    

TEATRO: LA CASA DE BERNARDA ALBA de Federico García Lorca

Dirección- Irina Kouberskaya . Hugo Pérez de la Pica
Carmen R de la Pica. Chelo Vivares. Badía Albayati. Alejandra Navarro. Matilde Juarez. Rocío Osuna. Irene Polo. Irina Kouberskaya. María Luisa García Budí. Enriqueta Sancho.

¿ Cuantas Bernardas Albas puede conocer un espectador español a lo largo de su vida? Parece que infinitas.
Esta pieza lorquiana se ha convertido en nuestro país en una pieza tan recurrente como puede ser Hamlet para los británicos o Tartufo para los franceses.
Aun recuerdan los más viejos del lugar, cuando Angel Facio tuvo el atrevimiento de encargar a un hombre, Ismael Merlo, el papel de la tirana.
Personalmente, parto de aquella representación mítica y blanca en el Teatro Español, a mediados de los ochenta, donde Jose Carlos Plaza dirigió a Berta Riaza y a Ana Belén.
Luego muchos más hicieron su Bernarda , como no, Calixto Bietio . Y posteriormente hubo propuestas que , tengo la sensación, se basaban más en el maridaje de la pareja protagonista ( Margarita Lozano y María Galiana para Amelia Ochandiano; Nuria Espert y Rosa María Sardá para Lluis Pasqual ).
En general, se ha optado por el realismo y el rigor interpretativo, con resultados dispares ( personalmente la de Ochandiano me pareció fallida ), aunque también hubo álgunos experimentos como aquella Bernarda grotesca y original que pusieron de rodillas en la tristemente desaparecida Espada de Madera.
En fin. Muchas Bernardas.
Tantas que yo un buen día decidí que había llegado a mi cupo. Que no podía esperar mucho más y que me costaba volver a sentarme ante un texto que , por conocido, y a pesar de su belleza, podía llegar a aburrirme y no a sorprenderme.
He roto mi promesa por varias razones:
En primer lugar , por supuesto, por las recomendaciones; en este caso entusiastas de dos personas tan dispares como Alfonso e Iñigo; algo tenía que haber.
En segundo lugar , porque esta compañía, los habitantes de Tribueñe, me habían emocionado al principio de temporada con Por los Ojos de Raquel Meller. Esa ambición en una troupe en principio sin muchos recursos, merece siempre apoyo y aplauso.
Y allí fui.
Ayer noche al Teatro Español a ver ,una vez más, La Casa de Bernarda Alba.
Lo primero que tengo que decir es que no me arrepiento. Si antes decía que era difícil que me sorprendiese este texto por conocido, tengo que decir que este es uno de los logros incuestionables de esta versión: me sorprende en cada minuto.
Los directores , optan por afrontar la pieza lorquiana huyendo de todo realismo, entrando en un territorio simbólico y onírico para el cual utilizan , junto con la iconografía religiosa más oscura y potente , todas las referencias de una España negra, popular, salvaje, que no está lejos de las pinturas negras de Goya ni de la Inquisición.
Son múltiples los recursos utilizados , tanto en música como en movimiento, para crear un espectáculo absolutamente sensorial, agresivo, con unos niveles de riesgo que , de nuevo, no son habituales en una compañía de este nivel. Desde pasos de Semana Santa a cuadros humanos,  sin dejar de lado la fiesta nacional o los pasodobles.
El resultado, con momentos grotescos y otros de una belleza sobrecogedora, debe de sentirse en su conjunto y no en una colección de escenas de las que algunas se podrían cuestionar , tanto por su atrevimiento ( esas medias rosas de torero ) como por su ruptura de tono ( esa bronca flamenca a Martirio). Como un todo funciona estupendamente.
Y seguramente su eficacia se debe a que debajo, de la mano de sus dos directores, estos artesanos del teatro, hay mucha sabiduría escénica y mucho amor a lo que hacen y en especial a este texto.
Hay tres aspectos, tres logros, que me gustaría resaltar ( y que sin duda son consecuencia de lo anterior ):
En primer lugar , el equilibrio entre los personajes , que funcionan como un coro homogeneo y no, como tantas veces, como acompañantes sin nombre de los tres caracteres principales.
En segundo lugar , que es la primera vez que me encuentro a una Bernarda humana , no una gorgona animal sino, por muy tirana que sea, una madre a fin de cuentas.
Y en tercer lugar, y más importante, que el texto se mima con un cuidado extremo, fluyendo en toda su poesía; quizás precisamente darle a esa poesía toda su dimensión, sin caer en anacronismos, es lo que justifica el nivel simbólico de la propuesta.
En definitiva , la gente de Tribueñe, saltando de nuevo a más grandes espacios, ha sorprendido de nuevo, ha arriesgado y ha vencido ( y lo digo yo que estaba , ya lo he dicho, harto de Bernardas ). Espero ahora que sus Bodas de Sangre , obra difícil donde las haya, siga la misma suerte.
Yo ya tengo otra Bernarda.
Ya lo decía alguien : nunca digas nunca jamás.

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