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viernes, 28 de diciembre de 2012

2012- LAS LISTAS.

Termina un año, y una vez más, son muchas las publicaciones que optan por un resumen selectivo de lo mejor del año. Teatro, cine, literatura... se elige, se puntúa, se hacen listas. Lo más divertido puede ser el contraste entre ellas, algo que sirve para recalcar lo subjetivo de cualquier crítica, y , sobre todo, que cada uno es libre de decidir con que disfruta. 
Por eso, aunque me cueste morderme la lengua, he decidido no nombrar ninguna. Lo que pienso de lo que he visto en este año está recogido aquí.
Lo único que queda es... desear a todos un maravilloso Año 2013. Seguro que así será.

Público

CINE: EL ALUCINANTE MUNDO DE NORMAN de Sam Fell y Chris Buttler

USA 2012
Animación

Creo que ya lo he comentado alguna vez: el cine de animación ha adquirido una posición tan amplia, que se ha convertido en un verdadero catálogo de géneros, que van desde el romántico y la aventura a, como en este caso, el terror.
Un terror que, como en muchas ocasiones, va unido al humor, en este caso conseguido con un conjunto de personajes únicos, en mi caso con predilección por esa hermana mezcla de salir de clase con una conocida personaja de nuestra televisión.
La lección que siempre habita en cualquier película destinada al público infantil, aparece ligada al hecho de respetar aquello que es diferente. Algo que no está de más que también veamos los mayores. Eso sí, contado con ingenio, brillo y, ya lo dicho, mucho humor.
Capítulo aparte merecen los referentes, y es que, si el punto de partida es El Sexto Sentido y durante su desarrollo no está lejos el Sam Raimi más gamberro, no tardamos en darnos cuenta de que estamos en el mundo de Joe Dante, John Landis y Creepshow, en ese entorno suburbial donde es difícil distinguir si dan más miedo los monstruos que proceden del exterior o sus habitantes. Los títulos de crédito finales ahondan en esa idea . La regresión es absoluta y totalmente disfrutable.
Una última nota personal: francamente nada me puede divertir tanto como que en la misma página del blog coincidan esta cinta con, por ejemplo, Mas allá de las colinas. La cultura es plural, nunca excluyente y siempre divertida, aunque existan muchas formas de diversión.

Público

jueves, 27 de diciembre de 2012

CINE: MAS ALLA DE LAS COLINAS de Christian Mungiu

Rumanía 2012
Cristina Flutur. Cosmina Stratan. Valeriu Andriuta. Dana Tapalaga . Catalina Harabagiu. Gina Tandura. Vica Agache. Nora Covali. Ionut Ghinea

Tras ver esta densa cinta, y recordando su obra anterior, 4Meses, 3Semanas y 2Días, está claro que la visión de Mungiu sobre su país, Rumanía, es todo menos complaciente, y que además, ha decidido utilizar el cine como una forma de garantizar que, desde su conocimiento, no se vuelva a repetir.
Creo que la base de sus historias, independientemente de sus similitudes y diferencias, es ese país enfermo, acribillado, donde sólo puede habitar una sociedad aprendiz de supervivencia ( cuantas veces en la que ahora nos ocupa, escuchamos frases como "no tenemos donde ir" " ¿como podríamos vivir?" ); por eso, dentro de la dureza de su crítica, el director no es cruel a la hora de juzgar a sus personajes, si no que parece observarlos con cierta compasión; a fin de cuentas sabe que lo único que quieren es vivir un día más y no estar solos.
Si en su obra anterior el paisaje era totalmente urbano, aquí nos encontramos en un entorno rural, que podría parecer de otro siglo si su autor no se ocupase de darnos escenas de referencia, en especial el abierto final.
Si la anterior se componía como un efectivo thriller, esta se compone como un gran melodrama, lento en su devenir, hermoso en sus imágenes, pero igualmente capaz de transmitir la psicología de sus personajes, cargada de miedos e incertidumbres.
Más allá de las colinas se basa en una historia real, una tragedia sucedida hace unos años y de la que se podría culpar a la religión derivada en superstición mal entendida; sin embargo, personalmente creo que la religión tiene poco que ver aquí, de lo que verdaderamente se habla es de la necesidad de la fe, pero desde un punto de vista casi fisológico para, repito, poder sobrevivir acompañado; considero que la religión que aquí se practica tiene muy poca dimensión espiritual, es difícil que los habitantes de este convento puedan levantar la cabeza para mirar al cielo.
Mungiu nos traslada lo ocurrido como una hermosa historia de amor y lucha, y huyendo de cualquier posible asomo de morbo, algo muy de agradecer, hace que la relación lésbica pueda contemplarse como una historia de amistad; en el pasado quedan los orfanatos de Caucescu, una estructura social que permite la explotación de los débiles, y la búsqueda, por parte de cada una, del paraíso; en el futuro queda el dolor.
La caligrafía del director es cuidada y tiene el aliento de los grandes narradores que confían en la potencia de lo que cuentan y lo hacen con sensibilidad e inteligencia.
Le ayudan dos actrices que son capaces de hacer creible el alma de sus personajes, y que se convierten en mascarón de proa de un conjunto perfecto.

Público

miércoles, 26 de diciembre de 2012

CINE ON LINE/ DVD/ COMIC: DIAMOND FLASH de Carlos Vermut

España 2011
Eva Llorach. Angela Villar. Rocio León. Victoria Radonic. Angela Boix. Miquel Insua

Es muy difícil, por no decir imposible, analizar Diamond Flash como un hecho aislado, como una obra independiente, o al menos a mi me resulta imposible.
Me encuentro ante una historia ( ¿ historia?, ¿ historias?, ¿ relatos?, ¿ sugerencias? ) que rompe cualquier asidero referencial que pudiera tener, no desde el principio sino, una vez que hemos entrado en su fascinante universo. La trampa que nos tiende su creador es totalmente perversa: no nos cuesta ser parte de este fresco hiperrealista donde conviven lugares comunes, desgraciadamente tan conocidos hoy día, como el secuestro infantil, la violencia de género o los abusos a menores en forma de secretos del pasado. Además, lo dota de un nivel de tensión que nos acerca al thriller relativamente convencional.
Pero poco a poco, hay referencias que nos hacen intuir que hay algo más: una estética setentera, ciertos giros de guión que no precisan explicación ... y de pronto, nos encontramos como si, en nuestro universo , se hubiesen cambiado los códigos, pero ojo, no los códigos referenciales, que siguen siendo perfectamente reconocibles; ni siquiera los códigos narrativos , la estructura a base de diálogos a dos la hemos visto frecuentemente, sin ir más lejos, en la última película de Cesc Gay.
No.
Lo que cambian son los códigos de lo que se entiende por una historia, de lo que se quiere o se pretende contar y, si llevamos esto más lejos, de lo que siempre suponemos que un director está, hasta cierto punto, obligado a contarnos.
Creo que la clave está en un momento del diálogo donde un personaje le echa en cara a otro su necesidad de entenderlo todo, de ver todo claro. Es como si Vermut se estuviese dirigiendo a nosotros y pidiéndonos, exigiuéndonos, que cambiásemos nuestra actitud si verdaderamente queremos ser receptores de su obra.
Y así, desde esa premisa, lo que verdaderamente cambia, es la posición del espectador. Ya no es un ser pasivo, dispuesto a recibir una historia y emitir juicios sobre la misma y sobre como se nos ha contado, sino que tiene que asumir un papel activo que llene los huecos que nos han dejado, en el centro de la historia, en su principio, en su continuación.
Para ello, el guión, navega por tantos rios que cualquier decisión es posible, desde el melodrama familiar a, nada menos, que el cine de superhéroes, parando por el thriller más oscuro. Diamond Flash se conforma entonces no como una sola película, sino como un millón de películas, tantas como espectadores llegue a tener.
Como complemento, y para servir de guía en ese viaje solitario que nos proponen a cada uno de nosotros, la edición en DVD se acompaña de un fantástico comic de varios autores , titulado Historias Caleidoscópicas, donde se conforman posibles capítulos que podrían, perfectamente incluirse en la narración, pero no son los únicos, son simplemente algunas de las posibilidades ; de nosotros dependerá ser capaces de ir más allá.
Dos referencias en el ámbito meramente cinematográfico:
En primer lugar, una alabanza absoluta al conjunto del reparto que, desde el primer al último intérprete, consigue dotar de realidad este experimento, en una actuación tan seria, que evita que cualquiera piense en este producto simplemente como una broma.
En segundo lugar, es la segunda vez en lo que va de año ( la otra ha sido Carmina o Revienta , esta sin el tirón de Paco León ) que una película opta por nuevas vías de distribución para conseguir llegar al público; en negativo podemos pensar que es una pena que un producto tan importante como Diamond Flash no consiga hacerse un hueco en la cartelera; en positivo, es el momento de plantearnos que ya comienzan a existir alternativas capaces de ofrecer oportunidades a todo tipo de cine.
En definitiva, Diamond Flash es una de las experiencias creativas más fascinantes que he conocido últimamente; cuando continuamente escuchamos hablar de otras formas de hacer cine , es gratificante que existan propuestas tan arriesgadas, tan abiertas y tan logradas.
Sólo espero que no sea un hecho aislado. Una segunda parte por favor, como sea, donde sea.

Público    

martes, 25 de diciembre de 2012

NOVELA: RANA de Mo Yan

Kailas
400 páginas

Tras la concesión del Nobel de Literatura a Mo Yan, fueron muchos los intelectuales chinos que levantaron la voz acusándolo de cierto colaboracionismo con el régimen.
Es algo que no entiendo tras leer Rana: me parece una novela brutal en su ataque a la política del hijo único, posiblemente no desde el análisis macroeconómico sino limitándose a trasladar como agrede los intereses y deseos de un habitante rural, no muy capaz de entender objetivos más elevados; como vulnera la libertad individual de cada uno; y sin olvidar retratar la brutalidad que llegó a utilizarse para imponerla con la fuerza, o los dramas que se crean desde la búsqueda de trampas que, focalizadas en un objetivo, terminan también por olvidar al ser humano.
Además, esa critica se extiende al dogmatismo; a aquellos que , desde una religión en principio basada en mitologías primitivas y, con el objetivo del ateísmo, se limitan a sustituir a la deidad: ahora el partido y sus dirigentes, posiblemente carentes de la espiritualidad que cualquier religión debiera tener.
Así, la novela se estructura alrededor de un personaje que pasa, de ser considerada una diosa de la natalidad, a convertirse en una especie de ángel exterminador sin ningún tipo de sentimientos. A su alrededor, se configuran una serie de personajes tratados desde el humor y el cariño, pero también desde la realidad, conformando un fresco todo menos complaciente, de una sociedad muy alejada de la perfección-
Llama la atención la sencillez de este relato, máxime cuando su contenido navega por momentos en un realismo mágico no lejano de García Márquez ( e incluso cita su Macondo ); al final, el surrealismo se desboca en una coda que, en forma de obra teatral, complementa la narración anterior, poniéndonos delante, de forma más epidérmica, el drama, las mentiras, la injusticia.
Además, su prosa tiene, no sé como decirlo, una especie de característica alimenticia, que permite saborearla, disfrutarla, sentirse dentro.
En fin, desconozco si Mo Yan no ha respondido en algún caso como se esperaba, pero personalmente creo que es un cronista , y, sin duda, un excelente creador, Rana, de nuevo, lo demuestra.

Público  

sábado, 22 de diciembre de 2012

CINE: EL HOBBIT: UN VIAJE INESPERADO de Peter Jackson

USA 2012
Martin Freeman. Iam McKellen. Richard Armitage. Cate Blanchett- Ian Holm. Andy Serkis. Luke Evans

No es la primera vez que hablo de lo subjetivo de estos comentarios, o sea que a nadie va a sorprender mi sinceridad en la comparación entre El Señor de los Anillos y esta primera parte de una nueva trilogía-
Conocía literariamente todas las novelas en las que se basan, y soy un admirador del mundo de Tolkien.
Cuando comenzó la saga, tengo que reconocer que no me costó identificar la imaginería visual del director con la literaria.
Era sorprendente su capacidad para generar una dirección artística absolutamente fascinante, hipnótica y de una belleza generalmente monumental.
Pero precisamente, enlazando con el adjetivo, es esa monumentalidad lo que me llegó a cansar; en el caso de la tercera parte me pareció que rozaba peligrosamente la megalomanía.
Por otro lado, la literalidad de la traslación del libro a la pantalla, ofrecía poco espacio para algo nuevo.
Sin duda , son tres piezas muy logradas, pero no llego a la adoración de los incondicionales.
Con respecto a El Hobbit las críticas para muchos empiezan antes: porqué hacer tres películas de una novela tan breve que sólo va a conseguir alargar la anécdota, únicamente podría justificarse al parecer desde el punto de vista económico.
Pues bien, hoy por fin he vuelto al mundo de Tolkien, y tengo que decir que este Hobbit me ha sorprendido muy positivamente:
Por un lado, mantiene lo mejor de lo visual de la saga, unos paisajes fastuosos, unas construcciones míticas, una dirección artística general absolutamente sobrecogedora.
La historia se desarrolla con frescura, sin duda en el género de la aventura, pero con humor y magia. El inicio en la casa de Bilbo, con los enanos invitados a cenar, es genial.
Y por último, todo ello me hace entender el porqué de la nueva extensión: entrar en el mundo Tolkien es algo que debe de costar abandonar y, posiblemente eso le pase a Jackson, ¿ porque creer que es sólo un motivo económico?-
He disfrutado muchísimo con este pequeño de pies grandes y sus amigos, me ha encantado volver a ver a Gandalf; es cierto que el director no puede evitar, en la cueva de los orcos, ciertos excesos, pero están presentadas con tal dominio y tal control de la tensión que uno no puede más que abrir mucho los ojos.
Me quedo esperando.
Y en lugar de criticarlo, agradezco a Jackson tener aun dos entregas por delante.

Público

lunes, 17 de diciembre de 2012

FELIZ NAVIDAD Y LOS MEJORES DESEOS PARA 2013.

Y este año, con más corazón , con más fuerza, con mejores intenciones, sin olvidar que somos parte de un todo, que solos no somos nada, que el aire siempre entra desde el exterior.
Feliz Navidad, Feliz 2013

Público

RELATOS: UNA RELACION PERFECTA de William Trevor

Salamandra
220 páginas

Está dentro de lo obvio citar a Chejov en la lectura de esta colección de relatos.
El autor ruso se ha convertido en un referente a la hora de hablar de un tipo de literatura que parece más interesada en la observación de lo cotidiano,que en empujar el desarrollo de la trama.
Sin embargo, personalmente no coincido en esa apreciación de que en sus obras no pasa nada ; muy al contrario, yo creo que pasan muchísimas cosas. Lo que lo hace singular es, a mi entender, su dirección al interior de sus personajes: lo que le interesa de los sucesos narrados no es la posible explosión que generen a su alrededor, sino cuales son las consecuencias que tienen en la psicología de los habitantes de su prosa, en sus deseos, sus frustraciones, sus anhelos.
No sólo es una difícil forma de contar, sino que también requiere una estructura exterior perfecta para sostenerla y conseguir que avance, sin comerse a si misma o, más importante, sin caer en el aburrimiento.
Pues bien, todo esto , que el maestro ruso consiguió en cada una de sus piezas teatrales y en sus cuentos, es totalmente aplicable a esta preciosa colección de cuentos de Trevor que, tras Verano y Amor, tiene el detalle de regalarnos una editorial tan rigurosa como Salamandra.
Si tuviésemos que buscar lugares comunes que diesen cierta homogeneidad al conjunto, podríamos sin duda hablar de Irlanda; sólo dos de los relatos se sitúan fuera pero habitados por nativos ; así en su lectura global, creo que se transmiten las señas de identidad de una cultura marcada por , entre otras cosas, su apertura al siglo que vivimos pero con ciertos códigos que parecen mantenerse del pasado, y que pueden materializarse en sentimientos de raiz tan identificable como la culpa.
También, y quizás , aunque no me atrevo a asegurarlo, esa cultura se refleje  en otro lugar común y es cierta desorientación en sus personajes principales, entre donde están, donde querrían estar y, más desolador, donde creen que podrían haber estado. Con ello, su autor es capaz de generar en muy pocas páginas, verdaderos dramas  o análisis certeros de la condición humana. Todos los que componen la colección me parecen inolvidables, pero el que da título al libro es un ejemplo de incertidumbre, de duda, de, en definitiva, vida.
Una mujer que no sabe como afrontar el futuro, una muchacha que ve lastrada su vida cuando tiene que reconocer la frivolidad de sus razones y el camino de la tragedia, un joven que nunca se podrá perdonar a si mismo, un fracaso a justificar como éxito, sueños que finalmente se quedan en sueños....
Pero William Trevor no es sólo un observador intuitivo y certero de la psicología, sino también y fundamentalmente , un excelente escritor. Cada una de las piezas tiene una estructura adecuada que le permite expandirse, proporcionando toda la información necesaria para su comprensión, superando las posibles limitaciones del espacio. Y lo hace con una prosa precisa y hermosa, capaz de describir por igual estados de ánimo y paisajes.
Ante esta lectura de lo que para mi es sin duda una absoluta obra maestra, quiero terminar con dos referencias a la presente edición:
Por un lado, a la fotografía del autor que se incluye en la contraportada. No puede sorprendernos. En su gesto se traslada inteligencia y , sobre todo, amor y respeto, algo que destila su obra y de lo que hoy está tan falto este mundo.
En segundo lugar , lo que entiendo es un error, la portada se compone con una ilustración de la trasera de un automóvil y dos ocupantes, que fácilmente puede remitir, de forma equívoca , a épocas anteriores. Creo que uno de los valores de la universalidad de Trevor es su actualidad . En alguno de sus relatos se habla de correos electrónicos, chats o internet.
Perdonable en cualquier caso al editor si sigue dándonos a conocer su obra que, estoy seguro, estará habitado por otras joyas como esta.    

Público

sábado, 15 de diciembre de 2012

CONCIERTO INFANTIL: PETRUSHKA de Igor Stravinski

Dirección Musical. Titus Engel
Guión y Presentación . Polo Vallejo
Orquesta Sinfónica de Madrid

En esta versión para niños de la deliciosa partitura de Stravinski, Polo Vallejo aparece transmutado en un mago.
Después de haber disfrutado de varios de sus espectáculos para este público, sólo puedo decir que nada más adecuado: lo es. Nadie como él ha conseguido en tantas ocasiones, coger una partitura y convertirla en una divertida experiencia didáctica singular, donde el concepto aburrimiento se aleja para siempre de la música clásica. Nadie como él para realizar una labor real en la generación de pasión temprana por la cultura.
En este caso, la historia de amor de esta marioneta de nombre sonoro, la bailarina y el sultán, se pone en pie a través de dibujos de colegiales y su participación activa a través de proyecciones, así como un ágil juego de sombras danzantes. Con esos elementos y su narración cercana y clara, se consigue un espectáculo redondo desde el que se transmite todo el color y la vitalidad de la música de Stravinski.
Ultimamente, cada vez que , en la era Mortier, se estrena algo destinado a los adultos en el Teatro Real, es raro que no existan los pateos. Me pregunto si no sería el momento de que se planteasen ciertos cambios.........

Público

jueves, 13 de diciembre de 2012

NOVELA: LO QUE NO ESTÄ ESCRITO de Rafael Reig

Tusquets
Colección Andanzas
290 páginas

El miedo es posiblemento uno de los sentimientos más demoledores para el ser humano.
También uno de los más deformantes de la realidad.
Algo que se encuentra más en nuestro interior, en nuestra interpretación, que en el exterior.
Sobre esto trata fundamentalmente esta hipnótica novela de Rafael Reig, sobre aquello que leemos aunque no esté escrito en ningún sitio y que desata nuestros terrores más primitivos, aquellos que muchas veces se confunden con nuestras frustraciones, nuestros anhelos, nuestra incapacidad para ser quien queremos ser.
Posiblemente, en un mundo racional, no hay miedo mayor que el del rechazo, el que suponen los demás. De ahí es de donde nacen los verdaderos monstruos.
Reig conforma una trama en la que es capaz de construir un relato totalmente desasosegante donde confluyen lugares comunes de la simbología de terror clásica: el bosque y el viaje a lo desconocido, el niño en representación del ser más débil en peligro, la máscara de cotidianeidad que recubre el rostro del malvado y que poco a poco va teniendo grietas por la que se muestra el interior, la soledad, los códigos suceptibles de diversos significados escondidos.
Todo ello colocado alrededor de un entorno tan reconocible ( y consecuentemente más aterrador por cercano ) como el de un matrimonio separado y con problemas de custodia, además de un pasado con secretos vergonzosos.
Opta por generar en el lector la sensación de tensión que entronca este género con el thriller y para ello, conforma una estructura de continuidad en tres perspectivas diferentes , una de ficción y dos realistas, que se reflejan unas en otras, enlazando con inteligencia  la trama.
A medida que avanzamos por el interior, en una descripción psicológica muy acertada de los tres personajes principales, no tardamos en adivinar que el miedo que sienten y que nos están produciendo es, como decía en un principio, un miedo que está anclado en su interior, que tiene mucho de miedo a si mismos y que es el que deforma la interpretación de la realidad. Con ellos entramos en esa espiral. Pero una vez que terminada su lectura, revisamos la narración, somos conscientes de que esta tragedia oscura que nos lo ha hecho pasar tan mal, podía haberse correspondido también con un simple melodrama familiar si su autor hubiese elegido otro tono.
Decía algún crítico de cine cuyo nombre no recuerdo, que uno de los valores descriptivos del cine negro clásico era teñir de oscuro todas las relaciones que se establecían en la historia, incluso conseguir generar una testura malsana en la propia imagen. Reig lo consigue plenamente a través de diferentes mecanismos que van desde un sexo sucio y vergonzante hasta una violencia interior reconocible pero, sobre todo, a través de una prosa rica, medida.
El resultado es brillante, eficaz, hipnótico. Consigue atrapar y sorprender.
No es fácil tampoco mantener la estructura elegida sin hacer trampas y él lo consigue.
Sólo una pequeña pega en el juego final : "desconocido número tres" , ¿ desconocido? ¿ no estaban allí Yolanda y Jorge ?( no avanzo en este tema para no desmantelar la conclusión ). Es un recodo que a mi entender no hacía falta.
Pero gracias a Dios, a su autor todavía le quedan dos o tres párrafos para sorprendernos de nuevo. Para recordarnos que lo acabamos de leer es una excelente novela.

Público

lunes, 10 de diciembre de 2012

NOVELA INFANTIL : KASPAR; PRINCE OF CATS de Michael Morpurgo

200 páginas

Creo que ya lo he dicho en alguna ocasión ( seguro, porque tiendo a repetirme ): la literatura infantil y juvenil tiene una deuda muy importante con los escritores británicos.
La entienden con seriedad , con profesionalidad, como debe de ser .
Entre escribir este Kaspar o, por ejemplo, Guerra y Paz , no tiene porque existir menor inspiración y menos reto. Es más, es mayor la responsabilidad de aquellos que pretenden crear lectores de futuro.
Es delicioso encontrar escritores como este Morpurgo, conocido para muchos como el autor de War Horse , y entrar en historias como esta , de una riqueza que no necesita páginas sino imaginación, y capaz de apegarse a la realidad convirtiéndose en una pequeña y apasionante lección de Historia con mayúsculas.
El Hotel Savoy, el Titanic ... escenarios que se abren ante nosotros con absoluta claridad. Y que son capaces de atraer lectores desde los ocho a los ... ( no voy a contar los que tengo ).
Se acercan las fechas de los regalos; para los más pequeños nunca debería de faltar un libro. Morpurgo es una elección perfecta.
Un regalo de los de verdad.

Público

CINE: LA VIDA DE PI de Ang Lee

USA. 2012
Irrfan Khan. Suraj Sharma. Rafe Spall. Tabu. Adil Hussain. Gerard Depardieu.

Me va a resultar muy difícil escribir algo coherente, e incluso tal vez legible sobre una película que me ha producido el desconcierto de esta Vida de Pi.
No he tenido muy claro, desde que salí del cine, si me gustó mucho o menos, si es excelente o no está del todo lograda , si responde a lo que se pretende o se queda a mitad de camino.
Ya han pasado dos días, y lo cierto es que sigo sin tenerlo claro.
Conocía la novela deYann Martel, una fábula sorprendente, de difícil creación y fácil lectura, también algo desconcertante en su planteamiento. Tal vez he olvidado algunas partes y algunas sensaciones, quizás equiparables a las que tengo ahora con el film.
En cualquier caso, hay algo que no se puede echar en cara a ninguna de las dos : la vulgaridad.
En ambos casos, La Vida de Pi es una obra singular que no se parece a nada de lo que se haya visto/ leído en mucho tiempo.
Vamos a intentar centrarnos:
Vida de Pi ( film ) comienza con la historia de un niño obstinado que vive en un entorno juguetón, entre referencias muy divertidas que van desde su propio nombre al paisaje del zoo familiar, ágil y colorista, lleno de brillos y de sonrisas. Tengo que reconocer que es esta la parte que menos recordaba del libro y la que me parece más lograda de la película; Lee consigue trasladar un tono de cuento, divertido , lleno de ternura, que pronto nos ayuda a identificarnos con los personajes y sentirnos muy cómodos. Lo que el director ya había conseguido en la Inglaterra de Austen y la América de la desolación, lo logra también con la India.
Seguidamente asistimos a un intermedio visualmente muy potente con un naufragio que no tiene nada que envidiar a las mejores escenas de Titanic.
Y entonces aterrizamos en el meollo de la historia, aquello que, si bien no ocupa la mayor parte del tiempo, sí por sorprendente, conocido y esperado, se supone la razón de ser de lo que nos están contando: la odisea marítima del tigre y el muchacho.
Aquí es donde se produce mi desconcierto.
El autor ( director ) mezcla el aliento narrativo de lo que va a ocurriendo a través de pequeños , bien medidos, con una imaginería visual apabullante , hermosísima, alucinatoria , cercana por momentos a un viaje de ácido ( ¿ rememora Lee su película de Woodstcock? sorry, mal chiste ).
Hay luchas por espacio vital, una isla canibal, un mar que por reflejo se convierte en cielo, una manada de peces voladores, una ballena que salta como una gacela, delfines y un tropel de medusas que alumbran como un árbol de Navidad.
El resultado llega a acogotarme, no sé muy bien si seguir la historia o dejarme llevar por el impacto visual, los colores del amanacer llegan a crearme síndrome de Stendhal. Todo me gusta , nada me falla, pero no sé si soy capaz de unir todas las piezas.
El epílogo parece llegar para poner las cosas en su sitio. Para dar un contrapunto dramático, podría ser trágico, a la vida fácil de la primera hora. Todo vuelve a la normalidad.
Y yo, me siento como si hubiese estado inmerso en una atracción genial pero difícil de aprehender en su totalidad.
La Vida de Pi es sin duda una película recomendable, no me cabe duda de sus muchas bondades, tampoco de lo complejo que es apresarla cuando, quizás , su inicio nos prepara para algo más sencillo, más sereno. Tal vez en ese esté también parte de su valor.
En cualquier caso, creo que he cumplido, lo que no tengo claro es si me he dejado llevar por la misma confusión que me ha producido su visionado.
Mejor público  sin releer.

Público         

viernes, 7 de diciembre de 2012

CINE: UNA PISTOLA EN CADA MANO de Cesc Gay

España 2012
Javier Cámara. Ricardo Darín. Eduard Fernández. Jordi Mollá. Eduardo Noriega. Alberto San Juan. Leonardo Sbaraglia. Luis Tosar. Candela Peña. Clara Segura. Cayetana Guillén Cuervo. Leonor Watling

Una de las diferencias ( hay muchas, lo sé ) entre, por ejemplo Woody Allen y laNueva ( ya no nueva ) Comedia Madrileña era que, mientras una era elegante, la otra podía pecar de todo menos de sutil.
¿ Similitudes? el diálogo como base del desarrollo de la cinta, la cotidianeidad como paisaje, una necesaria colección de intérpretes que parecen no serlo, y , lamentablemente, el hecho de que generalmente los hombres somos igual de poco maduros en cualquier latitud ( seguramente si existiese como género la Nueva Comedia China, también podríamos sentirnos identificados ).
Pues bien, Cesc Gay, del que recuerdo la similar En la Ciudad, es capaz de fusionar lo mejor de los dos guisos y conseguir un producto muy pero que muy apreciable.
En una Barcelona muy urbana y algo frívola, se producen una serie de encuentros a dos, algunos imprevistos, otros no, pero que siempre remiten a varones en una estación de paso, aunque todos ellos superen los cuarenta y debieran estar ya ligeramente asentados; no nos confundamos: no es el síndrome de Peter Pan, que puede tener algo de poético, es el síndrome del capullo, sin concesiones.
El humor se corresponden con cierta autoironía por parte de su autor, con saber que, por mucho que pasen los siglos, estamos convencidos de que, tanto el hombre de neandertal como el más elaborado mutante, salían "a la caza" con "una pistola en cada mano".
Y Gay, consigue un tono general que, a pesar de tocar temas escabrosos, en ningún momento abandona un aire general elegante, sutil, que no sé muy bien si siempre se merecen estos caballeros.
Por lo que se refiere a la interpretación, merece un capítulo aparte: todos , absolutamente todos los actores de este reparto coral, están perfectos, contenidos, llenos de matices; posiblemente si destacan algunos como Darín o Clara Segura, es simplemente porque sus papeles son más ricos. Hacía tiempo que una interpretación no me hacía disfrutar así, simplemente observándola, aquí lo han conseguido nada menos que doce.
Una Pistola en cada Mano es cine de autor, porque es él quien lo escribe y nos lo cuenta, quien le da el tono, quien decide huir de cualquier asomo de pedantería. Ha aspirado lo mejor de sus referentes: el indie americano, la ya citada Nueva Comedia Madrileña, Woody Allen , los Mc Cullen etc pero también lo ha dotado de personalidad.
El resultado es tan poco pretencioso como logrado.
Y por el mismo precio admite varias lecturas: algunos pueden limitarse a buscar la sonrisa, otros por momentos nos atrevemos a buscarnos.

Público

jueves, 6 de diciembre de 2012

NOVELA: AYER NO MAS de Andrés Trapiello

Ancora y Delfín
310 páginas

Comencé a leerla pensando: otra novela sobre la Guerra Civil, no tardaré en comprender de que lado está el autor.
Como tantas veces que nos dejamos llevar por juicios precipitados, me confundí.
En un momento de absoluta irresponsabilidad política, cuando , en aras de una posición en el poder, se es capaz de manipular de forma rastrera el dolor y la miseria, donde pedir perdón es una manera de pedir el voto, donde el pasado, aunque haya ocurrido hace más de sesenta años puede resucitarse para utilizarla como alma arrojadiza, un intento como la Memoria Histórica goza para mi de una credibilidad muy limitada.
Aun así, supongo que mi opinión está tan mediatizada como la de los demás, y echaba de menos una visión más matizada, más compleja y, a ser posible, con una mayor base histórica.
Y eso es lo que he encontrado en Ayer no más.
Trapiello afronta con valentía y con conocimiento un tema que hasta ahora nadie había tratado con tanta crudeza: ¿ merece la pena buscar culpables? ¿ se hubiesen comportado las víctimas de otra manera si hubiesen sido ellos los vencedores? ¿ es verdaderamente honesta la razón de actuar de todos los agentes involucrados?-
Es un hijo, ya posicionado en el lado opuesto de su padre, quien descubre un hecho terrible del pasado, justo cuando León, trasunto de ciudad de provincias con pecados bajo los adoquines, está hirviendo por la necesidad de protagonismo de unos cuantos.
A partir de ahí, el autor es capaz de conjugar las dudas morales particulares con las que se corresponden al comportamiento de un pueblo. Entre certeza e incertidumbre, entre reflexión y sentimiento, pocas veces se han encajado tan bien la historia y la Historia.
Estructuralmente hablando también acierta su autor al decidir configurarlo como un concierto a varias voces, y darle el tono argumental casi de un thriller; de esta manera consigue una agilidad en su desarrollo capaz de sostener el posible didactismo de la propuesta.
No todo está bien, aunque sí casi todo, personalmente me cuesta encontrar realidad en la historia de amor, algo aplastada por temas más contundentes y posiblemente falta de sentimiento.
Pero en su conjunto, Ayer no más se resuelve no sólo como una buena novela, sino, algo mucho más importante, como una novela necesaria.

Público  

miércoles, 5 de diciembre de 2012

TEATRO: EL VENENO DEL TEATRO de Rodolf Sirera

Director- Mario Gas
Intérpretes- Miguel Angel Solá. Daniel Freire

El estreno de El Veneno del Teatro en los ochenta en el CDN , con Jose María Rodero y Manuel Galiana, fue todo un acontecimiento teatral.
Ha pasado el tiempo, y un amigo que había visto esta nueva versión, me comentaba que, posíblemente, el texto era deudor de su época, cuando temas como el metateatro, hijos pequeños de Pirandello, estaban a la orden del día en nuevas búsquedas de expresión.
Yo he ido anoche. Y , efectivamente, ya es difícil enfrentarse a una obra de este estilo, a este diálogo punzante y cruel, desde el punto de vista conceptual, pero sí resiste un acercamiento como thriller, como juego oscuro, porque por encima de todo está muy bien escrito, es efectista y eficaz.
También puede disfrutarse como un recital peligroso para dos actores: ellos son el único sosten durante su breve duración, y cualquier patinazo, saltaría al patio de butacas, convirtiendo la peripecia escénica en increible.
En esto estamos de total enhorabuena:
Mihuel Angel Solá es ya incuestionable; su interpretación sorprende, no ya por su rigor sino por la ausencia total de efectos, por la naturalidad absoluta que no busca el recurso fácil.
De Daniel Freire, baste decir que está a su nivel en un papel más expresivo, pero en el que tampoco derrocha más que verdad. Su miedo llega a palparse, igual que la frialdad de su adversario.
El Veneno del Teatro funciona pues como un buen juego teatral, medido a la perfección por Mario Gas, pero sobre todo levantado por dos grandes de la escena.

Público

lunes, 3 de diciembre de 2012

NOVELA: THE BEGINNER'S GOODBYE de Anne Tyler

197 páginas

Para mi Tyler es como descansar, como volver siempre a un lugar tranquilo desde el que escuchar , observar, una historia de lo cotidiano en la que no va a haber ni excesos ni trampas, sino sólo y nada menos que la aventura del día a día .
Sé que no falla.
Tampoco se le puede pedir nada más, pero no me hace falta.
Me parece  una delicia.
Partimos siempre de la presentación de unos personajes, totalmente definidos, que pronto se hacen cercanos. Pronto conocemos sus inquietudes, sus problemas, su encrucijada frente al futuro.
Y desde ahí, sin apenas percibirlo, somos testigos de una evolución que, en otras manos, podría tener tintes aparentemente dramáticos y que la maestría de su autora limita a tintes serenos, que consiguen sonar siempre a verdad.
Aquí nos encontramos con Aaron y  su entorno, su hermana, sus vecinos, su esposa, sus compañeros de trabajo, cada uno con su .... pues con su vida, que es lo que es el devenir de cualquier ser humano.
Y con una historia de amor, imperfecta como todas y tratada en este caso desde la ausencia.
Es breve.
Pequeña , tal vez.
Pero seguimos encontrando las mejores virtudes de esta narradora de Baltimore: su delicada poesía, su inteligencia a la hora de analizar las relaciones humanas, su transparencia y , sobre todo, su fino humor.
Lo dicho: un descanso. Un fin de semana en un hotel de montaña. Una gozada.

Público

sábado, 1 de diciembre de 2012

CINE: CESAR DEBE MORIR de Paolo y Vittorio Taviani

Italia 2012
Cosimo Rega. Salvatore Striano. Giovanni Arcuri. Antonio Frasca. Juan Dario Bonetti.

Lo primero que hay que tener en cuenta con respecto a esta propuesta es que no debemos de dejarnos llevar a  engaño: Cesar Debe Morir no es un documental sino otra forma de narración, potente y original, sin duda, y utilizando puntos de realidad como referente, pero, repito, no es un documental ni tiene vocación de tal.
La base puede sonar a "cine verite": Julio Cesar de William Shakespeare representado por los presos de una cárcel de alta seguridad, sin actores profesionales, recogiendo tanto los ensayos como la representación final.
Sin embargo, todo está dramatizado, y lo que obtenemos es , a mi entender, dos líneas paralelas de narración:
Por un lado, la de los inquilinos de la prisión, apenas apuntada con muy pocas referencias, posiblemente reales pero nada tan obvio como la frase final para darnos cuenta de que existe detrás un proceso de creación.
La segunda es la propia obra representada, y aquí es importante asumir que la filmación de los propios ensayos tiene muy poco de taller y mucho de trabajo terminado. De hecho es aquí donde encuentro los momentos más fuertes, más potentes.
Pero vayamos al núcleo: ¿ cual es el resultado en lo que se refiere a la pieza teatral de referencia?
Excelente.
No sólo en una estética capaz de mezclar perfectamente el anacronismo con la universalidad, sino también en la selección y en su capacidad para trasladar el conflicto de una forma transparente, clara, dinámica.
Cesar Debe Morir es un original ejercicio narrativo que funciona en todas sus variables.
Además, podemos encontrar otras conclusiones, como la grandeza del arte a la hora de hermanar a todos los seres humanos, su carácter redentor o democrático.
Es un cine muy dirigido, algo que podría sonar tramposo cuando se apela a la verdad, pero está muy bien dirigido.
Un texto como Julio Cesar lo necesita.

Público