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sábado, 30 de marzo de 2013

CINE: THE IMPOSTER de Bart Layton

UK. 2012
Documental

Un chico de 13 años desaparece en un pequeño pueblo de Texas.
Tres años después,  se le encuentra en extrañas circunstancias en un lugar tan remoto como Linares, España.
No es capaz en esos momentos de ofrecer referencias sobre lo que ha ocurrido durante su tiempo de ausencia; existirían por otro lado, muchos elementos de duda sobre su identidad; sin embargo, su familia lo acepta de inmediato, e incluso supera diferentes entrevistas de control por parte de ciertos organismos públicos.
Sin embargo, no era él.
Y entonces surgen muchas preguntas ¿ de verdad la familia fue tan fácil de convencer?, ¿ nunca tuvieron dudas?, y si las tuvieron ¿ porqué siguieron hacia adelante?, y con respecto al muchacho ¿ quien era? ,¿ que buscaba?, ¿ como se vio envuelto en una situación tan arriesgada?.
No debemos de olvidar que nos encontramos ante un documental y por lo tanto, en caso de que se ofreciesen respuestas, estas deberían de estar absolutamente probadas.
Esto ocurre con referencia a algunos de los interrogantes, pero no todos ; quedan muchas dudas abiertas que su director, en un ejercicio de honestidad, no intenta responder , limitándose a generar una incertidumbre  muy atractiva, casi la apertura ( puerta cerrada ) a otra historia.
La gradación de la información es perfecta, desde una situación desconcertante a un gran misterio, siendo capaz de crar un importante nivel de tensión a pesar de saber que son sucesos ya concluidos; a ello ayuda sin duda la dramatización de muchos de los acontecimientos que se narran, de una manera muy efectiva, así como contar con testimonios directos de los principales protagonistas, es decir, la información no viene de forma oblicua sino clara y frontal.
Esto último es tal vez una de sus mejores bazas: es el propio camaleón el que se convierte en centro de su peripecia, mostrando ciertas fisuras emocionales pero también una actitud sorprendente ante la cámara. Nos encantaría poder saltar la barrera y dirigirnos a él para hacerle infinidad de preguntas, pero tengo la sensación de que en su continua sonrisa hay un aire de suficiencia, de quien sabe que ha conseguido inquietarnos y que siempre será para nosotros un misterio, que ha conseguido ocupar un lugar.Es como tener ante nosotros a un asesino.
En su forma , The Imposter es un verdadero thriller, con la única salvedad de que es real. Definitivamente, su director trasciende el modelo para conseguir una muestra perfecta y totalmente desasosegadora de cine negro.
Ultimamente, el cine documental se está abriendo paso en la cartelera. Con joyas como este y Searching for sugar man, que comentaba el otro día, es fácil y deseable.

Público

CINE: DJANGO DESENCADENADO de Quentin Tarantino

USA 2012
Jamie Foxx. Crhistoph Waltz. Leonardo di Caprio. Don Johnson

Tarantino ha creado escuela como creador del comic cinematográfico. Sus películas son brillantes e inmediatas desde el punto de vista estético, contienen personajes arqueotípicos con una estructura sólida y argumentos lineales sostenidos en columnas emocionales muy definidas.
Además, QT es un niño fruto de la cultura cinematográfica con lo que sus cintas están plagadas de referencias y, su singularidad como guionista se manifiesta en unos diálogos  muy elaborados , casi teatrales, que se convierten en verdaderos ejercicios intelectuales.
Mi favorito es el díptico Kill Bill, que me parece que incluye todas sus virtudes, siendo una especie de revisión enciclopédica del autor. También he disfrutado con muchas otras desde Reservoir Dogs hasta Malditos Bastardos, esta última muy a cuenta de la que ahora nos ocupa; sólo me decepcionó totalmente Death Proof.
Pero volvamos a los bastardos: desde su libertad creativa, Tarantino decidía entonces utilizar la historia como fondo, pero desde la irreverencia del comic, es decir, reinterpretándola hasta el punto de jugar con su veracidad y contradecir la realidad de forma descarada.
La historia es de nuevo el paisaje donde se sitúa este Django, la época cruel del racismo en Norteamérica dos años antes de la Guerra de Secesión. Un momento en que las personas de color eran considerados poco más que animales, sometidos a continua tortura.
No es fácil utilizar un material así para generar diversión, lo que parece ser el objetivo primordial de las películas del autor. Lo hace. Parece que en el camino ha herido alguna sensibilidad como la de Spike Lee. No sé cual es el tamaño que ha alcanzado la polémica, pero eso no es lo importante.
Lo importante es, a mi entender, que un empeño de esta entidad, debería obtener como resultado un logro mayor.
Porque si bien esta pieza , tiene muchas de las virtudes Tarantinianas,  creo que está definitivamente poco elaborada, trasladándome cierta sensación de rapidez en su realización.
Funciona visualmente aunque le falte luz; está , no sé como explicarlo, un poco encorsetada en lo que a la anécdota se refiere, como encerrada  ( volviendo a los bastardos, existían en ella varias líneas paralelas que, si bien terminaban confluyendo, servían para ofrecer una visión mucho más amplia del conflicto ) ; pero sobre todo, carece de uno de los sellos de identidad del director, y es esa colección de diálogos que son verdaderas peleas de palabras en un tablero perfectamente organizado, perfectos tour de force intelectulales ( estoy pensando en la primera escena o el encuentro de los mercenarios y el general alemán en Malditos Bastardos, el previo al tiroteo de Reservoir Dogs etc  ) ; sólo en la salida del ku klux klan y su problema con los agujeros visuales de los sacos se llega a alcanzar el nivel al que nos tiene acostumbrados.
Por lo demás, están los estallidos de violencia que saltan a la pantalla como obras de arte en movimiento y está su sentido del humor, esto es algo que no se le puede negar..
Django es pues una obra efectiva de un buen director de cine, nada menos, pero tampoco nada más.

Público

CINE: SEARCHING FOR SUGAR MAN de Malik Bendjeloul

Documental
UK 2013

No sé si tiene que ver con el hecho de que, por su condición de documental, la historia que se cuenta sea real y, consecuentemente , la sintamos a través de sus protagonistas.
Quizás se deba a que es una historia de humildad y sueños, casi una demostración de que los milagros sí existen y que, consecuentemente, todos somos susceptibles de vivirlos.
Pero el caso es que Searching for sugar man, me ha producido una emoción difícil de trasladar y que no recordaba con esa intensidad en los más lacrimógenos melodramas.
Este documental nos cuenta una historia que comienza en cierta fantasmagoría propia de los escritores malditos, un músico poeta cuya imagen se pierde entre la niebla y parece condenada a perderse en las sombras de su propia leyenda. Como todos los malditos, lo es porque su influencia existe, pero no recorre los caminos habituales, aquí en un extraño e increíble salto entre USA y Sudáfrica, de olvidado a bandera de una generación.  
Luego, entramos en la búsqueda, la de aquellos que son capaces de perseguir lo que ha dejado una huella en su vida, algo que personalmente me produce la nostalgia por las emociones que yo no he tenido la suerte de sentir ,y anhelo.
Pero no es larga la peripecia. No es un thriller sino, creo que ya lo he dicho, la narración de un milagro.
Y así, rápidamente, entramos en la eclosión, la conclusión de la historia, la magia, lo inimaginable, La ascensión de Rodríguez, su conversión en mito. A su alrededor, la emoción colectiva y la individual, los recuerdos de quienes sienten que este hombre misterioso escribió la banda sonora de su vida, la sorpresa de los que le rodean... tantos sentimientos que es imposible no compartirlos.
Searching for sugar man es posiblemente un documental sólo porque es verdad, pero su historia supera muchas ficciones lo que le otorga aun más valor. Y cuenta por supuesto con un conjunto de canciones que hacen incomprensible la ignorancia a la que estuvo sometido.
A pesar de la verdad, existe por parte de su director mucha caligrafía, como por ejemplo, esa ventana que se abre cuando vemos por primera vez el rostro del cantante.
No sé si mis comentarios aquí sirven para algo. Si así fuese, sólo puedo recomendar esta joya. Al margen de su valor artístico, que es mucho, es una obra que le devuelve a uno la fe, el ser humano como centro y la ilusión, repito, de que los milagros existen. 

Público

sábado, 23 de marzo de 2013

CINE: LOS CROODS de Kirk de Micco y Chris Sanders

USA. 2013
Animación

Hace ya tiempo que el cine de animación ha trascendido el género sólo infantil ( lo que tampoco tiene nada de malo ), para crear desarrollos más elaborados , con el interés de acceder también a un público más adulto, ya sea como acompañante ya sea como individual.
Este objetivo, exige ciertos giros, como un humor que muchas veces lo acerca a una comedia gamberra y una definición de los personajes más perfilado.
Pero creo que es precisamente aquí donde se cometen los mayores errores, porque en ocasiones, se apuesta por un desarrollo argumental y una cantidad de matices que alejan alguna de estas cintas de la comprensión y la transparencia que las haría asequibles a "todos los públicos". Un exceso de sofisticación.
No se pide simplicidad, sino, repito, transparencia.
Y así se han creado productos tan fantásticos como Wall E, o Up, o Ratatouille . No sólo obras maestras del cine de animación, sino obras maestras del cine, a secas.
Una muestra de que no soy el único que considera el género como algo más, es que la película que ahora nos ocupa, ocupase un espacio en la sección oficial del pasado Festival de Cine de Berlín.
Me gustará llegar a un día en que alguna, se lleve incluso uno de los premios grandes.
Los Croods no está posiblemente a esa altura, pero si es una propuesta estupenda, brillante y muy divertida.
Nos situamos en la prehistoria, una familia de trogloditas se enfrenta a la necesidad de romper sus prejuicios y abrirse a lo nuevo, renunciando a la seguridad y asumiendo la superación del miedo como un paso imprescindible para afrontar el mañana. En esa epopeya, Eep, una niña repleta de inquietudes, actuará como catalizador, con la ayuda de un recién conocido Chico.
A partir de ahí, en un paisaje singular y colorista, se desarrolla una aventura de crecimiento, con un mensaje muy claro, muy directo y muy positivo
La cinta está plagada de hallazgos, es, ya lo hemos dicho, muy divertida, intrépida y sin descansos, la colección de tipos que componen la familia es magistral, y alcanza momentos de verdadera emoción.
El cine tiene que dar muchas cosas, una de ellas, no la menos importante, es una tarde de palomitas y sonrisas. Los Croods lo cumple con creces, me quedo con estos personajes, ya para siempre, como buenos amigos.
Una suerte tener hijas que justifiquen no perderme estas píldoras de alegría.

Público

viernes, 22 de marzo de 2013

NOVELA: EN LA CORTE DEL LOBO de Hilary Mantel

Ancora y Delfín
752 páginas

La historia es de sobra conocida y ha sido contada hasta la saciedad: tras no ser capaz de concebir un heredero de su matrimonio con Catalina de Aragón, y enamorado de Ana Bolena, el rey Enrique VIII lleva a Inglaterra al cisma anglicano , al tiempo que convierte su reino en territorio oscuro, aunque disfrazado de frivolidad y diversión.
Esta nueva era, sobre todo a raíz de su oposición con la Iglesia de Roma, se produce una etapa de limpieza que se convierte en el espejo de antiguas venganzas, que generalmente se saldan con una muerte cruel. Entre estas, la más conocida es sin duda la de Thomas Moro.
Luego todo se complicó más todavía, pero posiblemente este fuese el inicio y la causa de lo que vino después.
Todos tenemos nuestra versión del rey, de la ambiciosa Ana, de la sufrida Catalina...
Pero nunca se había, hasta ahora, mostrado desde la perspectiva que ahora nos ofrece Hilary Mantel.
Y es que los antes citados, siempre en apariencia protagonistas, se han convertido en secundarios frente a quien es la columna vertebral de esta narración.
Thomas Cromwell ha sido siempre un elemento tangencial, y generalmente presentado como un malo sin demasiados perfiles.Aquí es protagonista; un hombre de un origen muy humilde que consiguió covertirse, sino en el más,si en una de las personas con mayor poder en su época.
Hilary Mantel lo pone en primera línea, siendo capaz, no sólo de contar las razones de su ascenso, sino también de mostrar un muy complejo perfil humano.
Pero esta obra, potente y ambiciosa, supone mucho más, en general en el ámbito narrativo y, en especial en el género de la novela histórica.
Vamos por partes:
En la corte del lobo, no es , en primer lugar, una novela arqueológica, es decir, no existen aspectos decorativos ni análisis sociales; apenas posee descripciones más allá de aquellas reducidas que son necesarias para avanzar en la historia.
Sorprendentemente, tampoco es una novela política, dado que no profundiza en razones o consecuencias.
En la corte del lobo es, fundamentalmente una novela psicológica. Lo importante es el interior, narrar la parte humana de cada uno de los personajes involucrados, sin renunciar a su complejidad, y los sucesos se presentan desde el comportamiento de estos seres, de sus anhelos, sus miedos y sus ambiciones. La autora parece pensar que al final, los grandes giros de la historia, responden verdaderamente a actitudes individuales; a mi me convence.
Así, llama la atención que los diálogos, un recurso poco utilizado en las novelas serias del género, se convierte aquí en herramienta fundamental.
Por supuesto, nos encontramos ante uno de los ejemplos rigurosos del género, no de una muestra de esas que últimamente tanto abundan, en las que la historia es sólo la excusa . Aquí existe una labor clara de investigación que soporta un contenido donde puede existir algún nivel de suposición, pero no anacronismos o aspectos sensacionalistas.
Además, Mantel es capaz de manejar un número enorme de personajes y de acciones, sin que en ningún momento le tiemble el pulso ni se pierda ritmo, ni permitiendo rincones que suenen a paja. Todo el contenido es relevante para construir el andamiaje de la historia. Una capacidad de maestro, de malabarista capaz de mantener doscientas pelotas en el aire.
Pero para mi,  personalmente, el mayor valor de esta novela, es su fluidez dentro de la densidad de palabra, de fondo y forma, elaborada de una forma sutil, continua; hay un momento en que uno de los personajes le dice a Cromwell " no sé decir como ha llegado hasta aquí", y lo mismo me pasa con la obra: no sé muy bien como, pero avanzo sin esfuerzos a través de una narración que no es fácil pero sí apasionante siempre y que tengo la sensación de que no soy yo quien estoy leyendo, sino una corriente que me lleva por sus páginas, de inicio al final.
En la corte del lobo es la primera de una trilogía centrada en ese personaje, de las que la segunda ya se ha publicado y ha sido recogida con el mismo éxito que esta. Posiblemente pueda parecer exagerado, pero creo que nos encontramos ante un cuerpo narrativo de la misma ambición y logros, que en su día supuso Los Reyes Malditos, una excelente oportunidad para reconciliarse con un género que en demasiadas ocasiones nos ha dado gato por liebre.

Público    

sábado, 16 de marzo de 2013

CINE: ANNA KARENINA de Joe Wright

UK.2012
Keira Knightley. Jude Law. Aaron Taylor Johnson. Kelly McDonald. Olivia Williams

Cuando alguien se enfrenta a un melodrama clásico como Anna Karenina, espera encontrarse con un espectáculo histórico , plagado de buen gusto y una estética fastuosa, todo ello como paisaje para grandes pasiones prohibidas.
Lo cierto es que nada nos prepara para una apuesta tan radical como la que nos ofrece Joe Wright.
Cierto que, cuando reducimos la novela de Tolstoi al ámbito del melodrama, estamos limitando mucho su contenido, pegándola de algún modo en la anécdota y dejando de lado dos aspectos fundamentales: por un lado su obvia crítica de una sociedad totalmente decadente, por otro su fe en un nuevo hombre unido a la naturaleza como renacimiento ( no en vano en la mayoría de las adaptaciones, el personaje de Kostia queda como algo secundario ).
El guión del excelente dramaturgo Tom Stopard, no prescinde de nada, sino que consigue una estructura de continuidad en la que van encajando con fluidez todas las piezas. A partir del mismo, el director plantea, como he dicho antes, una propuesta radical , muy arriesgada y, en mi opinión, conseguida; destaca fundamentalmente en dos aspectos: la estética y el movimiento.
En lo que respecta a la estética, se sustituye la sensación de los grandes escenarios por un sentido teatral, que sitúa el desarrollo de la acción precisamente en el interior de un teatro, con rincones y atrezzo capaces de ir creando otra realidad, artificial pero totalmente creíble. En su uso se consigue siempre un contraste brillante, un aire de sorpresa inteligente ante las paredes que desaparecen o limitan, y escenas de una belleza tan sobrecogedora como la del baile o la nevada. A medida que se avanza, puede entenderse que esa decisión estética responde a un fondo conceptual, la de mostrar a una sociedad falsa y con una trastienda oscura, frente a los campos abiertos de la búsqueda de Kostia y su relación con Kitty.
También en el movimiento, Wright opta por un elemento diferenciador, y es que parece que los movimientos de la película están casi coreografiados, deteniéndolos a veces, haciéndolos bailar en otros... Enganchando con ellos cada escena a la siguiente en un ritmo casi de musical.
Con todo esto, el director consigue crear una abstracción capaz de centrar el contenido del relato, ofreciéndolo friamente al público.
Quizás esa sea la pega que puede achacarse al producto final, y es que exista cierta frialdad y que el magnífico envoltorio pueda aplastar la historia. Personalmente creo que merece la pena, esta propuesta tiene muchos momentos fascinantes y un tono general sorprendente y muy potente desde el punto de vista visual, todo ello acompañado de un muy buen conjunto de actores y una Keira Knightley, ya habitual con el director, con un rostro precioso, capaz de trasladarnos las contradicciones de su protagonista.
Esta Karenina tiene muchos valores, pero además hay que destacar, como definición, que en un género tan llamado a la repetición fácil, aparece totalmente diferente. Si bien su director ha demostrado su interés por el cine de época, creo que es claro que existe una evolución en su forma de contactar que nos prepara para muy buenas expectativas.

Público




martes, 12 de marzo de 2013

NOVELA: EL GUARDIAN INVISIBLE de Dolores Redondo

Ancora y Delfín
440 páginas

Comenzaré avisando que esta novela es la primera de una saga trilogía modelo Millenium. Posiblemente, si lo hubiese sabido antes de empezar a leerla, hubiese esperado a que estuviesen publicadas las dos siguientes para evitar quedarme, como estoy ahora, en compás de espera, sin saber cuando podré continuar.
Porque, lo digo ya, El guardián invisible es, sin lugar a dudas, una novela que engancha desde su inicio, y que a  medida que avanza, es capaz de ir envolviendo al lector en su tela de araña.
Está bien calificarla de novela negra, pero uno de sus aciertos, es la soltura con la que navega por varios géneros que amplían el campo.
La historia comienza con un asesinato que no tarda en unirse a otros, uno anterior y otro posterior, es decir, un asesino en serie marcado por diversas referencias teatrales. Aquí, como decía antes, sentimos que hemos entrado de lleno en el genero más tradicional, si bien el entorno más conocido , se localiza en Navarrra y el País Vasco.
A medida que avanzamos, el paisaje da la sensación de ir empapando las páginas, primero sólo con sus colores, sus olores y su textura, pero pronto también con sus costumbres, su cultura y, sobre todo, su mitología. Y sin sentirlo, avanzamos tanto que nos encontramos cercanos a una novela oscura, con tintes de inexplicable y algunos pasajes que lo acercan al terror.
Pero su autora también bebe de la saga familiar decimonónica, del género gótico, con secretos familiares que se esconden pero que son la razón y el motor del futuro de los personajes.
Igual que ocurría en la citada Milenium, esta novela se desarrolla en dos niveles:
Por un lado, la historia de los asesinatos, una intriga policiaca que se desarrolla y se resuelve adecuadamente, si bien se puede percibir cierta precipitación final.
Pero al mismo tiempo, se va dibujando un telón de fondo, lleno de referencias y de puertas abiertas que, al no ser consciente de que existía continuación, me sorprendía pensar que pudiesen llegar a resolverse en las páginas que faltaban para terminar el volumen.
Mientras tanto, se va desarrollando el perfil psicológico de una serie de personajes perfectamente dibujados
y creibles en su complejidad. Desde la inspectora Amaia Salazar, protagonista absoluta, a todos los que la rodean.
He hecho referencia en varias ocasiones a la conocida saga Millenium, sin embargo, para mi la referencia más clara es nada menos que mi adorado John Connolly.
Ahora, como he dicho antes, sólo queda esperar, y desear que Dolores Redondo sea capaz de mantener las expectativas y mantener el excelente nivel de esta primera obra de la serie.

Público

jueves, 7 de marzo de 2013

TEATRO: LA AMANTE INGLESA de Marguerite Duras

Dirección- Natalia Menéndez
Escenografía - Alfonso Barajas
Gloria Muñoz . Jose Pedro Carrión. Jose Luis Torrijo

No es la Durás una escritora fácil o cercana, pero como cualquier reto intelectual, cuando se consigue entrar en su mundo, el premio es grande.
Posiblemente sólo nos pida escuchar, con el silencio y la reflexión necesarias, y la inteligencia media que se le puede suponer a un habitante corriente del siglo XXI. Parece fácil, no lo es.
La Amante Inglesa parte de un hecho cierto, un inexplicable asesinato inmerso en un entorno cotidiano; uno de esos hechos que explotan en la rutina y que ponen ese mundo patas arriba, fundamentalmente por lo inesperado, que significa que bajo cualquier plácido bosque pueden existir corrientes subterráneas, cargadas de sentimientos que nos costaría mucho imaginar.
En principio parece que la autora establece una estructura de interrogatorio en forma de díptico para intentar esclarecer el porqué puede producirse un comportamiento tan contrario a la norma y al entorno. Creo sin embargo que esa es solo una falsa referencia, Marguerite Durás entiende que hay cosas que nunca se podrán explicar, y lo que hace es invitarnos a asomarnos con ella a lo más profundo que podamos del alma de sus personajes, sabiendo  aun así, que nunca será hasta el fondo.
Empezamos por el marido, un hombre con el que nos enfrentamos al otoño de una relación que tuvo amor pero que no ha sabido mantenerse más allá del desgaste; conocemos el silencio, la incomunicación, la mentira,los celos,  e incluso llegamos a plantearnos si la suma de esas pequeñas traiciones, de esos deseos cargados de odio, de tanta mediocridad, no serían capaces al amontonarlos, de adquirir el volumen del brutal asesinato. Durás nos muestra la vulgaridad en su estado supremo. Y posiblemente su actitud sea la del interrogador, fría, distante, más cercano a un juez que a un investigador.
Luego llega ella, la mujer, la asesina, ¿porqué no? la loca. Un ser solitario, sensual y salvaje, en apariencia inteligente, en apariencia absurda, incluso a veces en apariencia lúcida. No sé si es justo decir que la autora defiende su singularidad frente a la pobreza moral de su entorno, sí me da la sensación de que compadece su dolor y la dota de poesía, como si la locura fuese una frágil flor que puede surgir como una esperanza de la mediocridad humana. Y aquí el interrogador, quizás de nuevo la autora, va desde la curiosidad al desconcierto hasta que decide rendirse.
Con este planteamiento, se nos muestra un texto que, si somos capaces de escuchar, veremos que está lleno de esquinas y rincones, lleno de retazos de historias, de hilos de los que tirar, de caminos que explorar. Un texto que personalmente me transmite un millón de sentimientos, desde el dolor a la ira, desde el rechazo a la ternura, y también el miedo al saber que en todos nosotros existe una cara oculta que posiblemente ni siquiera nosotros mismos conozcamos.  
El jardín extraño de Alfonso Barajas es a la vez primavera y otoño, laberinto y cárcel transparente, concreto y abstracto, hermoso como todas sus escenografías y, también como todas ellas, absolutamente identificada con la obra, sirviéndole no sólo de apoyo sino potenciando su cercanía al público; acoge, transmite calor con lo que palía parte de la frialdad que podría llegar del libreto.
En ese paisaje, Natalia Menéndez vuelve a dirigir con calma, con serenidad e inteligencia, con un ritmo casi chejoviano que evita los excesos que fácilmente podría derivar una historia así, permitiéndonos adentrarnos con tranquilidad en las ideas y las palabras. Casi paladearlas.
Y llega el turno de los intérpretes , que difíciles en unos personajes de tal intensidad, que difícil Torrijo, como impersonal, como columna vertebral, perfecto; que difícil Carrión y que grande su enano moral, ese ser deleznable que nunca mereció una mujer tan diferente. En estos días he leído multitud de elogios de Gloria Muñoz, no son suficientes, lo suyo no es interpretación sino una abducción absoluta, una verdad tan cargada de matices que nos hace navegar por el interior de su mente, que nos pierde en sus anhelos hasta su grito final, desgarrador.
He disfrutado muchísimo de cada rincón de esta amante inglesa, también me ha dolido mucho; podría estar horas escribiendo. La prudencia me pide que no lo haga. Sólo me queda pues dar las gracias a quienes la han hecho posible.

Público

martes, 5 de marzo de 2013

NOVELA: EL AZAR DE LA MUJER RUBIA de Manuel Vicent

Alfaguara
240 páginas
Disponible en ebook

Hay muchas formas de contar la historia.
No me refiero a construir una novela histórica, lo que a fin de cuentas es utilizar la historia para construir una novela, sino al contrario: utilizar la novela para contar la historia.
En Aguirre el magnífico, Manuel Vicent, optó por una forma donde se fusionaban su perfil de literato y el de periodista, al coger un importante personaje secundario pero habitante, y acercarlo a través de sus perfiles menos públicos, dibujando al mismo tiempo a su alrededor el paisaje social y político de toda una época.
Error mío, esperar en este caso una repetición.
Aquí los personajes son tres, el tronco uno de ellos ( que no es la mujer rubia del título ) y su importancia en la Historia de España capital.
El acercamiento es también diferente, ya que se opta por, desde la desmemoria de Adolfo Suarez, convertir el relato en una mezcla donde el cuento y la noticia se funden, como se funden épocas y situaciones, en ese bosque lacteo por el que caminan los recuerdos del "héroe".
Creo que hay episodios muy concretos frente a otros que no se terminan de definir, como es sin duda la relación entre el trío protagonista; asimismo, entiendo que se pierde foco en unas cuantas disgresiones más tendentes a criticar la política de los últimos años que a continuar con la narración ( podría entenderse como una forma en la que el autor nos traslada su falta de apego por los políticos, pero no presentía que ese fuese el objeto de esta novela ). En algún momento su acidez, no por justificada, parece sonar a ajuste de cuentas, lo que a mi entender rebaja el nivel de la ficción.
En general no puede decirse nada contra la prosa de Vicent, cristalina siempre, juguetona y ágil.
Y por supuesto mucho menos a su capacidad de análisis y a su agudeza a la hora de ponerlo en palabras, tengo siempre la sensación de moverme entre un hermano menor de Umbral y uno mayor de Sabina.
Mi problema es de foco, ya lo he dicho.
Me interesa esa parte de la historia contada desde dentro, y sobre todo me interesa el personaje de Carmen Diez de Rivera al que apenas conocía. Por eso he terminado con sabor a poco y he corrido a buscar más información en google, pero allí sólo hay datos, y lo que a me me interesaba era la elucubración novelada de Vicent que, estoy seguro, tendría dentro mucho más de realidad.
Porque desde el momento en que la historia se escribe, posiblemente deje de ser cierta aunque eso no quiere decir que no sea verdad.
¿ Me ha gustado? sí, y mucho en algunas partes, pero no lo suficiente, posiblemente yo esperaba "Diez de Rivera la magnífica".

Público

domingo, 3 de marzo de 2013

NOTA: FALLECE JOSE SANCHO

Me acabo de enterar.
Otro que se va. Otro de los grandes.
Sin duda para todos El Estudiante de Curro Jiménez, pero también mucho más, en cine por ejemplo Carne Trémula , en televisión por ejemplo Crematorio o Cuéntame.
Pero personalmente, me gusta más acordarme de lo importante que se hizo en teatro, donde los buenos se crecen, y llegan al cielo; Memorias de Adriano, Los Intereses Creados.... quien nos iba a decir que iba a llegar a ser tan tan tan grande. Y me quedan las ganas de verle, en La Amante Inglesa de Duras que tuvo que cancelar, en Los Cuernos de Don Friolera que preparabas... pero sobre todo en muchos papeles que habrías bordado y no podrás regalarnos ahora, clásicos, contemporáneos, universales... personajes que harías únicos.
Porque creo que con el tiempo, te habías convertido en eso, nada menos: un gran actor.
Ahora nos faltas.

Público  

CIRCO: KOOZA del Circo del Sol

Director y creador- David Shiner
Rueda de la Muerte. Equilibristas en el Cable. Payasos. Monociclo. Trapecista. Equilibrismo en Sillas. Saltos etc

El Circo del Sol se ha convertido en un acontecimiento anual en muchas ciudades españolas, cada temporada con un nuevo espectáculo, siempre singular, dentro de la personalidad de la compañía.
Creo que es esta una dinámica no limitada a nuestro país: el Circo del Sol se mueve en la geografía mundial, incluso con espectáculos estables en ciudades como Las Vegas.
En este sentido, creo que, desde su nacimiento, es mucho lo que ha aportado al renacimiento del género, no sólo posicionándolo de cara a nuevos públicos, sino también abriendo otra vía de éxito para los creadores; así, en los últimos años han surgido propuestas como el Circo Eloize o Eoloh¡ que se acercan cada vez más al teatro , con una globalidad que se extiende a vestuario, escenografía, historia, música.... conceptos que con la decadencia del mundo circense habían comenzado a no tenerse en cuenta.
De todas maneras, siempre existe el peligro de que los árboles no dejen ver el bosque, o, por hablar claro, que toda la parafernalia, llegue a cubrir lo que siempre debe de ser la esencia del género.  
Y en este sentido, Kooza supone una apuesta clara, una declaración de intenciones, el Circo del Sol es circo por encima de todo, y así, a pesar de tener un argumento que engloba el espectáculo, este se centra fundamentalmente en lo que es históricamente la base: la diversión que generan los payasos y la emoción que consiguen los malabaristas. Desde que entramos en el corazón del show, cada minuto conduce al siguiente, y ahí se mezclan las carcajadas con un nivel de tensión absoluto. Tengo que decir que nunca había visto números como el de la Rueda de la Muerte o incluso el de malabarismos en el alambre; son absolutamente superlativos.
Todo ello, consigue además que se cree una situación de absoluta comunión entre el público y los artistas, los aplausos constantes, los gritos , y el reconocimiento después de cada número, los hermana en esta caja llena de sorpresas.
Tras más de dos horas de disfrute, el último gesto del espectáculo, me parece un resumen perfecto: la risa de un niño, cuya cometa ha ganado en color, y seguramente también su vida.

Público

sábado, 2 de marzo de 2013

NOVELA: SALIENDO DE LA ESTACION DE ATOCHA de Ben Lerner

Mondadori
200 páginas
Disponible en ebook.

Tengo que reconocer que tengo sentimientos encontrados con esta celebrada novela: le reconozco valores importantes, incluso algunos singulares, pero sin embargo, no me acaba de llenar.
Dado el respeto que siempre me produce cualquiera capaz de concluir una obra literaria y publicarla, creo que lo mejor es trasladar lo positivo y asumir que mi visión más negativa puede deberse a cualquier aspecto subjetivo.
Vamos allá.
Saliendo de la estación de Atocha, pone a un americano, poeta, excesivo, algo cínico y bastante frívolo y desorientado, frente a la asunción de la modernidad muchas veces impostada; el escenario es un Madrid  no demasiado sólido, marcado en su parte central, por los atentados del 11 de marzo.
Su mirada, irónica e inteligente, capaz de extraer humor de la crítica sin que esta sea demasiado agresiva.
Porque lo que más me sorprende de su autor, es la ligereza con la que consigue pintar aparentemente toda la epopeya, incluso en sus aspectos más dramáticos. Y digo pintar, porque esa ligereza es un recubrimiento, ya que muchas veces debajo hay verdaderas cargas de profundidad sobre el arte, la política, la realidad o la necesidad de madurar.  Todo ello, decorado con mucha poesía, una poesía urbana y emocional.
También hay anécdotas divertidas, y una lectura ágil y muy interesante sobre el lenguaje, capaz de multiplicar la realidad de lo que está ocurriendo.
En fin, lo dicho: la obra de Lerner ha sido alabada por muchos, tiene mucho que apreciar, sin embargo yo he tenido la sensación de navegar siempre en la superficie. Pero repito, tal vez sea sólo personal. No lo tengo claro.

Público