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miércoles, 28 de noviembre de 2012

NOVELA: ANTIGUA LUZ de Jonh Banville

Alfaguara
294 páginas

Bien. Pues ya no es sólo mi denostado Murakami.
Puedo sumar otro "increiblemente propuesto para el Nobel" a mi lista de incomprendidos: Banville.
Sinceramente no es que lo conozca mucho.
Lo conozco más , de hecho, cuando es Benjamín Black, el seudónimo que utiliza para escribir novela negra; aunque tampoco entonces me vuelve loco: creo que ya he dicho más de una vez, que más que un desarrollador de tramas, me parece un creador de ambientes, sórdidos y oscuros, para más señas; por eso, siendo uno de mis géneros favoritos, sólo lo leo una de cada dos.
Pero vayamos a Banville Banville, es decir, cuando firma con su nombre.
Conozco su novela anterior de la que no recuerdo bien el título pero que era una especie de La Regla del Juego habitada por diosecillos del Olimpo. De acuerdo: no estaba mal; disfrute su ligereza y lo original de la apuesta; creo recordar que hasta me divertí, pero no tanto como para elevarla al altar.
Ante la publicación de Antigua Luz, leo críticas en estado de éxtasis que gritan para que le concedan el máximo galardón de las letras mundial. Y me lanzo a por él.
Pues francamente : no entiendo nada.
Tengo que suponer que , ni yo soy un crítico incuestionable ( ni siquiera un crítico), ni todos los demás son parientes cercanos del autor.
Por lo cual, quizás a causa de una excesiva temporada de viajes, mi capacidad de percepción se haya visto mermada.
Pero como aquí escribo precisamente sobre lo que yo percibo, ahí va:
Antigua Luz es una novela que no puede haberme interesado menos; no veo personajes, no veo tramas, no me transmite sensaciones. En definitiva: me aburre.
Donde los demás ven nostalgia, yo veo una prosa relamida y que carece de agilidad.
Donde ven integración del pasado, yo veo una estructura obvia, artificial e inútil.
Le daría otra oportunidad ( no es que me la haya pedido nadie, también hay que ser sinceros ) pero hay mucho que leer.
¡ El Premio Nobel de Literatura!
Y mientras tanto, mi Anne Tyler sigue sin paladín. Voy a ver si, como desagravio, encuentro su última novela.
Murakami, ya no estás solo.

Público

sábado, 24 de noviembre de 2012

CINE: HOLY MOTORS de Leo Carax

Francia 2012
Denis Lavant. Edith Scob. Eva Mendes. Kylie Minogue. Elise Lhomeau. Jeanne Disson. Michel Piccoli. Leo Carax

En ocasiones, echo de menos no saber, sentarme en una sala oscura sin haber leído nada sobre aquello que me van a contar, sin haberme informado en críticas, comentarios, revistas de cine... supongo que en ocasiones echo de menos que me sorprendan, no tener ni la menor idea de lo que viene después.
Sabemos tanto...
Nos cuentan tanto...
Necesitamos tanto antes de decidirnos a elegir....
También supongo que por eso me siento tan agradecido cuando, a pesar de saber, nunca sé lo suficiente para estar preparado para lo que me espera, para no sentir que estoy descendiendo por el túnel de Alícia, sabe Dios hacia que mundos, sabe Dios que es lo que nos espera-
Se me ocurren mil formas de describir una experiencia como Holy Motors, seguramente todas ellas acertadas ( a fin de cuentas creo que es una obra de público, porque es él quien puede definirse como quiera ) y también todas ellas incompletas: puede ser un sueño en el que entramos desde sus primeras imágenes, un cuento surrealista, un remedo modernista de Las Mil y Una Noches lleno de cajas chinas, un delirante juego visual...
Para mi, sobre todo es cine: si el séptimo arte tiene en muchas ocasiones una base en otras artes, pocas veces como esta, el cine ha sido tan consciente de si mismo y ha querido crear su propio homenaje.
Ya es una referencia ese prólogo, esa sala, esos perros en el pasillo. A partir de ahí se nos anuncia que es la imagen y el sonido los que van a intentar captar nuestra atención, regalándonos una obra inolvidable, pero sin que sea necesario pedir coherencia ( aunque exista ) sino un impacto contante que bien puede, en su análisis más simple, reducirse a logros estéticos.
Las fuentes se utilizan, se juega con ellas, se comparten en una amalgama que va desde el cine musical al negro francés, desde La Bella y La Bestia a El Planeta de Los Simios, desde Charlot a Lon Choney y Ava Gadner... pero no pensemos en Holy Motors como una acumulación enciclopédica sino en un homenaje lleno de cariño y humor.
Hay otros dos aspectos que me gustaría destacar en esta pieza y que contribuyen a hacerla única:
Por un lado su tono, una ligereza que sólo puede responder al buen pulso y a un consejo a los videntes, que no busquen trascendencia, que sean capaces de disfrutar sin buscar el sentido de cada recodo; un aire difícil y mágico en una historia en la que parece que navegan tantos conceptos.
Y en segundo lugar la libertad, llevada al máximo con el diálogo final. En este sentido ( voy a ver si consigo explicarlo ) creo que la libertad se comparte, se traslada por parte del director a su público, y por eso nos sentimos tan cómodos, por que también a nosotros se nos permite ser parte de la cinta e interpretarnos como queramos. En ningún momento tenemos esa sensación tantas veces tan incómoda de no estar a la altura, de perdernos algo.
Holy Motors es, ya lo he dicho, cine.
Y quienes nos sentamos en una sala oscura, somos parte de esa ceremonia.
Agradecidos de poder compartir esta sublime locura, esta fantástica experiencia. Esta obra única.
Entrando, abriendo la misma puerta del durmiente al inicio, entramos en un mundo cargado de historias, de retazos que se enhebran, se bifurcan, se cierran... a través de estas "nueve citas" del Sr. Oscar que parecen anunciar, o son suficientes, según como se mire, y que emocionan, o me sorprenden, o me divierten, o todo a un tiempo-
Y, pos supuesto ( es cine ) dudando siempre de lo que es realidad, o directamente, si esta existe en algún lugar de esta muestra brillante y vibrante de vida. 
Postdata: es la segunda limusina que esta temporada cruza nuestras pantallas para introducirnos en un universo único, se están convirtiendo en extraños pegasos blancos nos guían al Olimpo.

Público

viernes, 23 de noviembre de 2012

NOVELA: SARAH THORNHILL de Kate Grenville

Canongate
304 páginas

Cuando era pequeño y TVE era la única cadena de referencia ( la 2 nunca se vio bien en casa), existían los "Grandes Relatos", series que de lunes a viernes desgranaban grandes historias de la literatura.
Tenían en común ocurrir en pasados lejanos, pobladas de personajes , todos ellos tarde o temprano, enfrentados a encrucijadas que decidirían su destino.
Había pasiones en el presente y secretos en el pasado, generalmente escondidos en el seno de las familias y capaces de poner el mundo patas arriba al ser descubiertos.
En ocasiones, frente a una literatura ( o cine, o serie, o.... ) he echado de menos esa capacidad de engancharme a lo que les ocurría a otros.
Esta novela, es de los ejemplos más claros de que aun existen narradores que siguen escribiendo así, posiblemente porque no he sido el único en beber de esas fuentes.
Una Australia aun salvaje, unos personajes que luchan por conseguir superar el estigma de los colonizadores que eran en verdad proscritos, el choque con los aborigenes y la necesidad de conquista. Todo ello alrededor de una historia de amor y descubrimiento, de la forma de crecer en un mundo hostil, de saber lo que se debe de hacer y lo que se puede hacer.
¿ Hay quien de más?
Posiblemente , la velocidad de los tiempos haya limado las posibilidades de historias paralelas que , en el contexto anterior, hubiesen tenido una mayor entidad ; aquí vamos directos al devenir de esta mujer, y así, el volumen es más reducido de lo que lo era en aquellos gordos tomos que adornaban todas las bibliotecas.
¿El resultado?
Para mi, una pequeña regresión a los años en que las historias no intentaban explicarnos el presente, sino sólo eso: contar.

Público  

jueves, 22 de noviembre de 2012

NOVELA: CABALLO DE OROS de Victor F. Freixanes

Siruela
290 páginas

Primero ocurren los hechos.
Luego nace la leyenda, a través de la tradición oral.
Hasta que alguien decide narrarla y convertirla en relato.
Alguien que también puede decidir investigar sobre la realidad contada y convertir la leyenda en crónica.
Supongo que puede resumirse así el nacimiento de todas las obras que tienen su base en sucesos reales.
Algo que está enraizado en la cultura popular, que tiene su origen en la decisión de un pueblo de conservar e incluso crear su propia mitología.
Es difícil trasladar a un libro, no sólo este ciclo, sin olvidarse de lo narrado, sino conseguir una trasposición que no traicione ninguna de las fases. Que mantenga en cada una de ellas su propia naturaleza, su esencia.
Porque con ello no sólo se está narrando la historia en si, sino también se está trasladando el alma, la vida y el sentir de todo un pueblo.
Victor F. Freixanes lo consigue.
Partiendo o utilizando de base un hecho popularmente conocido y que reune muchas características propias de un pasado ancestral, con personajes que están descritos como titanes , utiliza la primera parte para , con un lenguaje absolutamente fascinante , lleno de recodos, crear un paisaje brutal, grande , lleno de pequeñas historias, que casi adquiere la condición de un mundo propio. No está lejos Macondo.
Es apasionante entrar en una prosa sólida, espesa, que transmite la sensación de un bosque lleno de sorpresas , de belleza y de crueldad, de dolor y de gozo, donde los sentimientos tienen la fuerza de las mareas.
Así, los jugadores de la partida de cartas , parecen gigantes luchando por la conquista de territorios ignotos ,y sus acompañantes las huestes en la batalla.
No consigo encontrar una forma correcta de escribir , si yo fuese Freixanes, la experiencia literaria y humana que proporciona esta parte de la novela. Pero en cualquier caso es algo grande, aunque esta sea una palabra que se queda pequeña.
Luego viene , en el largo epílogo, la crónica, la busqueda de la verdad que , al mismo tiempo, abre otras puertas , otros personajes , otras historias , como si la narración pudiese prolongarse hasta el infinito ( y que lástima que no lo haga ). Y el autor consigue cambiar totalmente su registro, adoptar otra postura, pasar a ser él mismo, sin que este giro desconcierte o disguste, si no integrándolo perfectamente en el conjunto.
Caballo de Oros, recoge la mejor tradición oral y la convierte en escritura , recoge los cuentos y leyendas de un pueblo y los convierte en Historia. Y recoge al lector , ávido de literatura y lo convierte en testigo de unos tiempos que sin duda existieron.
Una pieza única.

Público  

TEATRO MUSICAL EN LONDRES: SCROOGE de Leslie Bricusse

Director- Bob Tomson
Director musical - Suart Pedlar
Tommy Steele. Edward Handoll. Craig Whiteley. Barry Howard. Ian Caddick. Leonie Heath. James Head. Sarah Earnshaw. Robbie Towns. Keiron Harris. Halcro Johnston. Leon Kay. Anna McGarahan

Me gustan las Navidades.
Mucho.
Y con las Navidades, me gustan las tradiciones de Navidad.
Culturalmente hablando hay algunas que , muy presentes en el entorno anglosajón, no terminan de calar de la misma forma en el mediterraneo aunque a veces estén presentes, cada vez más. Me refiero a El Cascanueces y al Cuento de Navidad de Dickens como los más representativos.
Por eso, aunque sea con un mes de antelación , disfruto de hiostorias como esta , a pesar de haberla visto cientos de veces.
Aunque lo cierto es que no sé si disfruto más de la historia o del público: esos niños sorprendidos, esos mayores que recuerdan.
Scrooge es un buen musical con aire de clásico. Música pegadiza , sentimiento y humor.
Ponerlo en pie para esta temporada y hacerlo con grandeza y profesionalidad es pan comido en el entorno del West End , si además se cuenta con un primer espada como Steele, que recibe su primer aplauso al pisar el escenario, el éxito está asegurado.
El Scrooge que puede verse en el London Palladium, reune todas las características habituales del género, y además nos deja un buen sabor de boca, como siempre ocurre con esta historia de fantasmas cicerones.
Bien.
En las Navidades de 2012 ya he cumplido con una de las tradiciones, me emociona saber que aun me quedan muchas más hasta de que acabe el invierno.

Público

lunes, 12 de noviembre de 2012

NOTA: LIBROS LIBRES

Excelente iniciativa.
Esta en la Calle Covarruvias 7 de Madrid.
Una ONG ha creado una librería gratuita .
Con ello, la lectura deja de convertirse en un lujo.
Puedes donar libros , todos los que quieras , de todos los géneros . Sólo tienes que llevarlos allí.
El horario es de 12:00 a 20:00 horas.
Compartir aquellas historias que te han emocionado, de las que has aprendido, que han ampliado tu mundo.
En definitiva compartir . Y colaborar , seguro, a que este mundo sea un poco mejor.
Enhorabuena a los organizadores.

Público

NOVELA: HABLAR SOLOS de Andres Newman

Alfaguara
179 páginas

Seguramente la sabiduría está muy cerca de la sinceridad.
Y la sinceridad y la sabiduría están muy lejos de los excesos.
Cuando un escritor con Newman decide abordar un tema tan complejo en apariencia, sólo es sincero si lo hace desde la sencillez , desde la transparencia, alejándolo de todo atisbo de trascendencia impostada.
El resultado carece de efectos , de trucos , sólo puede llegar por si mismo, por sus dosis de verdad , aunque esta verdad esté en muchas ocasiones construida sobre el andamio de las dudas.
Y nuestra percepción de ese resultado dependerá de la capacidad de escuchar , de ver , de sentir , sólo con la verdad , sin necesitar otros alicientes.
Hablar Solos  trata sobre muchas cosas que giran alrededor de una sola : la ausencia.
Y es ausencia cuando se pierde algo que se ha tenido. No simplemente cuando se carece de un deseo.
Tres personajes se enfrentan a la progresiva enfermedad y muerte de uno de ellos, a como afecta a sus vidas , como se afronta esa nueva etapa que ya es diferente en si pero que además anuncia cambios más drasticos.
Uno de ellos , Lito , lo hace desde el desconocimiento; la inocencia del niño, la vida que sigue , fresca , violenta , llena, es un contraste con el desgaste que se va produciendo en los otros dos.
Y ellos, desde la soledad de sus posiciones , ese Hablar Solos al que el título hace mención, intentan entender lo que ocurre, sin entenderlo de verdad , porque es algo que no se entiende: pasa.
Hay muchos hallazgos en esta pequeña novela que decide ser humilde, tal vez desde una visión respetuosa.
Sorprende la precisión con la que el lenguaje nos traslada las metamorfosis interiores, los cambios que no se perciben en heridas.
Sorprende su crudeza a la hora de buscar escapatorias.
Sorprende lo identificados que nos podemos sentir con ese miedo al vacío.
Un vacío que sólo conseguiremos llenar si dejamos que , una vez más, sea la vida la que lo haga , sin intentar falsos rellenos en la literatura o el cuerpo, que sólo generarán desconcierto , en ocasiones materializado en rabia, otras en cansancio.
Tras su grandiosa El Viajero del Siglo, Newman se decanta por una propuesta diiferente que por momentos parece menor , sin embargo, al terminarla nos percatamos de su grandeza , de que su ambición está más allá . La que puede alcanzar lo pequeño.

Público  

viernes, 9 de noviembre de 2012

CINE: EL ARTISTA Y LA MODELO de Fernando Trueba

España/ Francia 2012
Jean Rochefort. Aida Folch. Claudia Cardinale. Chus Lampreave

Una película sobre la mirada, sólo podía ser hermosa, y esto es lo primero que llama la atención en esta sólida cinta de Trueba: en un blanco y negro luminoso, cada fotograma es un cuadro, sobrecogedor en su belleza, brillante; además, dado que el director opta por un ritmo lento, tranquilo, nos es permitido contemplarla y disfrutarla con serenidad; en definitiva, una película sobre la mirada que nos invita a mirar.
Esa es sólo una de las elecciones afortunadas del director. Otra es sin duda el tono.
Estamos ante una obra que pasa por temas tan importantes como la vejez y la juventud, la búsqueda de la belleza y su nostalgia, el amor compartido y el amor generoso. Lo más sorprendente, y apreciable, es que lo hace con una apariencia de ligereza que elimina todo asomo de transcendencia, permitiendo disfrutarla desde una muy agradable cercanía.
También es un acierto el tono clásico que se mantiene durante toda la propuesta, sin ningún tipo de afectación. El Artista y la Modelo podría haber sido perfectamente una película de hace mucho tiempo, no en vano, Renoir no está lejos.
Por último, para sostener un andamiaje así, eran necesarios dos actores de primer orden. Jean Rochefort es un prodigio de contención y expresividad, alguien que con un sólo gesto es capaz de trasladar los sentimientos más elaborados, una interpretación interior de infinita humanidad; a su lado, Aida Folch se crece, transmitiendo continuamente toneladas de sensualidad y la violencia de la juventud.
En definitiva, El Artista y la Modelo es una película excelente, de un cineasta como Trueba, que en este caso nos invita a mirar y nos regala a cambio una muy hermosa historia, llena de sabiduría y belleza, y mucho cine.
No en vano, estamos ante un director que nos fascino con El sueño del mono loco, nos divirtió con Belle Epoque y El año de las luces, y nos llevó dentro del sèptimo arte en El embrujo de Shanghai o La niña de sus ojos; no siempre consiguió la cercana perfección de la cinta que ahora comentamos, pero ninguna de sus obras dejó de destilar el amor de alguien que está entregado a lo que hace, y para ello vive.

Público

jueves, 8 de noviembre de 2012

NOVELAS: MEMORIES OF MALGUDI de R.K. Narayan

Penguin Books
780 páginas
Incluye las siguientes novelas:

The Dark Room
The English Teacher
Waiting for the Mahatma
The Guide
The World of Nagaraj

Salvo excepciones de escritores con una proyección más internacional como Gosh , desconozco la literatura india.
Debo a un viaje reciente a Mumbay este descubrimiento.
Descubrimiento tardío, ya que gracias a wikipedia, me he informado de que Narayan está considerado uno de los narradores fundamentales del siglo pasado, varias veces candidato al Premio Nobel de Literatura.
Nunca es tarde si el resultado es como este . Aquí la dicha es buena, muy buena.
Adquirí esta colección de cinco novelas con el objetivo de saltear su lectura con otras obras; sin embargo, una vez que me introduje en sus páginas , me sentí tan cómodo, que , una a una , fueron entrando las cinco.
Ahora que he terminado el conjunto, tengo la sensación de decir adiós a un amigo, a alguien que me ha contado sus historias con una sabiduría y una cercanía que sólo puede nacer de algo hoy día tan escaso como la humildad y la sinceridad.
También me deja un poso de serenidad , de ligereza , de vida.
Si tuviese que definir el estilo de este escritor , sólo encontraría una palabra aecuada : transparencia.
Y es que sus novelas carecen totalmente de ninguna afectación , y quizás por ello, de barreras que nos impidan percibir, sentir, empaparnos , de la verdad de unos personajes a los que llegamos a conocer en su absoluta humanidad.
La psicología convive a la perfección con el entorno, en una sorprendente conjunción de difícil equilibrio.
Son piezas diferentes , pero todas ellas gozan de lo mejor de su escritura.
En The Dark Room asistimos a un conflicto matrimonial que traslada una relacción viciada en una pareja con muchos años de convivencia a sus espaldas , una historia de inseguridades y renuncias.
En The English Teacher, la espiritualidad , da continuidad a una hermosa historia de amor y soledades.
Waiting for the Mahatma nos sumerge en el transfondo político de una nación , a través de mostrarnos como esta ha afectado a las vidas cotidianas de sus habitantes.
The Guide, al parecer la más popular y la de más elaborada estructura , habla de lo sorprendente que puede ser la vida.
Y finalmente The World of Nagaraj, no lejos de El Idiota de Dostoievski, crea un personaje tan inocente como inolvidable.
La India es el transfondo colorista de estas narraciones, con toda su riqueza cultural, pero alejándose siempre de cualquier interés turístico, porque repito, aquí sólo existe la verdad.
Y las páginas se llenan de pequeños detalles, de una observación limpia que tiene referencias en el mejor Chejov.
En definitiva , he descubierto y disfrutado de uno de los grandes.
Espero que mis comentarios sirvan para que su obra llegue a alguien más.

Público 

miércoles, 7 de noviembre de 2012

OPERA- PROGRAMA DOBLE: IL PRIGIONERO de Luigi Dallapiccola - SOUR ANGELICA de Giacomo Puccini

Director de escena- Lluís Pasqual
Director musical- Ingo Metzmacher
Escenógrafo- Paco Azorín
Iluminación - Pascal Mérat
Figurinista- Isidre Prunés

Il Prigionero:
Deborah Polaski. Georg Nigl. Donald Kaasch. Gerardo López

Sour Angelica:
Julianna Di Giacomo. Deborah Polaski. Maria Luisa Corbacho. Marina Rodríguez Cusi. Itxaro Mentxaka. Auxiliadora Toledano. Maira Rodríguez. Rossella Cerioni. Anna Tobella

Personalmente creo que el hecho de juntar en un mismo programa estas dos obras tan dispares musicalmente hablando y llevarlas a compartir escenografía , supone una toma de posición ideológica , especialmente en lo que se refiere a la segunda.
Lo cierto es que poco tiene que ver en principio el alegato en contra de la tortura de Dallapiccola con el melodrama conventual de Puccini, salvo que la decisión sea, como parece en este caso, establecer paralelismos en lo que se refiere a la privación de la libertad , y en concreto, en la utilización de la religión como herramienta coercitiva.
La opción puede ser discutible, pero es también tan aceptable como cualquier otra, y en ningún caso , de las más disparatadas que hemos visto últimamente en nuestros teatros.
Lo que verdaderamente importa es el resultado, el espectáculo, y tengo que decir que , sin compartir la premisa antes citada , el resultado es en mi opinión excelente en ambos casos.
Vayamos por partes:
Comienza Il Prigionero en la más absoluta oscuridad.
Poco a poco iremos descubriendo una escenografía brutal, de la que luego hablaremos , y es en ese escenario, donde tiene lugar esta pesadilla sobre la tortura , este viaje al infierno íntimo del condenado, convertido en juguete de dolor por la crueldad de sus carceleros.
La música expresionista encuentra un apoyo absoluto en la representación teatral, en el movimiento que se consigue con relativamente pocos elementos y en este laberinto vertical, llevándonos de la mano en un viaje hasta el horror.
El resultado en este caso, puede calificarse casi de redondo.
Equiparar Sour Angelica , este melodrama un poco pasado en libreto, con esta pieza, trasladar a las monjitas a ese universo de oscuridad , es cuando menos una opción arriesgada.
Pero repito, es una opción. El director de escena lo deja claro, no sólo en la utilización de las rejas sino también en los figurantes , esas hermanas colocadas en puntos estratégicos del escenario, que parecen sustituir a los carceleros vigilantes de la obra anterior.
Cuesta más adaptar la estructura a su argumento; queda claro que está creada para la primera propuesta , pero se consigue, dotándola de movimiento y de pequeños elementos que sirven perfectamente como marco para la mágica música de Puccini.
Y es que en este caso, la emoción deriva fundamentalmente de los aspectos sonoros , que desde el escenario, alcanzan el patio de butacas, trasladándonos toda su belleza.
Considero que el final, esa escala de neón , esa desnudez que parece despojar el escenario y dejar la tramoya al descubierto, es coherente: una forma que tiene Pasqual de decirnos que eso sólo es posible desde el punto de vista teatral, que no comulga y no se cree ese final inmerso en la salvación del alma, una manera de hacer terreno lo divino.
Otra elección. De nuevo válida aunque discutible.
Sin duda dos de los elementos protagonistas de la función son la iluminación y la escenografía.
Sobre la primera poco que decir más que que resulta absolutamente perfecta , con capacidad para crear paisajes interiores y trabajar totalmente a favor de la narración , desde la limpieza al sobrecogimiento.
Sobre la escenografía , que antes califiqué de brutal y podría calificarse de potente y por supuesto valiente , creo que es un excelente ejercicio estético; quizás, repito, más adecuada para Il Prigionero, pero que también cumple como escenario conventual.
En definitiva , tanto musical como teatralmente , un espectáculo muy bueno, cuestionable como cualquier manifestación artística pero que sin duda alcanza el nivel que debe de exigir el público de un teatro como el Real de Madrid.

Público    

lunes, 5 de noviembre de 2012

CINE: FRANKENWEENIE de Tim Burton

USA. 2012
Dibujos Animados

Creo que , sin olvidar esa extraña obra maestra llamada Ed Wood , cuando el genio creativo de Tim Burton alcanza su máxima expresión es en las películas de animación ( La Novia Cadaver o su contribución a Pesadilla antes de Navidad ) o en aquellas que , a pesar de utilizar personajes reales , se acerca en estética y libertad a este género , como en Eduardo Manostijeras.
Está claro que su imaginación necesita poder utilizar materiales totalmente moldeables para acercarlos a su mundo personal.
Otras adaptaciones como Sleepy Hollow o Sweeny Todd me parecieron , si bien correctas , mucho más encorsetadas.
Por ello, no es raro que en este pequeña joya , Frankenweenie, nos encontremos al autor en su plenitud , con toda su frescura y su ingenuidad, con sus ganas de disfrutar y de hacernos disfrutar.
Y además, en esta particular versión del mito de Frankestein , Burton incluye todas sus obsesiones , sus códigos:
La historia sucede en un barrio residencial americano, un lugar paradisiaco si no fuese por aquellos que lo habitan ; la colección de personajes , remite directamente a los tipos más identificables del género de terror , y en este sentido, la colección de niños del colegio es absolutamente genial; también , aprovecha para lanzar un mensaje de defensa del riesgo, de la investigación , de la aventura.
En definitiva , Burton vuelve a ser ese niño capaz de ver la vida por delante como un gran bazar , lleno de juguetes, no todos ellos inocentes pero sí suceptibles de ser utilizados.
Y por supuesto, el cine , un sustrato cultural que está de alguna manera en toda su obra de chaval de sesión continua y que aquí aparece en múltiples referencias , algunas tan claras como Greemlins o Godzilla y otras , como el molino de la traca final, que pueden remitir a infinidad de recuerdos cinéfilos.
Pero creo que lo mejor es en este caso , que Burton no olvida sus sentimientos , y el sentimiento principal , en este niño grande , es la ternura, y así, Frankenweenie es , en definitiva , una película sobre el amor y los buenos sentimientos que , además de hacernos reir en muchas de sus escenas , nos acaricia el corazón , sobre todo en un final delicioso.
Si bien podría parecer que su vinculación a Disney ha acercado a su autor a un público infantil, lo cierto es que esta película es Burton total y absolutamente , sin ninguna concesión que , por otro lado, no es necesaria.
Es un niño contando historias a niños , o a aquellos que , por unos momentos , podemos volver a serlo.
El resultado, ya lo he dicho, es una pequeña joya .

Público