Páginas vistas en total

sábado, 29 de septiembre de 2012

CINE: THE DEEP BLUE SEA de Terence Davies

UK 2011
Rachel Weisz. Tom Hiddleston. Simon Russell Beale. Anne Mitchell. Karl Jonhson

El melodrama es un género por si mismo, tanto en cine como en literatura o en teatro. Probablemente su diferencia con la tragedia, es que en esta última existe influencia externa de fuerzas incontrolables ( llamémosle los dioses o el destino o la suerte ) mientras que el melodrama ocurre simplemente dirigido por el comportamiento humano, algo que posiblemente le otorga cierto punto patético.
The Deep Blue Sea se basa en una melodramática obra teatral de Terence Ratigan, y su director deja claro en cada plano, que su vocación es realizar con ese material un melodrama de regusto clásico, sino antiguo, en factura y contenido.
De su origen literario toma una excelente creación de personajes, unos largos muy buenos y precisos diálogos que se van situando en puntos estratégicos de la narración y alguna escena que, aunque visual, a mi me deja un regusto a prosa, como el círculo que se crea entre el principio y el fin de la cinta con la imagen de la mujer en la ventana.
Pero es cine.
Y desde el cine, el director aporta una deconstrucción del tempo narrativo perfectamente estructurada, así como una colección de imágenes en movimiento en las que navega su protagonista entre los bloques de diálogos antes citados.
Creo que es en esas pausas donde The Deep Blue Sea adquiere su verdadera personalidad, y es que utilizando aquellas herramientas que siempre han sido importantes en el género, como una fotografía maravillosa entre la niebla y la precisión capaz de presentir una lágrima, entre las luces y las sombras, y una música que es un protagonista más de la historia, tanto cuando con furia pretende rebelarse contra la dureza de los sentimientos, como en los interludios cantados que parecen remitir a un tiempo en que la guerra no había dejado sus heridas; utilizando, digo, estas herramientas, Davies es capaz de crear un cuadro interior en movimiento que parece navegar entre el sueño y la realidad, por el desconcertante camino del deseo; en este sentido, los primeros quince minutos, sin apenas palabras pero con la capacidad de situarnos en el corazón de la historia, son modélicos.
Por otro lado, en el melodrama siempre han tenido un peso especial las mujeres. En este, a pesar de que la interpretación de todos es perfecta, destaca Weisz, verdadera espina dorsal del relato, una actriz que no sólo es hermosa sino capaz de transmitir con una mirada, su elección es otro de los aciertos de la cinta.
The Deep Blue Sea es una película bellísima, más que un ejercicio de estilo, una apuesta por hacer cine de un género que puede parecer antiguo pero demostrando que nada merece el olvido si se hace con arte, sensibilidad e inteligencia.
Una historia muy bien contada.
Una última pregunta ¿ porque una joya así tarda tanto en estrenarse?

Público

viernes, 28 de septiembre de 2012

CINE: AMOR BAJO EL ESPINO BLANCO de Zhang Yimou

China 2010
Zhou Dongyu. Shawn Dou

Lejos ya los tiempos en que cada uno de sus estrenos tenía carácter de acontecimiento, la filmografía de Yiimou resiste el juego de agruparla por bloques, algunos en apariencia dispares.
Por un lado están sus primeras cintas, empeñadas en trasladar con rigor diferentes épocas de la historia de su país ( Sorgo Rojo, La Linterna Roja, La Joya de Shanghai ...) ; luego la trilogía de artes marciales que tanto éxito le reportó en EEUU ( Heroe, La Casa de las Dagas Voladoras, La Maldición de la Flor Dorada ); ambos casos los considero reflejos de como contar la Historia: desde la leyenda o desde lo enciclopédico.  
Un tercer grupo, lo componen las pequeñas historias hiperrealistas que podrían remitir a un Sorín oriental, muy valoradas y llenas de sensibilidad, especialmente Camino a Casa y, la para mi mejor de toda su obra, Ni Uno Menos.
De todas maneras, hacía tiempo que teníamos la sensación de que se había perdido, y algunos rozamos el pánico ante la bobada de su remake de Sangre Fácil.
Ahora regresa con una película que ha conseguido cierta unanimidad positiva. Y lo cierto es que contiene aspectos del mejor Yimou.
Sin embargo, no estoy de acuerdo con ciertos artículos que lo remiten a su cine más rural: creo que simplemente hay coincidencias de parajes en el inicio, pero la caligrafía es mucho más elaborada, muy alejada de la sencillez visual de aquellas.
De hecho, me da la sensación de que el director ha decidido remitir su firma de autoría a la forma de narrar en lo que se refiere a la elección de imágenes , más que al estilo . ´
Por lo que se refiere al poso de la Historia, hasta ahora siempre presente en su portfolio, creo que es aquí, simplemente , un fondo donde encuadrar lo realmente importante que es la historia de amor, pero realmente no se profundiza en la crítica y hay cierta huida del localismo.
Así, Amor bajo el espino blanco, es una película muy universal; podría compararse en principio con cualquier historia de amor trágica en circunstancias adversas.
La diferencia, lo que hace que su director no sea uno más, es sin duda la sensibilidad, elegir , como decía antes, las mejores escenas para contar, la delicadeza con la que consigue que la cinta fluya con total agilidad plagada de detalles.Esos planos donde las manos intercambian y en el que las manos se rozan por primera vez, esas miradas...
Quizás si tuviese que poner alguna pega, esta sería que es difícil alcanzar en un entorno urbano la belleza de las primeras imágenes en el pueblo, o que lo mejor de la película es la serenidad del nacimiento de la relación, y tal vez la contención no siempre se comprenda.. Pero queda una hermosa historia llena de sentimientos y que, desde la mirada limpia de sus protagonistas transmite siempre sinceridad.
Después de este film, Yiimou se ha embarcado de nuevo en la Historia y en el modelo superproducción y, según la crítica, no ha acertado, una pena. En cualquier caso, este espino blanco sirve para recordarnos que cuando quiere puede.

Público
 

jueves, 27 de septiembre de 2012

NOVELA: LAS CORRECCIONES de Jonathan Franzen

Seix Barral
667 páginas

En mi caso, el descubrimiento de Franzen va en camino inverso: he disfrutado hace unos meses de Libertad, otra gran novela y, debido al buen sabor de boca, decidí aprovechar la reedición de Las Correcciones seguro de que también habría mucho que disfrutar.
Por lo tanto, como punto de partida , es importante señalar que , si bien existen muchas referencias comunes tanto en estilo como en contenido, la segunda presenta a un escritor más maduro, más completo.
Aun así, el diagnóstico era correcto: se trata de un escritor importante , muy importante , y con una capacidad narrativa brutal.
En Libertad , anclada en un tiempo determinado, el núcleo era la pareja, alrededor de la cual, se generaba un paisaje habitado que nos ofrecía la radiografía de una época, desde un pasado reciente a un presente desconcertante y un futuro incierto.
En Las Correcciones el centro es la familia, la unión sanguinea de diferentes personas que se interrelacionan y sobre todo se influyen , sin que nunga tengamos muy claro que es lo particular y que lo aprehendido, también desde un pasado con nubes y claros, también en un presente donde inunda el desconcierto y también hacia un futuro cuando menos inexpugnable.
La época es otra , y al igual que en la historia anterior, está perfectamente expuesta, con una paleta de múltiples matices ; pero quizás el mensaje de su autor sea que el presente es siempre un lugar tan volatil que es difícil estar en él en equilibrio, y que el futuro se compone de una mezcla de miedos y esperanzas que nunca es fácil afrontar.
Por lo demás , aquí también encontramos la mezcla de crueldad y ternura : crueldad por la capacidad de incidir como con un bisturí en lo que son secretos callados en el interior del ser humano, sus mediocridades , sus derrotas, su egoismo; ternura porque nadie como él es capaz de captar la necesidad de consuelo y esos momentos donde los seres humanos, desde su fragilidad , son dignos de merecer la mayor de las compasiones.
Cada personaje tiene una entidad sólida , llena de carne y corazón , absolutamente contrario a lo monolítico. La descripción de la enfermedad y la decadencia , terrible, que no es sólo del anciano padre sino de todo lo que un día fue esa familia, ofrece momentos totalmente estremecedores en su dolor.
Por lo demás, Las Correcciones me parece que tiene algunos puntos de fuga no bien resueltos , algún roce al lado salvaje que contrasta en exceso con el hiperrealismo que es lo mejor de su prosa , pero aun así Franzen es un gran narrador que asume los retos de crear grandes obras ( en extensión y contenido ) , casi con el aroma de los clásicos, y es perfecto a la hora de integrar lo particular en lo general, lo interior en lo exterior y la historia en el presente.
Las Correcciones sería en su momento un descubrimiento, para mi es una constatación .

Público 

miércoles, 26 de septiembre de 2012

DVD: AS YOU LIKE IT de Kenneth Bragnah

UK- 2006
Bryce Dallas Howard. Ramola Garai. Alfred Molina. Kevin Kline. David Oyelowo. Adrian Lester. Brian Blessed. Janet Mc Teer. Jade Jefferies
Sólo estrenada en cines en Reino Unido e Italia.
Estrenada en TV en USA.

Creo que fue en el año 89 cuando un para mi entonces desconocido Kenneth Bragnah sorprendió a todos con su Henry V basado en la obra de Shakespeare; director, adaptador e intérprete, no fueron pocos los que lo asemejaron a un nuevo Laurence Olivier.
Personalmente me gustó la frescura de su versión y, sobre todo, su efectividad epidérmica, que consiguió que un film con una base tan ajena al gran público, tuviese cierta cabida en lo comercial.
Revalidó su apuesta con la brillante y divertida Mucho ruido y pocas nueces ( a la que creo recordar se refirió Pilar Miró como inspiradora de su Perro del hortelano ), convirtiendo un clásico del genio inglés en una comedia para el público masivo.
Entre otras películas apreciables, volvió a Shakespeare dos veces más con desigual fortuna en lo que se refiere a la crítica:
Por un lado con un Hamlet totémico, excelente en su factura y tan respetuoso con el original que duraba más de tres horas y se proyectaba con intermedio.
Después se atrevió a ir más allá convirtiendo Trabajos de amor perdidos en un musical kitsch, algo que generó reacciones virulentas aunque a mi personalmente me pareció una delicia.
Con mejor o peor fortuna, siempre con perfiles apreciables, navegó por otros clásicos literarios de la envergadura de Frankestein o La flauta mágica y no olvidó su carrera de actor que le llevó desde Harry Potter hasta Woody Allen.
Pero ¿ que pasaba con Shakespeare?, ¿ donde quedaba el remedo de los grandes actores/ directores británicos que siempre parecían volver a beber de esa fuente?; parecía como si las excesivas alabanzas del comienzo se hubiesen trocado en decepción , y así , esta versión de 2006 de otra de las conocidas comedias del autor , pasó absolutamente desapercibida en la mayor parte del mundo, y ahora sólo puede disfrutarse vía dvd , comprado por otro lado en Inglaterra.
Lo cierto es que personalmente considero As you like it como una de las piezas más difíciles de su autor ; en el bosque de Arden , especie de extraña Narnia a donde acuden todos sus personajes en un momento u otro, son más de diez los que se cruzan con males de amor cercanos al vodevil; en su portfolio se cruzan principes y pastores y todo rezuma cierto aroma mágico pero no realizable al modo del Sueño de una noche de verano.
No es por tanto un empeño fácil.
Bragnah decide trasladar la acción al Japón del siglo pasado con presencia británica ; es ahí, en un principio, donde se consiguen las mejores escenas ; luego echo en falta el juego que podría haber dado esa base y que se queda en bonitas referencias estéticas.
Hay quizás ( y esto nunca debería ser negativo ) un respeto excesivo al texto que habría necesitado una adaptación mayor y, la intención de incluirlo todo en una duración de dos horas , nos deja sin cierto desarrollo en los detalles.
El resultado puede parecer algo plano pero, y aquí viene lo importante , es una vez más un reflejo del compromiso de su director por acercar a Shakespeare de una forma ágil haciéndolo accesible. Creo que ya sólo por eso, esta cinta merecería haber corrido mucha mejor suerte.
No sé si el talento se gasta con el tiempo o se puede recuperar ; ahora este director ya no tan joven , está centrado en una carrera más comercial que incluye superheroes como Thor o remakes de La huella . Por mi parte , recuerdo su apuesta por el poeta de Stratford y me gustaría que se convirtiese en el catálogo que hace tiempo todos esperábamos.
Si Bragnah vuelve a Shakespeare estoy seguro de que lo hará con cariño, respeto, humor e inteligencia , con frescura y fuerza. Me encantaría que así fuese. Mientras tanto, esta excursión a Arden ha merecido la pena.

Público 

lunes, 24 de septiembre de 2012

TEATRO MUSICAL EN LONDRES: SHREK -THE MUSICAL de David Lindsay Abaire y Jeanine Tesori

Director- Jason Moore y Rob Ashford
Dean Chisnall. Richard Blackwood. Neil Mc Dermott. Alice Fearn

Cuando Shrek aterrizo en las pantallas , éxito inesperado entre el público adulto, me encantó, como a muchos , su divertida versión de la necesidad de dar un giro a los cuentos de toda la vida sin por ello caer en una cínica "adultización" de los mismos.
La frescura de su planteamiento encajaba con un mensaje que , no por cierto, dejaba de ser deliciosamente ingenuo.
Convertirlo en musical, dada  la fisonomía del conjunto , me parecía difícil, muy difícil.
Bien , hay musicales escritos para perdurar y musicales escritos y producidos para entretener.
Como cualquier pieza teatral o literaria, como cualquier película.
Pues , Shrek The Musical, que llena el Drury Lane en Londres es uno de los espectáculos más divertidos e imaginativos  que he visto en mucho tiempo.
Seguro que no se convierte en un clásico, su música no batirá records en ventas, me extrañaría que llegase a reponerse algún día ; pero también tengo la seguridad de que todos los que abarrotábamos el patio de butacas lo pasamos estupendamente, como daba la sensación que ocurría con los que ocupaban el escenario.
La estética , cuento pop up y comic , colorista y brillante, sorprendente, es posiblemente uno de los aspectos más conseguidos , con puente levadizo, dragón volador y muchas cosas más en una iluminación perfecta.
Y sobre todo, un asno parlanchín absolutamente inolvidable.
Sin complejos. Shrek divierte, en teatro como lo hizo en cine , mucho. Y el mensaje sigue ahí. Para toda la familia.
¿ Que más se puede pedir? nadie pretende pasarse la vida viendo a Chejov.

Público

viernes, 14 de septiembre de 2012

TEATRO: ENRIQUE VIII de William Shakespeare

Compañía Rakatá- Fundación Siglo de Oro
Director- Ernesto Arias
Fernando Gil. Elena González. Jesús Fuente. Alejandro Sá. Daniel Moreno. Rodrigo Arribas. Jesús Teyssiere. Bruno Ciordia. Alejandra Mayo. Sara Moraleda.

Hace unos meses, felicitaba a la Compañía Rakatá por su elección para representar , dentro de las Olimpiadas Culturales en el Teatro Globe de Londres de este Enrique VIII en lengua castellana; también lamentaba el escaso apoyo oficial recibido y me comprometía a ir a verles y aplaudirles cuando llegasen a Madrid.
Una última reflexión a ese respecto: a todos los que leemos sobre teatro, nos ha llegado la noticia de su excelente acogida y la crítica publicada por The Guardian alabando el trabajo: una pena que ningún diario nacional desplazase a alguien ( también existen los corresponsales ) para hacer una valoración de esta pica en Flandes.
Dicho lo dicho, ya han llegado aquí. Me tocaba ir. Y , en el fondo, no podía evitar cierta preocupación : comprometerse a aplaudir algo antes de conocerlo puede sonar a voluntarista , máxime cuando , conociendo en lectura Enrique VIII , no la consideraba una de las piezas bien construidas del inglés.
Pues bien , nada que objetar : ayer noche asistí en los Teatros del Canal a la representación , y no sólo la aplaudo sin ningún tipo de pudor sino que no grité bravo porque a mi esas efusiones me dan verguenza.
Vamos por partes:
En primer lugar, creo que hay un trabajo de adaptación del texto inteligente y limpio, capaz de desarrollar el ámbito narrativo sin perder nada de la excelente creación psicológica de tipos que ha hecho único a su autor . Las dos horas sin descanso se pasan en un minuto y , una historia de todos conocida, consigue apasionar.
Con respecto al montaje, The Globe ofrecía las limitaciones propias de su modelo: un escenario vacío, basado en el modelo clásico de la época, ausencia de efectos, en definitiva una representación basada en el texto y en los actores.
Y en este sentido, pocas veces he visto una representación tan coherente y tan pura.
Supongo que es mérito de su director conseguir otorgar ritmo y movimiento con tan pocos elementos, hay una coreografía  trabajada al milímetro pero apenas visible, capaz de llenar continuamente el escenario; también alcanzan un nivel de homogeneidad perfecto entre todos los intérpretes , cada uno creando su tipo y en algún caso doblando, dentro de los cuales me resisto a destacar a ninguno, no sería justo.
En definitiva , se han limado aquellos problemas que hacían del Octavo una pieza en apariencia menor y se han conseguido potenciar las virtudes que hicieron de su autor un genio.
Repito, como final, algo que ha he dicho varias veces: hoy día es poco creíble que una compañía privada opte por el teatro clásico con montajes de esta envergadura. Merece todos los aplausos.
Pero además, creo que Rakatá, con este montaje, sigue avanzando en ser cada vez mejor. Lástima que nos cueste más trabajo apreciarlo aquí que en Londres.

Público

jueves, 13 de septiembre de 2012

NOVELA: EL ULTIMO HOMBRE LOBO de Glen Duncan

Mondadori
Reservoir Books
356 páginas

Las islas británicas tienen algo que las convierte en decorado perfecto para la novela de terror.
No en vano es allí donde surgieron criaturas inolvidables como Drácula o Frankestein y donde el gótico adquirió la solidez de un género con códigos propios.
Puede ser el clima, la niebla, el caracter o la oscuridad , también la fantasía que parece innata a sus leyendas fundacionales y que tan bien supieron explorar escritores como Arthur Machen o, en la actualidad, el tierno Neil Gaiman.
No sorprende por tanto que este hombre lobo, nazca allí y sea reconocido por la crítica como un producto literario serio; sin complejos frente a modelos a los que les cuesta alabar el mero entretenimiento y el gore.
Frente a sagas como Crepúsculo, la novela de Duncan promete un fondo clásico muy apetecible.
Otra cosa es el resultado.
Mi valoración de El ültimo hombre lobo es contradictoria:
Por un lado, me resulta muy atractivo el planteamiento de partida en lo que se refiere a la ubicación de la licantropía en el mundo contemporáneo. Muchas veces he comentado la necesidad , en cualquier novela fantástica, de generar unos códigos propios que otorguen coherencia al conjunto y, sin duda , esta novela los tiene.
Duncan consigue posicionar la historia de este monstruo y elaborar tramas que lo vinculen a la historia , a otros elementos del género como los vampiros y que lo lleven a convivir sin anacronismos en el mundo actual. Esto es lo que más pesa en la primera parte de la novela y lo que más se disfruta.
Pero creo que los problemas nacen de dos puntos: por un lado el tono y por otro el desarrollo final.
Empecemos con el tono:
Antes hablaba del aroma clásico esperado; sin embargo, el autor opta en todo momento por un lenguaje o quizás una visión moderna de la historia, y lo busca mediante dos recursos, el humor y el sexo. En el primer caso, se consigue cierta ligereza pero también un contraste no siempre resuelto con la trascendencia que se pretende otorgar a la vivencia del personaje principal, lo que , personalmente me llega a cansar , me distancia. En el segundo, escatologías aparte, hay una profusión que encuentro repetitiva pero que además llena páginas deteniendo la acción . y es que , si Duncan pretende que esta sea una novela de acción, eso es lo que parece, debe de respetar un ritmo que muchas veces se ancla en soliloquios que no aportan nada.
Seguramente lo que voy a decir ahora es cuestionable ( como cualquier opinión ) pero tengo la sensación de que esta novela nace británica para ir americanizándose a medida que avanza.
Y ahora llegamos al punto de la trama , y aquí creo que ha podido la ambición. Se cruzan demasiadas posibilidades , personajes que entran y salen , asuntos apuntados como el libro de Quim que finalmente se pierde y el desenlace es tan rocambolesco que es fácil perderse o, peor, desinteresarse.
También debe de ir ligado a la ambición la posibilidad de continuar el modelo en una trilogía, lo que lleva a una conclusión tan abierta que no puede sino decepcionar , sin entrar a analizar ya el cambio de perspectiva de los últimos capítulos, un poco tramposo.
Sin duda Duncan es un buen escritor dentro del género y sin duda El último hombre lobo es una novela entretenida . Pero también tengo claro que no está a la altura de sus maestros; ese no es el problema, el problema es que podría haberlo estado con una mayor contención y que es lo que promete en sus primeras páginas.

Público      

jueves, 6 de septiembre de 2012

NOVELA: LIBERACION de Sandor Marai

Salamandra
158 páginas

Marai es un cronista preciso y denso de una época, capaz de fusionar exterior e interior, con la profundidad de la sabiduría y la belleza serena de la buena literatura; capaz de trasladarnos en todas sus novelas la desazón de un ser humano superado posiblemente por la historia, por las convenciones y un futuro incierto; personas que nunca se rebajan al nivel de personajes y que por eso viven, sin querer engañarse con falsos paraísos.
No hay que olvidar que el autor fue un exiliado cuya obra casi se enterró en el olvido, y que terminó suicidándose a los ochenta y nueve años, cuando muchos se limitarían a esperar un final que no tendría que tardar en llegar, es decir, que no parece un optimista.
Pero aunque no se comparta su visión del mundo, es difícil dejar de admirar su capacidad de observarlo y ponerlo en papel.
Con todo ello, no recuerdo que ninguna de sus novelas me haya dejado una sensación tan trágica como Liberación, ni que al mismo tiempo me parezca tan universal y , lo digo ya, me haya parecido tan perfecta ( me cuesta utilizar el verbo gustar para una narración tan dura ).
Estamos en una Hungría invadida por los alemanes a la espera de la llegada de los bolcheviques. Hay tres partes diferenciadas en el relato: en la primera, la protagonista, todavía en el exterior, hace lo posible por proteger a su padre perseguido, vienen después los días del asedio en un sótano, con más de cien personas; la conclusión nos lleva al presunto rescate por la aparición de un soldado ruso y la salida.
A pesar de la premura con la que, según se recoge al final de la misma, ha sido escrito este libro, no creo que la sensación de desconcierto y confusión que impregna el relato y en el que cuesta entrar, no sea buscada; así el autor traslada, entre otras cosas, la falta de linealidad y coherencia de la guerra.
Una vez que asumimos esa dificultad, podemos identificarnos totalmente con el personaje central y acompañarla en su descenso a los infiernos, un lugar donde se consigue que incluso la añorada libertad  pierda su valor.
Porque pocas veces se ha sido tan contundente contra la guerra. Y pocas veces se ha demostrado de una forma tan obvia que sólo existen vencidos.
Lo que podía ser un relato estático, circular, está plagado de pequeños detalles, de un ritmo matizado que siempre avanza, que da contundencia a las sombras, que convierte el miedo en alguien.
Sandor Marai comprendió pronto que a Hungría le esperaban largos años de dolor. Contarlo le costó el olvido. Pero hay injusticias que siempre se pueden enmendar. Cualquiera capaz de un grito como el que supone Liberación, merece un lugar en el sol.

Público    

lunes, 3 de septiembre de 2012

NOVELA: EL COLECCIONISTA DE SELLOS de Cesar Mallorquí

Alberto Santos Editores
183 páginas

El género de ciencia ficción se corresponde sin duda con una especie cultural de códigos propios; más allá de lo que puede parecer un tipo de literatura de mero entretenimiento ( ¿y que tendrá de malo el mero entretenimiento? vale, no divaguemos ) tiene una entidad propia de género tan respetable como cualquier otro y quizás incluso más fiel a la hora de mantener adictos.
En mi caso, lo soy, pero no a esos niveles, por lo que mis apreciaciones se limitan a ser sólo eso : apreciaciones subjetivas de un lector al que le gusta lo inesperado.
Dicho esto, para evitar alguna crítica furibunda de entendidos, mi sensación es que , en la literatura anglosajona, existe un mayor respeto hacia el género y que este tiene unas características comunes que le otorgan cierta singularidad.
Creo que entre estas , convendría destacar ahora dos:
Una es su anacrónica vocación realista , en el sentido de encajar sus historias en marcos históricos perfectamente reconocibles y muy bien definidos.
Otra, su , no se malinterprete , ingenuidad . Y cuando digo ingenuidad , no me refiero a idiocia sino a la capacidad de escritor y lector para colocarse en lo que a actitud se refiere en un punto donde se está dispuesto a aceptar lo increible , como base imprescindible para disfrutar del relato. Me resulta muy difícil soportar las explicaciones pseudocientíficas y generalmente estériles que nos regalan muchas obras del género con el objetivo de excusar la imaginación.
Bien , larga introducción para decir que , en este Coleccionista de Sellos, me he encontrado con las características de novela de género fantástico que más me gustan y que son aquellas que aprecio en cualquier género: su capacidad para retrotratearme ( como si también yo viajase en el tiempo ) a aquellos momentos de mi infancia en que una buena lectura significaba un enganche absoluto con aquello que se estaba leyendo.
La novela está dividida en tres partes perfectamente enlazadas . No voy a contar nada porque considero que la sorpresa y la originalidad es una de sus bazas fundamentales . Sólo decir que nos encontramos en el Madrid sitiado de 1939 , a pocos días de la victoria de las tropas franquistas y que todo comienza con una intriga propia de cualquier buena obra del género negro; es importante señalar que , Mallorquí no utiliza en ningún caso el potencial de la fantasía para jugar con el lector , si no que el desarrollo de la trama , jalonada por personajes clásicos perfectamente reconocibles para lectores de Hammet o Chandler, es totalmente coherente.
El resultado es una novela breve que , en mi caso, me resultó absolutamente apasionante de principio a fin , y cierto regusto amargo cuando en la nota del escritor , al final del libro, hace cierta referencia que creo podemos entender como la duda sobre la existencia de un género de ciencia ficción netamente español; porque esa es otra de sus características : el Coleccionista es verdaderamente la aproximación más española al género que conozco.
Entiendo que la existencia de editores como Alberto Santos , debe arrojar cierta esperanza, si además conseguimos que aumenten los lectores , la conjunción parece perfecta . El Coleccionista de Sellos es una muy buena herramienta para conseguirlo.

Público