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jueves, 29 de marzo de 2012

RELATOS: LAS CUATRO ESQUINAS de Manuel Longares

Galaxia Gutenberg
Círculo de Lectores
146 páginas

Cuatro relatos componen este libro; para ser exactos, diría cuatro relatos y un prólogo, porque sorprende, en las dos páginas que componen este, la sinceridad generosa y la cercanía con la que su autor parece hablar de tu a tu con sus lectores.
Las historias que narra se sitúan en cuatro épocas históricas, que van desde la postguerra hasta la actualidad, todas ocurren en nuestro país, y están pobladas por personajes que tienen algo de valleinclanesco, mucho de quijotes y una capacidad nula de no verse limitados por las circunstancias que les acogotan.
Se estructuran , no se si en mera coincidencia, dejando para las dos centrales, las narradas en primera persona y consecuentemente más centradas en la introspección y para el inicio y el final, las más abiertas.
Y todas están trufadas por un humor un poco triste y con matices de corte de los milagros que no parecen muy alejados de un Buñuel.
En cualquier caso, lo más destacable de esta sólida y compleja colección es el rigor de su prosa, una prosa que nos remite tanto a Cervantes como a Baroja o a Galdós en su riqueza y su porosidad. Sin duda es un buen retrato en cuatro tiempos de un país, pero también, y sobre todo, una muy lograda pieza literaria, muy asumidamente literaria.

Público

martes, 27 de marzo de 2012

NOVELA: STONER de Jonh Williams

Editorial El Baile del Sol
240 páginas

Recuerdo , no hace mucho, un debate sobre las obras de teatro de Chejov en que un crítico se sorprendía al escuchar que en esas piezas "no pasaba nada", cuando, según su percepción, pasaban muchísimas cosas.
Posiblemente , era un problema de tono: es cierto que en las obras del dramaturgo ruso ocurren infinidad de acontecimientos, como en la vida, pero también es cierto que , como en la vida , esos acontecimientos transcurren con naturalidad sobre el paso del tiempo, sin dramatismos ni subrayados . Su autor parece decirnos que no es necesario, que la mera narración de los hechos debe de ser suficiente.
Nunca , o no lo recuerdo, había percibido este aroma en una novela como en Stoner.
Narra la vida de su personaje central, William Stoner, que desde su origen en un entorno rural, termina sus días como profesor de literatura en una universidad.
Asistimos a su enamoramiento de la enseñanza , a su limitada ambición, a un matrimonio más o menos fallido y a una paternidad que tampoco resulta ser demasiado exitosa, conocemos a su mejor y único amigo y a su peor y único enemigo, le compadecemos en su búsqueda del amor tardío y paladeamos con él sus últimos días.
Todo ello, posiblemente para muchos, con la sensación de que "no pasa nada".
A mi la sensación que me transmite esta novela , esta ( digámoslo ya ) gran novela , es la de la verdad , la de conocer a unos personajes que son reales, que me creo en todo momento y que transmiten , ellos y sus hechos, algo tan difícil como la verdad .
Y lo hace a través de una prosa limpia, hermosa , precisa sin que por ello pierda la oportunidad de recrear la belleza de lo que se ve , de lo que se siente , en definitiva , del mundo que habitamos. Es una extraña poesía que consigue emocionarme.
También hay un entorno histórico, con dos guerras mundiales , y los cambios que se perciben en la sociedad, pero todo ello forma parte de un conjunto perfecto, alentado por la vocación de contar , tal vez ni siquiera de inventar.
He aterrizado en esta novela ,desconocida para mi, gracias a la recomendación de un trabajador de la Casa del Libro. Al terminarla no puedo entender como no es un clásico de lectura obligatoria para cualquier amante de la buena literatura , de la literatura excelsa. Las referencias de la contraportada me hacen dudar si esa carencia es sólo nuestra y en EEUU es una obra verdaderamente reconocida, o sólo una de esas joyas dispuestas a ser limitadamanente descubiertas gracias a coincidencias como la mía.
En cualquier caso, no puedo dejar de pensar , como Stoner , en todo lo que nos queda por conocer y en lo reducido que, a pesar de dedicarnos a ello, será siempre nuestro conocimiento.
Mientras tanto, un consejo, disfrutar de Stoner.

Público

sábado, 24 de marzo de 2012

OPERA INFANTIL: L'ORFEO de Claudio Monteverdi

Dirección Escénica- Rita Consentino
Dirección Musical - Jose Antonio Montaño
Presentador - Fernando Palacios
Interpretes - Cecilia Rodríguez- Josep Ramón Olivé- Iosu Yeregui . Hugo Bolivar. María Elena Rey. Nerea Berraondo. Lucía Cahiuela
Orquesta - Carlos Sánchez. Silvanna Pizzi. María del Mar Blasco. Roldán Bernabé. Elias Rivieré. Anna Casademunt. Sara Agueda. Ferrán Pisá. Deni Armonia Torres

Al tiempo que continúa inflamando a adulto habituales del Teatro Real ( acabamos de pasar por el affaire "C(h)oeurs" que creo será inolvidable para muchos ), con temporadas bastante dudosas, Mortier sigue cosechando éxitos futuribles, es decir, elaborando y apostando por un programa pedagógico que sin duda conseguirá dar frutos en aficionados del mañana.
Ya lo he dicho en alguna ocasión: son apuestas variadas, de calidad y puestas en pie con rigor, adaptadas pero sin concesiones.
En este caso, la Sala Gayarre se viste con unas luces excelentemente manejadas para contarnos la primera ópera conocida: el Orfeo de Monteverdi. Ayudados por la presentación/ narración siempre adecuada de Fernando Palacios, es fácil sumergirse en este mito como si fuese un cuento; y más si la representación está acompañada de un ritmo que se consigue con pocos elementos, inteligencia y entusiasmo.
Ese es otro punto a destacar: el espectáculo parece ser el resultado de un taller musical e interpretativo para jóvenes , y eso se nota en su entrega, su esfuerzo, sus ganas por comerse el escenario. Merecían los numerosos aplausos con los que los premio, los premiamos.
Por lo tanto, otro éxito en el programa pedagógico del Real, lástima que los adultos no tengan la misma suerte.

Público

viernes, 23 de marzo de 2012

CINE: EXTRATERRESTRE de Nacho Vigalondo

España 2012
Julián Villagrán. Michelle Jenner . Raul Cimas. Carlos Areces

El nacimiento de lo que se denominó la nueva comedia madrileña, desde la legendaria Opera Prima, vino marcada por la naturalidad con que se desarrollaban sus propuestas, alejadas de cualquier grandilocuencia. Era el asalto de lo cotidiano al lugar donde antes sólo había espacio para las grandes aventuras.
Todo era más cercano y se descubría un cine que no tenía que emular géneros a los que no conseguía llegar, ni dejar las estanterías vacías a golpe de adaptaciones literarias. Era más nuestro.
Desde ahí, el nivel de producciones fue mejorando hasta crear una industria que hoy día es plural y capaz, pero sería una pena que se hubiese perdido esa frescura de comedia algo inconsciente y muy divertida.
Lo sorprendente, es que Vigalondo lo recupere desde una premisa tan "marciana" ( y nunca mejor dicho ) como el aterrizaje de naves espaciales en Madrid, lo que le da un color en principio diferente , en el marco de la ciencia ficción.
Pero poco después, apenas  transcurridos unos minutos, nos encontramos en una comedia de personajes, con aquella ligereza que echábamos de menos, esa frescura y ciertos gramos de locura; lo bonito es ver como termina evolucionando hacia una comedia romántica ( que no por ello pierde su punto marciano ). Extraterrestre es pues sorprendentemente cercana, divertida, y es mérito de un director que arriesga a una mezcla que es difícil que salga bien y que seguro no disfrutará todo el mundo, que controla, que dosifica, que desmadra en momentos en que es capaz de pasar de lo creíble a lo increíble, de lo íntimo a lo dislocado.
También me gusta el Vigalondo guionista. Si ya me sorprendió , a mi y a muchos, en Los Cronocrímenes , aquí sigue su tránsito por la originalidad, pero además, ofrece una deliciosa creación de personajes, desde los más desarrollados al tipo cómico ( genial ese locutor televisivo ), y los pone en manos de cuatro actores a los que hay que dedicar al menos un párrafo.
Raúl Cimas y Carlos Areces funcionan a la perfección como cómicos, sacando el mejor partido posible de sus escenas; Michelle Jenner no sólo está natural sino preciosa, es absolutamente creíble que todos los hombres de la película estén locos por ella; y Julián Villagrán es un absoluto descubrimiento, divertido y sólido, capaz de hacer reir y de emocionar, de escuchar y de decir.
Habrá a muchos a los que Extraterrestre les parezca una chorrada intrascendente, peor para ellos; yo me divertido mucho y  creo que es mucho más que un juguete. Y además, frente al dispendio, no he conocido presupuesto más aprovechado, excelente en tiempos de crisis.

Público      

jueves, 22 de marzo de 2012

NOVELA: EL VINO DE LA SOLEDAD de Irene Nemirovsky

Salamandra
221 páginas

Después del descubrimiento de Suite Francesa, la novela más larga de Irene Nemirovsky, su joya póstuma, he ido leyendo todas las obras que Salamandra ha ido recuperando, pequeñas piezas que , leídas como un conjunto, tienen la virtud de trazar un mapa histórico y social de la Europa decadente de principios de siglo, sin duda fruto de una visión y educación cosmopolita, pero también de la capacidad de análisis de una mente despierta y una escritura precisa.
La época de las guerras y las revoluciones, se nos muestra como un paisaje agotado, como una etapa ya caduca donde el placer se había convertido en desgana y los sentimientos se movían como una parte más del atrezzo.
Y esto es importante: Nemirovsky no se queda sólo en el entramado histórico que tan bien recoge, sino que es capaz de avanzar el desarrollo psicológico de sus personajes, siempre navegando entre incertidumbre y ansiedad.
Supongo, una vez consultada la biografía de su autora, no precisamente feliz , especialmente en una infancia marcada por la ausencia de amor, que hay mucho de su mundo personal en su elección de las relaciones a narrar, siempre marcadas por deseos enfermizos de cariño y venganza, y la incomodidad de encontrar dentro de uno mismo un cruce de sentimientos entre la luz y la oscuridad; lo que me hace pensar así es además la sinceridad y la lucidez con que se describen esos procesos interiores, difícil de imaginar si no se ha vivido.
Dentro de su dolor, la piedra de toque , fue la relación con su madre que nunca le concedió el papel de hija.. Seguramente como respuesta, Nemirovsky publicó una breve bofetada, El Baile, que era una venganza, sin duda cruel, pero certera, perfecta; en ella no había hueco para la compasión ni para intentar comprender.
En El Vino De La Soledad, recupera esa anécdota, pero lo hace con una mayor elaboración, más extendida en el tiempo y dando lugar a un desarrollo más amplio de la evolución de los personajes, sus dudas, sus miedos, sus necesidades. Lo que se pierde en contundencia, se gana en narración y en el perfil de los protagonistas, en especial de Elena, a la que conocemos desde su infancia hasta su juventud, desde su dependencia hasta su libertad, y con la que recorremos la confusión, el dolor , el odio , la venganza y algo parecido al perdón.
Sólo por poner una pega, que ciertamente no lo es, es que cuando la novela se vuelca, en su última parte, en el interior de sus personajes, ubicados en el hastío social, siento ese hastío y echo de menos  el colorido del paisaje ruso o finlandés.
No sé si quedan aun muchas obras de Nemirovsky en el cajón, espero que sí, porque cada una de ellas es un verdadero regalo para todos aquellos a los que nos gusta que nos cuenten bien buenas historias.

Público

domingo, 18 de marzo de 2012

TEATRO MUSICAL: FOLLIES de Stephen Sondheim / James Goldman

Director - Mario Gas
Director Musical - Pep Pladellorens
Interpretes- Carlos Hipólito. Vicky Peña. Muntsa Rius. Pep Molina. Massiel. Asunción Balaguer. Mónica López. Teresa Vallicrosa. Linda Mirabal. Marta Capel. Diego Rodriguez. Julia Moller. Angel Ruiz. Mamen García. Lorenzo Valverde. Joana Estebanell

Por mucho que últimamente se pretenda comparar la Gran Vía con Broadway, en España falta tradición del musical clásico. Lo que generalmente aterriza en nuestros teatros son los últimos taquillazos ( Rey Leon o Los Miserables , La Bella y La Bestia etc ) o algún referente más global , como My Fair Lady.
Falta, por definirlo  de alguna manera, ese musical que está más cercano al teatro, que tiene un libreto cuidado y con cierta profundidad, y que no sólo requiere cantantes sino también actores.
En este grupo, Sondheim es un mito para todos los que adoramos el género, y Gas ha hecho mucho por acercarnos a él: recuerdo su estupendo Sweeny Todd o su versión de A Little Night Music.
Ahora se atreve con Follies, una obra evocadora, muy bien escrita ( el autor de su libreto es, por ejemplo, el autor de Un León En Invierno ) , y ciertamente ajena a lo habitual, por el hecho de centrar gran parte de sus números en intérpretes ya maduritos. Y sobre todo con una música maravillosa y unas canciones inolvidables.
Yo recuerdo el estreno en Londres en 1987, dirigido por Harold Prince y con Diana Rigg y Julia McKenzie como un descubrimiento personal. Maravilloso.
Pero vayamos a la versión Gas:
El resultado es más que correcto. Visualmente logrado, falta quizás un poquito más de ensoñación a la hora de vincular el pasado y el presente, un poquito de poesía visual que se equipare con la que produce el texto.
En la interpretación, hay que destacar el grupo que, a forma de coro, nos regala los mejores momentos y los más divertidos. Con respecto al cuarteto protagonista, me quedo con Muntsa Rius; Vicky Peña y Carlos Hipólito, son muy buenos actores, con muchas tablas, capaces de cualquier cosa, pero me falta un poco en lo coral y/o en el baile.
En general, repito, el espectáculo es una muy buena oportunidad para acceder en Madrid a un tipo de musical que habitualmente no está en nuestras carteleras.
Otro debate es si es el tipo de espectáculo al que debe de dedicarse un teatro público. Pero ese debate es largo y no me apetece ahora ponerme a ello.

Público

sábado, 17 de marzo de 2012

NOVELA: EL JURAMENTO DE TORAK- CRONICAS DE LA PREHISTORIA V de Michelle Paver

Salamandra
248 páginas

Volver al mundo de Torak es sumergirse una vez más en un mundo de aventura y misterio, de descubrimientos y magia, un mundo configurado de hechizos y realidades, de intuición y sabiduría, de origen y fin.
Un paisaje interior lleno de sugerencias, creíble, sorprendente en su caudal imaginativo y en como este se ancla en una realidad posible. Un paisaje exterior con la brutalidad de la naturaleza que todavía no había sido mancillada.
Es regresar al mundo de los clanes, cuando los hombres aprendían de los animales y adoraban al Espíritu del Mundo en lugar de luchar contra él.
Pero sobre todo,, como lector, es regresar a esos momentos de pasión por la lectura, de abandono entre sus páginas, de textos que marcaron nuestro amor por escuchar historias.

Público

miércoles, 14 de marzo de 2012

TEATRO: DESAPARECER de Edgar Allan Poe/ Calixto Bieito

Dramaturgia y Dirección: Calixto Bieito
A partir de textos de Edgar Allan Poe
Música: Maika Makovski
Interpretes: Juan Echanove. Maika Makovski

Poe podría ser considerado el Santo Patrón de los escritores malditos.
Nadie como él, ha conseguido representar en tal magnitud la genialidad y la sordidez, la oscuridad y la lucidez, una obra inolvidable y una vida absolutamente desperdiciada.
Sus días y sus noches, pueden llegar a considerarse como uno más de sus relatos.
Sus cuentos y poemas han habitado múltiples malos sueños y se han multiplicado en interpretaciones diversas de todo tipo.
Creo que puede considerársele algo así como el precursor de la pesadilla como género literaria y de las drogas y el alcohol como fuentes inspiradoras.
Su figura está rodeada de lugares comunes en el imaginario de cualquiera.
Precisamente, lo que inicialmente hay que destacar de esta apuesta de Bieito, es su huida de los referentes icónicos del personaje: frente a la habitual penumbra, el opta por la oscuridad del blanco; frente a los susurros y el grito, frente a la conciencia interior, aparece también la música, que se deja caer como una cuchilla en diferentes momentos.
La base es susceptible de muchas interpretaciones, la locura, un narrador misterioso, un hombre y su alma o su recuerdo, o , utilizando la última frase, un sueño dentro de un sueño.
Mezcla de recital y concierto, de cuentacuentos e instalación, la creatividad de Bieito necesita pocas cosas para crear un espectáculo bellísimo y magnético: un actor, Juan Echanove que se convierte en un intérprete totémico, una mujer que es imagen, música y voz; una iluminación excelente envuelta en la niebla omnipresente; un piano. Y con ello, y asumiendo el riesgo de la diferencia, consigue trasladarnos el universo de Poe: la perversidad, la capacidad de narración y la locura.
Desaparecer va a estar sólo tres semanas en Madrid. La capital es capaz de ofrecer propuestas de lo más variadas, y el público lo agradece. En ocasiones como esta, doy gracias por adorar el teatro.

Público  

martes, 13 de marzo de 2012

NOVELA: ALI Y NINO de Kurban Said

Libros del Asteroide
298 páginas

Cuando tengo la suerte, la inmensa suerte , de ir a dar con una novela como esta, no puedo evitar sentir cierto pudor al ponerme a escribir sobre ella.
¿ Que puedo decir, que puedo contar que iguales la sensación que he tenido de encontrarme con un verdadero tesoro ?.
No sólo recoge una hermosísima historia de amor, absolutamente moderna desde el aspecto psicológico de los personajes, no es únicamente una lección de historia precisa que desde su carácter general es capaz de trasladar las implicaciones cotidianas de los acontecimientos, no se puede reducir simplemente a una crónica social y cultural que nos muestra el cruce difícil de Europa y el Islam.
Es todo eso y es mucho más.
Es una narración limpia, transparente, de una riqueza tan sencilla que se percibe en su totalidad.
Escuchamos el amor, la intolerancia, las raices, la necesidad de comprender lo que siente... recorremos la guerra y la paz, culturas de una fabulosa riqueza y rígidas normas ...
Es sin duda un clásico. Una maravillosa novela.
No puedo evitar dar ciertas pinceladas que la envuelven además en el marco de la leyenda, son apuntes de la edición, nada propio, pero me gusta incluirlos aquí:
Procedente de Azerbayán, Alí y Nino se publicó por primera vez en alemán, en Viena, en el año 1937 y aun hoy se desconoce su autoría aunque los eruditos manejan dos posibilidades de dos escritores reconocidos. En el caso de uno de ellos una de las referencias, es la coincidencia biográfica entre su vida y lo narrado. Personalmente no puedo imaginar que nadie sea capaz de escribir algo así sin haberlo vivido.
Por último, un reconocimiento a esta editorial que se está convirtiendo en sinónimo de calidad, Libros del Asteroide; además de publicar con rigor verdaderas joyas ( recordar Miklos Banfly por ejemplo ), al terminar nos dan las gracias por haberlos leído. Gracias a vosotros.
También piden que, si nos ha gustado, lo recomendemos: yo no sé hacerlo mejor.

Público

viernes, 9 de marzo de 2012

CINE: FAUSTO de Alexander Sokurov

Rusia. 2012
Johannes Zeiler. Maxim Mermet. Georg Fiedrich. Antoine Monot. Isolda Dychauk. Hanna Schygulla

Supongo que, con respecto al mito de Fausto, a muchas personas les pasará lo mismo que a mi, y es que, conociéndolo, desde su fondo de leyenda, nunca hemos leído el texto de Goethe ni el de Marlowe.
Consecuentemente, no sé que hay de la visión de Sokurov procedente de estos originales y que es propio; es cierto que está muy alejado del tópico, pero quizás ese tópico que todos conocemos sea sólo en lo que han devenido los factores más superficiales de la historia.
El Fausto que nos ocupa, tarda en vender su alma al diablo, en firmar su contrato, y cuando lo hace, es casi una continuación lógica de una relación que se había estrechado en poco tiempo; su primer encuentro se produce por algo tan simple como la necesidad de dinero, y nunca se eleva a la búsqueda de poder.
Tengo la sensación, de que, además del rechazo obvio que física y moralmente le produce el personaje del prestamista ( soberbia creación, tanto en el guión como en su visualización ¿ quien es ese actor portentoso? ) , Fausto se siente atraído por su intelecto, el reto que supone, y cierto color que le otorga a su vida; no olvidemos que desde el principio se nos muestra como un hombre que piensa, algo que no parece abundar a su alrededor.
Y es que algo que sorprende en este Fausto es la ausencia absoluta de Dios o del Bien; todo el entorno es de una sordidez extrema, y ni siquiera está clara la pureza de sentimientos en Margarita. En los minutos finales, un muerto condenado agradece a su asesino haber terminado con él, porque vivir era incluso peor. Por lo tanto , en un escenario así, mezcla de repulsión, suciedad y locura, ¿ como no iba a ser el Diablo un personaje cotidiano ?; esto hace que la unión faústica no sea tan transgresora, sino un aviso.Y de alguna forma, otorga al hombre un protagonismo mayor.
De todas maneras, Sokurov apuesta por el ser humano. Es loable ese final que no voy a desvelar aquí, aunque parezca tener mucho de lucha perdida.
Visualmente la película es absolutamente física, presente, pétrea. Capaz de trasladar texturas y formas, de crear en su tono apagado , colores únicos, de generar de forma continua cuadros, pinturas en movimiento. Capaz de sorprender para también de oprimir, de incomodar, de saturar o de causar hastío. Ello, sumado a un guión trabajado al milímetro, hacen que la visión de Fausto se convierta en una experiencia densa que requiere una actitud y una dedicación constante del espectador.
De algunas de las críticas que he leído, deduzco que esa actitud posiblemente no estaba en todos los que las escriben. Yo no puedo decir que la haya disfrutado porque no creo que sea ese un verbo que encaje aquí, pero sí que he admirado esta obra y que todavía, en el recuerdo, me regala nuevas ventanas a las que aun me estoy asomando, aunque todas tengan muy poca luz.

Público  

NOVELA: LOS LIVING de Martín Caparros

Anagrama
Premio Herralde de Novela
429 páginas

Voy a ser breve.
Fundamentalmente porque no puedo explicar muy bien porque no me ha gustado esta novela.
Está bien escrita, con un realismo pastoso y concentrado.
Es original.
Tiene un epílogo excelente.
Responde a un premio que personalmente considero una garantía.
Y sin embargo, me ha parecido larga, llena de disgresiones que no terminaban de aportarme nada. Con unos personajes que en ningún momento me fascinan y una trama que no me engancha, tal vez porque tengo la sensación de no conocer muy bien hacia donde va.
Supongo que no es justo.
Me cuesta mucho no valorar una obra de creación bien labrada cuando siento que está llena de ilusión, cariño y respeto por lo que se hace.
Por todo ello, prefiero ser breve. Y que cada uno la valore.Seguramente muchos podrán disfrutarlo y yo podré estar tranquilo por no haber perjudicado ( ni siquiera mínimamente ) a algo tan importante como un escritor.

Público


sábado, 3 de marzo de 2012

CONCIERTO INFANTIL: PEDRO Y EL LOBO de Serguei Prokofiev

Dirección escénica, títeres y escenografía - Enrique Lanz
Dirección musical - Jose Antonio Montaño
Narrador - Fernando Palacios
Orquesta Escuela de la Sinfónica de Madrid
Compañía Etcetera

Que difícil es siempre ser divertido y didáctico; y que gozada cuando, como en esta ocasión, se consigue.
El Teatro Real continua acertando con su Programa Pedagógico, fundamentalmente por su adecuada elección; de acuerdo que Pedro Y El Lobo es algo obvio, una delicia musical, pero el verdadero acierto es ponerlo en manos de una compañía tan seria, tan creativa, tan capaz, y tan respetuosa con el público, como Etcétera.
Cada vez que me encuentro con ella, ya sea en El Carnaval de Los animales, La Casa de Juguetes o El Retablo de Maese Pedro, consiguen sorprenderme: cada espectáculo es único, responde a un posicionamiento del texto/ música a tratar y la traslación al mundo de las marionetas está totalmente a su servicio.
En este Pedro, cazan totalmente la ingenuidad del cuento y la luminosidad de la música.
Alrededor de la narración, se configura un texto divertido donde cobran protagonismo músicos e instrumentos, y capaz de hacer participar al público.
Repito, el resultado es una vez más, excelente, divertido, inteligente, y supone un paso para que los más pequeños comiencen a moldear su gusto. ¡ Que suerte poder acompañarlos ¿.

Público

viernes, 2 de marzo de 2012

CINE: SHAME de Steve McQueen

UK.2011
Michael Fassbender. Carey Mulligan. James Badge Dale. Nicole Beharie

Cuando se ha escrito ya tanto sobre una película, uno puede hacer su propia lectura sin que nadie se sorprenda. Lo obvio ya está dicho, ahora toca mi interpretación personal, y lo cierto es que desde este blog no pretendo otra cosa que compartir mis sentimientos sobre las obras que comento.
Una vez aclarado esto, creo que Shame es una película sobre la soledad del hombre contemporáneo, más patente en el brillante escenario de una megaciudad:
Brandon es un adicto al sexo, pero sobre todo es un hombre sólo. Posiblemente un hombre, como todos, con sus miedos, y que ha creado con la soledad su fortaleza; pero una fortaleza tiene que tener algún punto de esparcimiento para llenar todo el tiempo con uno mismo sin llegar a odiarse por hartazgo, y es aquí donde el sexo, el placer inmediato y epidérmico, cobra todo su significado. Aunque esté lleno de tristeza como el excelente fondo musical se ocupa de apuntar. ¿ Como ha llegado hasta ahí? algunos atisbos que huyen del melodrama hablan de pasado. ¿ Es feliz? probablemente no, porque probablemente la felicidad no sea un concepto que conozca, pero sí se siente seguro.
Aun así, es difícil que ese universo artificial no se desestabilice, y en este caso, la ruptura llega por la aparición de otra soledad, la que representa su hermana Sissy. Por un lado porque le exige un contacto humano más cercano ( ¿  como fue de cercano ? no lo sabemos ) pero sobre todo, porque es una soledad totalmente opuesta a la suya: una soledad que no quiere serlo,una soledad dolorosa, consciente de su propia entidad y que parece mirar al mundo con toda su fragilidad y necesidad de auxilio.
El choque hace que el edificio, que parecía tan sólido se tambalee , saber si se derrumba o no, quizás para que algo renazca de sus cenizas, es algo que el director deja a elección del espectador.
Antes de concluir varios apuntes:
Me gusta mucho la caligrafía sofisticada y visual de McQueen; creo que no sólo es atrevido, conceptual y formalmente, sino que sabe contar sin necesidad de subrayados.
Con respecto a las interpretaciones, Carey Mulligan me gusta, pero , sobre todo, su interpretación de New York New York es inolvidable; y Fassbender, se convierte en la columna sobre la que se sostiene toda  la  construcción, y si lo hace con una solidez absoluta, no es sólo por su magnetismo, sino, sobre todo, por una mirada con la que consigue transmitir que es consciente del vacío.
Shame es una película que sólo podía ser dura y, posiblemente, sólo podía ser narrada así, sin excusas. El resultado es impactante, triste y único, pero siempre desde la certeza de que el mayor valor de su director es buscar el alma incluso en el interior de los monstruos. Probablemente en muchos aspectos nadie haya ido tan lejos, ni haya arriesgado tanto. El resultado compensa con creces la apuesta.

Público