Páginas vistas en total

jueves, 31 de enero de 2013

NOVELA: VOLVER de Toni Morrison

Lumen
167 páginas
Disponible en Kindle

Toni Morrison ha construido y sigue construyendo la memoria de la raza negra en los Estados Unidos.
Desde épocas pretéritas, en el seno de la esclavitud, nos enfrentó a través de obras maestras como Beloved o La Canción de Solomon, a una cultura ancestral, rica y orgullosa que contaba con su propia mitología para sobrevivir en las circunstancias más inhumanas.
Y en el último siglo, cuando a pesar de haber cambiado el marco legislativo, han existido todavía décadas de crueldad.
En los últimos tiempos, son las suyas pequeñas novelas que en ningún caso carecen por ello de fuerza y de poesía.
En este caso, su protagonista es un joven que recorre el espacio que le lleva desde un sanatorio psiquiátrico al rescate de su hermana y, finalmente, al pasado.
En ese trayecto, conocemos su memoria de soldado en Corea, de niño rodeado por la crueldad,  de amante incapaz de amar, al tiempo que conocemos a una galería de personajes secundarios que, como en todas las obras de su autora, son un perfecto reflejo de una sociedad plural, desconcertada y dolorida, pero también muy capaz de la bondad. Una vez más, el hilo conductor abre ventanas y nos asoma a ellas antes de retornar al camino.
Aunque Morrison basa sus obras en la comunidad negra, como ya he dicho anteriormente, no existe proselitismo, ni falsa piedad. Ellos son muchas veces sus propios verdugos, y en ningún caso  pretende que el entorno justifique sus pecados. Aun así, el racismo está siempre presente, desde la Historia, como una lacra escrita en piedra, capaz de manifestarse en formas sutiles o terriblemente absolutas.
La prosa de esta autora no estaba lejos del realismo mágico, quizás con componentes que inclinaban la balanza más hacia el lado realista; tengo la sensación de que en las últimas novelas, el lado onírico, que alcanzó su máximo exponente en Beloved, se ha estilizado, quedando como un hilo apenas perceptible pero capaz de dotar al conjunto de una extraña belleza oscura.
Es desde ahí, desde donde Morrison dota a sus personajes de un aliento casi mítico, quizás su último regalo, convirtiéndoles en únicos. Otorgándoles finalmente un lugar en la Historia, al que tienen el mismo derecho que cualquier ser humano.
Así, los personajes de volver regresan y encuentras, en esa especie de exorcismo, el descanso, un descanso que les permitirá afrontar sus propios errores con la compasión que sean capaces de dar a los de los demás, fuera de venganzas.    
El resultado es otra de sus piezas que, a pesar de su corta longitud pueden abarcar un mundo. Una más de las que nos refuerzan en el convencimiento de que este Premio Nobel fue de los más merecidos de la historia de dichos galardones.

Público

martes, 29 de enero de 2013

NOVELA: EL ASESINO DE LAS VIRGENES NEGRAS de Andreu Martín

andreu-martin-baja-722x1024Sigueleyendo.com
Biblioteca de Autor
Edición Digital

Después de leer esta fastuosa novela negra de crímenes emparentados con el satanismo y las profecias del fin del Mundo, son varias mis certezas:
1.- No se debe de juzgar un libro, ni para lo bueno ni para lo malo, hasta llegar al final.
2.- El exceso no siempre es bueno.
3.- Un buen escritor ( casi ) siempre es un buen escritor.
1.- Llego al cuarenta por ciento de esta intriga , absolutamente atrapado, tanto por la trama como por sus personajes y por la información con la que se va coloreando lo que ocurre. Percibo un conocimiento enciclopédico sobre diferentes religiones apocalípticas, la lucha entre el bien y el mal y su simbología. Al mismo tiempo me siento lo suficientemente perdido como para necesitar seguir avanzando. Creo que me encuentro ante una obra maestra brutal de la novela negra.
2.- Crece el número de personajes ( más de veinte con mando en plaza; con mucho menos, los editores de Agatha Christie tenían a bien regalarnos una lista al inicio del relato ); crecen las tramas paralelas. Se pierde el foco. Asomarnos a la locura, parece otorgar al autor la posibilidad de justificar salidas. Todas las piezas encajarán pero no puedo evitar la sensación de un puzzle. Me siento de nuevo perdido, pero en mi travesía comienzo a notar cierto cansancio.
3.- Andreu Martín es uno de los referentes del género negro en nuestro país, y lo es por algo. Lo que en otras manos hubiese sido un burdo pastiche , aquí sólo me produce un ligero desconcierto y, tal vez, cierta decepción. Es capaz de dotar a todos sus personajes de perfil humano particular; crea situaciones tan originales como el policia viviendo en casa de los ilegales; controla varias pelotas en el aire, tramas paralelas que van produciéndose cada una a su ritmo pero sin que ninguna pierda peso.
He leído algunos comentarios que ensalzan esta obra como un buen referente del género. Yo , ya lo he dicho, me despeño a veces, llego a no estar seguro de estar siguiendo todo lo que se me cuenta, me cuesta encajar el horror y el humor o pasajes como los del comisario corrupto que se alargan sin aportarme demasiado, también me cueste un poquito creerme la locura del asesino. No termino de saber muy bien donde está el bien y donde el mal; quizás sea ese uno de los mensajes, que el mal lo pregna todo. No sé.
A cambio, varias horas de tensión, ganas de saber e imposibilidad de abandonarlo antes del final, aunque hubiese agradecido que este llegase un poco antes.

Público  

sábado, 26 de enero de 2013

CINE: EL LADO BUENO DE LAS COSAS de David O.Russell

USA . 2012
Bradley Cooper. Jennifer Lawrence. Robert de Niro. Jacki Weaver

De vez en cuando, junto a las grandes producciones de Hollywood, aparece una sorpresa que, desde la aparente humildad, consigue ganar a público y crítica y convertirse en un pequeño acontecimiento.
La de este año podría ser esta agradable comedia, capaz de hacer aflorar la sonrisa y mantenerla durante todo su metraje, algo que en apariencia puede parecer sencillo pero no lo es.
Creo que hay dos valores en esta película que ayudan a hacerla diferente y sólida.
Por un lado, un guión que es capaz de afrontar temas delicados como la enfermedad mental, el fracaso, la dificultad para algunos seres humanos de adaptarse a un mundo, desde un planteamiento jugetón pero no frívolo ni abusivo.
En segundo lugar, el cuadro interpretativo. No conocía a Cooper , me parece que tiene calidad, carisma y cercanía. De Jennifer Lawrence no hay dudas desde Winter's Bone , inolvidable, aquí crea un personaje fascinante en su fragilidad interior y su aparente fortaleza. Los apuntalan nada menos que De Niro y una Weaver regalada desde Australia.
Todos estos mimbres, los utiliza un director con atractivo estilo visual, seguramente inspirado en el cine independiente americano.
¿ El resultado? lo dicho, una muy agradable sorpresa, de las que aterrizan inesperadamente en las parrillas de los premios del año. Quizás pueda ser un reconocimiento exagerado, pero no molesta.

Público    


miércoles, 23 de enero de 2013

NOVELA: ABSOLUCION de Luis Landero

PhotobucketTusquets Narrativas
320 páginas

Creo que fue Cervantes, padre e inspirador de una casta de escritores españoles que entendieron la narración como una aventura rigurosa, utilizando como únicas armas, la inteligencia, la honestidad, el ingenio y el lenguaje.
Escritores castizos, de raza, a los que apasiona contar historias desde la contemplación de la vida y el paisaje.
Cada uno con su estilo, pero todos con mucho en común , los Baroja, los Pérez Galdós, más recientemente los Cela, y tantos, tantos otros.
Creo que en el panorama actual, es Luis Landero el más cervantiano ( si tal adjetivo existe ) de nuestros escritores.
Con una prosa que va desde lo antiguo a lo moderno, y que manejan con maestría, estos narradores son en muchas ocasiones también creadores de Quijotes, no por su ilusión e ingenuidad, sino por la capacidad de hacer especial la vida de personajes cotidianos, y por convertir en territorio de aventuras, ámbitos geográficos de todos conocidos.
Absolución, reune una vez más las mejores condiciones de este creador que desde Juegos de la edad tardía, aquel deslumbrante debut, no ha cesado de regalarnos joyas, algunas con mayor o menor brillo; consigue otro guiso, por el que apuntarlo al club de escritores antes citados , no tiene nada de exageración.
Es Lino un hombre corriente; con sus manías y sus peculiaridades, pero como cualquiera.
Contemplando su vida desde un prisma gris, no tendría nada que destacar , ni su familia, ese padre sufriente e insufrible, esa madre apocada, ni su falta de arraigo en ningún trabajo, ni su miedo a cualquier tipo de compromiso, ni su dejar que sean los acontecimientos los que siempre le marquen el camino.
Sin embargo, el autor, que quiere con ternura a sus personajes, cambia el cristal, para teñir esa vida de colores y otorgarle dimensiones que oscilan entre el cuento, la magia , la sorpresa, con el salto mortal de  conseguir no abandonar nunca el realismo.
Y así, el hombre que pintaba a las moscas, conoce a la muchacha cazadora, y al sabio, sufre el ataque del demonio, pierde su alma en el laberinto, y emprende un viaje a ninguna parte, una pequeña odisea por tierras de castilla, un Orestes en los campos de Soria.
Repito, en otras manos , sería o podría ser un relato hueco, aquí navega con humor , mucho humor, pero también mucha sensibilidad, entre el relato de aventuras en una dimensión interior y el viaje mitológico, pero sin olvidar las raices caseras, navegando entre costumbrismo y esperpento, una epopeya garbancera, para entendernos .
Es Landero de nuevo maestro en la creación de personajes. A los que ya he citado, habría que incorporar a Galvez , único en su labor de guía, de ángel rescatador; Olmedo, un robinsón literario, y, por supuesto el perro Comediante.
También lo es, de nuevo , en manejar la prosa, y en utilizar referencias que nunca pecan de pedantes. Maestro por tanto en forma y en contenido.
Y con esas herramientas, con esos mimbres, acompañamos al héroe, extraño héroe pero ¿porqué no? en su disquisición, su intento de descubrir el sentido de la vida , o , más simple, de entenderla; para llegar a la sabia conclusión de que a la vida , ni se la entiende ni se le busca sentido. La vida simplemente se vive, y se puede seguir viviendo mientras haya vida.

Público

sábado, 19 de enero de 2013

CINE: LA NOCHE MAS OSCURA de Katryn Bigelow

USA 2012
Jessica Chastain. Jason Clarke. Joel Edgerton. Jennifer Ehle. Mark Strong. Kyle Chandler

Cuando la Historia se pone en pie, en cualquier tipo de obra creativa, es más sencillo que exista una distancia. Una vez eliminados los posibles anacronismos, el tiempo siempre permite la opinión, la interpretación de lo ocurrido, e incluso, en el peor de los casos, la manipulación.
Sin embargo,  cuando alguien se atreve a tratar la Historia desde lo inmediato, sabe que se expone a que cualquier aportación personal pueda ser tachado como ideológica y por lo tanto, cuestionable.
Por ello, la opción es casi única: sólo la traslación fría de los hechos conocidos y probados; no existen otras posibilidades si se quiere que el proyecto se tome en serio y tenga un verdadero valor documental.
Bigelow, ya había demostrado en su anterior y exitosa película, En tierra hostil, que era capaz de hacer cine en presente, cine que no investiga el pasado ni elucubra sobre el futuro, sino que se centra sólo y con contundencia en los hechos que suceden, o parecen suceder, repito, en presente perfecto.
Esa característica, y su eficacia en el género de acción, hacían de la directora una artesana idónea para llevar a cabo la cinta que recogiese la investigación y captura de Bin Laden, algo que, por otro lado, no era un empeño nada sencillo.
El resultado, lo digo ya, cumple con creces las expectativas.
La Noche más Oscura, narra el periodo de tiempo que va desde los atentados del 11 de septiembre contra las Torres Gemelas hasta la muerte de Bin Laden. Un largo periodo con infinidad de datos, de sucesos, de informaciones, de errores y aciertos, que no era fácil resumir en un guión, por mucho que la cinta dure más de dos horas y media. Además, por mucho que se pretenda no subjetivizar la narración, es necesario otorgarle una percha humana para evitar lo que sería un documental tedioso.
Bigelow, y sus guionistas, consiguen saltar sobre esa dificultad inicial , utilizando como guía el personaje de Maya, una agente de la CIA que no tarda en obsesionarse con el personaje que se convierte para ella en el MAL, con mayúsculas, y esta herramienta funciona a la perfección por dos cosas: la primera porque el personaje ( supongo que real ) se configura desde los componentes que el cine americano maneja tan bien, con base en los legendarios cow boys, el individualista sin vida personal, entregado al Bien de forma absoluta; y en segundo lugar, por contar con una actriz como Jessica Chastain, entregada en cuerpo y alma a su creación.  
Es su mirada, su involucración en la caza, la que nos va guiando, y nos permite no perdernos en lo que podría ser una maraña policial y política.
A partir de esa premisa, toda la potencia de la directora en el cine de acción, se pega a la cámara para contarnos, o me gusta más la expresión, poner la narración ante nuestros ojos, y lo hace con una gran capacidad visual para mezclar los primeros planos con los que enmarcan los sucesos en los diferentes paisajes y localizaciones, para integrar el movimiento con la reflexión , y dar puntos de descanso aunque no excesivos.
El resultado, ya lo he dicho antes, cumple las expectativas, y yo incluso diría que las superan. Actúa sobre varias áreas: informa sobre lo sucedido, capta la atención sin que esta se pierda un sólo minuto en sus más de dos horas treinta, y, lo más difícil dentro del género y la opción narrativa elegida, emociona. Esto último desde la mirada de unos ojos preciosos y tras lo que se nos consigue construir un ser humano.
Muy buen cine histórico. Sin que sea necesario esperar.

Público


NOVELA: LA PUPILA DEL TIEMPO de Ana María Preckler

Huerga & Fierro Editores
Narrativa
161 páginas

La novela de tesis es un género difícil; intentar transmitir algo conceptual a través de la narración, es un empeño cuando menos arriesgado, a veces opuesto a la tan exigible misión de entretener.
La Pupila del Tiempo es una obra en la que subyace un mensaje tan necesario hoy día como poco popular en nuestra sociedad básicamente hedonista: la trascendencia del hombre, la importancia del bien, la necesidad de creer en algo, y con ello, la posibilidad de redención.
Para hacerlo, Preckler crea un personaje totémico, perfectamente definido como columna vertebral del relato, y utiliza una prosa densa, un lenguaje que casi tiene solidez, siempre correcto. Creo, y no sé si es buscado, que esta materialización de la palabra, a la que entramos desde un prólogo en que el paisaje lluvioso adquiere un nivel mitológico, es lo que ayuda a deslocalizar el conflicto haciéndolo universal.
Pero, ya desde Los Resquicios del Bosque, su autora nos definió una de sus características más personales y es su rigor a la hora de dibujar los paisajes donde transcurren sus tramas, interna y externamente. No en vano, en su carrera literaria, hay una Historia del Arte Universal de los Siglos XIX y XX, lo que le permite una preciosa y precisa descripción de los escenarios.
Es singular la riqueza de localizaciones, y la perfecta definición, artística y arquitectónica, pero también social. Nueva York, Tenerife, Madrid, Londres, los entornos universitarios americanos.... son múltiples los lugares que recorremos de su mano, algo casi imposible teniendo en cuenta que la novela tiene sólo 160 páginas.
También desde las referencias literarias y filosóficas, lleva a cabo la introspección psicológica de su personaje.
Una vez dibujada la escenografía y sus motivaciones, la narración se desarrolla con solidez , sin que hagan falta más efectos.
Creo que La Pupila del Tiempo, supone un avance en la carrera de su autora como narradora; su conocimiento enciclopédico ya no es la base ( su novela anterior se enmarcaba en el género histórico ) sino un complemento que cualifica el drama. Pero estamos en el hoy. María Luisa se ha propuesto ponernos frente al peligro de un hombre contemporáneo con los valores equivocados. Afrontar algo así, que hoy día suena tan poco popular, es valiente. Y necesario. Mirando a nuestro alrededor, nos damos cuenta que muy necesario.

Público  
    

viernes, 18 de enero de 2013

CINE: THE MASTER de Paul Thomas Anderson

USA 2012
Joaquín Phoenix. Phillip Seymour Hoffman. Amy Adams. Laura Dern

En su estreno en el Festival de Cine de Berlín, The Master obtuvo el aplauso casi unánime de la crítica, además de los premios a mejor director y mejor interpretación masculina.
Su carrera americana, desigual, pero generalmente positiva en valoraciones ( referencia www.metacritic.com ), culminó sin embargo con su ausencia en las nominaciones de Mejor Película y Mejor Director en los Oscar, algo que se daba por hecho.
Con su llegada a España, aquí parece abrirse aun más la brecha: gente que la adora y otros que la encuentran insoportable. Entre estos últimos, algunos de cuyo criterio me fío.
Con esta introducción, y partiendo de que personalmente The Master me parece una obra maestra, grande, quiero decir que , una vez más, situaciones así deben de invitarnos a asumir que las opiniones son , gracias a Dios, algo plural y subjetivo, que existen pocas certezas absolutas y ayudarnos a recuperar expresiones tan inteligentes como "yo creo".
Bien, pero este no es un blog sobre la critica, ni siquiera de crítica, sino un lugar de comentarios, por supuesto subjetivos, sobre obras ajenas.
Vayamos con la última película de Thomas Anderson:
Como introducción, me gustaría unir esta cinta con su anterior trabajo, Pozos de Ambición, por el hecho de que ambas tienen su ancla en la historia de América, de ese vasto país llamado desde entonces ya a convertirse en la primera potencia mundial.
Muchas veces, desde la vieja y algo despectiva Europa, se ha argumentado que los Estados Unidos carecen de Historia con mayúsculas, una apreciación gratuita y de una soberbia ridícula. Y es el cine, y los grandes directores entre los que podemos enmarcar ya a Anderson, quienes en muchas ocasiones se han ocupado de contárnosla.
Volvamos al díptico formado por Pozos de Ambición y The Master:
En la primera, partíamos de una sociedad en crecimiento, desarrollando un modelo capitalista que va creando sus propias heridas por el camino; en la segunda, sin embargo partimos del dolor. Freddie  simboliza en forma extrema una sociedad que, tras la Segunda Guerra Mundial y en un aparente periodo de  felicidad casi infantil ( que bien lo simbolizan los retratados por su cámara en los grandes almacenes ), esconde traumas difíciles de superar, algunos sin duda frutos de la contienda pero otros, larvados desde  mucho tiempo antes, como el alcoholismo del padre o la locura de la madre.
Ese paisaje desolador, es un excelente caldo de cultivo para el nacimiento de falsos profetas, de falsas religiones, de negocios que comercian con la inseguridad del ser humano, creando paraísos difíciles de creer pero que arraigan en la necesidad.
Thomas Anderson escribe un guión donde caben las dudas y las certezas, pero sobre todo, caben los personajes.
Y es que creo que la principal herramienta que siempre utiliza como escritor y director, es la creación de unos personajes que son el verdadero motor de lo que sucede, enteros y veraces, y con ellos, es capaz de trasladar cualquier rincón de la mente humana. Con todos los matices que pueden existir en la realidad.
Esa definición permite múltiples relaciones; en apariencia la principal es la de dependencia entre maestro y protegido, pero no es esta plana, sino que es capaz de mostrar todas las esquinas posibles, entre la racionalidad y la animalidad, entre la atracción y el rechazo. A su alrededor muchas otras, y es que cada uno de los personajes se encuentra atado a los demás y al mundo por sus propias redes.
La riqueza psicológica es apabullante, llena de giros y detalles, pero me sorprende, y es otro de los logros de su director, la claridad con la que nos llega, en ocasiones de una forma sutil y otras agresiva, pero siempre horrorosamente transparente.
Quizás esto es lo que hace que The Master sea una película incómoda, su reflejo desnudo del alma, y quizás también el camino interior que elige, esos primeros planos que se comen la pantalla, ese contar a través de los ojos, ese tener siempre a esos perdedores ( o ganadores ) a dos centímetros.
Hay que ser muy buen actor para soportar una interpretación así, aquí no puede pedirse más: desde el silencio de Adams a la creación brutal de Phoenix ( que paradógicamente me recuerda a Daniel Day Lewis  en su capacidad de posesión del personaje )  pasando por la sabiduría de Seymour Hoffman ( ¿porque se considera su papel secundario a la hora de lasnominaciones? ), hasta la pequeña participación de Laura Dern que sirve para que la añoremos en protagonistas.
Estéticamente, la película bebe de los clásicos del cine americano, eso sí, coloreada con una constante presencia musical que convierte la textura en tan inquietante y desasosegadora como el contenido.
En fin, de verdad siento que mucha gente no haya podido disfrutarla, para mi es una obra que retoma las grandes epopeyas americanas al tiempo que es grande cinematográficamente. Pero , repito, es, sólo , mi opinión.

Público


jueves, 17 de enero de 2013

TEATRO: TEMPESTAD de William Shakespeare


Cartel de Tempestad
Dirección y Adaptación - Sergio Peris - Mencheta
Victor Duplá. Quique Fernández. Antonio Galeano. Pepe Lorente. Xavier Murúa. Eduardo Ruiz. Agustín Sasián. Javier Tolosa.
Compañía Barco Pirata
"Estamos hechos de la misma materia de los sueños"

Aplauso gozoso.
Comienzo la crónica de este espectáculo por el final: público puesto en pie, aplaudiendo a rabiar y coreando bravos a un grupo de actores que, durante una hora y cuarenta y cinco minutos, les han regalado, nos han regalado, una experiencia vital en directo; teatro, lo que es el teatro.
No es el único aplauso que ha resonado en ese tiempo, pero luego haré referencia al otro.
La Tempestad es conocida como la última obra de Shakespeare, y en mi modesta opinión, es un compendio de temas y estilos de su catálogo: encuadrada en la apariencia de cuento mágico , tenemos una historia de traición y venganza, un tratado sobre el poder, una historia de amor juvenil y una farsa de clowns y bufones.
Es difícil afrontarla porque no permite un acercamiento arqueológico , y no siempre es fácil encajar todas las piezas.
Considero que , en un tiempo de adaptaciones más o menos acertadas, la única manera de representar la pieza es desde la libertad absoluta, asumiendo muchos riesgos, pero también regresando a la esencia del teatro, al directo, a la diversión , al artificio.
Perís- Mencheta, después de esta experiencia, debería de dejar de ser considerado un actor más o menos atractivo surgido de la televisión, para entrar en todos los diccionarios como uno de los directores teatrales más creativos, capaces y originales de nuestro país. Suyo es, parece, el experimento, que, tras su visionado, deja de ser tal para convertirse en logro. Suya es no sólo la labor de dirección sino el rico trabajo de adaptación y puesta en pie. Suyo hubiese sido el fracaso por lo que suyo debe de ser el éxito.
En el punto de partida no está lejos Después del sueño, adaptación que hizo Irina Brook del Sueño de una noche de verano y que hace años pudimos disfrutar en el Festival de Otoño. No creo que a Peris- Mencheta le gustase la palabra metateatro, fea donde las haya y grandilocuente, que no casa con la transparencia de su propuesta. Creo más bien que lo que ha decidido es compartir con los espectadores el proceso de creación, no sólo no importándole que se vean las costuras, sino mostrándolas abiertamente; en este proceso, donde podría caerse en la distancia, entramos sin embargo en la creación de la magia, algo que ocurre ante nuestros ojos. De nuevo teatro.
Y es que esta Tempestad , opta por ser un juego escénico, divertido ( y cuando digo divertido, me refiero a muy divertido, con un coro de constantes carcajadas por parte del público; que sano reirse, que bueno hacernos reir con Shakespeare )y desbordado de imaginación , que en muchas ocasiones roza la genialidad y siempre la eficacia, a pesar de los limitados recursos que decide utilizar. Es apabullante y absolutamente gozoso el torrente de creatividad que palmo a palmo se va desplegando y que este grupo de actores parece regalarnos con la naturalidad de un taller de interpretación, con capacidad para asumir ellos ocho todo el elenco, con mutaciones que en ocasiones se producen en el mismo escenario, ese cuadrilatero de arena con un fondo de audiovisual que, en tiempos de abuso de dicha tecnología, nunca había sido tan bien utilizado.
No es perfecto. ¿ Quien lo pide? , ningún juego lo es. Es mucho más.
Pero no quiero llevar a confusión con la palabra juego; esta Tempestad no es una representación menor por mucho que se haya limado el texto. Detrás no sólo hay el alarde de creatividad antes citado, sino también una adaptación de un texto complejo que, desde el punto de vista narrativo, consigue hacerse cercano. Y muchas ideas propias del director más educado en el genio inglés, como esa identificación de Ariel, personaje tan difícil de poner en escena.
Tengo la sensación de que existe cierta humildad en la reducción del título: La Tempestad pasa a ser sólo Tempestad, como para evitar que se le pueda echar en cara su alejamiento de la ortodoxia. Craso error. Estoy convencido de que William Shakespeare sería uno de los espectadores que aplaudirían con más fuerza si hubiese estado allí anoche.
Y hablando de aplausos, vuelvo al comienzo de esta crónica donde citaba otro: efectivamente, tras la escena inicial de la tormenta en el mar, absolutamente fantástica , todos rompimos , interrumpimos la representación con nuestras palmas. Podía haber ocurrido muchas otras veces como en la de la conspiración por poner otro ejemplo.
Desde la artesanía, se llega a la belleza, exterior e interior porque la diversión es otra forma de belleza.
Algo así sólo se consigue con mucho cariño, con mucho respeto, con mucha inteligencia, valentía y sensibilidad.
Gracias
Público

martes, 15 de enero de 2013

RELATOS: CULPA de Ferdinand Von Schirach

Salamandra
153 páginas

La anterior colección de relatos de este autor, Crímenes, se convirtió en un acontecimiento editorial en Alemania, exportado con éxito a muchos países.
Por un lado, era llamativo su planteamiento: un abogado , tras muchos años de ejercicio, nos contaba algunos de sus casos donde , en entornos generalmente poco proclives a ello, terminaba apareciendo la tragedia.
Pero también contaba con el valor aportado por un narrador preciso, casi frío, que parecía ser capaz de eliminar falsas emociones frente a la captura de la realidad sin trampas.
Nos llega ahora Culpa, en principio con el mismo punto de partida, sin embargo mi opinión es que ha conseguido algo muy difícil, mantener las mejores virtudes de la obra previa pero dando un paso adelante.
Tengo la sensación ( y no creo que me engañe la memoria ) que en los textos que componen Culpa, como su propio nombre indica, hay un análisis psicológico más avanzado, seguramente con la narración de episodios más complejos, lo que genera cierta ambiguedad en los juicios que podemos llevar a cabo, incluso cuestionando en algún caso las decisiones del propio narrador. En general veo una mayor riqueza.
También se da un paso adelante en la estructura de cada episodio, algunos de ellos, desde el punto de vista argumental, equiparables a pequeñas novelas, aunque no lo sean por su longitud.
Y esto enlaza con las virtudes mantenidas: Von Schirach no se deja llevar por sus historias, si no que sigue limitándolas a lo estrictamente necesario. El lenguaje sigue siendo igual de preciso, transparente y capaz. La sensibilidad y la inteligencia están sin duda en la capacidad de observar y de transmitir, sin necesidad de dejar una huella personal en lo que se cuenta, quizás también implique una gran dosis de humildad.
Al terminar, tenemos la sensación de que hemos contemplado una colección de miniaturas, que son un catálogo bastante desasosegador pero muy real, de la naturaleza humana. Algo que va más allá del género negro, por lo que tiene de verdad.
A partir de aquí, creo que sólo nos queda esperar la primera novela de este abogado; sin duda está más que preparado para seguir sorprendiéndonos.

Público

lunes, 14 de enero de 2013

NOVELA: LA MARCA DEL MERIDIANO de Lorenzo Silva


Planeta
Premio Planeta 2012
399 páginas

En el género de la novela negra, entiendo que existen unas características esenciales para hablar de una buena obra y otras accesorias que pueden contribuir a la cualificación de la misma, para aquellos que disfrutamos con él.
Vayamos con los esenciales:
Los personajes. Imprescindible que podamos encontrarnos con héroes que no lo son. Con seres capaces de luchar contra los "malos" pero que también nos dejen ver en algún momento sus grietas. En definitiva, los protagonistas deben de ser más humanos de lo habitual y tener pasado. En este punto, Lorenzo Silva ha creado una pareja de la Guardia Civil, Bevilacqua y Chamorro , que, ya bregados en varias novelas hasta componer una serie, son capaces de dar el perfil, en especial él : desengañado, honesto, culto y melancólico. En este caso, a su alrededor se van conformando otros compañeros de fatigas como Arnau o López, también perfectamente dibujados y todos con el peso suficiente para no ejercer de meros comparsas.
La trama. La Marca del Meridiano habla de la corrupción policial, y consigue establecer una red compleja, al tiempo que va graduando la información al lector con la precisión suficiente como para que se pase de una página a otra sin que uno prácticamente se de cuenta, y así se llega al final.
Ahora las accesorias ( o no tanto ):
El ritmo. Una novela negra debe de ser como un disparo, o mejor dicho, como una colección de disparos. Por supuesto pueden ( y deben ) existir remansos, pero perfectamente medidos, de cara a que no tengamos nunca la sensación de que se está jugando con nosotros, alargándonos innecesariamente la tensión. En resumen, la novela negra no admite paja. Tampoco en este sentido hay nada que objetar a Silva, no en vano nos encontramos ante un muy buen escritor que conoce de sobra su oficio, no sólo en este género, sino en muchos otros ( a pesar de su juventud, tiene un catálogo de obras francamente interesante). Tal vez podría limarse algún diálogo, pero es pecata minuta.
El paisaje. Una buena novela negra es el reflejo de una sociedad a través de sus lacras, de sus vicios, de su mediocridad; creo que ya comenté alguna vez que para mi, los mejores libros de historia de Norteamérica son las novelas de Chandler o Hammet. En La Marca del Meridiano, el paisaje existe y está bien trasladado; quizás existe cierta rapidez en el trato, primando lo individual frente a lo general, pero en cualquier caso, esta condición también supera el aprobado. Está Barcelona y Madrid, está la colaboración entre diferentes cuerpos, está un país donde el dinero se ha convertido en mercancía ya no fácil ( estamos en plena crisis ) pero sí muy necesaria y a la que cuesta renunciar, está por lo tanto una escala de valores prostituida.
En resumen , cuatro de cuatro ¿ no? , y como resultado, un policiaco muy entretenido.
Bien, pues hay un pero. Lo siento. Un pero que me he guardado para el final y que podría estar en cualquiera de los dos grupos:
El malo. Una novela negra es perfecta cuando se acerca a un duelo entre el bien y el mal ,donde pueden llegar a perderse los contornos. En este sentido, el resultado es mucho más efectivo si la encarnación del mal se personaliza y llega a adquirir tal nivel, que en ocasiones dudemos sobre quien va a resultar vencedor e incluso él y el "bueno" compitan en carisma y atractivo. A La Marca del Meridiano le falta un "malo"; vamos, no le falta un "malo" sino la personificación concreta del mismo, perdido en la complejidad de la trama y en el cariño que Silva parece tenerle a los buenos. Su elevación del cuerpo de la Guardia Civil a un nivel casi legendario, quedaría fantástico con un reflejo enfrente igual de potente. Y aquí no lo tenemos y cuando aparece es para desaparecer demasiado pronto.
En cualquier caso, repito , nos encontramos ante un policiaco muy interesante, sin duda una novela de calidad y escrita por un narrador de raza.
Tal vez lo mejor sea disfrutarla, quedarse con lo bueno, que es mucho, y agradecer al Premio Planeta que esta vez se haya mantenido en cotas altas de calidad.

Público    

sábado, 12 de enero de 2013

CINE: EN LA CASA de Francois Ozon

Francia 2012
Fabrice Luchini. Ernst Umhauer. Kristin Scott Thomas. Emmanuelle Seigner. Denis Menochet.

Reconozco en Juan Mayorga a un importantísimo dramaturgo, capaz de generar un conjunto de obras que van desde lo histórico a lo metafórico o lo didáctico , teniendo como características comunes ,su control de la estructura, su capacidad de análisis en los conflictos que plantea , su rigor y, por supuesto, rozar la perfección en la captación de la naturalidad y la verdad en sus diálogos.
Vi El chico de la última fila en un Festival de Otoño, y creo que es una de sus obras más conseguidas, de hecho no entendí porqué tuvo una carrera tan limitada, ceñida a lo alternativo.
Por todo lo anterior, no me apetecía ver En la casa, a pesar de la Concha de Oro de San Sebastián y las excelentes críticas. Tenía la sensación de que poco iba a poder aportar  al original. De hecho, llegué a pensar que la mayoría de las alabanzas, se debían al desconocimiento de la pieza de Mayorga, que era  quien entendía merecía todos los parabienes.
Bien.
Pues finalmente, me he decidido, y el resultado me demuestra, otra vez más, que tener ideas preconcebidas no es siempre lo correcto.
Efectivamente, En la casa es una adaptación fiel de la obra en la que se basa, sin olvidar que el cine le ofrece otras posibilidades por lo que se refiere a movimiento y que El chico... requiere diferentes escenarios. No creo que existan grandes variaciones. Pero ese es precisamente su mayor logro: el director es capaz de algo tan maravilloso y tan escaso como la humildad, de poner todo su talento, su sensibilidad y su inteligencia narrativa al servicio del texto, y de esa manera consigue potenciar al máximo todos los matices que nos regala un obra que, repito, roza la perfección.
Y vayamos al contenido: la historia tiene como línea vertebral la relación entre un profesor de literatura y uno de sus alumnos que parece especialmente destacado; a partir de ahí se desarrolla un relato cruzado entre realidad y ficción que habla de las interacciones entre ambas y también del proceso de creación.
Pero no se queda sólo ( ¡ sólo !) en eso; su autor puntúa muchos otros temas , dejando preguntas que cada uno puede responder a su manera o ecos de lo que podrían ser otras historias.    
Se habla de las relaciones paterno filiales, de la importancia de la educación y las dificultades de ser objetivo, de las trampas de la intelectualidad, del arte contemporáneo y lo absurdo de su conceptualización, de los vicios de la clase media, y muy especialmente sobre lo que hoy día supone la "normalidad" o lo especial.
Lo que destaca es que con todo esto, lo que podía convertirse en un ensayo plomizo, se nos muestra no sólo con agilidad y claridad, sino también con un gran sentido del humor que nos tiene continuamente cercanos a la sonrisa y cierto ritmo de thriller que consigue generar un muy interesante nivel de tensión.
Una vez más, esto se consigue a través de la sencillez y la transparencia con la que el Ozon afronta el reto, asumiendo, eso sí, que en esa aparente modestia hay ( ya lo he dicho antes, me repito, lo sé, pero la ocasión lo merece ) mucha inteligencia y mucha sensibilidad.
El resultado, lo dicho, a la altura del original, logrando entretener, emocionar y hacer sonreir y pensar a partes iguales.
Un logro.

Público

viernes, 11 de enero de 2013

CINE: EL MUERTO Y SER FELIZ de Javier Rebollo

España/ Argentina 2012
José Sacristán. Roxana Blanco. Jorge Jellinek. Lisa Caligaris. Valeria Alonso. Carlos Lecuona

Este mes de enero se está convirtiendo en una maravillosa pesadilla para los amantes del cine: a la situación pre Oscar habitual en estas fechas, se suma la coincidencia de otros estrenos.
Así, en el plazo de quince días, han aterrizado o están a punto de aterrizar en nuestras carteleras, The Master y La Noche Más Oscura junto con Amor de Haneke, el Lincoln de Spielberg o el último Tarantino, así como manjares del tipo de Tabú de Gomes.
De acuerdo, una gozada, pero también un peligro para pequeñas obras como esta cinta de Rebollo.
Sería una pena que en las pantallas y en los medios de comunicación no quede espacio para dedicarle a una de las películas más sugerentes, originales y conseguidas de esta temporada. Para mayor satisfacción, es española.
De las dos piezas anteriores de Rebollo, sólo conozco La Mujer sin Piano, una sorpresa fantástica, una historia hermosa y cerrada como un cactus pero a la que un giro casi al final, abría como una orquídea, una intriga o un cuento nocturno con la magia de lo cotidiano; también alto nivel de riesgo y un lenguaje muy personal.
Me gustaría pensar que el director se siente más cómodo, que ha comprendido que había conseguido el nivel de éxito que pueden conseguir propuestas tan radicales, y como consecuencia, esta tercera obra, aun más avanzada, la ha afrontado con humor, un humor que se traduce a sus fotogramas.
Así, se atreve a un ejercicio de alquimia cultural, capaz de agrupar muchísimos referentes y pervertirlos para hacerlos suyos:
Por una parte, está el cine clásico americano, John Ford y dos que cabalgan juntos, el género de la road movie, el personaje del asesino a sueldo crepuscular.
Por otro, ese personaje, enlazando con el noir francés, se enzarza en una forma de contar anárquica e interior que remite a Europa.
Todo esto, sirve de base a una historia abierta, sin una dirección aparente pero cargada de pequeños retazos que sí se van cerrando, como perlas ( el dueto con la enfermera, Alejandra, la historia de los perros... ) ; la sitúa en paisajes que basculan entre lo inhóspito y lo colorista, entre el cuento y la viñeta, entre el hiperrealismo turístico y el sueño.
En general es tanto lo que nos da que es mucho lo que podemos construir, siendo el público parte constitutiva. Llego a dudar , no ya de que cada uno podamos tener nuestra propia película, sino de que cada uno podemos tener mil películas dentro de esta .
Sin embargo , personalmente, lo que me atrapa desde el inicio, es la forma que tiene Rebollo de contarla, por su decisión de convertir la voz en off en un personaje omnipresente, que no siempre coincide con las imágenes y otras las comenta o complementa, por su caligrafía de espacios y personas, de gestos y paradas.
Si ya el contenido era singular, la forma la convierte en única. Llegamos a tener la sensación de que la obra se está gestando ante nuestros ojos.
Y lo más sorprendente es que una apuesta así de radical, consigue una extraña agilidad y generar momentos absolutos de emoción.
El Muerto y Ser Feliz, puede ser un viaje a ninguna parte, una primorosa historia de amor, la traslación de una leyenda o la génesis de un mito. También un relato en palabras o un relato en imágenes, una película disfrazada de novela o una novela disfrazada de película. Y muchas cosas más, entre ellas un recital de interpretación de un Sacristan en estado de gracia.
Pero , por encima de todo, vuelvo al inicio: para mi lo que es ,es una de las narraciones cinematográficas más apasionantes de los últimos tiempos. Dotada de una riqueza narrativa apabullante.
Y sería una lástima que se perdiese en una marea más potente pero no por ello compuesta de mejores olas.

Público


martes, 8 de enero de 2013

NOMINACIONES PREMIOS GOYA 2012


Acaban de hacerse públicas las nominaciones de los Goya para el año 2012.
Como breve comentario de urgencia, algunas notas:
Nada que objetar a las cuatro nominadas a Mejor Película; no he visto Lo Imposible pero creo que un taquillazo tan importante para el cine español merece su cutota de reconocimiento. Puestos a soñar, me gustaría que al final fuese Grupo 7 o El Artista y La Modelo los que se alzasen con el galardón.
También bien los de interpretación: Naomi Watts y Mc Gregor son esa representación internacional que tanto nos gusta y que puede dar más glamour a la ceremonia de entrega; Jimenez Cacho me parece excelente pero más cercano a un papel secundario que al de actor principal; me gustaría ver a más actores de Una Pistola en Cada Mano en estas categorías, aunque Candela Peña es una muy buena representación; por contra, me encanta que Grupo 7 esté en los de revelación con dos interpretaciones de altura.
Mis favoritos, sin haber visto todos , Maribel Verdú aunque me vale también Aida Folch;  Antonio de la Torre( no he visto el trabajo de Sacristán ); la Peña o la Molina y Villagrán, que también podría haber estado en principal por Extraterrestre.
En revelación masculina, me cuesta decidirme entre Joaquín Nuñez y el chaval de Los Niños Salvajes. En femenina, ¿ alguna duda? la Mamá León.
Sólo una ausencia imperdonable , donde sea, como sea , Diamond Flash, lo más interesante que nos ha dado el cine español, o simplemente el cine, últimamente.
En general bien

Público

NOVELA: CUCKOO IN THE NEST de Michelle Magorian

Cuckoo In The Nest by Michelle MagorianEgmont Books
458 páginas

En un momento en que la literatura para adolescentes parece haberse convertido en un filón para muchas editoriales, tal vez sea la ocasión para empezar a distinguir , no sólo entre libros bien escritos y otros infumables, sino entre aquellos que parecen surgir de la pluma de un narrador con alma y los que más bien nacen de un trabajo de construcción, respetable en muchos casos, pero ajeno a lo que debe de entenderse como literatura.
Estoy de acuerdo en que lo importante es conseguir convertir a cualquier niño o joven en lector, siempre dentro de unos límites de calidad exigibles, y en ese sentido, bienvenidos sean Juegos del Hambre, Harry Potters, Crepúsculos o demás familia. El problema es cuando ese tipo de lecturas producen un efecto ancla y el presunto lector no avanza hacia otro tipo de obras que serán, fundamentalmente, nuevos descubrimientos.
Por eso me siento tan agradecido cuando me encuentro con narraciones que me devuelven , a mis casi cincuenta años, a aquellos momentos en que necesitaba buscar cualquier momento para volver a las páginas de novelas que, desde su inicio, me habían atrapado , no sólo en el entretenimiento, sino también en la emoción.
Ya he comentado en otras ocasiones que, personalmente, creo que la mejor literatura juvenil e infantil está en manos de escritores británicos, quizás porque la cultura es algo que existe en su ámbito educativo desde el inicio.
Michelle Magorian ( y ya he comentado aquí algunos de sus libros ) se corresponde con esa estirpe capaz de mezclar la capacidad descriptiva ( exterior e interior ) de un Dickens con la tensión de Enyd Blyton.
El escenario es siempre el mismo : Inglaterra reponiéndose de las heridas de la Segunda Guerra Mundial y un entorno familiar que no siempre encaja en lo idílico ( otra característica de estos autores , es la de ser capaces de mostrar la realidad , por dura que sea , sin acercarse si quiera a la sordidez ).
El protagonista es en este caso un muchacho de 16 años con un ansia en la vida , ser actor de teatro; a través de sus peripecias , su esfuerzo y su lucha , vamos conociendo a un conjunto de personajes encantador , incluso los más negativos tienen su punto de ternura, y un país que es capaz de levantarse desde las condiciones más extremas para conseguir, como Ralph, alcanzar aquello que se propone.
La narración es transparente , llena de detalles , apasionante en su ámbito cotidiano.
El resultado está a la altura de Just Henry, mi novela favorita de las de su autora.
Volviendo al inicio, creo que acercar a niños y adolescentes a este tipo de libros , es hacerles un regalo impagable, tan amplio como un viaje alrededor del mundo, con el valor añadido de que no termina nunca.
Y a los adultos, nos ofrece la disculpa de sumergirnos de vez en cuando en lo que fuimos, en lo que nos ha llevado a ser lo que somos, a asomarnos, con una pizca de nostalgia, a aquellos pequeños que, en lugar de dormir, hurtaban horas al sueño para seguir avanzando , teníamos prisa, como cambian las cosas....

Público

viernes, 4 de enero de 2013

TEATRO MUSICAL: LOS DIVINOS de Marisol Rozo y Ara Malikian


Cartel de Los Divinos
Dirección y dramaturgia: Marisol Rozo
Dirección musical : Ara Malikian y Juan Francisco Padilla
Con:
Ara Malikian ( Violín )
Jose Manuel Zapata ( Tenor )
Juan Francisco Padilla ( Guitarra )
Inma Almendros ( Violín )
Jorge Fournadjev ( Violonchelo )

Esta vez va a ser fácil escribir:
Creo que en este momento hay pocos espectáculos en Madrid tan divertidos como Los Divinos, pocos espectáculos tan virtuosos como Los Divinos, pocos espectáculos tan alegres como Los divinos.
Podría quedarme aquí. Una recomendación contundente para todas las edades, para pasarlo estupendamente y disfrutar de la música.
En fin , no seré tacaño.
Ara Malikian es un personaje único. Un violinista juguetón , brillante , genial y, sobre todo , un gran músico.
No sé si Mis Primeras Cuatro Estaciones, una delicia para acercar a los más pequeños a Vivaldi, fue su primer espectáculo en convertirse en casi un clásico de los escenarios , pero después ha habido muchos , desde colaboraciones en el Teatro Real a proyectos casi de cámara , siempre dirigidos a convertir la música en una experiencia divertida y absolutamente disfrutable.
En Los Divinos, creo que se avanza hacia un formato más global, con un grupo de artistas que está a su altura , un escenario lleno de color que funciona con muy pocos elementos y una base argumental en la que podemos descansar en su sencillez, o descubrir un subtexto sobre las relaciones entre músicos y cantantes , cuanto más complicadas si nos centramos en un entorno familiar.
Todos aquellos que están encima del escenario ( incluso los utilleros ) parecen contagiarse de un humor claro, transparente , lleno de pequeños gags que dan agilidad al espectáculo. Una alegría que se traslada muy facilmente al patio de butacas que , tras hora y media que transcurre sin que apenas nos demos cuenta , aplaude a rabiar.
Pero no debemos olvidar que , por muy divertido que sea, no se puede bajar el nivel de exigencia , y este pretende ser un espectáculo musical. Pues bien , en este apartado se consiguen momentos fantásticos dentro de un nivel siempre elevado de calidad: no sólo escuchamos música clásica , también jugamos con Queen y con Flashdance, así como con otras melodías muy reconocibles, que se insertan a la perfección entre Dvorak y Stravinski.
Repito, es espectáculo es una auténtica gozada. Una ocasión para romper mitos sobre la necesidad de que algo sea dramático para poder alabarlo o que hay pocas posibilidades de que una familia compuesta por miembros de diferentes edades pueda disfrutar juntos del teatro.
Le quedan muy pocos días en el Teatro Español de la Plaza de Santa Ana pero, si mi memoria no me falla, es su tercer aterrizaje en Madrid . Esperemos que hayan muchos más.
En tiempos como los que corren , a personajes capaces de conseguir mezclar la carcajada con la emoción , habría que ponerles un monumento.
Gracias a todos los que lo han hecho posible¡.

Público 

miércoles, 2 de enero de 2013

CINE: ROMPE RALPH de Rich Moore

USA 2012
Animación

Creo que la saga de Toy Story marcó el punto de cambio definitivo en lo que se refiere al cine de animación conocido hasta entonces. Fundamentalmente me refiero  a la importancia del guión y la posibilidad de que este, sin olvidar a su público, alcanzase unos niveles de elaboración complejos. La tercera entrega de la serie llegó a niveles superlativos, haciendo guiños al terror y consiguiendo momentos de emoción dignos de un Douglas Sirk .
A partir de ahí, los logros de nuevas producciones crecen parejos con el nivel de exigencia de un público ya no siempre infantil, pero siendo este un segmento al que no se puede olvidar, con lo que la cosa se complica bastante.
En esta tendencia, se enmarca a la perfección esta sorpresa que, además, tiene en común con los Toy su base argumental: aquellos elementos que utilizamos para divertirnos, son en realidad entidades con vida propia, cuya razón de ser es nuestro entretenimiento.
En este caso se trata de videojuegos, y a partir de su pluralidad, el autor crea un universo tan divertido como hetereogéneo; de esta manera, se permite convivir el paisaje empalagoso del mundo de azúcar con una pesadilla que nos recuerda el pánico que nos causaron los primeros Alien.
Por supuesto hay mucho humor, ternura y moraleja, y un estupendo conjunto de personajes . Y sobre todo, vuelvo al principio, un guión que haría las delicias de Spike Jonze.
Estupenda.
Nota:
Disney continua con la buenísima costumbre de acompañar sus  películas con un corto.
En este caso, nos toca un maravilloso poemita en blanco y negro llamado Paperman dirigido por Jonh Kahrs.
Un pequeño romance urbano lleno de ternura.
Gracias pues por la propina.


Público