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viernes, 27 de abril de 2012

CINE: ALPS de Yorgos Lanthimos

Grecia 2011
Aris Servetalis. Johnny Vekris. Aggeliki Papoulia. Ariane Lared.

Canino, la película anterior de este realizador, fue una absoluta sorpresa, por un lado por la sequedad de su caligrafía pero fundamentalmente, por el realismo con que afrontaba un argumento que escapaba de cualquier racionalización.
Alps podría estudiarse como una cinta hermana, si bien con variaciones pero el mismo tema de fondo: la realidad y su confusión con lo que puede pretenderse como tal.
Si en el primer caso, esa realidad ficticia parecía parte de un experimento cruel en el que, por lo tanto, las víctimas inocentes creían a pies juntillas, en este caso, todos los personajes son conscientes de estar falseando la vida, bien en busca de consuelo, bien en busca de negocio o, como se mostrará al final en el personaje de la enfermera, de llenar un vacío.
A partir de ahí, asistimos a las consecuencias que se derivan para aquellos que juegan en ese juego peligroso, en forma radical reflejada en la locura pero también en conflictos no menores como la violencia o el sometimiento.
Las películas, las dos películas de Lanthimos, son más que parábolas y están cruzadas por verdaderas cargas de profundidad. No sé si entenderlas como un espejo de la huida frente a la situación de una Europa en franca decadencia, sería hacer un análisis muy artificial. En cualquier caso son muchas las lecturas posibles y estoy seguro de que aparecerían otras nuevas en sucesivos visionados.
La forma de contar sigue siendo seca, fría, escueta, contando con el espectador como un elemento más.
Por lo que respecta a la caligrafía visual, sólo puedo decir que Lanthimos es un escritor con un estilo propio, arriesgado, que va desde los primeros planos absolutamente epidérmicos a las conversaciones de espaldas, los fondos difusos o los encuadres sin rostro; y si esto puede sonar a descuido artificial, nada más lejos de la realidad: su director dibuja con absoluta precisión y su estética es cuidada, precisa, artística incluso.
Yorgos Lanthimos es un narrador potente con un mundo propio y una capacidad inteligente para convertir en cercanía los mensajes que pueden surgir del absurdo. Hasta ahora nos ha regalado dos cintas excelentes, sólo queda por ver si puede explorar otros campos o su elección temática puede peligrosamente derivar en estilo.

Público  

jueves, 26 de abril de 2012

TEATRO: MICROTEATRO POR DINERO ( La Hipodérmica de Jaime Aranzadi - La Grandeza y La Chiqueza de Diego Sabanés )

La Hipodérmica de Jaime Aranzadi
Dirección. Jaime Aranzadi
Javi Calvo- Andrea Dueso

Aranzadi ha pasado desde la comedia en La Hipotenusa , al melodrama con La Hipoteca hasta la breve tragedia de La Hipodérmica.
El merito no está tanto en el salto de géneros como en el hecho de saber adaptarse en cada caso a diferentes planteamientos, con la capacidad, exigida en un formato como este, de no perderse en ninguna derivación.
La Hipodérmica es un encuentro, una estampa que no pretende tener desarrollo pero que, por unos segundos, nos muestra un futuro en tan nivel de contraste con la ternura que nos están produciendo sus personajes, que duele.
He encontrado en este texto algo de auto sacramental, de destino, cuando desde lo cotidiano habla con esa contundencia de algo tan serio como la vida y la muerte.
La absoluta naturalidad de sus dos intérpretes hace que sea todavía más fácil ver lo cerca que está de nosotros esta estampa feroz.
Cuesta no cerrar los ojos. Se nos está poniendo delante la casilla de salida de historias que seguramente  todos conocemos pero hemos preferido olvidar.

La Grandeza y La Chiqueza de Diego Sabanés
Dirección : Diego Sabanés
Kike Guaza. Alejandro Vera

Si por regla general hacer reir me parece difícil, conseguirlo desde el minuto uno en los quince que dura esta obra, me parece sorprendente.
Sólo desde un absurdo inteligente puede escribirse un texto tan lleno de hallazgos, partiendo de un disparate como el propuesto.
Ser capaz de caminar por el absurdo, es algo reservado a los muy buenos.
No conozco nada de Diego Sabanés, pero en este caso lo borda.
Dos soldados, un bunker, un televisor, un cumpleaños, juegos de rol y jerarquía ¿ hay quien de más?  a Ionesco sin duda le habría encantado.
Claro que para conseguir el resultado final, hacen falta dos actores capaces de extraer cada fibra de sus personajes. Son totales.
Que bien sienta reirse en estos tiempos.

Microteatro sigue ofreciendo píldoras de teatro donde brilla el trabajo bien hecho, la originalidad, la apuesta y, sobre todo, teatro, teatro, teatro.
Creo que ya lo he dicho alguna vez pero no me cansaré de repetirlo, una de las experiencias más disfrutables en el Madrid de hoy.

Público  

miércoles, 25 de abril de 2012

RELATOS: TRILOGIA DE LA GUERRA CIVIL de Juan Eduardo Zúñiga

Galaxia Gutenberg.
Círculo de Lectores
402 páginas
Incluye:
Largo noviembre en Mdrid
Capital de la gloria
La Tierra será un paraíso

Nos encontramos ante una obra grande, muy grande, posiblemente una de las más importantes que se han escrito sobre la Guerra Civil Española.
Son tres colecciones de relatos que multiplican acciones, sentimientos y personajes hasta crear un fresco enorme, inabarcable, de los perdedores.
El autor define desde el principio el valor de la memoria en la traslación a palabras de este mosaico, y tengo que decir que es también desde  la memoria desde donde se puede conservar, en el carácter que esta habilidad humana tiene de difusa, de eliminar los lindes, de mezclar datos y sensaciones; tal es la riqueza de la propuesta que no puedo percibir su poso de otra forma más concreta, sino mezclando vivencias, recuerdos, recodos y caminos.
Pero sobre todo, existe una sensación de alma dolorosa que recorre todas sus páginas.
El primer libro es el que está más cerca del sueño, del apunte, tan rico y tan sutil que hay que agarrar las palabras para no desorientarse y ser capaz de percibir cada uno de los cuadros que se nos presentan, y que, a través del elemento humano, muestran las postales de una ciudad sitiada, donde como parte del paisaje se crían mezquindades y heroísmos, retazos de piezas negras de venganza, búsquedas para comprender y sobre todo roturas.
La segunda parte es posiblemente la más convencional, sin que pretenda con ello nada peyorativo. Los relatos ganan en longitud y en concreción,  cada uno de ellos posiblemente susceptibles de conformar una novela, y es en esta condensación donde también radica gran parte de la generosidad de su autor. Son cuentos de personas, de primeros planos. Relatos donde se prevé la derrota pero no por ello declaran vencidos. Que tristeza en el cuento que cierra el conjunto, el del niño acudiendo con su madre a la escuela.
En el tercer grupo, nos encontramos con las propuestas más complejas. Desde la pérdida  existe el duro presente y el recuerdo. La memoria es casi una amenaza, y los textos aparecen abigarrados, como esos solitarios que anhelan apretarse para combatir la soledad y el frío.
La escritura de Zúñiga es compleja, difícil y totalmente evocadora. Literatura en estado puro pero al servicio de la realidad.
Por supuesto que puede achacarse la visión de un sólo bando, la selección sesgada. Pero no hay narración de la historia, cuando se quiere verdad, que no tenga algo de subjetivo.
Lo importante en el mensaje del autor es el horror y la inutilidad , y desde esa memoria difusa, o el recuerdo de esta crónica, comprometernos en cuerpo y alma para que una verdad como esta no se repita jamás.

Público      

sábado, 21 de abril de 2012

CINE: LOS JUEGOS DEL HAMBRE de Gary Ross

USA. 2012
Jennifer Lawrence. Josh Hutcherson. Woody Harrelson. Stanley Tucci. Donald Sutherland. Wes Bentley. Toby Jones. Amandla Stenberg. Alexander Ludwig. Liam Hensworth. Elizabeth Banks. Lenny Kravitz.

Hace poco, he leído ( y comentado aquí ) la novela Los Juegos del Hambre en la que se basa esta película.
Comenté al respecto, que era un libro bien escrito, algo que lamentablemente no siempre ocurre en la literatura destinada a un público juvenil, y que por lo que se refiere a su vinculación con el género de ciencia ficción, era capaz de generar un mundo propio, algo que, previamente al desarrollo de la trama, considero básico para los buenos escritores de literatura fantástica.
Con respecto a la trama, es cierto que se decanta por un presupuesto violento, pero quien lo crítica se olvida de clásicos como El Señor De Las Moscas. Más allá de la tendencia a utilizar la sangre como forma de atraer al lector joven, Los Juegos se estructura alrededor de un escenario que puede entenderse como crítica social, como visión apocalíptica, o como mero recurso de argumento, pero que entronca con clásicos como 1984 o Blade Runner, y con realidades ya muy cercanas como Gran Hermano o cualquier otro reallity al uso.
En fin, si me he extendido en algo que podría estar más referido a la base literaria que a su reflejo cinematográfica, es porque creo que su traslación a imágenes conserva todas las virtudes del referente.
Y es que digámoslo ya: Los Juegos , al margen de críticas que creo se refieren más a ciertos prejuicios sobre un tipo concreto de cine, me parece una película muy buena, entretenida siempre,apasionante muchas y capaz de generar momentos de intensa emoción.
Estéticamente, la dirección artística y el vestuario, algo muy importante en este género, es excelente y original; colorista y brillante, pero también putrida en las imágenes del Distrito 12. La traslación de la base tecnológica es brillante y clara. Y el guión es muy bueno, recoge perfectamente la extensión temática de la novela pero sin demorarse en ningún momento, utiliza a la hora de dar información todos los recursos, y se desenvuelve con absoluta agilidad, mientras posiciona cada personaje en su punto adecuado.
Por otro lado, era necesario buscar a alguien capaz de asumir el peso del protagonismo de la historia, y Jennifer Lawerence, que ya había sorprendido en Winter's Bone, lo asume a la perfección, dotándola de alma y cuerpo. Es Katniss en su ira, en su miedo, en su desconcierto y en su dolor.
Espero que las dos partes que faltan , no tarden mucho en llegar, y que estén al nivel de esta primera, y que para entonces, se pueda hablar de ella sin complejos.
Mientras tanto la aconsejo, sin rebajar, eso sí, la edad del público en exceso.

Público  

jueves, 19 de abril de 2012

TEATRO: IVAN-OFF de Anton Chejov

La Casa de la Portera
Versión y Dirección: José Martret
Raúl Tejón. David González. Javier Delgado. Roberto Correcher. Cristina Alarcón. Germán Torres. María Salama. Rocio Calvo. Maribel Luis

Desde hace algunos años, más allá de lo que habitualmente conocíamos como las salas de teatro alternativo que conformaban el off Madrid, han ido surgiendo nuevas propuestas que convierten el hecho teatral en una verdadera experiencia. Podemos recordar la labor del hall del Teatro Lara del que surgieron piezas tan exitosas y con tan largo recorrido como La Función Por Hacer, la Sala II del María Guerrero con aquella Carta de Amor de Arrabal etc . Posiblemente esa cercanía ha cristalizado en un proyecto tan ágil, logrado y contundente como Microteatro , Dios guarde muchos años..
La propuesta de La Casa de la Portera llega al más difícil todavía: nos proponen una obra que dura dos horas y se atreven con uno de los Chejovs más difíciles y posiblemente menos representados: Ivanov.
Pero empecemos por el principio:
La entrada se reserva por teléfono; ese día recibes un sms recordándotelo; llegas a la calle Abades 24 y te encuentras con un avejentado portal del barrio de La Latina. Llamas al telefonillo del bajo d ( sin ninguna indicación ) y entras en lo que, obviamente, era la casa de la antigua portera, donde al pagar y recoger tu entrada te avisan que a las ocho y veinte saldrán a por el grupo.
Cuando finalmente accedes, con sólo 23 personas más, te encuentras en un local con cierto aire de ensueño. Y ahí comienza la ceremonia.
La obra se desarrolla en dos pequeñas habitaciones alternativamente, ahí es donde, a escasos centímetros del público, se mueven los nueve actores que conforman el reparto. Y no tardamos ni diez segundos en estar dentro de esta tragedia, de este Hamlet ruso al que le faltaban los motivos, de cada uno de los personajes a los que llegamos a conocer, a entender, de sus errores, de su destino; sentimos su aburrimiento, su altura o su vulgaridad, sus anhelos, su mediocridad, su imposibilidad de volar. Las lacras de la sociedad que conforman.
Y Chejov se manifiesta en toda su cercanía, porque si lo más importante de este autor era transmitir el alma de sus personajes, aquí casi llegamos a tocarla.
Sólo un grupo de interpretes muy solventes puede soportar una apuesta tan epidérmica. Aquí ninguno falla y a ninguno se debe de estacar sino a todos.
La versión es limpia, clara, aunque quizás potencie el humor más que el original, algo comprensible e incluso de agradecer, dado que aunque le reste cierta intensidad al último acto, también aligera una obra que, repito, recuerdo como muy difícil y algo densa.
La experiencia de La Casa de la Portera sólo puede merecer aplausos; es un absoluto regalo para todos aquellos que amamos el teatro. Y sólo espero que no sea un hecho aislado sino que tengamos la ocasión de disfrutarlo muchas veces más .
Enhorabuena a todos los que la han hecho posible y gracias.

Público

viernes, 13 de abril de 2012

CINE: MISION IMPOSIBLE IV - PROTOCOLO FANTASMA de Brad Bird

USA. 2011
Tom Cruise. Paula Patton

La franquicia de Misión Imposible es de las que nunca fallan.
En cuanto comienzan a sonar las primeras notas de la banda sonora, reconocibles por todos, sabemos que entramos en la montaña rusa.
Creo que a ello han contribuido principalmente dos razones:
Por un lado el acierto en la elección de directores, no olvidemos que empezó con De Palma, pasó por Woo ( que creo la más rara de todas pero no por ello fallida ), Abrahams, y ahora Brad Bird.
Y , en segundo lugar, no pretender en ningún caso un mínimo de credibilidad, ni en la trama ni en su desarrollo, sino un argumento suficiente para sostener el más difícil todavía.
En este caso, sale una versión National Geographic que nos lleva a desfilar por Moscú, Dubái y Bombay , con un ritmo que impide la postal pero no el colorido.
Se podría echar de menos mayor entidad, tanto en los malos como en el resto de los miembros del equipo.
Aun así, consigue más de dos horas pegados a la butaca, algo que ya les gustaría a muchas otras películas.
Y que nos quedemos esperando la quinta.

Público

NOVELA: TENEMOS QUE HABLAR DE KEVIN de Lionel Shriver

Anagrama
606 páginas

Siempre me ha atraído ( y aterrado ) conocer el origen de los monstruos. Que es lo que hace que una persona de un entorno similar al nuestro, pueda convertirse en un asesino en serie de una crueldad inusitada.
Personalmente, también me cuesta asumir la existencia del mal; me parece una conclusión demasiado sencilla para no seguir avanzando a la búsqueda de verdades incómodas.
Sin embargo, hay noticias a diario en los periódicos o novelas como esta, que me llevan a cuestionarme mis intereses y opiniones.
En primer lugar porque si son tan potentes y están tan bien escritas como esta, sólo pueden dejar un poso de desazón. Y en segundo lugar porque la radiografía parece dejar claro que, si bien a posteriori todos podemos dedicarnos a buscar culpas y culpables, el horror no puede tener ninguna justificación que le haga ir pasando de una mente a otra en una forma aleatoria, sino que es necesario que junto con el terreno abonado exista una semilla. Posiblemente una semilla de maldad.
Son muchas las virtudes de esta novela que opta por el género epistolar, motivada por una situación que hasta el final no descubriremos.
De lo general a lo particular, comencemos con la creación del paisaje, físico y social, de una América que de repente pareció convertirse en un circo de violencia escolar. Sin subrayados ni trazo grueso, la autora describe una sociedad basada en el bienestar y en su privilegiada situación en el mundo, estableciendo situaciones y comportamientos reconocibles porque siempre se mueven en el ámbito de lo cotidiano.
Avanzando más, su descripción de personajes, difíciles los principales, es psicológicamente perfecta, otorgándoles vida a todos ellos pero también pinceladas de referencia. En este sentido, la madre protagonista, es un ejemplo de aceptación del sufrimiento desde la inteligencia, y el fino humor que recorre toda la narración no es más que una especie de ironía salvadora.
Por último, es impresionante la graduación que la autora va haciendo poco a poco del mal hasta llegar al terror absoluto, y enlazando con lo que he dicho en primer lugar, lo más impresionante es que consigue "cotidianizarlo" al utilizar siempre como referencia el entorno hogar y una vida absolutamente ausente de peligros.
Tenemos Que Hablar de Kevin no juzga, pero pone encima de la mesa temas terribles, junto con los ya citados como la relaciones madre e hijo, los sentimientos que no llegan, el odio como vínculo etc
Y lo hace con la maestría de una gran autora porque, digámoslo ya, es una novela excelente. También sobrecogedora e infinitamente triste.

Público

CINE: MI SEMANA CON MARILYN de Simon Curtis

USA. 2011
Michelle Williams. Eddie Redmayne. Kenneth Bragnah. Judi Dench. Julia Ormond

Lo impresionante de un mito, no sucede a mi entender cuando ya ha fallecido y puede adornarse su cadáver con cualquier tipo de aditamentos que van desde la verdad a la fantasía, convirtiendo al final a cualquier personaje en una leyenda.
Para mi, lo más importante de un mito es la dimensión que alcanza en vida y que lleva a divinizar a seres de carne  y hueso sin que en ocasiones pueda saberse que los hace diferentes.
MM no era la mujer más bella del mundo, ni la mejor actriz, ni la más voluntariosa, aunque en los tres aspectos tenía condiciones más que sobradas. Pero era capaz de ejercer una fascinación absoluta, no sólo como icono, sino también en las distancias cortas.
Esta pequeña, agradable y bien hecha película, pretende trasladarnos precisamente ese aspecto de su biografía: a través de una anécdota de sobra conocida, las dificultades entre ella y el equipo durante el rodaje de El Principe Y La Corista con Laurence Olivier; aquí  somos conocedores además del magnetismo que despierta en todos aquellos que le rodean.
Probablemente, la mayor aportación de esta cinta, junto con su base histórica, sea plantear la fragilidad como un elemento necesario para subir al Olimpo, no muy alejado de la teoría cristiana de la realización por el sufrimiento, pero patente sobre todo en el hecho de la figura atrapada en su propia red, cuando sus principales ansias las alcanzaría sólo dentro de la normalidad de la que ya se ha alejado tanto, que no existe camino de vuelta.
Si en esta cuidada producción la interpretación general esta muy lograda, de una forma homogenea, sería injusto no destacar la creación de Williams, otorgando trascendencia a cualquier gesto y siendo capaz de vincular a la perfección continente y contenido, es decir , representación y creación; su imitación es perfecta pero además le otorga fondo.
Mi Semana con Marilyn no es una gran película y posiblemente no aporte novedades sobre el personaje, pero se ve con gusto y puede servir de base para recuperar la rica filmografía de una mujer a la que nadie pareció entender muy bien.

Público

sábado, 7 de abril de 2012

CINE: LA INVENCION DE HUGO de Martin Scorsese

USA. 2011
Ben Kingsley. Sacha Baron cohen. Asa Butherfield. Chloe Grace

En muchas ocasiones he visto obras perfectas de creación, piezas originales, hermosas, inteligentes, equilibradas. Pero también en esos casos, en algunos de esos casos, esa perfección parecía convertirse en algo negativo ( dentro de lo que cabe , por supuesto ). Lo que les falta para ser únicas, inolvidables, suele ser el alma, lo que consigue que se diferencie la fría corrección de la magia y la poesía.
Es en cambio en esas otras obras, donde junto con una narración perfecta encontramos latidos, donde no sabemos porqué, lo que nos cuentan nos llega no sólo a la razón sino también a los sentidos, en las que personalmente encuentro un gozo que no consigo describir pero que sí convierte la experiencia en algo absolutamente disfrutable.
Acepto que todo lo dicho anteriormente puede ser algo totalmente subjetivo, y que incluso es posible que esté influido por el momento concreto.
De todos modos, desde que sentado ante Hugo escuche los primeros tic tac de los relojes , como los latidos a los que antes hacía referencia, me vi transportado a un mundo diferente, donde la magia y la poesía eran realidad, y donde todo ello era más cine que nunca
Martin Scorsese , el mismo del que puedo recordar más de diez películas inolvidables de todos los géneros, comienza esta maravillosa película como un gran cuento, y lo hace asumiendo todas las necesidades de los  cuentos: un mundo diferente en ese hermosísimo París; en lugar de un bosque o un palacio, una estación de tren llena de túneles , rincones y poblada por un microcosmos de entrañables personajes, incluso el más malo de ellos termina  siéndolo, dibujados con el pincel fino del cariño; y unos niños dispuestos a vivir la mayor de las aventuras.
A partir de ahí , poco a poco, de la mano y con el compromiso de, una vez que ha conseguido meternos dentro de la historia, seguir apasionándonos,Scorsese nos lleva  hacia su terreno, aquel que más le gusta y del que, generosamente va a hacernos partícipes: el amor al cine, y su capacidad , creo que ya lo he dicho antes, para generar otros mundos.
La Invención de Hugo es un homenaje al cine desde el absoluto amor al séptimo arte, una alabanza a su capacidad de sorprender y, desde ese punto, al público que goza de la capacidad de sorprenderse,  a este respecto es icónica la escena de la proyección del tren entrando en la estación con los espectadores aterradores levantándose de sus asientos.
No hace falta decir que, estéticamente, la película es fantástica, como también lo es su diseño de producción, su color, su interpretación.... todo funciona y todo va más allá de lo esperado en esta cinta que, desde su inmenso amor al cine, nos ayuda a amarlo todavía más.

Público

miércoles, 4 de abril de 2012

NOVELA: AÑOS LENTOS de Fernando Aramburu

Editorial Tusquets
216 Páginas

Aramburu regresa en Años Lentos al escenario del que para mi es su mejor obra, el libro de cuentos Los Peces de la Amargura; me refiero al País Vasco, a sus  cielos lluviosos, a sus costumbres de cercanía, a sus silencios, y sobre todo, a una historia enmarcada en la lucha errónea, trágica y terrible generada desde ETA.
Aramburu ya había demostrado entonces que su visión no era sesgada, que no tenía miedo y que era capaz de cuestionar donde estaban las víctimas y donde los verdugos. Y lo hace con la sinceridad y la verdad de quien lo ha vivido desde dentro, fuera de dogmatismos o ideas preconcebidas.
En aquel caso, eran pinceladas, precisas, llenas de alma.
En este, una pequeña biografía familiar de personas comunes, de aquellos personajes secundarios que de pronto se encuentran elevados al grado de protagonistas, consigue meternos en ese piso, en sus habitaciones, hacernos compartir sus inquietudes, sus miedos y sus errores.
Porque lo más importante a mi entender de esta excelente novela es la emoción que genera, y aquí enlazo con la maestría narrativa de su autor: Años Lentos es una novela breve, pero consigue trasladarnos, a golpe de detalles, unos personajes que están tan perfectamente descritos, que tenemos la sensación de conocerlos perfectamente, y de darnos cuenta de que son absolutamente reales.
Y una nota más sobre la estructura narrativa, no sólo está logrado el modelo de personaje dando información sobre sus recuerdos, sino que la inclusión de las notas del escritor en forma de apéndice, no sólo le otorga a la novela amplitud y otra perspectiva, sino que también permite una hermosa reflexión sobre como la memoria se convierte en relato.
En resumen, Años Lentos es excelente, una pieza de inteligencia y sensibilidad, y escrita con el corazón. Excelente tanto en contenido como en continente.

Público  

lunes, 2 de abril de 2012

CINE: LORAX, EN BUSCA DE LA TRUFULA PERDIDA de Chris Renaud

USA 2012
Animación

Se me ocurre un consejo para los medios de comunicación, generalistas o específicos, que incluyen críticas de cine: eviten que sus críticos habituales se dediquen a las películas infantiles, que se centren en Von Trier, Socorsese, Allen... y dejen las cintas de animación para un público objetivo más centrado en este tipo de productos, los niños.
Así evitarán situaciones como esta: Lorax ha sido pasto de críticas bastante duras, sin embargo, yo he estado esta tarde, acompañado de mis dos hijas, y no sólo ellas y yo la gozamos, sino también el resto de la sala ( padres e  hijos ).
Es una fábula con base ecológica, colorista, con un diseño muy creativo, original, divertido, y un conjunto de personajes capaz de transmitir ilusión y ternura.
El paisaje es casi un país de caramelo, donde el cuento se desarrolla con peces que viven fuera del agua, ositos que parecen de peluche y una creación única, Lorax, ese genio gruñón del bosque.
Nadie pretende que el mensaje de una película así tenga la densidad de los documentales de Coixet ( mucho más aburrida y aburridos ) pero incluir esa ligera crítica al capitalismo, tiene su punto.    
Repito: hay color, hay movimiento, hay diversión, cualquier película de niños debe de tener un punto de atracción de Parque, y esta lo tiene.
Lo dicho: si no tenéis hijos, no intentéis juzgarla, si habéis dejado de ser niños hace mucho tiempo, olvidaros, si pretendéis que cada película sea un tratado intelectual digno de un profesor de filosofía, no os acerquéis por la sala.
Pero si el cine os parece también un lugar donde divertirse, pedid un niño prestado y acudir a buscar la trúfula.

Público


NOVELA: LOS LOBOS DE WILLOUGHBY CHASE de Joan Aiken

Salamandra
225 páginas

La literatura juvenil inglesa tiene , en el modelo clásico , unos referentes que , lo cierto es que , desde el punto de vista histórico, no son excesivamente alentadores sobre su modelo educativo.
La tremenda desigualdad existente entre clases sociales , se expone de forma cruda ( algo que posiblemente dice mucho de ellos a la hora de afrontar sus propias lacras, pero da un poco de yuyu ) , y generalmente se refleja en unos internados donde lo difícil para los menos favorecidos era sobrevivir.
Por simplificarlo mucho, lo que en nuestro país convertimos en picaresca, en las islas británicas se torna en una oscuridad malsana que roza el terror , si a eso le unimos el componente gótico que tanto les gusta , lo que queda sirve para preparar a cualquier infante para no asustarse ante cualquier muestra gore que le depare el futuro.
Oliver Twist es sin duda el paradigma de huérfano sufridor que consigue finalmente salir adelante , pero no el único.
Aiken no tiene la maestría de Dickens ni sus ambiciones , "Los Lobos" es una novela más pequeña y , posiblemente , encaminada a un lector de menor edad , por lo que carece del cuadro social con el que el gran autor formaba todas sus novelas.
Pero aun así es un libro muy apreciable.
Hay una mansión , hay una niña, luego dos , desprotegidas , y una odiosa , más que odiosa, institutriz; hay, por supuesto , un espantoso colegio cercano al correccional y mucha oscuridad y nieve , con banda sonora de aullidos lobunos. Hay también adultos dispuestos a ayudar y un final feliz .
"Los lobos" es un paso excelente, según mi opinión , entre los cuentos infantiles y la novela, tanto por su extensión , la limpieza de su lenguaje y la linealidad del desarrollo, como por lo comprensible de la trama y la claridad de la causa/ consecuencia en todo lo que ocurre, así como la perfecta definición de los personajes.
Y para los adultos, es agradable retomar un relato simple y agradable , que no nos exige mucho pero que ofrece un disfrutable entretenimiento de manta y chimenea. En mi caso, tengo que decir que ya me he hecho con el resto de libros de la saga.
Muy recomendable.     

Público