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viernes, 27 de enero de 2012

CINE: LOS DESCENDIENTES de Alexander Payne

USA. 2011
George Clooney. Shailene Woodley. Beau Bridges

Payne es verdaderamente un personaje singular.
A pesar del éxito que hasta ahora han tenido todas sus películas, tanto de crítica como de público, continua trabajando con un ritmo pausado de producción que hace que entre una y otra existan siempre varios años de espera.
Pese a ese éxito, continua siempre en un nivel cercano, alejado de los grandes presupuestos y las propuestas grandilocuentes.
Pero lo que más me sorprende, está en sus elecciones de contenido y estilo.
Payne habla siempre de personas normales, con vidas más o menos normales, sometidos a acontecimientos también normales, habla de la vida.
Y lo hace siempre con un estilo que consigue transmitir una absoluta transparencia narrativa, un equilibrio sorprendente y una ausencia total de dramatismos. Esto último es todavía más valorable cuando, como en este caso, y en  algún otro, habla de asuntos tan proclives a precipitarse en el melodrama como la infidelidad o la muerte de un ser querido.
La elección es hacerlo desde el punto de vista de las relaciones humanas y de los comportamientos , no siempre coherentes pero sí comprensibles si entendemos que hablamos ( una vez más ) de personas y no de personajes.
Pero además Payne, se referencia al cine clásico, en concreto al género de la comedia hollywoodense de su época dorada, no sólo en la elección de actores como Clooney, Giamatti o Nicholson, sino también en el tratamiento dado a ciertos personajes ( en este caso la niña pequeña o el compañero de la mayor ) y a situaciones que podrían recordarnos cualquiera de ellas, como la observación de la casa desde el seto.
El posible drama siempre está decorado con humor. Y esta es otra apuesta que tampoco es fácil por el desconcierto que puede producir a muchos que, en situaciones en apariencia dramáticas se potencie la sonrisa ( un ejemplo es la visita de la esposa al hospital, que amenaza lagrima y termina en una resolución divertida y tan grotesca como somos a veces los seres humanos ) .
Esto último nos demuestra también que el director no se deja llevar por lo fácil, sino que entiende que aparentar sencillez es muy complejo.  
Con todo ello, y una buena escritura detrás, Payne consigue que las emociones lleguen a la pantalla con una sensación absoluta de pureza, y que en sus películas se perciba cierta serenidad de clásico.
Además, Los Descendientes tiene otro valor frente a sus obras anteriores y es la luz, el color y el paisaje de Hawai, que insufla a todo el conjunto una vida especial, rupturista una vez mas con la historia que se cuenta, y que en algún momento incluso me ha transmitido un agradable aire de comic.
Lo que en ocasiones hace difícil el cine de este director, es que está situado a contracorriente : no es el tipo de cine que se consume ahora.
Una pena
Ojala existiesen más películas así.

Púlico

CINE: MONEYBALL de Bennet Miller

USA. 2011
Brad Pitt. Jonah Hill.. Philip Seymour Hoffman

El béisbol es algo tan americano como la hamburguesa o la coca cola; un deporte patrio que nunca ha llegado a exportarse al cien por cien, tal vez por su vinculación a su historia.
Como consecuencia, puede decirse que ha dado lugar casi a un género cinematográfico que nos ha ofrecido películas como El Orgullo De Los Yankees, El Mejor, Campo De Sueños o ,incluso en clave femenina , Ellas Dan El Golpe.
Y ese género se nutre precisamente de los valores que siempre han querido inspirar el "American Way Of Life" y que se vinculan estrechamente con la cultura que este deporte lleva aparejada:
Trabajo en equipo, afán de superación, capacidad para no rendirse en ningún momento, compañerismo, espíritu de lucha, éxito, y también, capacidad para asumir con dignidad la derrota.
Son por lo general películas muy emocionales y altamente positivas en sus mensajes, lo cual tampoco está mal.
Moneyball podría señalarse como un ejemplo absoluto de lo expuesto.
Nos encontramos con el capitán de un equipo humilde, con poco presupuesto, pero capaz de explorar nuevos métodos sin rendirse y de luchar contra todos por lo que cree, hasta conseguir triunfos antes imposibles. Triunfos que, por supuesto, disfrutará todo el equipo y tendrán su justa recompensa. El sueño americano que no se cumplió en su adolescencia, cuando probó suerte como jugador profesional, ofrece siempre una segunda oportunidad, aunque sea necesario esperar unos años.
En general no hay exceso de azúcar y las emociones están medidas.Carece, lo cual es de agradecer , de pornografía sentimental  y no engaña con falsos finales. Es en definitiva una buena película, muy entretenida, muy bien hecha y, sobre todo, muy bien interpretada, teniendo como columna vertebral a un Brad Pitt que hace mucho que se ha convertido en un gran actor.  
Pero a la hora de ir a verla, es necesario tener claro un aspecto connatural al género: es una película de béisbol, deporte desconocido aquí en profundidad y, por lo tanto , puede haber códigos difíciles de entender ( para mi, en concreto, la negociación por los jugadores ). Por eso es recomendable verla con la perspectiva de los buenos sentimientos, que además siempre puede pegarse algo.

Público

NOVELA: LA FORJA DE UN REBELDE 3- LA LLAMA de Arturo Barea

Diversas editoriales
Alrededor de 350 pàginas

Con esta novela termina Barea su trilogía.
He expresado mi entusiasmo con los dos tomos anteriores, sobre todo con el primero.
Se supone que este es el más completo, el mejor terminado, y además se establece alrededor de un acontecimiento más cerrado, la Guerra Civil Española.
Tengo que reconocer que literariamente me parece admirable en su capacidad de mezclar belleza y precisión, información y poesía, también en su capacidad de dibujar perfectamente al tropel de personajes que vamos conociendo a medida que avanzamos, y por supuesto en su capacidad de introspección, de trasladarnos el reflejo interior con el que el ser humano percibe un viaje al infierno como este.
Es muy interesante en todo su desarrollo inicial, apasionante en las primeras etapas del cerco a Madrid.
Sin embargo, el final de la trilogía me produce varios problemas:
Por un lado, a medida que nos acercamos al final, se percibe un cada vez mayor partidismo en las apreciaciones y juicios, ya no disimulados, y eso le lleva a perder cierto nivel de objetividad, hasta entonces muy valorado.
En segundo lugar, (y me cuesta escribir esto porque estoy convencido que cualquier ser humano que ha pisado ese infierno, no puede ser juzgado como los demás ) el personaje central, el propio Arturo Barea se mueve a mi entender en un margen que, junto a su dureza con los demás, le permite defender y ejercer la censura , la manipulación de la información, o tener comportamientos cuando menos cuestionables con su familia.
Por último, hay en el último tramo un viraje que para mi pierde interés; dejamos el cerco de Madrid, la peripecia de una nación, para centrarnos en el particular de su protagonista; lo que antes, desde una perspectiva individual, era capaz de trasladar el colectivo, se singulariza en una peripecia única.
En fin, en general tengo que decir que La Forja De Un Rebelde me parece un empeño novelístico brutal y conseguido, escrito con sangre y alma. Posiblemente mi análisis pudiera ser contestado con argumentos parecidos. No es fácil, nada fácil, dejar el corazón expuesto al mundo en una página.

Público

CINE: CRIADAS Y SEÑORAS de Tate Taylor

USA. 2011
Viola Davies. Octavia Spencer. Bryce Dallas Howaed. Jessica Chastain. Sissy Spaceck

Basada, no tanto en un best sellers como en la escritura y publicación de ese best seller, esta buena producción rodada con agilidad, mezcla tres de los ingredientes que el cine americano gusta a veces de aglutinar: melodrama, comedia y justicia.
Con un desarrollo coral, en el que se consigue, por los pelos, que los personajes sobrepasen la caricatura, se consigue una película entretenida, amable , bien realizada y muy bien interpretada.
Queda la duda de si algo de esta ligereza, puede verdaderamente servir como referente en la lucha racial; estoy seguro de que, al contrario que aquí, las historias contadas en el libro por las empleadas negras tenían muy poca gracia ; sin embargo, seamos positivos: sí traslada el hecho, posiblemente desconocido para muchos, de que la discriminación no terminó en tiempos de Kunta Kinte sino que se puede encontrar con solo mirar atrás un poquito.
Ya sería ideal si además, alguien reflexionase sobre cual de los papeles de la historia se acerca más a nuestro comportamiento diario. Y si nos atreviésemos a preguntarnos si todo era el color, y trasladarlo a nuestro entorno.
¿ Porque no ? quizás no es necesaria la excesiva trascendencia para lanzar mensajes.
Mientas tanto disfrutemos Criadas y Señoras. Está bien. Sin alardes.

Público  

CINE: JANE EYRE de Cary Foji Fukunaga

UK. 2011
Mia Wasikowska. Michael Fassbender. Judi Dench

Existen, sobre todo en la literatura británica, historias inmortales que todos conocemos.
Enfrentarse a ellas puede ser un acto de amor o de osadía, o de ambas cosas. Todos tenemos en mente nuestra Jane Eyre igual que, por ejemplo, nuestro Robin Hood o nuestra Madame Bovary. Es muy difícil contar algo cuyo desarrollo el público, en su mayoría, conoce.
Vayamos al grano:
Esta versión de JE sale muy airosa del empeño.
En primer lugar, consigue el clima brumoso y opresivo del original, pero no lo disfraza de gótico; las historias de las hermanas Bronte eran historias de búsqueda de luz en la oscuridad reinante , pero no eran novelas de terror, error que se ha cometido en varias ocasiones.
Precisamente, el polo se encuentra aquí en la necesidad de su protagonista de vencer su situación en concreto y la de las mujeres de su época en general , y saltar las barreras para poder conocer el mundo y disfrutar de la vida. Una lectura muy adecuada y a la que sirve un guión que desarrolla muy bien la historia.
Otro logro mayor es el extremado acierto de casting: Wasiskowska es una Jane perfecta, en fondo y en forma , y es capaz de dotar a su personaje de toda la personalidad necesaria para que sea el pilar de esta narración.
Como colofón, me permito una recomendación complementaria: la escritora británica Jean Rhys, escribió hace muchos años Ancho Mar de los Sargazos, donde intentaba descubrir el pasado de uno de los personajes relevantes de esta historia. Es una novela triste pero muy hermosa, y ensancha aun más este clásico, capaz de trasladarnos una época en que el mundo era , en principio más grande, pero también más limitado para muchos.

Público

domingo, 22 de enero de 2012

RELATOS: CRIMENES de Ferdinand Von Schirach

Salamandra
187 páginas

Cuando estas Navidades pasadas, en una de esas redadas donde uno recibe un regalo no sabe de quien y tiene que poner buena cara, dado que el regalador ( sea quien sea ) está presente, abrí mi paquete y me encontré este libro, no tenía ninguna noticia de su existencia.
Aun así, creo que no estuve mal y sonreí lo suficiente.
Me tranquilice cuando adivine la autoría del presente.
Pero lo cierto es que, aun así, su lectura ha sido una agradabilísima sorpresa.
Esta es la primera incursión literaria de su autor, un abogado alemán que ha convertido algunos de los casos en los que ha participado en una colección de relatos de corte negro. El conjunto es excelente, pero también lo es cada uno de las piezas que lo componen.
Hay dos temas fundamentales que me gustaría destacar. Por un lado, desde el punto de vista literario, el posicionamiento del autor: tratándose de material real, era fácil quedarse en el aspecto de crónica, pero también, teatralizar en exceso la trama hasta perder la dimensión que le daba un valor añadido. Su autor consigue el difícil equilibrio de crear personajes sin excederse , sin dejarse llevar por efectos literarios, y además, otorga a cada historia su propia estructura que funciona como un andamiaje perfecto. Todo ello con un lenguaje frío y preciso siempre al servicio de la narración.
En segundo lugar, llamar la atención sobre el discurso que propone y que subyace en el fondo de cada una de estas historias, y que no es otro que la indefinición de la culpa, algo tan espinoso que nos lleva a dudar sobre la esencia misma del delito, incluso a pensar en lo que habríamos hecho nosotros en esas circunstancias; en definitiva, a acercarnos un poco más a la realidad del ser humano desde el lado de sus imperfecciones y sus debilidades.
El resultado, ya lo he dicho, es apasionante. Alguno de los relatos toma el tono de una pesadilla, otros se presentan con el aire de un thriller, pero todos, absolutamente todos, consiguen interesar desde su primera frase y no decepcionar en la conclusión.
Lo cierto es que esta vez, y sin que sirva de precedente, me he reconciliado algo con los regalos sorpresa.

Público

CINE: LA DAMA DE HIERRO de Phylida Lloyd

UK. 2011
Meryl Streep. Jim Broadbent

Está claro que cualquier biografía parte de la dificultad de resumir en un tiempo cinematográfico el tiempo de una vida, cuando además el personaje tiene el bagaje y el interés de Margaret Tatcher, la necesidad de selección y de encontrar el punto de vista adecuado, se convierte en algo imprescindible para el éxito de la empresa.
Y es aquí donde, a mi entender, esta película se equivoca desde el inicio.
El guión nos sitúa ante una MT anciana, dialogando con su esposo fallecido y afrontando la decrepitud física y mental, de alguna manera gran parte del metraje se localiza en esos momentos, momentos mucho menos interesantes que cualquier otro episodio en la vida de esta líder del siglo XX.
El resto se limita a saltos en el tiempo con recuerdos más o menos precisos de algunos momentos; no están mal presentados y la directora los mueve con agilidad, pero precisamente por eso, generan muchas más lagunas que información.
La Dama de Hierro es un pequeño conjunto de escenas que no nos ayuda nada a comprender a quien fue la primera mujer en dirigir un gobierno en Europa, sólo llegamos a presentir su lucha y, lo que es más importante, entendemos su dureza desde una posición que puede llegar a sonar a terquedad.Su lado humano se limita a un amor que no terminamos de conocer del todo.
No es que sea un mal retrato, es que es absolutamente incompleto, y sólo nos deja asomarnos desde lejos, dejándonos con ganas de mucho más.
De todas maneras, hay un pilar que consigue revalorizar la película y evitar su caída: Meryl Streep.
La que se ha convertido , merecidamente, en la actriz más premiada de la historia, atesora una carrera donde puede encontrarse de todo: dramas  musicales o comedias. Desde La Decisión de Sophie, demostró que es capaz de construir un personaje desapareciendo ella totalmente; a partir de ahí sólo ha habido logros. En La Dama de Hierro consigue otra de sus cimas, absolutamente perfecta en el retrato pero haciéndolo desde el interior, para que sea algo más que una copia, y fascinante en la ancianidad y el desconcierto.
Con ella es con quien pasamos los cien minutos de esta película, lo demás son , simplemente recortes.

Público

jueves, 19 de enero de 2012

NOVELA: SABADO POR LA NOCHE Y DOMINGO POR LA MAÑANA de Allan Sillitoe

Editorial Impedimenta
308 páginas

Desde Dickens, la literatura inglesa es maestra, entre otras muchas cosas, en trasladar las diferencias entre las clases sociales; como Dickens era un genio, conseguía en una misma novela tocar los dos extremos. Otros, igual de buenos, se centraron en un conjunto u otro; incluso esto se trasladó al cine, pudiendo encontrarse sus extremos entre James Ivory y Ken Loach por ejemplo.
No sé si existe algo así como la literatura obrera, que supondría elegir como marco y personajes el entorno proletario, enclavado en los barrios suburbiales; si así fuese, esta novela sería el mejor ejemplo del género.
Arthur es un personaje con una vida marcada por el trabajo de la supervivencia, una moral basada exclusivamente en la necesidad de disfrutar de forma  inmediata y un futuro bastante poco alentador. Pero está en el lugar al que pertenece y por eso su actitud no presenta resquicios de depresión sino que acepta su existencia consiguiendo incluso sentirse satisfecho. No sé si ese mensaje es todavía más duro de lo que sería la rebelión; pero no hay ningún asomo de rebelión en Arthur, su rebeldía es simplemente la de la juventud e incluso comienza a desaparecer a medida que transcurre la narración.
A su alrededor se mueve un conjunto de personajes que, al no tener su punto de libertad ( y seguramente al recibir menos cariño del autor ) se reflejan en una mayor sordidez, pero sus esperanzas de mejorar son las mismas: nulas. Tal vez esa sea también el futuro de Arthur, duele un poco pensarlo.
Sillitoe pinta con colores grises; el interior y el exterior se funden perfectamente en la narración y consigue crear un tono hiperealista pero extrañamente no exento de poesía, o es quizás el aroma de la melancolía.
Y además, también nos habla de la madurez, de la dificultad de cambiar el destino, de la pérdida de la inocencia...
Seguramente en el momento de publicarse , Sabado Por La Noche Y Domingo Por La Mañana posiblemente fue una crónica de actualidad, hoy día es intemporal. Un formidable retrato de una triste existencia.

Público

viernes, 13 de enero de 2012

CINE: EL TOPO de Tomas Alfredson

UK. 2011
Gary Oldman. Benedict Clumberbatch. John Hurt. Colin Firth. Toby Jones. Tom Hardy. Mark Strong. Kathy Burke. Svetlana Khodchenkova. David Dencik

A mi padre siempre le gustaron las novelas de John Le Carre, pero a pesar de su insistencia, nunca consiguió que ni yo, ni ninguno de mis hermanos, fuésemos capaces de hacer el esfuerzo suficiente para no perdernos en la complejidad de sus tramas.
Ahora, viendo la excelente adaptación de Alfredson, encuentro mucho más que lo que yo entendía era un mero ejercicio intelectual ; el hecho de que Le Carre esté entre los productores de la misma, me lleva a pensar que no es una aportación actual, sino, simplemente, que mi ceguera no me permitió descubrirlo en su momento.
El Topo, me sorprende regalándome una obra que creo habla de la nostalgia, exterior e interior: nostalgia como público por el género de espías, ahora tan poco frecuente, pero, sobre todo, la nostalgia que ,en el marco de la Guerra Fría, nos transmiten sus personajes, hombres y mujeres que añoran un tiempo en el que apostaron por sacrificar sus vidas por conseguir un mundo mejor , sobre todo, porque no fue posible, y al final de sus carreras, tienen que enfrentarse al hecho de que, aquellas lealtades casi caballerescas que les guiaron, han terminado por corromperse. El Topo habla en definitiva de la nostalgia por un tiempo pasado, y la última lucha de aquellos que se niegan a resignarse.
Pero, por supuesto, El Topo habla también, directamente, de espionaje, y lo hace con un guión excelente: en primer lugar porque consigue trasladar el argumento sin renunciar a su complejidad, pero haciéndolo absolutamente comprensible, y en segundo lugar, porque pone el peso en una amplia colección de personajes, perfectamente dibujados en sus sentimientos, con pocos trazos, para que todos tengan su espacio. Y el excelente catálogo de actores, agradecen el regalo y los hacen suyos.
Alfredson  opta por un montaje firme y ágil, pero sobre todo, es capaz de dotar a su película de una textura que no se muy bien como definir, quizás añeja, quizás clásica, hermosa. Ayuda la música excelente de Alberto Iglesias.
En resumen, lo que más me sorprende de El Topo no es que me apasione, es lógico en una buena cinta de espías, sino que me emocione.
De verdad, no os la perdáis, es cine de siempre. Muy bueno.
La verdad es que al final mi padre, siempre tiene razón.

Público

NOVELA: POSAR DESNUDA EN LA HABANA de Wendy Guerra

Alfaguara
197 páginas

Sé muy poco de Anais Nin más allá de lo básico: que es más famosa por sus Diarios que por sus novelas, que fue una mujer sexualmente procaz que llegó a contar en ellos la relación incestuosa que de adulta mantuvo con su padre, que fue amante de Henry Miller...
Lo cierto es que estoy seguro de que fue un personaje interesante en su afán por devorar la vida, pero no abundaba en las listas de libros a leer cuando yo era un descubridor adolescente ( de hecho estaba absolutamente prohibida ).
La obra (¿novela?) de Wendy Guerra toma la forma de diario apócrifo, utilizando ( destacados en cursiva ) textos reales de los Diarios verdaderos. Y se centra en su experiencia en casa de unos parientes suyos en La Habana.
Hay momentos logrados, un poco de cursilería en algunos pasajes pero en general buena prosa, y con ligeras anotaciones, se transmiten momentos de su vida, referencias a su infancia etc Además, como es breve no pesa.
De todas maneras, lo que me cuesta entender es el sentido de este esfuerzo: ¿ que sentido tiene sustituir algo que existe ? ¿ porque quedarnos con unos diarios falsos en lugar de los reales?. Además, someterse a una comparación así, es alto riesgo, y la escritora, meritoria, no puede sustituir, por razones obvias a la original.

Público

jueves, 12 de enero de 2012

TEATRO: TIO VANIA de Anton Chejov

Compañía L'Om Imprebis
Director - Santiago Sánchez
Sandro Cordero. Rosana Pastor. Vicente Cuesta. Carles Montoliu. Xus Romero. Paca Ojea. Carles Castillo. Carmen Arévalo.

Con Chejov no es necesario hacer nada , sólo escucharle.
Dejarle que nos muestre la vida.
He leido en algún sitio que en sus obras no pasa nada , ¿ nada ?, nunca he asistido a un recorrido interior tan apasionante en el alma de personajes como en sus obras ; nunca he contemplado un dibujo tan preciso y tan plagado de matices , capaz de trasladar los cambiantes estados de ánimo del ser humano, las sencillas alegrías, la angustia, los miedos, y , en definitiva, la falta de orientación ante la existencia.
Santiago Sánchez parece compartir mi idea , y su pulcra versión de esta joya , quizás una de las piezas teatrales más tristes que nunca se hayan escrito, es sencilla, tranquila , respetuosa. Y funciona trasladándonos todo su contenido.
Quizás pueda achacarse a la versión haber trabajado en un acercamiento de la trama , haciendo algunos pasajes más obvios ; a ese acercamiento contribuye una interpretación directa, con un Vania tal vez más joven de lo preciso pero en el que Sandro Cordero consigue trasladar el impreciso límite entre la risa y el llanto cuando es uno mismo el que genera ambos; el resto es homogeneo, destacando  a Vicente Cuesta en un papel que siempre me ha parecido muy difícil. Personalmente tengo debilidad por el personaje de Helena , me parece que es una composición única de la fragilidad del ser humano que se sabe condenado precisamente por los dones que le ha otorgado la vida ; no imaginaba en él a Rosana Pastor y sin embargo ha conseguido conmoverme desde su preciosa imagen y su hermosa voz; creo que en esta versión su tiempo es mayor, gracias a ella , no es malo.
Si tuviese que ponerle alguna pega a la adaptación sería que , el encadenamiento de las escenas, no me transmite el paso del tiempo, algo muy importante en Chejov , pero en el conjunto no me importa.
Queda una representación delicada, tamizada con una maravillosa luz y acompañada de precisos apuntes musicales, que sólo necesita un fondo algo abstracto y unos pocos muebles para mostrarnos la sabiduría de su autor y poner sobre la mesa esas preguntas que tanto miedo da plantearse : ¿ somos dueños de nuestras propias vidas ? ¿ merecen estas la pena ? ¿ hay que seguir luchando ?.
Y ocho personajes que se hacen tan reales que no podemos evitar salir con la duda de si no está, en ocasiones , hablando de nosotros mismos.
A Chejov sólo hace falta escucharle , y él nos hace comprender que , en un mundo donde existen los desheredados, dejar que se escape un sólo día de felicidad será un pecado inperdonable para los que tenemos la suerte de vivir.

Público

martes, 10 de enero de 2012

OPINION: NOMINACIONES PREMIOS GOYA 2012

Hoy se han hecho públicas las Nominaciones a los Goya 2012.
¿ Y ?
Pues como cualquier premio, reconocimiento etc , hay cosas que me gustan y otras que no:
1.- No me gusta nada, ya lo dije, La Piel Que Habito. Como complemento, la nominación a Roberto Alamo me parece una broma.
2.- Me gusta mucho que se reconozca a Blackthorn, excelente y arriesgada. Mensaje a Mateo Gil: no te hagas esperar tanto para la siguiente
3.- No me gusta,o me sorprende, que películas no estrenadas como Katmandu o La Chispa De La Vida reciban nominaciones. Extraño cuando menos.
4.- Me gusta todo lo que se refiere a No Habrá Paz Para Los Malvados. Espero que gane.
5.- No me gusta que una peli vapuleada por la crítica como La Voz Dormida esté entre las mejores y que otra alabada como Eva , no pueda dar la sorpresa Tesis.
6.- Me gusta Tosar, echo de menos a Petra Martinez , también de Mientras Duermes y muchas más cosas de ese excelente thriller que esperaba ver entre las cuatro principales.
7.- No me gusta que No Tengas Miedo tenga tan poco. Ya pasó con Silencio Roto hace años, Armendariz está al margen. Echo de menos sobre todo a Belén Rueda como secundaria, de ese grupo me sobra alguna pero sería feo decir quien.
En fin, no ha sido, eso es cierto, un buen año, pero me gusta, mucho, que el cine español tenga unos premios que consigan impulsar a la taquilla y lleven a algunas de las nominadas ( Blackthorn, Eva, por ejemplo ) a vivir una segunda oportunidad.
Y no me gustaría que a los de siempre se les olvide que el Público debe de respetarse, vote a quien vote, y conviertan la ceremonia en un memorial de justificación de aquellos que tienen la mala suerte de verse obligados a vivir en Beverlly Hills.
Cine, cine, cine. Los mítines al congreso.

Público

domingo, 8 de enero de 2012

NOVELA: EL EJERCITO FURIOSO de Fred Vargas

Editorial Siruela
Serie Policiaca
367 páginas

Es tal la profusión de las series novelísticas policiacas en nuestro país en los últimos años que es difícil no tener lagunas. Máxime cuando no todo supera el nivel aceptable y uno corre el peligro de perder su tiempo intentando entender como pueden triunfar casos como el de Assa Larson, por ejemplo.
Entre mis deficits de hace tiempo estaba Fred Vargas, y hace un año más o menos, intenté paliarlo con una de sus novelas que, creo, se titulaba algo así como Un Lugar Incierto.
Si bien su premisa era suficientemente chocante , y me resultó atractiva la atmósfera que vinculada la narración a un gótico que se acercaba a lugares comunes y personajes reconocibles del terror, en general no me dejó buen sabor de boca, especialmente por dos aspectos: era demasiado deudora de la serie por lo que a un recién llegado como yo le costaba perfilar sus personajes, y, sobre todo, me resultaba absolutamente artificiosa en su trama y en su resolución, vulnerando absolutamente lo creíble.
De todas maneras, había aspectos que sí mostraban una personalidad literaria singular, y fue eso lo que me hizo volver a probarlo cuando la mayoría de la crítica reconoció El Ejército... como una de sus mejores novelas.
Pues bien, el resultado ha sido definitivamente mucho más disfrutable.
En primer lugar, se mantiene el referente oscuro de la anterior, en este caso referenciado a un conjunto que viene a ser algo así como nuestra Santa Compaña. A partir de ahí, se sucede un torbellino vertiginoso aderezado con suficiente sangre , algo de miedo y mucha tensión. Además , la autora tiene el acierto de centrar gran parte de la narración en un paisaje que remite a nuestros temores infantiles, bosque, pueblo oscuro, caserones, y crear una colección de personajes que rozan lo monstruoso y lo grotesco.
Pero además, en la estructura se integran  dos tramas paralelas que encajan de forma perfecta, que no desvían el interés de la principal pero que tampoco de convierten en deudoras de ella sino que tienen su propia autonomía.
No recuerdo si El Ejército... tiene más páginas que  Un Lugar... pero sí tengo la sensación de que los protagonistas están mucho más perfilados, tienen más espacio para presentarse a los que hasta entonces los desconozcan.
Por otro lado, tengo que decir que, a pesar de haber devorado el libro, muy interesado en llegar al final, sigo encontrando cierto nivel de artificio tanto en su conclusión como en el proceso resolutivo, pero este es mucho más llevadero y perdonable dentro del barroquismo general de la novela.
Fred Vargas no está por ahora entre mis autoras favoritas del género pero, repito, me parece una voz singular capaz de integrarlo en un espacio cercano a los cuentos y leyendas de nuestra infancia, y ese es un camino interesante.
Por decirlo de forma clara: ahora sí posiblemente tengamos otra cita en su próximo libro.

Público  

miércoles, 4 de enero de 2012

CINE: THE ARTIST de Michel Hazanavicius

Francia. 2011
Jean Dujardin. Berenice Bejó. John Goodman. John Crownwell. Penelope Anne Miller

Me daba pereza.
No había leído una sola mala crítica, incluso las menos positivas hablaban de un juguete conseguido. Pero tenía la sensación de que iba a ser un cromo demasiado agradable y con poca tensión. Por eso, como decía mi hermano B, había que estar en situación para ver algo así.
El hecho de no adelantar otras de cartelera como El Topo o Another Year se ha debido exclusivamente a una adecuación de horarios.
Y si explico todo esto, un poco rollo, lo sé, es simplemente para decir que, quizás sea ese el motivo de haberla disfrutado tanto: por algo así como gozo imprevisto.
Creo que a estas alturas, todos sabemos que The Artist es una película muda y en blanco y negro. Lo que puede sonar a coartada de su razón de ser, no tarda en convertirse en la forma más adecuada para contar esa historia desde dentro, una forma de caligrafía absolutamente coherente y brillante que no se queda en lo que podría ser el titular, sino que adopta un recital de recursos de imagen capaz de crear escenas tan lúcidas como la de la chica y el abrigo, la copa vertida sobre la mesa, por supuesto la pesadilla...
Nos encontramos en los años dorados del cine mudo, cuando el séptimo arte aun no se había convertido en un lugar donde comer palomitas y existían los estrenos de gala. Entonces llega el sonoro, y esa anécdota que tantas veces hemos oído sobre la desaparición de actores con excesos gestuales y mala voz, se convierte en un transcurrir de paralelas entre el declive de él y el camino al estrellato de ella.
Todo ello está contado con profusión de detalles , como ya he dicho antes, con una caligrafía muy rica, pero también, remitiéndonos continuamente al cine de esa época; en este sentido dos referencias: cierta divertida ingenuidad en situaciones y personajes, especialmente el perro y el chófer, y la continua aparición de rostros que contemplan lo que pasa, recordando al público como verdadero motor del nuevo arte y trasladando a través de sus miradas el reflejo interior de lo que ocurre.
Mención especial merece su protagonista, Jean Dujardin, merecidísimo Premio al Mejor Actor en Cannes; cada uno de sus gestos es perfecto, consigue transmitir con una mirada o una sonrisa, aquello para lo que otros necesitan palabras. Es imposible imaginar la película sin él.
Pero con todo ello, lo más importante de The Artist es, a mi entender, el encanto que transmite, el hecho de ser una obra deliciosa, simpática, que transmite un gran amor al cine pero también, y sobre todo , amor a la vida . A fin de cuentas el cine era una forma de demostrar muchas veces que existía, en algún lugar, un mundo maravilloso, aunque no siempre estuviese cerca.
Lo único que  le puedo echar en cara es que la genialidad de los primeros cuarenta minutos sea después sólo muy buena.  
Puede que The Artist sea simplemente un juguete, pero en cualquier caso es un juguete único, perfecto, y que se disfruta de principio a fin. Mucho.

Público

martes, 3 de enero de 2012

CINE: DRIVE de Nicolas Winding Refn

USA. 2011- Ryan Gosling. Carey Mulligan. Albert Brooks

Me gusta muy poco la palabra "reinventar"  porque me suena a consultor y no la termino de encajar en el mundo del arte, algo que, por su propia naturaleza, debería de vivir en un continuo proceso evolutivo.
Quizás por ello, cuando hablamos de obras adscritas a un género determinado, admito cualquier variante pero me gusta que conserve las características básicas; si no, me parece perversión y no siempre funciona.
Con Drive, he leído que nos encontramos ante la "reinvención" del noir de acción; vamos a ver si conserva las características que , al margen de su propia naturaleza de tipología argumental, ha dado a luz obras inolvidables:
En primer lugar está la violencia, pero sobre todo su gradación. Se puede subir hasta los extremos que sean necesarios, pero siempre que esto responda a la racionalidad interna de la película, a su desarrollo. Ok, aquí funciona desde el "nunca llevo pistola" al horror, y lo hace a la perfección.
En segundo lugar el romanticismo. Y es que en la mayoría de las ocasiones, como en esta, el buen cine negro sólo cuenta historias de amor que no llegan a buen puerto. En Drive la historia de amor es sutil, hermosa, trágica, y sólo necesita de miradas y sonrisas dentro de un entorno cotidiano para alcanzar toda su intensidad y que nos la creamos.Y a Carey Mulligan, claro.
Y, por último, el personaje central, el héroe que no debería de serlo. Ese ser único que va a ser capaz de hacer que nos identifiquemos con su derrota ( porque nunca ganan del todo ). Aquí, esta especie de samurai solitario, con un pasado que desconocemos pero que queda latente en su capacidad de defenderse y, sobre todo, en sus obvias referencias a su naturaleza, la del escorpión. Personalmente prefiero verlo como un centauro, identificado con su parte mecánica como si fuese su medio cuerpo animal, y con la nobleza con la que solía dibujarse a estas criaturas. En cualquier caso, un ser humano capaz de soñar con lo que nunca podrá tener, y que es algo en apariencia tan simple como una familia. Ryan Gosling es perfecto, en un equilibrio único entre fuerza y fragilidad.
Por lo demás, estas tres patas están aderezadas con un muy buen malo y una trama perfectamente estructurada.
Pero ¿ que hace a Drive tan especial?
Creo que dos líneas de estilo: por un lado, sus referentes no son tanto los de la era dorada de Hollywood sino los de los 80, lo que hace que las sombras se sustituyan por luces y los matices de gris por brillo; por otro lado,una caligrafía pausada, generalmente ajena a este género, que se decide por buscar, a través del sonido y los encuadres, que la acción avance desde el interior, desde los sentimientos de sus personajes, totalmente transparentes gracias al buen hacer de su director.
Por si hasta ahora no había quedado claro, Drive me ha gustado mucho, muchísimo.
Es cine negro, es cine de autor, pero , sobre todo, es muy muy buen cine, del que te pega a la butaca y no se borra después.

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NOVELA: LA FORJA DE UN REBELDE 2. LA RUTA de Arturo Barea

Sigue la autobiografía de Arturo Barea con el objetivo de ser crónica de los años oscuros de una nación. De bucear en sus porqués; de buscar razones que justifiquen su dolor.
En las trilogías, las segundas partes sueles ser las menos lucidas por lo que tienen de puente. En este caso, con el mismo realismo que ha utilizado para contarnos la miseria de la pobreza en La Forja, Barea nos  retrata la crueldad de los destacamentos de soldados en Marruecos, la brutalidad de las batallas y la lejanía de los que toman las decisiones. Todo ello como magma para la rabia, para una moral sin principios y  totalmente utilitaria, para lo que luego fue el episodio más negro de nuestra Historia.
Y consigue sobrecoger , aterrar, y prepararnos para lo peor.
Y lo hace con las tripas, como alguien que ha estado dentro.

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NOTA: BUENA SUERTE COCODRILO¡

Dedicado a Caimán. Cuadernos de Cine.
Cahiers du Cinema España fue un muy buen compañero de viaje. Guía en muchas ocasiones, cuaderno de bitácora, libro mensual de recomendaciones. Gracias a ella, a quienes la hacían posible, he disfrutado de experiencias que seguramente no habría descubierto sólo.
Desaparece...
... Pero , como el año 2012, nace Caimán. Y son los mismos los que lo hacen posible, con lo que no habrá tiempo para lamentar la ausencia.
Primer número, como siempre: cine, cine, cine, que alegría.
Buena suerte cocodrilo¡

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