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sábado, 27 de diciembre de 2014

TEATRO: EN UN LUGAR DEL QUIJOTE - Versión libre de la novela de Miguel de Cervantes



Dirección- Yayo Cáceres
Intérpretes - Iñigo Echevarría. Juan Cañas. Daniel Rovelher. Alvaro Tato. Miguel Magdalena

Recuerdo una propuesta infantil, hace unos años,  sobre el personaje de Cervantes, creo que a cargo de la compañía Uroc, llamada Clown Quijote de la Mancha. Era un espectáculo divertido, fresco y muy cercano, excelente memoria tengo del mismo.
Hoy otra compañía Ron Lala, se enfrenta de nuevo al texto, enorme y genial, y para muchos sagrado, y digamos ya que, una vez más, el resultado es excelente.
Pero creo que hay algo que diferencia ambas:
Si bien En un lugar del Quijote se presentó la temporada pasada en el calendario de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, en el apartado Mi Primer Clásico, destinado al público infantil, según mi opinión, esta propuesta está destinada a un espectador de mayor edad, y los seis años del programa de mano me parecen un poco justos.
Ojo, no estoy diciendo que un niño de seis u ocho años, no disfrute de lo festivo de este montaje, pero sí que no creo que pueda captar la cantidad de matices que se esconden en su aparente sentido de juego.
De hecho, eran muchos los adultos que estaban hoy allí sin infantes.
Y aclarado esto, vayamos a lo importante:
Me he divertido horrores con esta versión metaliteraria, saltarina, hilarante y luminosa, pero también hermosísima, poética, inteligente y muy muy respetuosa con el material que utiliza de base.
¿Quien leía el Quijote cuando se escribió ?, el pueblo, y ¿porqué ? porque era un texto que caricaturizaba la realidad, que mostraba sociedad y cultura del momento a través del humor, que era un excelente entretenimiento.
Eso es lo que hace Yayo Cáceres con el texto, acercarlo a la actualidad, no avergonzarse de crear referencias del día a día, de ( ya lo he dicho ) jugar y hacer reír, mucho,muchísimo, pero también es consciente de que las aventuras del Caballero de la Triste Figura son un referente algo melancólico sobre la necesidad de regalar gramos de locura a esta vida para poder dejar en este mundo lo mejor de nuestras almas.
Entendiendo que es imposible aspirar a concentrar ni siquiera un porcentaje importante de sus páginas en una hora y media, se crea un Quijote de cámara , una especie de gabinete de los milagros en el que desde la imaginación todo es posible.
Podría seguir mucho rato recordando los pequeños detalles que riegan este espectáculo, pero mi consejo es que nadie se lo pierda, porque además de el acierto en el texto, la compañía nos regala un montaje absolutamente brillante desde el punto de vista teatral, con una escenografía sugerente, un vestuario delicado y una iluminación preciosa, pero sobre todo cargado de  movimiento, de agilidad, de travesura.
Y no he hablado de la música, porque este Quijote es musical, y eso se consigue por supuesto por la muy bien creada y variada partitura, pero también especialmente por esos cinco intérpretes que además de multiplicarse en un montón de personajes, son capaces de cantar y tocar a la perfección.
La he gozado, ya lo he dicho.
Sobresaliente a Ron Lalá.
Para mi, a partir de hoy, la figura del Quijote, tiene el físico y el gesto de Ignacio Echevarría. Y comparto su melancolía, su ilusión, sus sueños, porque es a él a quien espero parecerme un día como hace al final Sancho Panza. Cuerdos es lo que sobre.  
Nota al margen: tuve en mi misma fila, a dos butacas a la gran Blanca Portillo, aplaudió como una loca, a ella también le encantó, y ella sabe de teatro.

Público

viernes, 26 de diciembre de 2014

CINE: MR TURNER de Mike Leigh

UK 2014
Timothy Spall. Paul Jesson. Marion Bailey. Ruth Sheen. Karl Johnson. Lesley Manville. Martin Savage. Richard Bremmer.

Pocas veces un biopic al estilo clásico no se me queda corto: sin duda es imposible concentrar en la duración standar de una película una vida entera, y cuando además se pretende ahondar en motivaciones, el empeño roza lo imposible.
Generalmente ese tipo de propuestas lo que consiguen es crearme el interés para profundizar por otros medios en la figura referenciada.
Por ello, recibí con sorpresa y satisfacción la Camille Claudel de Bruno Dumont: escogiendo ciertos momentos de su vida, centrándose en lo cotidiano, conseguía algo tan importante como mostrar el interior del personaje y, desde ahí, el resultado era mucho más rico y su historia, entre recuerdos y referencias, conseguía trasladarse de forma más compleja.
Este Mr Turner no está lejos de ese tipo de propuesta.
En primer lugar, ya el título, explícito, deja claro que vamos a hablar, por encima del artista, de la persona.
Posiblemente la existencia de este genial pintor, reconocido en vida y de quien tuvimos la suerte de disfrutar de una exposición hace unos años en el Museo del Prado, fuese tan plural y contradictoria como la época que le tocó vivir; como un hombre en apariencia tan zafio y de origen humilde se convertía en exquisito cuando tenía los pinceles en la mano, que don le llevaba a ser un intérprete de la luz. Además, no es sencillo trasladar en breves apuntes la posición de esa especie de aristocracia cultural que existía alrededor de la pintura y posiblemente del resto de las artes. Todo ello enmarcado en una sociedad cruel en su clasismo, muy lejos de las postales almibaradas que se nos han mostrado en otras ocasiones.
Mike Leigh, un director al que debemos algunos de los mejores filmes británicos de realismo social ( inolvidable Secretos y Mentiras, pero también muchos otros, más demoledores e igual de logrados ), se decide por narrar los últimos años del pintor. No hay explicaciones. Aterrizamos directamente en el momento elegido y a partir de ahí comenzamos a caminar juntos. Y que sencillo es desde ese punto ir conociendo al complejo personaje, su seguridad en el valor de su arte y su capacidad, su humanidad en lo mejor y en lo peor fuera del lienzo, su indiferencia, su compromiso con lo que parecía entender más como profesión que como vocación.
No hay ningún tipo de preciosismo.Ni disculpas ni justificaciones ante sus peores pecados. Si su director aboga por el realismo cuando narra historias actuales, también lo busca cuando se sitúa en otra época. El último plano, desolador, un regalo mínimo a un personaje secundario, es en ese sentido casi una declaración de principios. Hay además un trabajo excelente en una dirección artística que tampoco apuesta por el feismo.
De todos modos , además de todos los valores antes citados, hay uno directamente referido a la obra de Turner, y es que, sin aprovecharse de ello, Mike Leigh no renuncia a acercarnos a algunas de sus obras maestras, no sólo en la pintura sino en los paisajes que inspiraron a este genio que fallece diciendo "Dios es el sol".
De la interpretación de Timothy Spall, premiado en Cannes, se dirá mucho, yo sólo quiero recalcar que es uno de esos casos en que más que interpretación debe de hablarse de identificación, de conversión.
Mr. Turner es en definitiva una película importante, posiblemente de las más logradas sobre un pintor, y no es fácil en su propuesta, su director nunca ha optado por los caminos trillados. Creo que este es, sin duda, un paso adelante en su larga filmografía.

Público

miércoles, 24 de diciembre de 2014

NOVELA: OJALA NOS PERDONEN de A.M. Homes

Anagrama
656 páginas
También disponible en ebook

Esta larga novela comienza, tras un prólogo , esa comida del Día de Acción de Gracias que le dará su marco temporal, con unos sucesos brutales encadenados de una forma tan rápida que sorprenden, teñidos además de una ausencia absoluta de dramatismo. Todo ello es un inicio impactante sin duda.
A partir de ahí, nos sumergimos en como todo ello afecta al conjunto de personajes que directa o tangencialmente tienen alguna relación con lo ocurrido, su día a día ante una nueva situación, para llegar a un lugar desde donde poder contemplar su futuro.
Hay muchas cosas que hacen singular esta propuesta, especialmente el tono ligeramente irónico pero con un humor no exento de la ternura que la autora siente y muestra hacia sus personajes, pero también la delicadeza y lo cotidiano ( con los matices de los que luego hablaremos ) de lo que se nos va contando, como si fuese una especie de moderno Chejov americano .
Y cuando hablaba de los matices, me refiero al hecho de que Ojala nos perdonen es una novela absolutamente pegada a la actualidad y a la sociedad en la que se enmarca. Así, con un referente en el nacimiento del sueño americano, a través de la aparición de la figura de Nixon, lo que nos encontramos es con un paisaje de en que ha quedado ese antiguo sueño hoy día, mantenido en el mayor de los casos a base de pastillas de distinta índole ( la mayoría de los personajes son verdaderas farmacias ambulantes ).
No hay dulcificación falsa en lo que se nos muestra, pero tampoco ningún morbo en la desgracia. Ya he dicho antes que la autora escribe con ternura, también con mucha esperanza; sin duda, tras el inicio, hay mucho que se deshace, pero también nace algo nuevo; la familia puede haber desaparecido en el concepto más tradicional, pero siempre puede el amor funcionar como pegamento para crear nuevos modelos de tribu igualmente válidos.
No es fácil el empeño.
Asume el riesgo de mantener durante más de seiscientas páginas un equilibrio sin estridencias y con un sentido del humor al límite de la caricatura pero totalmente verosimil.
Y hay que concluir diciendo que, todo lo que se propone la autora lo consigue.
Una voz singular, pero sobre todo una mirada única donde conviven corazón y cerebro.

Público

CINE: MAGIA A LA LUZ DE LA LUNA de Woody Allen

USA. 2014
Colin Firth. Emma Stone. Simon McBurney. Eileen Atkins. Jacki Weaver. Hamish Linklater. Marcia Gay Harden

Allen sigue fiel a su compromiso anual, lo que hace que su producción esté muy por encima de la media de cualquier director.
Con ello, es difícil que todas sus obras estén al mismo nivel, así como que cada uno no encuentre en su catálogo algunas que le llenen especialmente. Se podría decir que también debería ocurrir lo contrario, pero a mi, personalmente, salvo su visita patria en Vicky Cristina Barcelona, ninguna me produce especial rechazo.
Tras la dureza de Blue Jasmine, llega ahora un descanso, una comedia agradable incluso en la época elegida y en su estética luminosa. Aun así, el autor no puede evitar cierto nivel de reflexión, más amable al parecer a medida que se hace mayor, sobre la existencia o, mejor dicho, la necesidad de la magia en nuestras vidas.
La trama es lineal, fácil y tierna, sobre el trayecto de un mago escéptico, racionalista y amargado, a descubrir lo incomprensible del amor, a través del camino inesperado del engaño.
El resultado, una comedia que huele a antiguo, a delicia ya conocida pero no por ello poco disfrutable, sin aristas pero con corazón y menos hilarante que en otras ocasiones pero con permanente sonrisa.
Sí es cierto que la dinámica por la que en esos momentos Europa ( o mejor dicho la sociedad europea ) se vio presa del engaño de muchos timadores que decidieron aprovecharse de la búsqueda de una dimensión más espiritual, hubiese dado para una cinta histórica , pero este nunca ha sido el género en el que se ha movido Allen.  
Él es capaz de presentar, entre sus logros mayores, pequeños cuentos didácticos desde la asunción de que los problemas de este mundo son más sencillos de lo que parecen, este es uno de ellos. Además tengo la sensación , la agradable sensación, de que al contrario de lo que le ocurre a muchos autores, los años le han convertido en alguien menos escéptico y mucho más empático, aumentando su ternura y su comprensión hacia los múltiples defectos del ser humano.
¿ Tiene eso algo de malo?.
el brillo en la mirada de Emma Stone y la entrega final de Colin Firth nos aseguran que no.

Público

lunes, 22 de diciembre de 2014

CINE: INTERSTELLAR de Christopher Nolan

USA. 2014
Matthew Mcconaughey. Anne Hathaway. Jessica Chastain. Michael Caine. Jonh Lithgood. Mat Damon. Casey Affleck. Wes Bentley

A estas alturas , nadie puede dudar de la capacidad de Nolan como director para manejar grandes materiales, ni , por supuesto, de su ambición.
El que se descubrió para la mayoría con ese thriller rompecabezas que fue Memento, ha avanzado en la escala de producción de Hollywood , pasando incluso por una trilogía de superhéroe, hasta convertirse ya en un referente para los taquillazos de calidad.
Y es que , hay que decirlo, algo que arrastra desde el origen antes citado, es que no es un escritor/ director dado a ponérselo fácil al espectador, sino al contrario, le exige toda su atención incluso en aquello que parecen meros entretenimientos de género.
Nolan jugo en Origen con el sueño, creando una estructura de muñecas rusas a las que era difícil seguir al cien por cien pero que atrapaban desde el primer momento. Ahora emprende una epopeya espacial, nada menos que la de aquellos que , desde un mundo apocalíptico, están llamados a buscar nuevos paisajes en los que pueda desarrollarse el ser humano. Pero tampoco en este caso se queda en los esquemas conocidos, sino que emprende un viaje alrededor del concepto de tiempo y su relatividad en el cosmos, como un gran juego de referencias en que se mezclan lo lógico y lo mágico.
Una vez más, igual que ocurría en el caso anterior, lo más difícil es conseguir fundir el ensayo con la narrativa , hacer creíble esa especie de explicaciones pseudocientíficas en donde no es extraño perderse en algún momento, y sobre todo tener la duda de si son meros soportes para otorgarle al artefacto cierto matiz de trascendencia. Pero incluso en este apartado, Nolan consigue crear universos propios, singulares y llamativos para, por lo menos, conseguir poner en imágenes propuestas tan complejas.
Interstellar además está muy bien contada , tanto en la aventura como en la lectura de melodrama familiar que también soporta; su director ya ha demostrado que es capaz de trazar un recorrido humano con el mismo pulso con el que mueve naves espaciales, bien sea entre padres e hijos, como en este caso, o, como en Origen , asomándose al romanticismo extremo.
Con todo ello, casi tres horas de película, transcurren sin que miremos el reloj y , en algunos pasajes,( creo que de forma intencionada a modo de homenaje ) , recordándonos a Kubrick ( esas danzas en el espacio con música clásica de fondo, esos silencios donde se puede percibir la nada ).
Lo dicho al principio, Nolan es ya una apuesta segura en cuanto a su capacidad de generar entretenimiento de calidad , tal vez pueda ser cuestionable su punto de trascendencia , en cualquier caso, lleva a cabo grandes obras , de esas que reiteran la función del cine como espectáculo, algo que nunca se debería de perder y que nos remite al inicio del séptimo arte.
Personalmente , ahora me gustaría verlo volver a alguna de sus obras en apariencia menores; que , de nuevo, me alcanzase la incomodidad que me regalo con la ya citada Memento o con Insonmia, en cualquier caso, que no se pierda entre fuegos artificiales.
Ya no le hace falta demostrar nada. Puede seguir por lo tanto haciendo simple y llanamente muy buen cine.

Público  
   

viernes, 19 de diciembre de 2014

CINE: AMOR FOU de Jessica Hausner

Austria 2014
Christian Fradel. Brite Schoeink. Stephan Grossmann.

El doble suicidio por amor, sin duda un suceso icónico del romanticismo más extremo, capaz de llenar muchas páginas de literatura pero también de llevarse a cabo en la realidad.
Henrich Von Kleist, escritor alemán del siglo pasado, llevó a cabo esa locura, tras disparar a una mujer, casada y con una hija, con la que al parecer había pactado compartir la muerte. ¿ Una trágica historia de amor? no parece ser esa la idea de la directora de esta película.
Todo esto ocurría en un momento en que la Revolución Francesa había sido un aviso al resto de Europa de que las cosas deberían de empezar a cambiar. Una etapa de mutación desde un régimen social heredero del feudalismo hasta estructuras más igualitarias. Hoy nos parecen increíbles algunas de las cuestiones que entonces se planteaban, pero fueron necesarios grandes esfuerzos para que siquiera llegasen a plantearse.
Haussner se esmera en narrar ese doble suicidio desde que el escritor se lo propone a su compañera hasta poco después de que este se lleve a cabo, y lo hace renunciando a cualquier tentación sentimentaloide: en el paisaje social que les rodeaba, en esa etapa de aparente transición, lo importante comenzaba a ser la razón, y ya no quedaba sitio para romanticismos de fábula.
Así, Von Kleist se muestra como un hombre despechado, aburrido y poco empático, y Enrietta es una mujer confusa, enferma y que si finalmente muere es, más que por una verdadera decisión, por un malentendido.
Nos producen mucha más compasión el marido y la hija que esta pareja tan fuera de lugar.
La forma de narrar de la directora es perfectamente coherente con su contenido, y así, utiliza una pluma fría, controlada, casi escenográfica desde el punto de vista teatral en sus composiciones, eso sí, hermosa y siempre equilibrada.
Además, tanto en la escritura como en la representación, es meticulosa y delicada, inteligente y precisa.Combina a la perfección las acciones y dudas de estos dos personajes, con la información sobre los cambios que se avecinaban. Crea un tapiz intelectualmente muy interesante, sólido y con un desarrollo muy bien organizado.
Amor Fou es una película atípica en su género, o deberíamos de decir "en sus géneros",  tanto desde el hecho romántico como desde el histórico. Esto la convierte en singular y en arriesgada. ¿ El resultado? una muy buena muestra de cine pero también un documento muy bien planteado para entender una época. De un rigor que puede ser limitativo, pero que a mi me ha causado un gran placer.
Por cierto: apenas una semana en pantalla. Filmin de nuevo. Pasará el tiempo y se recordará. Estoy seguro.

Público

martes, 16 de diciembre de 2014

NOVELA: EL LEOPARDO de Jo Nesbo

Ramdon House Literatura
696 páginas
También disponible en ebook.

La literatura negra es para mi uno de los géneros que ha creado muchas de las mejores obras que se han escrito. No sólo es uno de los mejores exponentes de la novela psicológica y social sino que es, posiblemente , la que ha generado un mayor número de lectores por su faceta de entretenimiento.
En ocasiones menospreciada por culturetas con pretensiones, personalmente es el repositorio donde he encontrado a muchos de mis escritores favoritos.
Esto tiene poco que ver con el best seller ( ojo, tampoco critico esta opción siempre que se escriba con pasión y respeto por el lector ).
Ültimamente , como ha ocurrido también con el género histórico, creo que se ha producido una evolución que no termina de gustarme: me refiero a la creación de obras que pretenden convertirse en hitos multiventas, emulando seguramente casos como los de Stieg Larsson ( de quien creo que sólo la primera parte de la trilogía responde a lo mejor del género).
¿ Cual es la dinámica utilizada por estos autores? fundamentalmente la manipulación del lector.
El autor cuenta con todas las cartas en su mano, no es tan importante la coherencia interna del relato como conseguir sorprender hasta el final, tensando cualquier situación y generando vueltas de tuerca contínuas.
No es demasiado difícil crear un entramado cada vez más complejo, llenarlo de trampas y conseguir que la curiosidad nos lleve de una página a otra. Lo difícil es saber equilibrar el desarrollo posterior de la trama y llegar a un final que sea creíble y que esté a la altura del enigma propuesto.
Nesbo comienza bien , tal vez con una excesiva truculencia en los crímenes de este asesino en serie , pero en cualquier caso, lo normal es engancharse en la primera mitad del libro.
Luego viene el resto:
Lo que podría ser una intriga alrededor de un asesino en serie, se desdobla en numerosos personajes que pueden llegar a confundir y que, en cualquier caso, no hacen fácil avanzar; se suceden los cambios y giros , a mero capricho del autor; se alarga no ya la trama sino también los detalles , los pasos por los que vamos avanzando.
En definitiva , a mi personalmente me ocurre algo que debe considerarse un pecado poco admisible en este género, y es que me llega a cansar , incluso a aburrir un poco y estoy deseando llegar de una vez a la conclusión.
No le niego a su autor la capacidad de crear un artificio de ardua elaboración , que seguramente ha requerido un trabajo ingente y muy respetable, pero el resultado está lejos de lo que a mi me gusta , de aquellas piezas con las que genios como Chandler o Hammet elevaron a literatura el género.
Viene del frío, tribu que inauguró mi adorado Mankell y que ha dado lugar a muchos seguidores, algunos me gustan otros no.
Nesbo seguramente será de los que van a tener un éxito mayor . Personalmente yo no creo que me encuentre entre sus futuros lectores.
Pero no me hagáis demasiado caso: son muchos los que han alabado El Leopardo. Serán cosas mías....

Público
  

sábado, 13 de diciembre de 2014

CINE: ADIOS AL LENGUAJE de Jean- Luc Godard

Suiza 2014
Heloise Godet. Zoe Bruneau. Kamel Abdelli. Richard Chevalier. Jessica Ericksson. Alexandre Paila. Dimitri Basil

Tengo que reconocer que mi cultura cinematográfica es tardía.
Es lo que tiene nacer y criarse en una ciudad de provincias en el siglo pasado ( que lejos suena¡ ) : mi cultura cinematográfica se creó a base de la televisión, sesión de tarde y sábado cine fundamentalmente.
Por eso, figuras como Antonioni, Bergman o el propio Godard, son algo así como genios del bosque sobre los que leía mucho pero a los que nunca había visto.
Una vez alcanzada la madurez, decidí embarcarme en travesías de descubrimiento, pero era tanto lo pendiente que, francamente tengo la sensación de que mi conocimiento se ha hecho a retazos.
Con  esto quiero decir que, como en otros casos, veo esta obra desde el aislamiento y su unicidad, no como parte de un catálogo o una trayectoria. Sí conozco alguna de sus películas, quizás las más antiguas, donde soy consciente de su interés por la forma, pero no puedo dibujar un itinerario que nos lleve a esta pieza, tan singular como inclasificable.
Adios al lenguaje es un título definitorio. Yo personalmente pienso que más que un adiós estamos asistiendo a un ensayo sobre su evolución : si hablamos de imagen, el material que utiliza su autor, nos encontramos con que, en muchas ocasiones, cuando se conoce como utilizarlo, lo importante es usarla desde la manipulación conceptual y estructural para transmitir ( el lenguaje transmite ) pero si le añadimos la capacidad epidérmica de crear sensaciones, tendríamos que pensar que el lenguaje ha mutado hacia una herramienta mucho más elaborada pero a lo mejor más espontanea y abierta en cuanto a aquello que transmite. Sumémosle música, texto, movimiento.... y veremos que el lenguaje ha mutado mucho y se ha convertido en algo que puede ser interpretado de forma diferente según el receptor.
La experiencia es tan lúcida como rica.
Me niego a hablar, como he visto en alguna crítica, sobre de que se trata; es tanto lo que hay en estos setenta minutos, son tantas las combinaciones posibles que cualquier intención de concentrarlo en una línea sería reductora.
Queda la experiencia, única, que percibimos con la vista y el sonido, siempre sorprendidos, pero también con la mente, siempre ilusionada en su búsqueda.
Esos balbuceos de bebe en los títulos de crédito finales, primeros pasos del lenguaje, no son más que una muestra del largo recorrido, desde el descubrimiento a la utilización.
Hermosa, siempre que comprendamos la belleza como algo no sólo estético, sino también espiritual.

Público

viernes, 12 de diciembre de 2014

CINE: MOMMY de Xavier Dolan

Canadá 2014
Anne Dorval. Antoine Olivier Pilon. Suzanne Clement. Patrick Huard

Veo esta película sin conocer ninguna de las obras anteriores de Xavier Dolan.
No tengo por lo tanto ni prejuicios ni referencias sobre lo que ha hecho hasta ahora; si bien sé, por la de veces que se ha publicado, que tiene sólo veinticinco años, pero desconozco si se repite en sus temas o en su estilo.
Disfruto por lo tanto Mommy como un producto aislado, como una pieza única.
Y reconozco que me produce una total fascinación.
 Argumentalmente la propuesta no se aleja de un melodrama familiar: una madre viuda, joven, atractiva, nada convencional y con pocos recursos, decide asumir la convivencia con su hijo enfermo de un trastorno de personalidad; en su difícil devenir se les incorpora una vecina también en situación compleja ( que acierto no contar , en este caso, cuales son las causas, y que sensibilidad en los retazos de información ) , todo ello en un entorno realista de clase media baja ( quiero señalar que soy consciente al decir realismo, que la cintase inicia con un mensaje que la sitúa en un cercano futuro, 2015, pero creo que es más una opción de desarrollo narrativo que de género ).
Uno de los aspectos que convierten en singular esta historia es efectivamente la personalidad visual de Dolan, una caligrafía que a pesar de su obvia artificialidad, destila frescura, ligereza y una leve hermosura, todo ello dominado con una gran lucidez, creo que la de alguien que ha visto mucho cine o para quien, por lo menos, el cine forma parte de su carnet sentimental.
Otro, es la propia escritura del guión, que sin ahorrar dramatismo y violencia, es capaz de equilibrar la relación de los tres personajes principales, dotando cada uno de su personalidad y su corazón, hasta conseguir que , difícil, empaticemos con ellos individualmente.
En tercer lugar, no pudo evitar hablar de los actores, algo que no siempre hago, pero es que es imposible imaginar esta película sin alguno de ellos . Son sus personajes en cada minuto, algo nada fácil en una constante serie de omnipresentes primeros planos. El papel de la madre es el eje central, aquella alrededor de la cual se vertebra la historia, de su amor, su dolor, su lucha; pero era necesario que el hijo tuviese la suficiente entidad para ser creíble, para ocupar su lugar, y el rostro con que nos encontramos está plagado de plástica para hacernos ir y venir de una sensación a otra, del miedo al cariño, del desconcierto al foco absoluto en el objeto de su confusa pasión, es tan querible como odioso; la vecina, Kyla,  no es un dibujo fácil, es la que tiene menos referencias a las que agarrarse, no importa, nos convence de que puede funcionar al tiempo como público y como catalizador, y que también su historia merecería ser contada..
Pero lo más importante, lo que me ha hecho estar durante las más de dos horas atrapado en esta historia, no son tanto sus elementos como lo que producen , y es que a pesar de lo dramático del asunto que se trata y lo nada complaciente de su desarrollo, la película transmite un gran calidez y es algo así como totalmente luminosa. Supongo que es lo normal si tenemos en cuenta que esta es una cinta que fundamentalmente habla del amor, de un amor tan incondicional como el que existe entre madre e hijo, pero precisamente, y más en circunstancias como estas, es ese un amor lleno de esquinas por lo que tiene de dependencia y de obligación; también de un amor que llega, que se coloca, que busca su hueco aunque no sepa si le corresponde. Uno de los logros de su director, de sus muchos valores en esta obra, es ser capaz de mostrarlo, y de mostrar sobre todo su esencia, como si hubiese destilado el sentimiento de todo aquello que lo puede envenenar para extraerlo y mostrarlo en toda su pureza, algo tan difícil como eterno. Y lo consigue, en momentos, en miradas, en detalles, en definitiva en un aire general de milagro que parece mojar todos sus fotogramas.
A veces he hablado de la alquimia, eso que convierte a ciertos creadores en magos, capaces de generar , sin que sepamos como, sentimientos y sensaciones únicos.
Xavier Dolan, al menos en mi caso, es uno de ellos. Me interesa saber si es un caso único o lo ha hecho también en sus otras cintas, las buscaré.
Mientras tanto me quedo con la experiencia epidérmica, cruda, tierna y difícil que me ha regalado con esta maravillosa Mommy.
Gracias por ello.

Público

martes, 9 de diciembre de 2014

TEXTO: ALABARDAS de José Saramago

Alfaguara
70 páginas
También disponible en ebook.

Cuando perdemos a un escritor del nivel de José Saramago, todos agradecemos cualquier descubrimiento de textos perdidos o inconclusos.
Hace no mucho, hablaba del placer de la obra inacabada de Ana María Matute.
Por ello, Alabardas se presenta en principio como un regalo.
Imposible resistirse....
Sin embargo, conviene aclarar varias cosas al respecto del documento que presenta Alfaguara:
No puede hablarse de Alabardas como una novela inconclusa, son apenas tres capítulos que esbozan una posible narración pero sin pasar de su inicio, algo muy limitado. Por supuesto está la prosa sencilla y sabia de su autor , su tono entre el cuento y la parábola y su interés en bucear en los males que acechan a esta sociedad, pero son meros apuntes.
También son mínimas las notas del propio escritor a las que se hace referencia, sobre lo que sería el desarrollo posterior de esta obra. Aportan muy poco sobre su pensamiento, insuficiente para avanzar con él en la historia de este , uno más, de sus personajes cotidianos sometidos a la fuerza de los elementos.
El volumen se adorna con ilustraciones de Gunter Grass, atractivas pero difíciles de encajar con el texto, y con dos artículos, uno de ellos de Saviano, que nos acercan a la ética de un hombre que , hasta el último instante, estuvo agarrado a su interés por contar.
Posiblemente sería absurdo renunciar a sus últimas páginas , pero quizás debería de haberse hecho de otra manera que sonase menos a maniobra editorial.
Me ha gustado leerlo, eso es cierto. Bueno, quedémonos con eso.

Público  

domingo, 7 de diciembre de 2014

TEATRO: DONDE HAY AGRAVIOS NO HAY CELOS de Francisco de Rojas Zorrilla

Dirección.- Helena Pimenta
Interpretada por.- Jesús Noguero. Clara Sánchis. David Lorente. Rafa Castejón. Natalia Millán. Nuria Gallardo. Fernando Sansegundo. Oscar Zafra

Son ya más de 25 los años que la Compañía Nacional de Teatro Clásico lleva con el objetivo de acercar a un público masivo las obras de nuestro siglo de oro.
Sin generalizar, era difícil antes de su nacimiento que acudir a una representación de Lope o Calderón fuese un plan apetecible para alguien por debajo de la cincuentena.
Han pasado diferentes directores y algunos han entendido mejor que otros el propósito. En general el balance es muy bueno, tanto en lo que se refiere a popularizarlos como a rescatar muchas piezas casi desconocidas.
Posiblemente ninguno ha sido tan valioso como su fundador, Adolfo Marsillach, atrevido y genial por partes iguales, pero eso es otra historia.
Helena Pimenta , me atrevo a apostar, va a ser un buen fichaje: no en vano, ya ha servido a Shakespeare con lucidez y frescura ( son muchos los que se bautizaron en el bardo inglés con su versión del Sueño de una noche de verano, varias veces repuesta ). Ahora afronta, dentro del programa de esta temporada, la dirección de una comedia que tiene como fondo el honor, y ,comprendiendo el cambio de los tiempos, lo acerca al género de enredo potenciando con acierto la vena cómica.
¿El resultado? pues bien, nada como escuchar las carcajadas del patio de butacas para tenerlo claro.
Hay elegancia, hay ritmo ( ayudado por la música y el baile ), hay una adaptación que se para a explicar lo necesario para que nadie se pierda. Hay un control cromático muy hermoso y toques de actualización que no buscan la fácil sorpresa del anacronismo.
Sobre todo hay respeto ( por el autor y por el público ), y hay eso tan difícil que es versionar sin profanar.
Y mucho, mucho, mucho juego.
Además, imprescindible, hay un conjunto de actores excelentes , capaces de decir el verso con elegancia y contundencia. De moverse como muñecos. Y de divertirse tanto como nos divierten a nosotros. Noguero y Lorente , a los que no recuerdo de otras veces , componen una hilarante pareja de clowns, tienen los mejores momentos, de Nuria Gallardo ya nadie duda , haga lo que haga; pero nunca me pude imaginar a la habitualmente dramática Clara Sanchis tan gamberra ni a la multiusos Natalia Millán ( ¿perohay algo que esta mujer haga mal?) recitando así.
Lo dicho: un juego elegante, hermoso, vivo. Y que algo esté tan vivo después de tantos años dice mucho a su favor.
Reírse con los clásicos es mucho más sano. De verdad.

Público

NOVELA: LOS CUATRO JINETES DEL APOCALIPSIS de Vicente Blasco Ibáñez

Varias editoriales.
También disponible en ebook.

Lo dije cuando descubrí a este autor en Sangre y Arena: iba a seguirlo, y de hecho, sin terminar aquella, ya había comprado esta, Los cuatro jinetes del Apocalipsis.
Pues bien, una vez que he terminado la segunda, sólo puedo decir que confirmo mi admiración y también mi sorpresa.
Voy por partes:
Por un lado, admiración por su capacidad narrativa pero también y sobre todo, por su capacidad de dibujar y su paleta de colores. En esta ocasión me cuesta hablar de costumbrismo; quizás porque es esta una palabra mal referenciada a lo castizo, lo localista, y , si bien la novela anterior era muy española en su ambiente, en esta nos encontramos con la Europa de la Primera Guerra Mundial , tras un periplo en Latinoamérica. Algo totalmente alejado pero igual de bien escrito.
Y sorpresa porque me encuentro con, no exagero, un antecedente a Ken Follet y similares. Nada menos. Por ello me sorprende que no tenga en nuestro país el reconocimiento que merece y que no venda libros sin parar. Me sorprende también , aunque esto no tanto, que sea Hollywood quien lo haya reconocido hace ya mucho tiempo y que  también de esta hubiese película, con gente como Glen Ford y Charles Boyer.
Lo dicho: es un grande. Reiterado. Pero también un ejemplar atípico en momentos de narrativa social o naturalista. Descubrámoslo pues . Nunca es tarde.

Público

viernes, 5 de diciembre de 2014

CINE: EL AMOR ES EXTRAÑO de Ira Sachs

USA. 2014
Jonh Lithgow. Alfred Molina. Marisa Tomei

El director de esta hermosa película no pretende epatarnos con un ejercicio de estilo ni abrumarnos con su sabiduría visual. Tampoco nos quiere obligar a una inmersión intelectual de primer orden. De hecho, Ira Sachs casi parece que pretende no estar. Porque lo que verdaderamente tenemos ante nuestros ojos, lo que nos encontramos, es algo tan simple y tan grande como una historia sencilla.Que difícil parecer fácil.
Los protagonistas son dos hombres que deciden casarse después de casi cuarenta años juntos. Podrían ser indiferentemente un hombre y una mujer o dos mujeres, lo importante es que son dos personas que se han amado desde mucho tiempo atrás y han compartido muchas cosas, y como esas personas tienen que afrontar cambios inesperados en una edad complicada.
Lo que convierte esta película en una obra tan especial es la decisión de su creador, su espíritu y su elegancia. No hay nada que desentone en su hora y media. Hay un ritmo pausado, un aire a Chejov como hacía mucho que no veía en el cine. Una capacidad de observación minuciosa que consigue captar infinidad de matices, de sentimientos , de perfiles. Creo que nunca hasta ahora había sentido tan cerca el retrato del amor , como ese precioso jersey de toda la vida que abriga más que ninguno, ese estado maravilloso que compensa toda una vida y a la que cualquier persona sueña con llegar.
Son miradas, son sonrisas, son gestos, pero además Ira Sachs enmarca todo ello en un paisaje urbano precioso pero nunca falso, con una luz y una música capaz de llegar al alma.
Todo esto, este conjunto de escenas que tienen la importancia que tiene la vida, la de verdad, se hace realidad gracias a todo lo que hemos dicho antes, pero también y sobre todo por las dos interpretaciones antológicas de Lithgow y Molina, dos grandes que están mejor que nunca; es impresionante la cantidad de matices que consiguen. Los acompaña Marisa Tomei, una actriz que nunca falla y aquí , como empujada por el talento de sus dos compañeros está mejor que nunca.
Salgo pues enamorado de esta cinta que dude si ir a ver y que se ha convertido en una de esas sorpresas que de vez en cuando nos regala en cine.
Sí, me ha tocado el corazón.
Y siendo una película triste, verdaderamente supone una especie de viaje hacia la luz, una forma de hacernos comprender que, pese a todo lo que nos rodea, el amor existe y puede cambiar el mundo. Aunque muchas veces sea algo extraño.

Público

martes, 2 de diciembre de 2014

NOVELA: OFRENDA A LA TORMENTA de Dolores Redondo

Destino
544 páginas
También disponible en ebook.

Siempre he pensado que en la novela negra , lo difícil no es empezar sino terminar.
Tampoco es que empezar sea fácil, cuando uno se sitúa , como lo hace Dolores Redondo, en un peligroso terreno que bascula entre lo criminal y lo sobrenatural. No es sencillo fusionar la realidad y la leyenda haciendo que todo sea creíble, vincular el presente al pasado sin que se vea el artificio, convertir la tensión en miedo.
A mi entender , las comparaciones entre la obra de esta autora y Stieg Larsson ( Los Hombres que no Amaban a las mujeres ), se deben sólo a su carácter de trilogía y su capacidad para crear tensión; personalmente Redondo me parece mucho más cercana a Jonh Conolly, que también se atreve con el más allá, sin temer que sus lectores se sientan confundidos o engañados.
Pero tengo la sensación de que quien ahora he comenzado por el final he sido yo.
Pongamos un poco de orden:
Me sorprendió su autora, como a tantos, con El Guardián Invisible, apasionante, retadora, oscura. Me lancé por Legado de Huesos en cuanto se publicó, y de nuevo consiguieron sobrecogerme las historias de la inspectora Amaia Salazar ; no sólo, ya lo he citado antes , me atrapa ese tono entre lo mágico y lo criminal tan bien conseguido que podemos sentir en sus páginas la humedad del Baztán, también su capacidad para estructurar el ámbito cotidiano de un conjunto de personajes y sus relaciones en el entorno donde se desarrollan los hechos.
Por supuesto, en cuanto me enteré de que iba a ver la luz Ofrenda a la Tormenta , me puse nervioso. Y me han bastado tres días para devorar sus más de quinientas páginas.
Y ahora sí, vuelvo a lo que comentaba al iniciar esta entrada : muchas veces es muy difícil, por un lado mantener un tono de tensión y sorpresa durante lo que ( sumando los tres libros ) son más de 1.500 páginas , y , por otro lado, conseguir encajar todas las piezas , todas las líneas abiertas , explicar todo aquello que ha permanecido sin explicación.
Pues bien , voy a decirlo ya : Dolores Redondo lo consigue. Ofrenda a la Tormenta es un cierre que está al nivel de las dos entregas anteriores y tiene el nivel suficiente para convertirse en el final de esta Trilogía del Baztán que tanta inquietud nos ha regalado.
De nuevo es un suceso criminal más o menos sorprendente el que abre la acción , de nuevo el presente se funde con el mundo mágico que sigue habitando en los bosques y alrededor del río, y de nuevo al final parece que todo es posible, que nadie nos ha engañado, que más que una novela hemos leído una oscura crónica que nos ha llevado a asomarnos al mal.
Y además de manejar a la perfección su estructura , la autora tiene la capacidad para asumir que encajar todas las piezas , forzar todos los cierres, sería más dibujar un puzzle que una novela. Tengo la sensación de que aun existe la esperanza de que , si no rodeada de las nieblas del Baztán sí en otros lugares , Amaia Salazar tenga que volver a aparecer para arreglar el desequilibrio que , en ocasiones , las fuerzas no deseadas producen en el mundo. La estaré esperando.

Público  

jueves, 27 de noviembre de 2014

NOVELA: LA ULTIMA PALABRA de Hanif Kureishi

Anagrama
307 páginas
También disponible en ebook

Con Kureishi tengo como lector una relación muy gratificante.
Lo conocí en sus libros iniciales , los más salvajes, especialmente El Buda de los Suburbios y también El Album Negro, y en sus guiones para Stephen Frears ( Mi Hermosa Lavanderia, Sammy and Rossie .... ).
A partir de ahí leí infinidad de libros suyos , algunos recuerdo los títulos, otros no, pero siempre con la sensación de un viaje compartido hacia la madurez , y es que este autor refleja mejor que nadie el paso del tiempo, cuando desde una juventud muy joven ( algunos entendereis lo que quiero decir ) vamos haciéndonos mayores, y aunque existen siempre retazos de lo que fuimos, es necesario asumir que estamos entrando en un nuevo país, para lo bueno y para lo malo, para el descubrimiento de islas más reposadas y también para la nostalgia.
Tengo la sensación a veces de haber crecido juntos.
Su ironía está a la par de su capacidad chejoviana para captar la esencia de lo cotidiano con todas sus corrientes subterráneas.
La última palabra es algo diferente.
Por supuesto sigue manteniendo ese estilo lúcido y tranquilo, esa capacidad de observación para dibujar diálogos perfectos en su sinceridad, pero se aleja un poco de su mundo más común o lo enclava en otro paisaje, y también su estructura, sus capas , están en otra línea de elaboración.
Un joven escritor con un silencio que empieza a ser peligroso para su economía, es contratado para escribir la biografía de un autor de culto, polémico y complejo. Para ello, se traslada a la casa de campo donde este vive con su última pareja.
A partir de ahí, la obra se estructura en varios niveles:
Por un lado, la vida que vamos descubriendo de quien es considerado un genio.
Por otro, la biografía del propio biógrafo.
Y finalmente , una narración más novelesca que sirve de estructura al conjunto y consigue trasladarnos, a mi al menos , cierta sensación metaliteraria donde se funden personas y personajes.
El conjunto conserva las mejores virtudes del autor, siendo también una de sus obras más cercanas al ensayo, a un análisis posible sobre el arte y el artista , sobre el proceso de creación ( al tiempo que asistimos al propio proceso ), sobre la verdad y la mentira, la vida y la literatura.
Posiblemente Kureishi está hablando de algo que conoce muy bien , y aunque difiere de sus piezas anteriores , sus personajes , sobre todo el principal, sigue siendo reconocible en esos antiguos jóvenes rebeldes que siguen algo enganchados a lo que entienden que consiguieron en sus luchas libertarias.
Y algo muy importante , es que el autor sigue siendo capaz de , desde su presencia , trasladar a sus textos su humanidad, algo que le permite transmitir sus dudas , no ser nunca categórico en sus afirmaciones.
Me gusta mucho Kureishi, creo que es un autor literariamente muy bueno pero además capaz de la inteligencia de conocer sus limitaciones y de la humildad de contarlo.
Es ya casi un buen amigo.
La última palabra , una muy buena novela.

Público

TEATRO: DESDE BERLIN. TRIBUTO A LOU REED de Juan Villoro. Juan Cavestany y Pau Miró

Director- Andrés Lima
Intérpretes: Pablo Derqui. Nathalie Poza

Sabemos desde hace mucho que no existen ángeles en la tierra; cuando nos topamos con alguien que nos confunde, no suele ser más que un humano que intenta volar y que, por ello, está indefectiblemente condenado al fracaso.
Todos alguna vez hemos experimentado ese anhelo desl paraíso perdido, esa necesidad de tocar el cielo, agarrarlo y traerlo a nuestra habitación; lo único que conseguimos son retazos, llamaradas fugaces, y mientras tanto la vida real se nos escapa entre los dedos.
Para alargar esos momentos en que parece que nos hemos convertido en pura esencia del gozo, en pequeños dioses, hay muchas propuestas artificiales, el alcohol, pero especialmente las drogas.
Este ansia, más expuesta en otras épocas de descubrimiento de la libertad, ha existido y seguirá existiendo siempre, alimentado por la búsqueda de la felicidad, pero también por algo tan humano como el miedo.
Mientras tanto, mientras algunos echan el ancla en ese estado irreal, no son conscientes de que el tiempo siempre pasa, siempre transcurre con una lógica cruel e imparable. Y se termina la belleza, y el goce por repetido pierde su sentido, y llega el cansancio...
Al final quedan cosas: queda el recuerdo de la imagen del fuego, queda la poesía, quedan los sueños infantiles que se han conseguido salvar de la quema, queda dolor, un dolor infinito.... no mucho para toda una vida.
De este trata Desde Berlín. De lo que se puede perder y conseguir por querer vivir toda la vida de golpe, como si estuviésemos siempre al filo de perderla. Como si fuésemos ángeles; sin darnos cuenta de que al final esos ángeles siempre terminan convertidos en fantasmas, almas en pena.
No soy conocedor de la obra de Lou Reed para saber lo que esta historia, contada a trozos desde el recuerdo, le debe a sus canciones. En cualquier caso, es un texto vivo, brutal, cruzado de flechas de poesía y lleno de carne.
Para ponerlo en pie, Andrés Lima cuenta con el soporte continuo de la música de Reed en forma de banda sonora omnipresente, casi un musical de bolsillo, y dos pantallas que reflejan unas imágenes en constante estado de alucinación. Y por supuesto dos actores que se entregan en cuerpo y alma; no conocía la fuerza de Derqui, sigo fascinado por la voz de Poza que al mismo tiempo dice y cuenta y ahora también canta.
El espectáculo, excelente, es violento, agresivo, bellísimo, hipnótico.
Sólo dura una hora y cuarto.
Se agradece.
No sólo porque hubiese sido difícil mantener ese ritmo tan epidérmico un minuto más, sino porque hubiese sido demasiado doloroso soportarlo.

Público

sábado, 22 de noviembre de 2014

NOVELA: LOS HIJOS de Gay Talese

Alfaguara
752 páginas
También disponible en ebook.

Hay ocasiones en que los adjetivos deben de utilizarse en toda su amplitud, aquellas en las que, por ejemplo, "grande" expresa tamaño y grandeza, y , en lo que se refiere a tamaño, nos referimos tanto a volumen propiamente dicho como a ambición.
Entrar en Los Hijos me ha supuesto pasar más de diez días inmerso en una narración coral, plural en tiempos y personajes , donde la historia se maneja tanto en minúsculas como en mayúsculas. Un tiempo de disfrute absoluto, corriendo de un lugar a otro, de una época a la siguiente, de un suceso a una crónica, de un drama a una comedia, de un cuadro de costumbres a espiar por la mirilla la vida privada de una comunidad.
Talese se propone en este proyecto contarnos , mirando hacia atrás, la historia de su familia, en un sentido amplio por lo que se refiere al arco temporal, pero también espacial.
Nacidos en una pequeña localidad del sur de Italia, Madia, sus componentes son el embrión de este escritor americano, recogiendo muchas de las referencias que ya conocemos de esa comunidad de emigrantes, pero no sólo eso; algunos permanecieron hasta su muerte en su lugar de nacimiento, o regresaron tras su periplo en el extranjero; otro vivieron durante años en otras ciudades europeas como París; y dentro de los Estados Unidos, los hubo que buscaron , o encontraron sin buscarlo, su destino en lugares muy diversos. Los hubo también que apoyaron la unificación del país de la bota, otros se decantaron con el tiempo por el socialismo, o al contrario, por apoyar el fascismo de Mussolini, sobrevivieron a la guerra o allí fueron heridos para siempre; pero todos, todos , vivieron , amaron, tuvieron sueños y pesadillas, fueron adaptándose a un mundo que cambiaba, y criaron hijos, sus hijos, que continuarían y seguramente continuarán esta saga.
Talese aborda la narración desde el aliento de un clásico, sin intentar ejercicios de estilo pero con una prosa hermosa y precisa y, eso sí, con muchísimo cariño por todos y cada uno de sus personajes.
Pero antes he citado la historia con mayúscula , y es que esta no sólo sirve como telón de fondo, en el Resorgimiento, las dos Guerras Mundiales etc , sino que, como buen periodista, el autor es capaz de integrar en el largo devenir capítulos dedicados a hacernos conocer de una forma didáctica y perfectamente comprensible, quienes eran Garibaldi, el dictador italiano, como se desarrollo la vida en los campos de batalla, el nacimiento del capitalismo americano o la depresión.
Los Hijos, concluyendo, es una novela grande , en extensión, en ambición , en el número de historias que narra, en su cantidad de personajes y escenarios, y es una gran novela porque consigue todo eso con absoluta maestría y apasionando en cada página .
Una absoluta gozada que , sin duda , nace ya como un clásico.
¿Una pega?, que se acaba.

viernes, 21 de noviembre de 2014

CINE: ORIGENES de Mike Cahill

USA 2014
Michael Pitt. Brit Marling. Astrid Berges- Frisbey. Steven Yeun

No sé si es una apreciación personal, pero creo que Orígenes admite dos lecturas.
Por un lado, podemos verla como una película de ficción científica, muy atractiva en su planteamiento e hipnótica en su realización, de gran belleza formal. En este sentido, en su aire de thriller, consigue el director mantener la atención de forma constante, sin que se pierda el grado de interés en ningún momento, Para ello, ha compuesto un guión medido, muy bien enhebrado, en el que dosifica ciertas trampas necesarias , en forma de coincidencias, de quizás un exceso de artificio. Es un buen andamiaje.
Sin embargo, como he dicho al inicio, yo tengo otra lectura:
Veo una escena especialmente relevante, y es aquella ( voy a intentar no destripar sus sorpresas ) relacionada con el número 11.
Basándome en ella y en un modelo narrativo donde importan más los hechos que sus explicaciones , mi visión de Orígenes es la de un cuento fantástico y mágico, un hermoso relato de espiritualidad, del ser humano buscando un sentido a su existencia, incluso con una especie de hada capaz de guiar al protagonista a una vida más plena y desde la que, estoy seguro, será capaz de difundir aquello que ha recibido. Un camino desde lo pragmático de la ciencia hasta la luz y la esperanza.
Me gusta el mensaje y me gusta también la forma de escribirlo, con esos personajes tan humanos, esa definición del desarrollo científico sin excesos que lo hagan farragoso, esas dudas. Pero sobre todo, teniendo en cuenta que es una película, me gusta como está contada, a nivel de epidermis, con esos primeros planos capaz de captar cualquier gesto y que se mezclan con muy hermosos paisajes, y esa banda sonora intermitente y magnética.
Y, como no, me gusta su final. El doble final: aquel con el que termina  ( sorprendente, lúcido, bello, lleno de alma ) y el que nos reservan para después de los títulos de crédito, ojo, no os vayáis antes.

Público  

jueves, 20 de noviembre de 2014

UN CLASICO; MIKE MICHOLS. ADIOS

Hay muchos directores que adquirieron su nombre en otra época , algo que les ha llevado a ser recordados y considerados como clásicos.
Sin duda Mike Nichols es uno de ellos, desde que con El Graduado, seguramente rompió una forma de contar y las barreras morales de la época; luego vinieron muchas otras como ¿Quien teme a Virginia Woolf?, o Conocimiento Carnal  y se fue convirtiendo en un referente.
Pero el tiempo pasa y llegan otros en quien fijarse. Esa es la etapa que determina la grandeza  de un creador y, por decirlo de algún modo, su juventud ( aunque suene a lugar común ).
A muchos les sorprendería saber que era un hombre de su edad quien estaba detrás de una comedia tan fresca como Workin Girl, de una adaptación dramática con tantas esquinas como Closer, del primer atisbo de humor en la carrera de Meryl Streep , reina entonces del drama , en Heartburn , y de conseguir dos de las mejores interpretaciones de la dama en Silkwood y Postales desde el filo, o de la simpática y subvalorada A propósito de Henry. Entre muchas otras.
Nichols ya no buscaba epatar sino hacer buen cine , y lo conseguía con oficio e inteligencia, lo que transmitía la aparente ligereza del trabajo que no se ve.
Y también fue , desde siempre un hombre de teatro, pero no uno cualquiera ; por sus manos pasaron , con éxito, Chejov, Arthur Miller, Stoppard , Pinter etc.
Se ha ido. Pero no sus películas . Lo que se ganan los maestros es que siempre dejan un rastro muy sólido.
Hasta siempre y gracias por todo.

Público

viernes, 14 de noviembre de 2014

CINE: RELATOS SALVAJES de Damián Szifrón

Argentina/ España. 2013
Ricardo Darín. Leonardo Sbaraglia. Dario Grandinetti. Erica Rivas. Julieta Zylberberg. Oscar Martínez. Osmar Núñez. Maria Onetto. Rita Cortese.

Pero vamos a ver ¿ quien es este genio que atiende al nombre de Damián Szifrón? ¿ como no lo había conocido antes? ¿ donde andaba hasta hoy?.
Bien, tranquilidad, vamos a ver si me sereno y consigo explicar las razones de mi fascinación que, por supuesto, se encuentran en esta película que acabo de ver : Relatos Salvajes, una joya sin fisuras.
En dos horas de excelente cine, el director ( que además es guionista, ¡ la leche !), nos cuenta seis historias que tienen como nexo común, ( ya anunciado en los títulos de crédito ) mostrar pautas de la parte más animal de cualquier ser humano, algo que puede ocurrir cuando a alguien se le lleva al límite de lo que puede soportar.
Ya he dicho que son seis, pero, fuera de la posible brutalidad coincidente en las conclusiones así como el nexo común de la venganza ( que bueno el claming: " este año se ha terminado poner la otra mejilla"  , ¡ en esta peli hasta la publicidad es buena !), los relatos tienen tamaños texturas y tonos diferentes. Esto me hace preguntarme ¿ como es posible entonces que se tenga una sensación tan determinada de coherencia en el conjunto? y sobre todo ¿como puede conseguirse que sean todos tan fantásticos?.
Porque si bien es cierto que sorprende lo potente y epidérmico de la imagen y esa caligrafía de contrastes y golpes ( en sentido figurado ) a la pantalla, lo completo de cada historia ( hasta el punto de cada uno de ellos podría ser un cortometraje o mediometraje perfecto ), personalmente lo que más me fascina es el Szfrión escritor, capaz de generar cuentos que combinan la tensión en diferentes subgéneros, ya sea el thriller, el negro negro, el cine social, la tragedia, el drama de acción, también la comedia... y los desarrolla con infinitos matices ( ojo, cada relato, es susceptible de muchas lecturas , no confundirse pensando que nos encontramos simplemente ante una especie de comedia gamberra, aunque esa sería una de las lecturas posibles; este comentario se me está llenando de paréntesis , con lo poco que me gustan ... ) sin que afecte en nada el tiempo que les dedica. Lo que consigue con el de escasos cinco minutos previo a los títulos de crédito es sólo un fantástico ejemplo de lo que es capaz.
Con este nivel sostenido, consigue algo muy difícil en las obras episódicas , y es que no le afecte la fragmentación, algo que siempre se da cuando existe algún desequilibrio que termina afectando a un conjunto que no termina de ser homogéneo; aquí es al contrario, ya que esa estructura fragmentaria precisamente termina contribuyendo al enriquecimiento global de la propuesta.
Ah, por cierto, se me olvidaba, y también destacar la colocación de las piezas, desde es pellizco, hasta la traca final ( el más desmadrado ), pasando por el cuerpo central ( la de Bombita ), tal vez la más "grande", lo dicho, que todo está bien.
Los actores, bien  ( ¿me repito? )gracias, como todos los argentinos . La verdad es que en estos casos , y en los que últimamente nos ofrece también el cine español, no dejo de preguntarme porqué nos hemos pasado la vida alabando a los actores británicos como si fuesen los únicos capaces de crear escuela, debe de ser el amor a lo exótico.....
Lo dicho, Damián Szfrión, me quedo con tu nombre, voy a buscar lo que has hecho antes, pero sobre todo, no tardes en volver, ahora que has creado adicción.

Público

lunes, 10 de noviembre de 2014

NOVELA: LORD JIM de Joseph Conrad

Diversas editoriales.
También disponible en ebook.

Buscaba una imagen con la que ilustrar esta entrada y me he encontrado con esta portada ( junto con muchas otras ) de la legendaria colección de Clásicos Ilustrados. No he podido evitar utilizarla.
¿Porqué?.
Pues por todo lo que evoca en mi caso.
Y es que yo me eduqué, como muchos, con esas historias clásicas de grandes narradores, pero que se nos presentaban, acordes a nuestra edad, en versiones que combinaban texto e imágenes; teniendo en cuenta que estas historias también estaban presentes en muchas de las películas que veíamos por las tardes en Sábado Cine, la conclusión es que mi infancia está llena de este tipo de aventuras que me descubrían otros tiempos y otros paisajes.
Han pasado los años, muchos años, y ahora , no sé si en un intento subconsciente de rememorar las sensaciones de entonces o simplemente fruto de la curiosidad, me asomo a la novela, a una de esas novelas que tanto han inspirado.
Y me encuentro con lo mismo: mi admiración por este personaje que , tras una trágica derrota en su honor, lucha contra un destino adverso para recuperar su vida. Admiración por los matices que nos acercan a su perfil psicológico que, pudiendo estar tan lejano a nosotros, nos resulta casi íntimo. Y admiración ante un novelista capaz de trasladar de una forma tan brillante, esa atmósfera, esa extraña sociedad que crearon las aparentemente civilizaciones desarrolladas, en el paisaje exótico y todavía por descubrir en su totalidad.
Lo dicho, he disfrutado el regreso, además de recordar aquellos días en que cada página era un pasaporte a un mundo diferente.
Es un viaje gozoso, un viaje que se debe de repetir de vez en cuando.
Recuero un texto , creo que de Somerset Maughman que decía algo así como "fue consciente de que la vida de aquellos que se imbuían de literatura podía ser tan apasionante como la de los que cruzaban océanos o escalaban cordilleras desconocidas". Sabía de que hablaba.

Público

viernes, 7 de noviembre de 2014

CINE: LOREAK ( FLORES ) de Jose Mari Goenaga y Jon Garaño

España 2014
Nagore Aranburu. Itziar Ituño. Itziar Aizpuru. Ane Gabarain. Josean Bengoetxea

A veces la crítica me confunde.
Leyendo las referencias de Loreak desde su estreno en el Festival de Cine de San Sebastián, tenía la sensación de que iba a encontrarme ante una de esas historias mínimas que tienen en la sencillez su característica más destacada; me gustan ese tipo de propuestas, pero también reconozco que suelen estar marcadas por sus propias limitaciones, una de ellas la ambición.
Esto no es exactamente lo que me encuentro con Loreak.
Sí es cierto que se trata de una historia ( o un cruce de historias ) de gente corriente, y también que evita cualquier exceso melodrámatico, basando su desarrollo mucho más en lo que se calla que en lo que se dice.
También puede servir de identificación con ese modelo citado ( para mi, repito, erroneamente ) el uso de actores que, aunque profesionales, son desconocidos para el gran público, con lo que aumenta la sensación de autenticidad.
Pero en mi opinión, aquí terminan las similitudes:
Loreak es una película sin duda muy ambiciosa.
Cuenta con un guión original que combina hechos conocidos  en una estructura que cruza la vida de tres mujeres diferentes en un momento determinado de sus vidas, y es un guión trabajado, con la dosis necesaria de artificio, capaz de guiar la historia con rigor y ritmo, creando los momentos de tensión necesarios, e incluso generando un tono de thriller.
Pero sobre todo, Loreak es una propuesta sofisticada desde el punto de vista visual, con una excelente caligrafía, la capacidad para crear imágenes sugerentes que sirvan de apoyo para la narración y, sobre todo, de una belleza que no suena en ningún momento a artificiosa.
El resultado es, digámoslo ya, una película excelente, una propuesta original que, sin duda bebe del cine independiiente de bajo presupuesto pero es capaz de avanzar a modelos de producción mucho más elaborados. Por decirlo más claramente, es un cine capaz de tomarse su tiempo para observar cada mirada, pero sin entender que exista una contradicción entre la captación de la sinceridad y el oficio cinematográfico.
La historia que nos cuentan no trata sólo de flores, pero las utiliza para hablarnos del recuerdo y del olvido, de la memoria y su verdad o su artificio, de la necesidad que tenemos los seres humanos de encontrar donde  sea asideros, de la vida como un devenir en el que todo cambia con el tiempo o casi todo... Y lo hace, ya lo he dicho, con maestría, con serenidad, con belleza e inteligencia, pero también y sobre todo con una extrema delicadeza.
Salgo de Loreak maravillado por haber disfrutado de sus cien minutos, que han conseguido emocionarme y sorprenderme. Pero también por que no esté convirtiendose en una de las películas de la temporada, en un año donde el cine español está que se sale. Sería bueno que los Goya le diesen un empujón, por el bien de muchos espectadores.

Público  

martes, 4 de noviembre de 2014

NOVELA: CADAVERES EN LA PLAYA de Ramiro Pinilla

Tusquets
248 páginas
También disponible en ebook.

Leo este libro con la tristeza de un testamento.
Hace pocos días nos dejaba este gran escritor, Ramiro Pinilla.
Estoy seguro de que era un amante de la novela negra clásica, y estas historias del entrañable Samuel Esparta, tres ya, están escritas desde el amor, la admiración y el homenaje, por supuesto con la inteligencia, el humor y la excelente prosa a la que nos tiene acostumbrados. Perdón, nos tenía.
¿Obras menores?
No lo creo. Aunque si alguien escribe una pieza tan monumental como la trilogía Verdes Valles... se expone a que se considere menor todo lo que haga posteriormente.
Esta vez, a Samuel Esparta, detective metaliterario, le piden que investigue un crimen con treinta años de retraso; una historia de amor, enmarcada en la cruel postguerra, una muerte cuando la muerte campaba a sus anchas.
Tras una muy buena presentación y un rico desarrollo, tal vez la conclusión peque de poco creíble y precipitada. Puede ser. Pero no por ello perdemos la lucidez de la visión de Pinilla sobre el Pueblo Vasco y el oficio de escribir, para ser cronista de una época, en este caso llena de tristeza..
Repito, para mi era uno de los grandes, de los enormes. Voy a echar mucho de menos sus páginas. Siento con esto que estuvo escribiendo hasta el final, pensando en nosotros, en sus lectores.
Gracias Maestro.

Público

PREMIO NACIONAL DE ARTES ESCENICAS PARA LA INFANCIA: ETCETERA

Muchas veces he hablado aquí de la Compañía Etcétera de la que soy rendido admirador.
Recibo por lo tanto con gran alegría la noticia de que ha sido premiada con el Nacional de Artes Escénicas para la Infancia.
Independientemente de que personalmente considere que le sobra el apellido: los espectáculos de la troupe de Enrique Lanz no pueden limitarse como obras gestadas para la infancia, son para todos, como lo es el arte, la belleza , la poesía....
Sí es cierto que, gracias a sus dedicación , serán muchos los niños que crecerán sintiendo el amor al teatro, a la verdad de lo que ocurre encima de un escenario sin trampa ni cartón. Entre ellos espero que mis hijas. Han tenido la oportunidad de envolverse en un Carnaval de Animales, maravillarse con las titánicas marionetas del Retablo, reírse con el roedor de La Serva Padrona, dejar que les cuenten otra vez El Sastrecillo Valiente o compartir la sorpresa de lo que se esconde en una Caja de Juguetes.
Pero yo, ya superado con mucho el momento de ser considerado un niño, he disfrutado, me he maravillado, he descubierto, he soñado, con sus creaciones. Quizás es que también son capaces , desde esa magia que crean con amor y artesanía, de hacerme viajar a un tiempo que creía perdido.
En cualquier caso, ENHORABUENA, nunca un premio fue tan merecido, y personalmente, pocas veces me he alegrado tanto de su concesión.
Espero que hasta pronto.

Público

domingo, 2 de noviembre de 2014

NOVELA: CARTHAGE de Joyce Carol Oates

Alfaguara
536 páginas
También disponible en ebook.

Algunas veces he hablado aquí de algo así como la alquimia, referido a la misteriosa capacidad de algunos artistas para mezclar los componentes de su obra, consiguiendo efectos determinantes en nuestra apreciación de la misma, sin que se note ninguna acción artificial dirigida a ese objetivo, sin que se aprecie la maquinaria, es decir, esa alquimia sería lo opuesto a lo artificioso.
En este caso, esa cualidad casi mágica, consigue convertirnos en receptores de una narración, una densa historia contada por alguien, sin que en ningún momento parezca que el escritor hace nada más que contar, sin intervenir .
Entronca por lo tanto con la acción primitiva de contar y escuchar, y dada la ambición de la propuesta, con la de las grandes historias que forman parte de la literatura universal.
El argumento parte de un hecho concreto, la desaparición de una adolescente en un pequeño pueblo americano, y su búsqueda, al tiempo que se aproxima cada vez más la posibilidad del delito. La primera parte parece cerrarse una vez que alcanzamos la segunda. Hasta ahí hemos asistido a una disección social del entorno, pero también al análisis del núcleo familiar y de la fragilidad de su estructura cuando se ve sacudida desde el exterior. Pero aun queda mucha novela, muchas páginas donde conocer que es lo que realmente ha ocurrido y como ha afectado a los distintos protagonistas. Podrían ser varias novelas, diferentes, pero su autora tiene la maestría y la generosidad de concentrarlas en una sola.
Como ocurre siempre con la literatura clásica ( y Carthage tiene mucho de clásico ) la obra refleja o se refleja en muchos referentes que ilumina y/o comparte; no están nada lejos los grandes narradores norteamericanos, Faulkner, Steinbeck, ni el carácter muchas veces mitológico o bíblico de sus historias ( leyendas y personajes reconocibles, por ejemplo la virgen y el minotauro ); también podemos encontrar algo de  Dickens y de Chejov.
No conozco la obra de Carol Oates, por lo visto una escritora prolija, más allá de Blonde que apenas recuerdo. No sé por lo tanto si es esta su tónica habitual o está sólo referenciada a esta novela. En cualquier caso, es también importante señalar su capacidad para integrar elementos que convierten su creación en contemporanea sin que eso le haga perder universalidad; habla, ya lo he dicho, de la familia y las pequeñas comunidades sociales, pero también de la necesidad de sentirse querido, del hecho de que el ser humano por muy profundo que sea en su visión tendrá siempre un cúmulo importante de ridículas ansias superficiales, de la guerra y lo difícil de los regresos, del dolor, de la necesidad de la fe....
Lo hace con dureza porque lo hace con realidad. No engaña y posiblemente no se deja llevar por ninguna vinculación con sus personajes: es como si, sencillamente, las cosas fuesen así.
Carthage me ha llevado de nuevo a cuando leer era dejar que nos contasen, cuando por un periodo más o menos largo, te introducías en una historia; es prerogativa de los grandes autores; claramente Joyce Carol Oates es de esa casta.

Público

sábado, 1 de noviembre de 2014

CINE: DOS DIAS, UNA NOCHE de Jean- Pierre y Luc Dardenne

Bélgica/ Francia 2014
Marion Cotillard. Fabrizio Rongione. Pili Groyne. Simon Caudry. Catherine Salée. Baptiste Sornin. Alain Eloy. Myriem Akheddiou

Los Dardenne son claramente de esos directores, o artistas en general, dedicados a lo social, cronistas en clave de realismo del mundo en el que vivimos haciendo generalmente protagonistas a los desheredados.
Generosos con sus personajes, duros con aquellos que no precisan que nadie les compadezca.
Dentro de su catálogo, siempre en una Europa donde los valores empiezan a estar cuando menos confusos, creo que la cinta que ahora nos ocupa es la que responde de una forma más clara a la necesidad de enfrentarnos a las consecuencias de la crisis económica que vivimos.
Veamos si no: el argumento es muy simple, una mujer que acaba de regresar a su trabajo tras una baja por depresión , se encuentra con el despido; su única salvación está en la mano de sus compañeros, siempre que estos renuncien a cambio a una prima de mil euros; durante dos días y una noche, ella intentará convencerlos de uno en uno para que voten a su favor, escogiéndola frente al dinero.
La historia entra desde el principio directa, con una claridad absoluta, claridad que se mantiene durante todo el metraje; no quiere decir esto último que carezca de matices, pero sí que va siempre en línea recta, y que los apuntes son como paisajes que se ven a través de una ventanilla cuando alguien se dirige a un lugar. Es el film más didáctico de sus directores y quizás también por ello la que cuenta con una realización más transparente , dejando de lado su método frecuente de cámara al hombro y sustituyendo sus actores desconocidos por una star del nivel de Cotillard, perfecta, por cierto.
Por lo tanto, Dos días, una noche, es sin duda una muy buena película, pero no es posiblemente eso lo que pretende, sino lanzar un mensaje, ya no tan deprimente como otras veces: la solidaridad asoma incluso entre el miedo o la miseria, y lo que va a devolvernos nuestra confianza en nosotros mismos, no es vencer sino luchar, porque en tiempos tan difíciles la lucha es ya una victoria.
La propuesta es coherente. Y sobre todo, aplaudible. Debemos de contar con propuestas que nos hagan pensar , enfrentarnos con la ineludible obligación de todo ser humano de conseguir que este mundo sea un lugar mejor.
Se agradece especialmente que lo haga desde la sencillez, que evite la tesis, porque la vida se vive posiblemente así, sin que haga falta dibujar con los colores de la trascendencia para saber donde está el bien.

Público

viernes, 31 de octubre de 2014

CINE: PERDIDA de David Fincher

USA.2014
Ben Affleck. Rosamund Pike. Neil Patrick Harris. Missi Pyle. Tyler Perry. Kim Dickens. Patrick Fugit

Creo que voy a ser breve.
Es muy difícil escribir o hablar de un thriller de este tipo sin cometer el imperdonable pecado de destripar algo del mismo. Y lo cierto es que esta es una de esas películas que conviene ir a ver sin saber lo que se va a encontrar.
No quiero caer en eso.
Por ello, me voy a limitar a dar algunas referencias:
En primer lugar, decir que David Fincher se ha convertido en un maestro del género ( aunque no sea el único que ha tocado ); afronta cada una de estas piezas con ambición, sin miedo a alargarse cuando lo considera necesario para marcar un ritmo preciso y dejar que la historia repose y vaya cautivándonos; además para él es esencial ( y aquí más que nunca ) la psicología de sus personajes, y para ello, para que nos llegue, se toma el tiempo que sea necesario.  Y si la historia tiene que cambiar de dirección en la mitad de su metraje , tampoco le preocupa.
Una de sus principales logros es su capacidad para mantener el equilibrio, patinando en el filo de la perversidad sin ningún tipo de efectismos, porque Fincher, por muy difícil que sea lo que narra, es capaz de estar en el entorno de lo cotidiano ( y posiblemente sea eso lo que produce un mayor nivel de violencia, la identificación ).
También es marca de la casa hablar no sólo de lo que se cuenta sino de como se cuenta, de la importancia de la percepción, del límite de poder determinar lo que es verdad y lo que no. Y lo más importante es que esto nunca se compone de trampas al espectador, sino todo lo contrario, lo convierte en un aliado al que facilita toda la información y con quien recorre siempre los caminos de la historia que, en muchas ocasiones, gira cuando es necesario .
En este caso, cuenta además con dos valores que colaboran a que el resultado sea tan contundente y tan logrado; por un lado, un excelente guión de Gilliam Flynn, perfectamente estructurado, ( si me sorprendió positivamente con su novela Heridas Abiertas, aquí demuestra que es capaz de entender los diferentes lenguajes de literatura y cine ); en segundo lugar, dos actores principales que están fantásticos pero sobre todo que suponen un acierto absoluto de casting.
Creo que he cumplido.
Repaso y no me parece que haya metido la pata.
Eso sí, Perdida es una obra para no perderse. Fincher es ya uno de los directores de la nueva generación que ha dejado hace tiempo de ser promesa. Ver una de sus películas es asistir a una aventura , recorrer un camino en el cual, creo que ya lo he dicho, somos partícipes. Un director por lo tanto que cumple una premisa importantísima y muy difícil: contar con su público como parte de su obra.

Público

viernes, 24 de octubre de 2014

CINE: MAGICAL GIRL de Carlos Vermut

España 2014
Luis Bermejo. Barbara Lennie. José Sacristán. Israel Elejalde. Elizabeth Gelabert

Aquellos que disfrutamos fascinados de aquella propuesta totalmente nueva que fue Diamond Flash, ajeno a cualquier cosa que hubiésemos visto hasta entonces, esperábamos con ansiedad y curiosidad infinita el salto de su director al circuito más o menos comercial.
Fundamentalmente, yo me preguntaba como pensaba afrontar la necesidad de establecer cierto nivel de narrativa que no expulsase al público de las salas. No me imaginaba que fuese capaz de traicionarse, ¿ entonces?.
Magical Girl responde a esa pregunta. Y lo hace con un producto excelente, personal, por supuesto diferente y , digámoslo ya, perverso.
Porque si bien Vermut opta por una narrativa más lineal o convencional ( el modelo puzzle deconstructivo se traslada con claridad suficiente y muy buena caligrafía ) no renuncia al extrañamiento con el que mezcla géneros, y , para mi el mayor nivel de la llamada a la perversión, deja al espectador que llene los vacíos ( posiblemente siempre es peor no saber que saber ); personalmente me gusta esa dinámica, no necesito que me cuenten todo.
La historia se inicia como lo que podría ser una de las historias sociales de, por ejemplo, Ken Loach; un padre en el paro, su hija enferma y un deseo que cumplir. De ahí saltamos a un relato que parece bordear la locura; hay también una tercera línea presentada en un prólogo y que regresará en el último tramo. Las tres piezas, un perfecto puzzle sobre cuyo encaje el autor es tan inteligente como para soltar miguitas pero sin ningún tipo de subrayado. Y lo que parecía un cuento de lucha, se convierte en un oscurísimo thriller, una colección de personajes donde Vermut es capaz de sacar lo peor de cada uno. Nos ayuda a asomarnos a lo más miserable, a lo más podrido del ser humano, hasta llegar a sorprendernos con el twist del personaje de Sacristán ( el único punto de la escalada al que me cuesta un poquito llegar ).
La verdad es que lo que hace más singular Magical Girl , además de su caligrafía, su coraje, su capacidad de sorprender, es su subtexto, lo que deja en el paladar y en lo que seguimos pensando mucho después. Su historia, igual que pasaba con la de Diamond Flash, queda tan abierta que es todavía mucho lo que nos puede ofrecer. Se multiplica.
Lo dicho, Carlos Vermut sigue siendo único. Ahora la curiosidad es , ¿como será la tercera?
Antes de terminar: Bárbara Lennie, esa mirada, esos gestos, ese alma. También de ti esperamos mucho.

Público

Nota de día siguiente:
Leo en la página de Manuel Hidalgo en El Mundo que la presencia comercial de esta película es mínima. Apenas seis mil espectadores en el anterior fin de semana. Ocurrió con Gente en sitios o 10.000 noches en ninguna parte. Nos encanta echarle la culpa al Iva cultural pero al final resulta que este no parece afectar por ejemplo a X Men o a Torrente. Sería el momento de reflexionar o de pensar que no todo puede ser utilizado politicamente.
Una pena.De verdad, un consejo, no os perdáis Magical Girl.

jueves, 23 de octubre de 2014

FALLECE RAMIRO PINILLA

Inmensa tristeza.
Me asomo al periódico on line a media mañana para enterarme de que ha fallecido Ramiro Pinilla.
Uno de los mejores escritores que nunca han existido en lengua castellana, con esa contundencia.
Desde que entre 2004 y 2005 se publicó su magna trilogía Verdes Valles, Colinas Rojas , se convirtió para mi en un titán al que acudía sin demora cada vez que publicaba un nuevo libro.
Se resucitó Las Hormigas Ciegas , una novela irrepetible.
Siempre cronista de su Getxo natal, del que nunca quiso salir, luego nos regaló su inteligencia, su oficio y su ternura en otras como La Higuera la última Aquella edad inolvidable.
Pero también su humor , un humor metaliterario y de homenaje que , aquellos que adoramos a los clásicos americanos del género negro, supimos apreciar: nació Samuel Esparta y con él, varias novelas , que nadie se atreva a llamarlas menores. Falta una , su testamento, la leeré desde la tristeza de saber que se trata del último caso.
Es una gran pérdida.
Insustituible.

Público

NOVELA: SANGRE Y ARENA de Vicente Blasco Ibáñez

Diferentes editoriales.
También disponible en ebook.

Mi conocimiento de la obra narrativa de Blasco Ibánez , aparte de conocer sus títulos principales por haberlos estudiado en el colegio, se limitaba a dos series de televisión ( Cañas y Barro y La Barraca ) de hace ya mucho tiempo y que recuerdo como chocantes en su modernidad y su desarrollo narrativo.
También sabía , y no dejaba de sorprenderme , que el Hollywood clásico ( regalo foto de cartel ) lo había utilizado como fuente.
Nada más .
Gracias al hecho de que el kindle nos ofrece entre otras cosas, acceso a la biblioteca casi universal, y a mi curiosidad , me asomé a Sangre y Arena.
¿Resultado?
Estoy absolutamente sorprendido. Y no me extraña nada la agudeza de los productores americanos al descubrirlo.
Blasco Ibañez es un narrador de tomo y lomo, un excelente contador de historias , capaz de establecer un perfecto perfil psicológico de sus personajes e integrarlo en una trama apasionante, además de , más difícil todavía, pintar unos cuadros costumbristas que resultan verdaderas crónicas de la época e integrarlos en la novela sin que la detengan.
En este caso, la historia de un torero que pierde las referencias de clase por culpa de una mujer muy peligrosa, también nos lleva a conocer la estructura social de esos años en una España que aun tenía mucho que crecer para acercarse a Europa, la brutalidad y la nobleza de la fiesta nacional como reflejo de la brutalidad y la nobleza de sus gentes , y el fervor religioso tan cercano a la superstición más pagana ( el capítulo dedicado a las procesiones de Semana Santa es inolvidable ).
Lo dicho, que ya he comprado ( NO A LA PIRATERIA ) Los cuatro jinetes del Apocalipsis , del que hablaré en breve , y seguramente vendrán muchos más.
¿Pero como he podido desconocer durante todos estos años a este autor de raza? Y los que habrá....

Público