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viernes, 31 de enero de 2014

NOVELA: LOBA de Verónica Murguía

Editorial SM
512 páginas
Premio Gran Angular

Voy a intentar contar una teoría difícil, y no sé si muy defendible, aviso:
Creo que todo empezó con El Señor de los Anillos. Bueno, empezó mucho antes con los cuentos y las leyendas que cimentan la historia de cualquier pueblo. Pero fue con el éxito popular del Señor, cuando se empezó a asumir un género de magia y espada, alcanzando a un lector no sólo infantil sino también que comenzaba a abandonar la adolescencia.
Se volvieron a publicar clásicos olvidados como Narnia, pero también se escribieron nuevas obras.
Dentro de las nuevas, hay muchas ( y no voy a señalar a nadie ) nacidas desde un planteamiento puramente comercial, con una base donde se incorporan personajes y tipos de otras obras, organizados... no sé como decirlo, desde la lejanía de quien produce.
Esas me aburren, e incluso dejé alguna a la mitad.
Sin embargo hay muchas otras, gracias a Dios, en las que el narrador es tal, y cuenta la historia desde la ilusión de quien quiere compartir, transmitir, hacer disfrutar a los demás como el disfruta, porque este narrador cree, cree de verdad en lo que nos cuenta.
Loba, esta larga y ambiciosa epopeya feminista, donde reyes y magos conviven en un lugar perdido , mientras la batalla real la luchan el dragón y el unicornio, pertenece, me adelanto ya a decirlo, al segundo grupo, al de aquellos contadores de historias capaces de generar un mundo, o quizás de descubrirlo porque hacen muy posible que exista.
La novela está preñada de fantasía y también de una ilusión infantil, encantadora.
Si somos capaces de dar un paso atrás, de ser quien fuimos cuando todavía éramos capaces de asumir cien sorpresas por minuto, disfrutaremos mucho de los momentos de lectura de estas páginas.
Por supuesto Loba no es perfecta. Le sobran algunas páginas que, en algunos momentos, la hacen premiosa; también hay una prodigalidad de tramas, ambiciosa, pero a veces excesiva.
Pero yo, personalmente, he pasado dos semanas estupendas.

Público  

jueves, 30 de enero de 2014

TEATRO: EL POLICIA DE LAS RATAS de Roberto Bolaño



Dirección y adaptación: Alex Rigola
Andreu Benito. Joan Carreras

El tempranamente desaparecido Bolaño era sin duda un escritor fascinante.
Una especie de Kafka estilizado y poético que no necesitaba crear nuevos mundos para ser diferente, sólo mirar al existente de otra manera.
Así, donde había aburrimiento y desgana o inercia, o el simple paso del tiempo, el conseguía crear inquietud y hasta miedo, en una narrativa alucinada y venenosa, inteligente y de una hermosura siempre extraña.
El Policia de las Ratas es un cuento con forma de thriller.
No desvelaré nada de su argumento para no eliminar la sorpresa de quien decida acercarse a sus páginas o a este escenario. Baste decir , por decir un poco, que reune de forma concentrada y breve todas las constantes de su autor. Que es un relato oscuro y posiblemente cruel, por ello más una parábola que una fábula. Que nos lleva a pensar en la virtud de la diferencia, pero también en la paradoja de que, si diferente es un artista, también lo es un asesino.
Pra trasladar a este autor a un escenario, nadie más adecuado que Alex Rigola.
No pude ver su acercamiento anterior en 2666, pero sí, entre otras cosas, aquel Julio Cesar , tan sobrecargado de lucidez, de inteligencia, de artificio, de teatro, que llegaba a sobrecoger, a agotar.
Aquí está mucho más depurado. Depurado al máximo pero sin perder ninguna de sus virtudes, la principal: ser capaz de ponerse al servicio de la palabra.
Así el cuento se muestra como un cuento, narrado; sólo le hacen falta dos actores, magníficos, dos sillas y dos micrófonos, un gran cadaver y una bolsa de sangre, para trasladar el horror y la poesía: la música entra creo recordar sólo en dos momentos, y es una caricia que da un poco de respiración en la oscuridad.
Lo demás, ya lo he dicho, la palabra . La palabra de Bolaño.
Sólo hace falta una hora.
Para lograr una obra redonda e inolvidable.
Es gracioso, lo comentaba con otra experiencia, totalmente diferente,  de esta temporada , la delicada 2 Ninas para un Chejov: que poco hace falta cuando hay talento.
En el teatro el silencio es sin duda una referencia, no sólo el silencio con el que todos los que estábamos ayer en el Teatro Abadía escuchamos este dueto, sino también el silencio con el que , después de romper en aplausos, abandonábamos la sala, en mi caso con El Policia dentro , y su recuerdo por mucho tiempo.

Público


viernes, 24 de enero de 2014

CINE: LA GRAN FAMILIA ESPAÑOLA de Daniel Sánchez - Arévalo


España 2013
Quim Gutierrez. Antonio de la Torre. Roberto Alamo. Patrick Criado. Verónica Echegui. Miquel Fernández.  Arantxa Martí.  Sandra Martín. Raúl Arévalo. Pilar Castro

Lo dicho:
Gracias a la colección de nominaciones para los próximos Premios Goya, aquellos que en su día nos perdimos La gran familia española, tenemos de nuevo la oportunidad de verla.
Y digo la oportunidad y la suerte.
Porque lo cierto es que esperaba encontrarme simplemente con una comedia coral divertida y algo deslabazada, y me he topado con una película excelente, sofisticada, libre y llena de emoción.
Daniel Sánchez- Arévalo, se dio a conocer con la que es para mi una de las mejores obras del cine español reciente, me refiero a Azuloscurocasinegro, con un guión perfecto y una realización llena de corazón. Posteriormente derivo más hacia la comedia con Gordos y definitivamente con Primos, pero aun así conservaba dos de sus mejores habilidades, su capacidad para escribir un guión donde sorprender con lo cotidiano, y su magnífica dirección de actores.
La gran familia española repite en esas capacidades, pero además es sin duda su película más ambiciosa, tanto en los elementos a manejar, como a la profundidad de lo que narra.Y, digámoslo ya, lograda.
Una vez más, consigue, desde un acontecimiento cotidiano y conocido, una boda de dos adolescentes que sirve para reunir una familia algo atípica, generar sorpresa y ser original. Una multitud de elementos, bien manejados, y la excelente idea de hacerla coincidir con la final de la Copa del Mundo de fútbol.
A partir de ahí escribe un guión totalmente coral donde hay muchas cosas que nos suenan ( familia difuncional, amores equivocados, secretos del pasado etc ) pero que están mezclados sin complejos, con una gran frescura y una absoluta libertad. Y también riesgo, al manejar casi diez personajes.
La caligrafía del director es cada vez más sofisticada, pero sin ínfulas autorales.
Y de nuevo, es capaz de extraer lo mejor de un conjunto de intérpretes que, si bien parecen haberse convertido en una divertida troupe que siempre encaja a la perfección, no por ello se repiten, sino que cada uno defiende su personaje llenándolo de todos los matices posibles.
Pero hay un elemento fundamental que creo es el que hace de esta cinta una película especial y le lleva a trascender lo que sería una pura comedia , para ser mucho más: la emoción.
Partiendo ( o enmarcando ) en la emoción colectiva que supuso la victoria de la Selección Española , Sánchez Arévalo muestra sin pudor un catálogo de sentimientos que llevan a sus personajes a la desnudez y a nosotros ( o a mi por lo menos ) a la lágrima; es difícil expresar mejor nuestra fragilidad y la necesidad de ser queridos como en estos diálogos y miradas ( algunos como el del hermano que no quiere "gastar" el tiempo que le queda con su padre o el "nunca" que sigue de una forma casi inconsciente a un no te vayas , ponen la carne de gallina ); y personalmente, me gusta ese mensaje que remite a la familia como patria, como ejército protector, como colchón, como aire y agua para vivir, aunque sea una familia tan atípica como esta.
Hasta esta mañana tenía claro que mi favorita para los Goya era  La herida, ahora ya no lo tengo tan claro; en cualquier caso, que existan varias que lo merezcan sólo puede valorarse en positivo.
Que siga así.
Que buen año para el cine español. Quien lo diría.

Público

jueves, 23 de enero de 2014

NOVELA: BUTCHER'S CROSSING de John Williams

Lumen
360 páginas
También disponible en ebook.

Me asomo a esta novela de John Williams tras el buen sabor que me dejó Stoner. La precisión y la sencillez narrativa de su autor, terminaba generando una atmósfera de belleza e inteligencia. Allí, abordaba nada menos que la narración de una vida. Desde su principio a su fin.
Butcher's Crossing, tiene lugar en un escenario que conocemos fundamentalmente gracias al cine: el lejano oeste. Es por tanto un paisaje que nos resulta familiar. Pero su autor huye de nuevo de todo efectismo, y así, en esta fuerte epopeya, tenemos la sensación de conocer por primera vez, el entorno cotidiano de estos pioneros. Un cuadro casi hiperrealista , donde el hombre y la naturaleza, ambos en toda su magnitud, se funden en un triste relato de lucha,  búsqueda y fracaso.
Como en la magnífica El hombre que mató a Liberty valance, estamos posiblemente cerca de la desmitificación, de la muestra del crepúsculo de un género.
Ya no son héroes de una pieza, sino que estos hombres, que salen a la caza de bisontes, son tan humanos que es difícil no percibir su cansancio y su inquietud; tampoco el poblado que da nombre a la novela es un lugar idílico, sino algo a punto de desaparecer en el olvido.
La grandeza está en su capacidad de afrontar el peligro, de buscar formas de sobrevivir, de luchar contra los elementos, y es ahí, en el perfecto dibujo de esos personajes, donde surge Miller, que en su obsesión no puede dejar de recordarme al Capitán Acab.
Miller's Crossing es una excelente novela, una narración sobria , tranquila y, como la citada Stoner, hermosa e inteligente. Absolutamente recomendable.
Un autor ya fallecido que empieza a ser conocido en nuestro país, cuando creo que debería ocupar por derecho propio, un lugar entre los escritores clásicos estadounidenses.

Público

lunes, 20 de enero de 2014

NOVELA: 2312 de Kim Stanley Robinson

Minotauro
528 páginas
También disponible en ebook.

Vamos a tener claro un punto de partida:
A mi, ya lo he dicho muchas veces , me entusiasma el género de la ciencia ficción ( literatura, cine... me da igual). 
De todas maneras , hay personas que , sin ser fans del género, si pueden disfrutar de alguna obra adscrita a él por sus otras cualidades.
Pues bien , no es el caso: cualquiera que se acerque a 2312 tiene que tener claro que , para entendernos, esta novela puede ser lo que por ejemplo es Monte Casino o Vida y Destino al género bélico o Lo que el viento se llevó al romántico, no por temas cualitativos, en los que aun no he entrado, sino por lo que supone de inmersión absoluta en los códigos que debe de manejar cualquiera que entre en una obra de ciencia ficción.
Si uno de los condicionantes exigidos es que su autor sea capaz de crear una nueva realidad y hacerla creíble, en este caso, Kim Stanley Robinson , hace un alarde continuo de imaginación que se materializa en la concepción de un mundo absolutamente diferente , tanto en sus contenidos como en todo lo demás: moral, comportamiento, relaciones, cultura.... este paso está por encima de las ,incluso buenas, novelas fantásticas donde, frente a un cambio externo, por muy creativo que este sea, las pautas de comportamiento de sus personajes y sus motivaciones, son absolutamente actuales.
Creo que no consigo recordar un conjunto tan complejo, capaz de sostener cualquier epopeya, porque , me repito, lo que verdaderamente se está generando es una realidad diferente , marcada desde la evolución , cerrada en si misma, sin fisuras, absoluta.
De hecho, quizás una de las mayores dificultades de su lectura, provenga de la necesidad de avanzar sin terminar de comprender absolutamente todo lo que se nos propone o, incluso, estandos dispuestos a perdernos en alguna ocasión; todo ello, aderezado con una profusión de conocimientos científicos que, sin duda, harán desistir a todos aquellos que no disfruten buceando y dejándose llevar en este inmenso mar.
Inmensa. Ese es posiblemente un adejetivo que podría aplicarse a la textura o al armazón de este libro.
Por lo que respecta a la narración, y con las dificultades ya citadas , está claro que Robinson en ningún caso apuesta por la facilidad o la serie B sino que decide colocarse en la línea de los grandes contadores de historias , sean del género que sean .
Así maneja personajes con una gran profundidad ( Cisne es una creación única ) , estadios de tiempo alargados, relaciones complejas y elementos externos y descripciones que van situando los diferentes episodios. Hay muchísimo oficio, mucho riesgo y ninguna concesión.
Por lo demás , si al terminar esta lectura, que para mi se ha conformado como una verdadera experiencia, analizamos el relato, en muchos de sus aspectos no se aleja de historias algunas veces repetidas sobre las relaciones entre los humanos y sus creaciones, pero el paisaje en el que se ha pintado, tiene unos colores que desconocíamos y que la hace absolutamente diferente.
Lo dicho: 2312 es una joya para los amantes de la ciencia ficción, una novela que creo nos hará ser más exigentes con cualquier obra del género.
Por derecho propio.
Quizás lo justo sería hablar de ella como una novela  apasionante, sea cual sea su contenido. Pero yo aviso.

Público      

viernes, 17 de enero de 2014

CINE: GENTE EN SITIOS de Juan Cavestany

España 2013
Eduard Fernández. Clara Sanchis. Maribel Verdú. Tristán Ulloa. Tomás Pozzi. Jordi Bosch. Alberto San Juan. Eulalia Ramón. Coque Malla. Gustavo Salmerón. Roberto Alamo. Roberto Enriquez. Santiago Segura. Javier Alvarez. Juan Vilagrán. Raúl Arévalo. Irene Escolar. Martiño Rivas. Ernesto Alterio. Silvia Marsó. Juan Antonio Quintana. Nuria Gallardo. Adriana Ugarte. Pilar López. Javivi. Israel Elejalde. Carlos Areces. Enric Benavent. Antonio de la Torre y un largo etcétera.

La crítica ha recibido con palmas esta película, resaltando sus cualidades como sorprendente, hipnótica, fresca... En Fimaffinity los comentarios de los usuarios van desde aquellos que la consideran un tomadura de pelo a los que la tildan de obra maestra.
Si eres de aquellos para los que las historias tienen que contar con principio y final y, sobre todo, a los que pone nervioso no poder comprender absolutamente todo sin tener ninguna duda de que has llegado al lugar a donde quería llevarte el director, aléjate lo máximo posible de cualquier cine donde la proyecten ( y tampoco leas mucha poesía ).
Sin embargo, si te gusta probar nuevas experiencias, experimentar otras formas de narración, divertirte con lo nuevo, y eres capaz de sentir en lugar de comprender, si una historia no tiene porqué ser algo lineal, entonces Gente en sitios, sin lugar a duda, es tu película, y te costará encontrar otra igual.
Personalmente me encuentro en el segundo grupo. Lo que me pide el cuerpo es empezar ahora a enumerar alabanzas hasta quedarme sin vocabulario. Sin embargo, voy a intentar poner un poco de orden en mi entusiasmo.
La película de Cavestany bebe, como aprendemos en los título de crédito finales, de muchas fuentes distintas que llegan a incluir un texto de Frank Kafka.
Con esos materiales y un buen puñado de excelentes actores, como si fuese una colcha de patchwork, el director/ creador compone un caleidoscopio absolutamente libre, sin exigirse continuidad, coherencia o realismo. Así conviven escenas de un surrealismo extremo con bocetos de otras historias, muchas, que podrían encuadrarse en casi todos los géneros, terror, comedia juvenil, cine social, género negro...y pos supuesto mucho absurdo ( no están lejos Ionesco y Becket ); ente unos y otros, se filtran muchos retazos de inquietud.
Lo importante, en esta cinta que, entre otras muchísimas cosas podría ser un ensayo sobre el arte de narrar, es que consigue actuar no sobre el cerebro, sino sobre sentidos más permeables, pero generando las mismas sensaciones: miedo, intriga, tensión, sonrisa.... y bañándolo todo, al menos en mi caso, una especie de líquido desconcierto que funciona como si me hubiesen hecho beber un litro de sorpresa y poesía. Supongo que es el resultado, entre otras cosas, de conseguir un dificilísimo equilibrio, mucho riesgo y capacidad de ser honesto hasta el final con su propio proyecto.
Creo que ya puedo saltar a las alabanzas:
Gente en sitios es la película más original que ha dado el cine español en los últimos años ( ¿solo es español? ), es fresca, es tremendamente inteligente y extrañamente hermosa, es poesía visual, y en ochenta y ocho minutos ofrece más sugerencias y ventanas que horas y horas de muchas otras películas. Es delicada y ligera, como un ballet. Es insólita. Atrevida por supuesto. Llena de lecturas que pueden perfectamente caminar por la superficie como quien descubre un mundo nuevo, o bucearla sumergiéndose en el absurdo del ser humano contemporaneo y sus aanclajes en un mundo en crisis, no sólo económica.
Una joya que he disfrutado en cada minuto.
Una última nota: la Academia Española de Cine habría demostrado ser capaz de estar preparada para cualquier cosa y de defender a aquellos que en lugar de llorar exploran nuevas formas de contar, nominando a Gente en sitios como una de las mejores películas del año ( y ya concedérselo, habría sido para afiliarse ); podrían haber valido algunos otros reconocimientos, vale; pero la ignorancia a la que la han sometido, sólo puede servir para garantizarnos que el mejor cine español no estará este año en la ceremonia. Una verdadera pena.

Público  

domingo, 12 de enero de 2014

TEXTOS/ ENSAYO:EL REY SE INCLINA Y MATA de Herta Muller

Siruela
192 páginas
También disponible en ebook.

Hace años, cuando le concedieron el Premio Nobel de Literatura a Herta Muller, éramos muchos en España los que desconocíamos su obra.
Conocerla fue una maravillosa sorpresa.
Ya dije en su momento que si alguna vez la prosa se fundía totalmente con la poesía, era en sus manos, una poesía física, narrativa, llena.
Entro equivocado en El rey se inclina y mata, pensando que es una colección de relatos.
Me encuentro con una colección de textos, reflexiones y confesiones sobre las zonas más oscuras de su pasado en Rumanía y sus primeros tiempos como exiliada en Alemania.
Y, una vez superada la sorpresa, devoro estos textos y mi absoluta entrega a su autora sigue avanzando, ahora por nuevos derroteros.
Hay que ser muy lúcido para ser capaz de un análisis tan inteligente de una realidad tan dura; muy valiente para contarlo y enfrentarse a ello; muy buen escritor para transmitirlo con claridad, sin que se derrame una sola gota de las sensaciones que producen y haciendo al mismo tiempo que sea hermoso.
En sus páginas he conocido el régimen del terror en sus manifestaciones más brutales y más perversas, también el miedo que genera en todas sus vertientes, y el abono que lo ha hecho crecer. Lo hago desde dimensiones totalmente nuevas como la realidad del lenguaje o la densidad del silencio. Desde el corazón y también desde la inteligencia; mis ojos y mis oidos se abren todo lo que pueden para no perder una sola palabra.
Llego a sentir y también a comprender.
El rey se inclina y mata es un libro necesario, indispensable, único. También su autora.

Público  

CINE: AGOSTO de John Wells

USA 2013
Meryl Streep. Julia Roberts. Ewan McGregor. Chris Cooper. Juliette Lewis. Margo Martindale. Sam Shepard. Abigail Breslin. Benedict Cumberbatch.

Agosto ha sido una de las obras de teatro más premiadas en los últimos años. Algunos parecieron encontrar en su autor al heredero de Tenesse Williams, Albee o Miller. Es cierto que nos encontramos en un entorno familiar sureño, llenos de secretos internos, y también que existe un acontecimiento que hace que estos salgan a flote, generalmente rodeados de miseria.
Pero en mi opinión, al autor , aunque sea sin duda capaz de crear un buen texto como este, le sobra cierto nivel de acumulación y le falta poesía.
Tracy Letts, el dramaturgo, es también el adaptador de la obra  a la pantalla. Lo hace correctamente, dosificando adecuadamente el elevadísimo nivel de tensión, regalando a cada uno de los personajes su momento de gloria; pero en ocasiones no puede dejar de sorprendernos que en una misma familia pueda esconderse tanta basura y tanto fracaso.
En cualquier caso, tengo la sensación de que , como ya pasaba por ejemplo con ¿Quien teme a Virginia Wolf? ( salvando las distancias ), lo importante en propuestas de este estilo, es la interpretación, y Jonh Wells no intenta más que dejar que disfrutemos del excelente plantel de actores del largo reparto.
Y en este sentido, el producto es más que correcto.
Streep ¿que decir?, es única, una vez más, única; Julia Roberts hace una de sus mejores interpretaciones, sólo la recuerdo igual en Closer, está fantástica; Lewis bien recuperada, y del resto, todos estupendos, me quedo con Chris Cooper.
Las dos horas de Agosto se pasan sin notarlo, no en vano no hay segundo en que no exista un insulto, un ataque, un miedo. Eso, que veo como un pero ( acumulación, ya lo he dicho ) tiene esta buena consecuencia.
Lo dicho: es buena, pero no grande, sin embargo ayuda que grandes si son quienes la habitan.

Público    

viernes, 10 de enero de 2014

CINE: 12 AÑOS DE ESCLAVITUD de Steve McQueen

USA/UK. 2013
Chiwetel Ejiofor. Michael Fassbender. Benedict Cumberbatch. Sarah Paulson. Brad Pitt. Garret Dillahunt. Paul Dano. Paul Giamatti. Adepero Oduye

Creo que hay una doble lectura a la hora de comentar esta excelente película , algo que me he encontrado en la mayoría de las críticas:
Por un lado, la que debería prevalecer, y es la opinión y análisis puro y duro de la obra.
Pero tengo la sensación de que existe, en los más intelectuales, cierto prejuicio, y aquí es donde llega la segunda perspectiva; Steve McQueen ha sido antes que director de cine artista plástico, su carrera en el séptimo arte ha dado lugar a dos propuestas bastante radicales como son Naked y Shame, y en las que se hablaba de temas tan difíciles y contemporáneos como la obsesión sexual. Era sorprendente imaginarlo en una gran historia americana, con aire de clásico y la sensación de que ya nos habían contado algo así muchas veces.
Lo peor era pensar si se había vendido a los grandes estudios, como tantos antes, él que parecía tan libre.
Pues bien, independientemente de que considero que cualquier obra debe de analizarse en si misma y no por circunstancias externas, llegar a esa conclusión sería un gran error y podría llevarnos a perdernos una verdadera obra maestra.
Sí es cierto que, desde La cabaña del Tío Tom, son muchas las veces que nos han contado historias alrededor de lo que fue la esclavitud en América. Parecía difícil encontrarnos con algo nuevo. En este caso, el suceso es histórico y terrible, un negro que vive libre y con su familia , es secuestrado; vendido como esclavo; durante doce años habitará el infierno en su paso por varias plantaciones, donde conocerá hasta donde puede perder un ser humano precisamente lo que lo convierte en tal, y hasta donde puede alcanzar la crueldad sin llegar necesariamente a la locura.
Lo que hace diferente, nueva, necesaria, la película de McQueen es su  actitud. No hay ningún atisbo de sentimentalismo, ningún intento de suavizar la realidad, no se buscan bondades ni disculpas, y no me refiero sólo a la dureza de algunas de sus imágenes, sino a la corriente subterranea que, sin concesiones, consigue por primera vez transmitirnos lo aberrante de que un ser humano pertenezca a otro.
Además, tengo la sensación de que nunca antes se me había ofrecido un paisaje tan amplio, tan complejo y completo sobre la época, con su transfondo histórico pero también todas las ambiguedades subyacentes en su cultura.
He dicho anteriormente que el director había sido antes artista plástico y eso es algo que está siempre presente en su caligrafía, otorgándole un estilo singular. En 12 años de esclavitud, opta por llenar la pantalla, mezclando los bellísimos planos de exteriores, con primerísimos de rostros y objetos que parecen atacar al espectador con su presencia. Así, se convierte en un narrador ( y hay que resaltar su sobresaliente capacidad para transmitirnos el desarrollo de la historia, a lo que también contribuye un excelente guión, estilizado y preciso ) y en un "mostrador· sin ningún tipo de manipulación sentimental ( algo que se agradece y en lo que habría sido fácil caer ), aunque lo cierto es que es difícil que no te brillen los ojos en la última escena. Los sentimientos que afloran son consecuencia de lo que ocurre en la pantalla y no del hecho de que el director quiera hacernos llorar; sólo en alguna ocasión nos da cierta tregua con una tenue y hermosa banda sonora.
12  años de esclavitud es, esta vez muchos estamos de acuerdo, una de las películas del año. Una película grande, ambiciosa y conseguida. Con materiales tal vez conocidos pero una mirada diferente , con el objetivo de recordarnos que hay cosas que nunca se deben de olvidar.

Público  

jueves, 9 de enero de 2014

TEATRO: EL COJO DE INISHMAAN de Martin McDonagh


Director- Gerardo Vera
Marisa Paredes. Terele Pávez. Enric Benavent. Ferran Vilajosana. Adam Jezierski. Irene Escolar. Marcial Alvarez. Teresa Lozano. Ricardo Joven

Conocía dos obras de Martin Mc Donagh, y las dos me parecen de lo mejor en la producción dramática de las últimas décadas: la primera en llegar a nuestro país fue La Reina de Belleza de Leenane, donde ya ahondaba en la Irlanda profunda y la vinculación entre su aislamiento y su transfondo cultural y la locura; la segunda, El Hombre Almohada , es uno de los textos más terribles y perfectos que recuerdo, absolutamente abrumadora tanto en su inteligencia y creatividad , como en su dureza, esta vez en un lugar abstracto donde todo parecía posible.
El Cojo de Inishmaan se situa de nuevo en Irlanda , esta vez con un abanico más amplio de tipos, que juega con la singularidad antropológica , desde un análisis lúcido e irónico de sus ¿buenas? costumbres. Pero ,con el conocimiento de sus obras anteriores, es difícil pensar que McDonagh se vaya a decantar por la comedia o por lo menos por la comedia al uso. A pesar del humor, a veces muy negro, la escena final no deja lugar a dudas.
El Cojo dibuja un cuadro preciso de una comunidad isleña, con sus relaciones plagadas de rencillas y de una dependencia de unos y otros muchas veces enfermiza y sin sentido, con sus mínimos dramas que pueden esconder grandes tragedias , su asunción de una forma de vida que es capaz de combinar en una fusión casi surrealista la crueldad y el amor, la compasión y el sarcasmo.
Así, el hecho de que un tullido sueñe con un futuro diferente, produce risa y nunca compasión.
En este sentido son modélicos los diálogos entre los diferentes personajes, en especial en la primera parte.
Avanzando más , existen algunos puntos en que el desarrollo dramático y sus mecanismos no está tan perfectamente encajados como en las obras antes citadas , aunque quizás esto dependa de una dirección de la que luego hablaré y que no encuentro totalmente inspirada; me refiero, entre otras cosas, a  la repetición de situaciones ( demasiadas conversaciones son conocidas por los personajes escuchando tras las puertas, algunas salidas y retornos)  , o alguna explicación del pasado no bien encajada, lo que le hace perder intensidad. .
Aun así, en su conjunto, es un texto muy valioso, a la altura de lo que yo personalmente esperaba de su autor, y está plagado de hallazgos, en especial en su definición de los personajes.
Gerardo Vera opta por un montaje evocador, a través de la música y de proyecciones, preciosas por otra parte. Si bien, estéticamente, es hermoso en muchos momentos, finalmente deviene como justito. Acompaña un vestuario al que, teniendo en cuenta que la pieza se desarrolla en un tiempo de más de tres meses, no le habría venido mal cierta variación.
Entre los estupendos mimbres con los que cuenta, hay que decir mucho de la interpretación : Marisa Paredes ( personalmente creo que recuperada tras una larga etapa en la que había perdido hondura ) y Terele Pávez ( a la que nunca habrá que recuperar porque siempre es única ) componen una pareja inolvidable; Enric Benavent sigue creciendo, aquí en un personaje que se podía pasar y sabe contener, y le acompaña Teresa Lozano, fantástica madre; Irene Escolar es ya mucho más que una promesa, oro todo lo que toca ( de casta le viene al galgo, y este galgo va a correr mucho y muy bien ), y Jezierski supone para mi un divertido descubrimiento. Sólo dejar que estos actores se hagan con sus personajes, es ya una gozada.
Pero creo que el principal problema de esta propuestas, es su tendencia a potenciar la vertiente cómica, algo que, vistas las carcajadas de ayer noche, sin duda el público agradece, pero que, personalmente, creo que genera cierto desequilibrio.
Así, la primera parte funciona a la perfección, pero la segunda , de mayor peso dramático, no me parece que consiga la fuerza suficiente en las conclusiones y revelaciones, y de hecho hay dos escenas , la de Hollywood y, especialmente, la de la proyección de la película, que no me gusta nada como están resueltas.
No ayuda que a mi entender, a Villajosana le falte empaque dramático para sostener los aspectos más complejos de su personaje, que se manifiestan en este acto, y además , me sorprende la falta de definición del personaje de Marcial Alvarez, posiblemente uno de los verdaderos Hombres de Aran , capaces a partes iguales del amor y la furia, de la caricia y la violencia, y que aquí no pasa de una corrección que nos impide comprenderlo bien.
En cualquier caso, el resultado general es más que satisfactorio, una muy buena muestra de teatro aunque no lo redonda que merecía este texto; no el guiso que se podía haber realizado con tan buenos condimentos.
Espero seguir, en cualquier caso, conociendo la obra de Martin McDonagh, a mi entender una de las plumas más fascinantes del teatro contemporaneo.

Público


     

miércoles, 8 de enero de 2014

NOVELA: ¡ BOOM! de Mo Yan

Kailas
520 páginas
También disponible en ebook.

Cuando le dieron el Premio Nobel de Literatura a Mo Yan me alegré, reconozco que sin demasiadas razones: sólo conocía de su obra Las baladas del ajo, pero me había entusiasmado.
Posteriormente leí Ra Na y confirme que me gustaba.
No comprendía muy bien a quien le criticaba por colaborar con el régimen comunista chino, cuando yo veía en sus páginas un análisis feroz de las consecuencias del mismo ( la política rural, el único hijo etc ).
¡Boom ! , su última novela publicada en España, la recibo por lo tanto con interés y ganas. Y , si bien tengo que decir que me ha gustado, algunas partes mucho, también estoy algo desconcertado con el resultado final.
Mo Yan se situa en un pueblo de la China rural y nos va narrando en 41 capítulos el desarrollo del mismo, vinculado a un muchacho que nos lo cuenta en primera persona, a su familia y los grandes personajes del lugar , y sobre todo, al interés , pasión, obsesión, por la carne; si bien se habla de la carne preferentemente como alimento, también existen referencias al sexo como algo puramente carnal.
Cada capítulo tiene dos partes , una , se supone en la actualidad, en la acción de narrar, y otra , el detalle minucioso de lo ocurrido.
En la segunda es donde consigo disfrutar mucho del relato que, casi como una fábula, y partiendo de un realismo cotidiano que termina navegando en un mar de simbolismo, nos cuenta poco a poco , el viaje desde la misería al poder y sus peores consecuencias.
Sin embargo, la otra cara del díptico ( menor ) se conforma como una especie de ópera abstracta, con potencia visual pero que , quizás muy vinculada a las tradiciones y cultura del país, me termina resultando confusa, sin alcanzar , a pesar de ser hermosa, el nivel de la poesía.
Por otra parte, creo que ¡ Boom ! es una crítica terrible sobre alguno de los aspectos más negros de la Revolución Cultural y el papel que en ella jugaron los niños, y también sobre el desarrollo del capitalismo, amparado por la corrupción, en un país que se permitía hacer de la moral su bandera.
No comprendo entonces ni el prólogo ni el epílogo, que parecen ofrecer cierta justificación a lo escrito, basándolo simplemente en el arte narrativo, vinculándolo a la pasión de novelar por novelar, pero casi aclarando que nos movemos en el mundo de la fantasía.
Quizás no haya conseguido internarme en una literatura extrema o me falten referentes para juzgarla.
En cualquier caso, como he dicho antes, me encanta el detalle y la simplicidad con la que el autor es capaz de contarnos el día a día de sus personajes y, poco a poco, llevarnos de la mano, para que podamos observar el desarrollo de sus vidas. Mezclar este realismo minimalista con la profusión de colores y certezas no es nada fácil y el lo consigue.
No sé como encaja ¡ Boom! para los expertos en la carrera de su autor.
Personalmente , ya lo he reconocido, me he sentido algo perdido, pero esto no hace que haya dejado de admirarlo. Hay aquí mucha excelencia , y seguro que, con mayor dedicación, hubiese podido encontrar más.
En cualquier caso, una ventana a una cultura milenaria que tiene una compleja, apasionante y difícil relación con el presente.

Público    

martes, 7 de enero de 2014

OPINION : NOMINACIONES PREMIOS GOYA 2014


Momento de comentario de urgencia cuando acaban de darse a conocer las nominaciones para los Goya 2014 .
Comentario, como siempre , personal y subjetivo , y este año especialmente marcado por la ausencia dado que no he disfrutado ( digo disfrutado por el boca a boca y las buenas críticas ) de la última de Sanchez Arévalo, alguien a quien siempre he valorado mucho, tanto en su faceta de director como en la de guionista.
Sólo espero que el efecto Goya devuelva a la cartelera La Gran Familia Española y me de una segunda oportunidad.
Tampoco he visto Vivir es fácil con los ojos cerrados, quizás porque me sonaba a un poco antigua , en fin , todos podemos tener nuestros prejuicios.
Pero vayamos a lo conocido:
Muy de acuerdo con toda nominación donde aparezca La Herida, en especial para su actriz principal a la que espero ver alzarse con el premio; también Canibal. .15 Años y un día me parece correcta, supongo que es coherente cuando se la seleccionado para los Oscar que aparezca aquí, otra cosa es que piense que esto le viene grande.
Echo de menos la maravillosa Stockholm, casi perfecta.
En mejor actor , Tito Valverde es un todoterreno al que nunca le sobrará un premio pero no sé si es este su mejor papel; me sorprende la ausencia de la tan esperada primera nominación de Mario Casas, algo que ya había podido recibir el pasado año por Grupo 7 ¿ será verdad al final que ser guapo tiene su lado malo? . Javier Cámara también podría estar nominado por Ayer no termina nunca , personalmente creo que se lo lleva mereciendo desde Hable con ella. Y hablando de la película de Coixet ¿ donde está Candela Peña? quizás han querido ahorrarle el discurso de este año, pobre.
De los secundarios , sólo conozco la estupenda interpretación de la siempre estupenda Maribel Verdú, me alegra ver a gente como Terele Pávez y Roberto Alamo.
Sólo un problema , Belén López actriz revelación ; a algunos ya se nos había revelado mucho antes. Debería de estar en el apartado de reparto. Las categorias de revelación, en el tema de interpretación , nunca están conseguidas, siempre hay alguno que se salta el criterio.
Nada que decir, así a bote pronto del resto.... ah sí¡ aunque tampoco la he visto aun ( ardo en deseos ) me sorprende que Gente en sitios, de quien nadie habla mal y muchos muy bien , no esté en ningún sitio. La industria es la industria, y estos son premios de la industria, vale, pero creo que la Academia debería de ser , en muchos casos , más valiente , y no olvidar el valos promocional que estas nominaciones tienen para producciones menores.
Esto es todo, amigos.

Público      

viernes, 3 de enero de 2014

CINE: A PROPOSITO DE LLEWYN DAVIS de Joel y Ethan Coen

USA. 2013
Oscar Isaac. Carey Mulligan. Justin Timberlake. Max Casella. Stark Sands.John Goodman. Garrett Hedlund. F Murray Abraham

Al final resulta que el gato se llama Ulises¡
No podía ser de otro modo. Porque es ese gato, no él sólo sino también su "sustituta", quien desde su nombre, otorga posición a este viaje ; una travesía que sustituye el mar por las aceras, las casas y algún local de Greenwich Village, y en una salida desesperada, por el intento de alcanzar el cielo, que aquí se llama "cita con un posible representante en  Chicago".
Un gato que, volviendo al inicio, otorga a esta historia una dimensión mágica; personaje omnipresente, con mirada de sabiduría, realidad y sombra, casi sueño. Quien viene a despertar a aquel que debe continuar ( emprender para nosotros, pero sabemos que ese viaje lo ha iniciado el protagonista ya mucho antes al tiempo fílmico ). ¿También guía?.
Pero nuestro  Ulises no es un héroe ( y no me refiero al gato ) sino un perdedor nato, no sólo porque le ha tocado vivir antes de que la música folk hiciese eclosión, cuando de los que comenzaron el camino nadie se acuerda ( de hecho la cinta está basada en una novela autobiográfica de uno de aquellos pioneros ); sino también porque su talento es limitado y, así nos enteramos de que, su única oportunidad de éxito, se arrojó desde un puente dejándole solo e imposibilitado para triunfar.
Es decir, no hay mala suerte, aunque la hay ( y son diversas las divertidas muestras de mal fario que pasan por este Llewyn ) sino que , aunque su suerte fuese otra, somos conscientes ( descubrimos, a medida que avanzamos a su lado ) de que este perdedor está llamado a serlo, y que lo único que le mantiene en el camino, es su voluntad , su asunción de una vida sin asideros, y por supuesto, su pasión por la música.
Y que camino.
Como una Odisea moderna, aparecen extraños personajes en forma de agente y secretaria, una Circe desamparada, un buen amigo, unos ángeles protectores y dos compañeros de coche capaces de estrellar a cualquiera; al final de ese pequeño viaje, un Zeus con la posibilidad de abrir la puerta del Olimpo, sólo tendrá para él algún consejo.
Quizás lo único que convierte en héroe a nuestro protagonista, es que en los momentos donde se decide a tirar la toalla y buscar otra salida, es el Destino quien parece dispuesto a impedirlo; eso unido a la circularidad del final, lo convierte en una especie de hombre atrapado por el tiempo, y, hay que reconocerlo, con el coraje suficiente para aceptarlo, aunque implique un constante fracaso, muchos sofás y muy poco dinero.
A los Coen les ha salido una de sus películas buenas ( que son muchas ) cálida, hermosa ,clásica y muy divertida, con una excelente banda sonora y muy buenas interpretaciones. Una obra delicada y llena de comprensión y ternura. Y sobre todo con mucho corazón. Es muy disfrutable, no pretende apasionar, pero si gustar mucho. A mi me ha llegado. Y me parece excelente.

Público

jueves, 2 de enero de 2014

CINE: LA GRAN BELLEZA de Paolo Sorrentino

Italia 2013
Toni Servillo. Carlo Verdone. Sabrina Ferilli. Carlo Buccirosso. Iaia Forte. Pamela Villoresi. Galatea Ranzi. Massimo de Francovich

Entro a ver La Gran Belleza con una gran curiosidad provocada por la variedad de opiniones que van desde los que la consideran una obra maestra, hasta los que la califican como un inmenso ejercicio de vacío.
El sumun es el hecho de que un mismo crítico,  el tan valorado y siempre riguroso Carlos Boyero, que en su momento lo definió como un extremo ejercicio de aburrimiento, haya dado marcha atrás tras un segundo visionado y la califique de magnética.
No recuerdo grandes alabanzas en su paso por el Festival de Cannes y, sin embargo, arrasó en los Premios del Cine Europeo.
En fin, lo dicho, variedad de opiniones, algo que, sin duda, garantiza en el peor de los casos cierta singularidad.
Pues bien, sólo me hacen falta cinco minutos para encontrarme inmerso en esta desbordante propuesta desde el punto de vista visual, fascinado por sus imágenes, por su música, pero también por su mirada, por ese movimiento con que el director ( y en su nombre el principal protagonista excelente Toni Servillo, con las dosis exactas de cinismo y tristeza  ), nos ceden su lugar, su perspectiva, y su serenidad ante una belleza abrumadora: impresionante la capacidad de dar un nuevo enfoque a las obras de arte pero también a integrarlas con la naturaleza o el elemento humano, mostrándonoslas como nunca antes se habían visto, y trasladando una extraña sensación de plástica en movimiento. Roma es la ciudad ideal para esto, y nunca nos la han enseñado tan hermosa.
Pero La Gran Belleza no es sólo una propuesta estética, su magnetismo no es sólo sensorial.
La película traslada una idea , o un cúmulo de ideas, tan compleja, que también invade nuestra inteligencia.
El director y guionista utiliza a un periodista de éxito ( y escritor olvidado ) para que nos sirva de guía en la Ciudad más bella del mundo,  pero también entre un grupo de personajes variopintos que puede representar arquetipos como la élite intelectual, el vendedor vulgar, o los aristócratas venidos a menos ( que delicada la escena de la visita de la Condesa a su antiguo hogar, hoy museo )y también alrededor de abstracciones como el amor o la muerte y la memoria. Con todo ello, construye una historia sobre la que creo que ya he utilizado la palabra desbordante, llena de retazos de otras mil, de líneas que se mueven entre el sueño y la realidad. Un cuadro que bascula entre el surrealismo, el arte conceptual, el abstracto.
Personalmente, creo que Sorrentino ha hecho una magna película sobre la decadencia de la civilización moderna, aquella que nunca va a estar a la altura de lo que nos legaron nuestros ancestros. No en vano, las fiestas ( nunca mejor rodadas, capaces de bascular entre el colectivismo y la individualidad ), no me parecen lejanas al encierro de los muchachos del Decameron mientras en el exterior la peste era un ángel exterminador; es como si todos estos invitados sólo quisiesen perder la consciencia, sabedores de que el futuro no tendrá nada que ofrecerles y que ellos mismos ya han quemado su presente.    
Ya está bastante claro, que personalmente me decanto por aquellos que consideran La Gran Belleza una obra a recordar, posiblemente a contracorriente en su inspiración felliniana que puede hacer convivir flamencos y jirafas, enanos y un cielo que se convierte en mar, y otras mil sugerencias, sin olvidar los aspectos más teatrales de la religión ( inquietante la presencia de la Santa ).
De hecho sólo pondría una pega a esta pieza que se convierte en una verdadera experiencia, me refiero al hecho de que son tantas las pequeñas perlas que contiene este joyero, que tengo la sensación de que serán necesarios varios visionados para llegar al corazón paladeando todas sus capas.
Hermosa, sin duda.
¿Desigual? posiblemente.
Pero también única, desbordante ( y van tres ), brillante, sorprendente, sanguínea, magnética....
Grande.
Entrar en ella, sumergirse en este océano, no fue difícil, sino irracional; mantenerme durante sus dos horas y media buceando en sus aguas, un placer; ahora me toca salir. Las grandes obras tienen en su contra que ese es un paso que siempre duele.
P/S Dentro de la catarata de escenas que componen el film, no puedo cerrar este comentario sin citar dos:
La broma autoparódica en la Marina Abrahnovic demuestra un sentido del humor que no le suponia.
Y, sobre todo, el minuto mágico que protagoniza Fanny Ardant, un canto de amor al cine, a la belleza, a la mujer, en sólo unos segundos llenos de grandeza.

Público