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viernes, 28 de diciembre de 2012

2012- LAS LISTAS.

Termina un año, y una vez más, son muchas las publicaciones que optan por un resumen selectivo de lo mejor del año. Teatro, cine, literatura... se elige, se puntúa, se hacen listas. Lo más divertido puede ser el contraste entre ellas, algo que sirve para recalcar lo subjetivo de cualquier crítica, y , sobre todo, que cada uno es libre de decidir con que disfruta. 
Por eso, aunque me cueste morderme la lengua, he decidido no nombrar ninguna. Lo que pienso de lo que he visto en este año está recogido aquí.
Lo único que queda es... desear a todos un maravilloso Año 2013. Seguro que así será.

Público

CINE: EL ALUCINANTE MUNDO DE NORMAN de Sam Fell y Chris Buttler

USA 2012
Animación

Creo que ya lo he comentado alguna vez: el cine de animación ha adquirido una posición tan amplia, que se ha convertido en un verdadero catálogo de géneros, que van desde el romántico y la aventura a, como en este caso, el terror.
Un terror que, como en muchas ocasiones, va unido al humor, en este caso conseguido con un conjunto de personajes únicos, en mi caso con predilección por esa hermana mezcla de salir de clase con una conocida personaja de nuestra televisión.
La lección que siempre habita en cualquier película destinada al público infantil, aparece ligada al hecho de respetar aquello que es diferente. Algo que no está de más que también veamos los mayores. Eso sí, contado con ingenio, brillo y, ya lo dicho, mucho humor.
Capítulo aparte merecen los referentes, y es que, si el punto de partida es El Sexto Sentido y durante su desarrollo no está lejos el Sam Raimi más gamberro, no tardamos en darnos cuenta de que estamos en el mundo de Joe Dante, John Landis y Creepshow, en ese entorno suburbial donde es difícil distinguir si dan más miedo los monstruos que proceden del exterior o sus habitantes. Los títulos de crédito finales ahondan en esa idea . La regresión es absoluta y totalmente disfrutable.
Una última nota personal: francamente nada me puede divertir tanto como que en la misma página del blog coincidan esta cinta con, por ejemplo, Mas allá de las colinas. La cultura es plural, nunca excluyente y siempre divertida, aunque existan muchas formas de diversión.

Público

jueves, 27 de diciembre de 2012

CINE: MAS ALLA DE LAS COLINAS de Christian Mungiu

Rumanía 2012
Cristina Flutur. Cosmina Stratan. Valeriu Andriuta. Dana Tapalaga . Catalina Harabagiu. Gina Tandura. Vica Agache. Nora Covali. Ionut Ghinea

Tras ver esta densa cinta, y recordando su obra anterior, 4Meses, 3Semanas y 2Días, está claro que la visión de Mungiu sobre su país, Rumanía, es todo menos complaciente, y que además, ha decidido utilizar el cine como una forma de garantizar que, desde su conocimiento, no se vuelva a repetir.
Creo que la base de sus historias, independientemente de sus similitudes y diferencias, es ese país enfermo, acribillado, donde sólo puede habitar una sociedad aprendiz de supervivencia ( cuantas veces en la que ahora nos ocupa, escuchamos frases como "no tenemos donde ir" " ¿como podríamos vivir?" ); por eso, dentro de la dureza de su crítica, el director no es cruel a la hora de juzgar a sus personajes, si no que parece observarlos con cierta compasión; a fin de cuentas sabe que lo único que quieren es vivir un día más y no estar solos.
Si en su obra anterior el paisaje era totalmente urbano, aquí nos encontramos en un entorno rural, que podría parecer de otro siglo si su autor no se ocupase de darnos escenas de referencia, en especial el abierto final.
Si la anterior se componía como un efectivo thriller, esta se compone como un gran melodrama, lento en su devenir, hermoso en sus imágenes, pero igualmente capaz de transmitir la psicología de sus personajes, cargada de miedos e incertidumbres.
Más allá de las colinas se basa en una historia real, una tragedia sucedida hace unos años y de la que se podría culpar a la religión derivada en superstición mal entendida; sin embargo, personalmente creo que la religión tiene poco que ver aquí, de lo que verdaderamente se habla es de la necesidad de la fe, pero desde un punto de vista casi fisológico para, repito, poder sobrevivir acompañado; considero que la religión que aquí se practica tiene muy poca dimensión espiritual, es difícil que los habitantes de este convento puedan levantar la cabeza para mirar al cielo.
Mungiu nos traslada lo ocurrido como una hermosa historia de amor y lucha, y huyendo de cualquier posible asomo de morbo, algo muy de agradecer, hace que la relación lésbica pueda contemplarse como una historia de amistad; en el pasado quedan los orfanatos de Caucescu, una estructura social que permite la explotación de los débiles, y la búsqueda, por parte de cada una, del paraíso; en el futuro queda el dolor.
La caligrafía del director es cuidada y tiene el aliento de los grandes narradores que confían en la potencia de lo que cuentan y lo hacen con sensibilidad e inteligencia.
Le ayudan dos actrices que son capaces de hacer creible el alma de sus personajes, y que se convierten en mascarón de proa de un conjunto perfecto.

Público

miércoles, 26 de diciembre de 2012

CINE ON LINE/ DVD/ COMIC: DIAMOND FLASH de Carlos Vermut

España 2011
Eva Llorach. Angela Villar. Rocio León. Victoria Radonic. Angela Boix. Miquel Insua

Es muy difícil, por no decir imposible, analizar Diamond Flash como un hecho aislado, como una obra independiente, o al menos a mi me resulta imposible.
Me encuentro ante una historia ( ¿ historia?, ¿ historias?, ¿ relatos?, ¿ sugerencias? ) que rompe cualquier asidero referencial que pudiera tener, no desde el principio sino, una vez que hemos entrado en su fascinante universo. La trampa que nos tiende su creador es totalmente perversa: no nos cuesta ser parte de este fresco hiperrealista donde conviven lugares comunes, desgraciadamente tan conocidos hoy día, como el secuestro infantil, la violencia de género o los abusos a menores en forma de secretos del pasado. Además, lo dota de un nivel de tensión que nos acerca al thriller relativamente convencional.
Pero poco a poco, hay referencias que nos hacen intuir que hay algo más: una estética setentera, ciertos giros de guión que no precisan explicación ... y de pronto, nos encontramos como si, en nuestro universo , se hubiesen cambiado los códigos, pero ojo, no los códigos referenciales, que siguen siendo perfectamente reconocibles; ni siquiera los códigos narrativos , la estructura a base de diálogos a dos la hemos visto frecuentemente, sin ir más lejos, en la última película de Cesc Gay.
No.
Lo que cambian son los códigos de lo que se entiende por una historia, de lo que se quiere o se pretende contar y, si llevamos esto más lejos, de lo que siempre suponemos que un director está, hasta cierto punto, obligado a contarnos.
Creo que la clave está en un momento del diálogo donde un personaje le echa en cara a otro su necesidad de entenderlo todo, de ver todo claro. Es como si Vermut se estuviese dirigiendo a nosotros y pidiéndonos, exigiuéndonos, que cambiásemos nuestra actitud si verdaderamente queremos ser receptores de su obra.
Y así, desde esa premisa, lo que verdaderamente cambia, es la posición del espectador. Ya no es un ser pasivo, dispuesto a recibir una historia y emitir juicios sobre la misma y sobre como se nos ha contado, sino que tiene que asumir un papel activo que llene los huecos que nos han dejado, en el centro de la historia, en su principio, en su continuación.
Para ello, el guión, navega por tantos rios que cualquier decisión es posible, desde el melodrama familiar a, nada menos, que el cine de superhéroes, parando por el thriller más oscuro. Diamond Flash se conforma entonces no como una sola película, sino como un millón de películas, tantas como espectadores llegue a tener.
Como complemento, y para servir de guía en ese viaje solitario que nos proponen a cada uno de nosotros, la edición en DVD se acompaña de un fantástico comic de varios autores , titulado Historias Caleidoscópicas, donde se conforman posibles capítulos que podrían, perfectamente incluirse en la narración, pero no son los únicos, son simplemente algunas de las posibilidades ; de nosotros dependerá ser capaces de ir más allá.
Dos referencias en el ámbito meramente cinematográfico:
En primer lugar, una alabanza absoluta al conjunto del reparto que, desde el primer al último intérprete, consigue dotar de realidad este experimento, en una actuación tan seria, que evita que cualquiera piense en este producto simplemente como una broma.
En segundo lugar, es la segunda vez en lo que va de año ( la otra ha sido Carmina o Revienta , esta sin el tirón de Paco León ) que una película opta por nuevas vías de distribución para conseguir llegar al público; en negativo podemos pensar que es una pena que un producto tan importante como Diamond Flash no consiga hacerse un hueco en la cartelera; en positivo, es el momento de plantearnos que ya comienzan a existir alternativas capaces de ofrecer oportunidades a todo tipo de cine.
En definitiva, Diamond Flash es una de las experiencias creativas más fascinantes que he conocido últimamente; cuando continuamente escuchamos hablar de otras formas de hacer cine , es gratificante que existan propuestas tan arriesgadas, tan abiertas y tan logradas.
Sólo espero que no sea un hecho aislado. Una segunda parte por favor, como sea, donde sea.

Público    

martes, 25 de diciembre de 2012

NOVELA: RANA de Mo Yan

Kailas
400 páginas

Tras la concesión del Nobel de Literatura a Mo Yan, fueron muchos los intelectuales chinos que levantaron la voz acusándolo de cierto colaboracionismo con el régimen.
Es algo que no entiendo tras leer Rana: me parece una novela brutal en su ataque a la política del hijo único, posiblemente no desde el análisis macroeconómico sino limitándose a trasladar como agrede los intereses y deseos de un habitante rural, no muy capaz de entender objetivos más elevados; como vulnera la libertad individual de cada uno; y sin olvidar retratar la brutalidad que llegó a utilizarse para imponerla con la fuerza, o los dramas que se crean desde la búsqueda de trampas que, focalizadas en un objetivo, terminan también por olvidar al ser humano.
Además, esa critica se extiende al dogmatismo; a aquellos que , desde una religión en principio basada en mitologías primitivas y, con el objetivo del ateísmo, se limitan a sustituir a la deidad: ahora el partido y sus dirigentes, posiblemente carentes de la espiritualidad que cualquier religión debiera tener.
Así, la novela se estructura alrededor de un personaje que pasa, de ser considerada una diosa de la natalidad, a convertirse en una especie de ángel exterminador sin ningún tipo de sentimientos. A su alrededor, se configuran una serie de personajes tratados desde el humor y el cariño, pero también desde la realidad, conformando un fresco todo menos complaciente, de una sociedad muy alejada de la perfección-
Llama la atención la sencillez de este relato, máxime cuando su contenido navega por momentos en un realismo mágico no lejano de García Márquez ( e incluso cita su Macondo ); al final, el surrealismo se desboca en una coda que, en forma de obra teatral, complementa la narración anterior, poniéndonos delante, de forma más epidérmica, el drama, las mentiras, la injusticia.
Además, su prosa tiene, no sé como decirlo, una especie de característica alimenticia, que permite saborearla, disfrutarla, sentirse dentro.
En fin, desconozco si Mo Yan no ha respondido en algún caso como se esperaba, pero personalmente creo que es un cronista , y, sin duda, un excelente creador, Rana, de nuevo, lo demuestra.

Público  

sábado, 22 de diciembre de 2012

CINE: EL HOBBIT: UN VIAJE INESPERADO de Peter Jackson

USA 2012
Martin Freeman. Iam McKellen. Richard Armitage. Cate Blanchett- Ian Holm. Andy Serkis. Luke Evans

No es la primera vez que hablo de lo subjetivo de estos comentarios, o sea que a nadie va a sorprender mi sinceridad en la comparación entre El Señor de los Anillos y esta primera parte de una nueva trilogía-
Conocía literariamente todas las novelas en las que se basan, y soy un admirador del mundo de Tolkien.
Cuando comenzó la saga, tengo que reconocer que no me costó identificar la imaginería visual del director con la literaria.
Era sorprendente su capacidad para generar una dirección artística absolutamente fascinante, hipnótica y de una belleza generalmente monumental.
Pero precisamente, enlazando con el adjetivo, es esa monumentalidad lo que me llegó a cansar; en el caso de la tercera parte me pareció que rozaba peligrosamente la megalomanía.
Por otro lado, la literalidad de la traslación del libro a la pantalla, ofrecía poco espacio para algo nuevo.
Sin duda , son tres piezas muy logradas, pero no llego a la adoración de los incondicionales.
Con respecto a El Hobbit las críticas para muchos empiezan antes: porqué hacer tres películas de una novela tan breve que sólo va a conseguir alargar la anécdota, únicamente podría justificarse al parecer desde el punto de vista económico.
Pues bien, hoy por fin he vuelto al mundo de Tolkien, y tengo que decir que este Hobbit me ha sorprendido muy positivamente:
Por un lado, mantiene lo mejor de lo visual de la saga, unos paisajes fastuosos, unas construcciones míticas, una dirección artística general absolutamente sobrecogedora.
La historia se desarrolla con frescura, sin duda en el género de la aventura, pero con humor y magia. El inicio en la casa de Bilbo, con los enanos invitados a cenar, es genial.
Y por último, todo ello me hace entender el porqué de la nueva extensión: entrar en el mundo Tolkien es algo que debe de costar abandonar y, posiblemente eso le pase a Jackson, ¿ porque creer que es sólo un motivo económico?-
He disfrutado muchísimo con este pequeño de pies grandes y sus amigos, me ha encantado volver a ver a Gandalf; es cierto que el director no puede evitar, en la cueva de los orcos, ciertos excesos, pero están presentadas con tal dominio y tal control de la tensión que uno no puede más que abrir mucho los ojos.
Me quedo esperando.
Y en lugar de criticarlo, agradezco a Jackson tener aun dos entregas por delante.

Público

lunes, 17 de diciembre de 2012

FELIZ NAVIDAD Y LOS MEJORES DESEOS PARA 2013.

Y este año, con más corazón , con más fuerza, con mejores intenciones, sin olvidar que somos parte de un todo, que solos no somos nada, que el aire siempre entra desde el exterior.
Feliz Navidad, Feliz 2013

Público

RELATOS: UNA RELACION PERFECTA de William Trevor

Salamandra
220 páginas

Está dentro de lo obvio citar a Chejov en la lectura de esta colección de relatos.
El autor ruso se ha convertido en un referente a la hora de hablar de un tipo de literatura que parece más interesada en la observación de lo cotidiano,que en empujar el desarrollo de la trama.
Sin embargo, personalmente no coincido en esa apreciación de que en sus obras no pasa nada ; muy al contrario, yo creo que pasan muchísimas cosas. Lo que lo hace singular es, a mi entender, su dirección al interior de sus personajes: lo que le interesa de los sucesos narrados no es la posible explosión que generen a su alrededor, sino cuales son las consecuencias que tienen en la psicología de los habitantes de su prosa, en sus deseos, sus frustraciones, sus anhelos.
No sólo es una difícil forma de contar, sino que también requiere una estructura exterior perfecta para sostenerla y conseguir que avance, sin comerse a si misma o, más importante, sin caer en el aburrimiento.
Pues bien, todo esto , que el maestro ruso consiguió en cada una de sus piezas teatrales y en sus cuentos, es totalmente aplicable a esta preciosa colección de cuentos de Trevor que, tras Verano y Amor, tiene el detalle de regalarnos una editorial tan rigurosa como Salamandra.
Si tuviésemos que buscar lugares comunes que diesen cierta homogeneidad al conjunto, podríamos sin duda hablar de Irlanda; sólo dos de los relatos se sitúan fuera pero habitados por nativos ; así en su lectura global, creo que se transmiten las señas de identidad de una cultura marcada por , entre otras cosas, su apertura al siglo que vivimos pero con ciertos códigos que parecen mantenerse del pasado, y que pueden materializarse en sentimientos de raiz tan identificable como la culpa.
También, y quizás , aunque no me atrevo a asegurarlo, esa cultura se refleje  en otro lugar común y es cierta desorientación en sus personajes principales, entre donde están, donde querrían estar y, más desolador, donde creen que podrían haber estado. Con ello, su autor es capaz de generar en muy pocas páginas, verdaderos dramas  o análisis certeros de la condición humana. Todos los que componen la colección me parecen inolvidables, pero el que da título al libro es un ejemplo de incertidumbre, de duda, de, en definitiva, vida.
Una mujer que no sabe como afrontar el futuro, una muchacha que ve lastrada su vida cuando tiene que reconocer la frivolidad de sus razones y el camino de la tragedia, un joven que nunca se podrá perdonar a si mismo, un fracaso a justificar como éxito, sueños que finalmente se quedan en sueños....
Pero William Trevor no es sólo un observador intuitivo y certero de la psicología, sino también y fundamentalmente , un excelente escritor. Cada una de las piezas tiene una estructura adecuada que le permite expandirse, proporcionando toda la información necesaria para su comprensión, superando las posibles limitaciones del espacio. Y lo hace con una prosa precisa y hermosa, capaz de describir por igual estados de ánimo y paisajes.
Ante esta lectura de lo que para mi es sin duda una absoluta obra maestra, quiero terminar con dos referencias a la presente edición:
Por un lado, a la fotografía del autor que se incluye en la contraportada. No puede sorprendernos. En su gesto se traslada inteligencia y , sobre todo, amor y respeto, algo que destila su obra y de lo que hoy está tan falto este mundo.
En segundo lugar , lo que entiendo es un error, la portada se compone con una ilustración de la trasera de un automóvil y dos ocupantes, que fácilmente puede remitir, de forma equívoca , a épocas anteriores. Creo que uno de los valores de la universalidad de Trevor es su actualidad . En alguno de sus relatos se habla de correos electrónicos, chats o internet.
Perdonable en cualquier caso al editor si sigue dándonos a conocer su obra que, estoy seguro, estará habitado por otras joyas como esta.    

Público

sábado, 15 de diciembre de 2012

CONCIERTO INFANTIL: PETRUSHKA de Igor Stravinski

Dirección Musical. Titus Engel
Guión y Presentación . Polo Vallejo
Orquesta Sinfónica de Madrid

En esta versión para niños de la deliciosa partitura de Stravinski, Polo Vallejo aparece transmutado en un mago.
Después de haber disfrutado de varios de sus espectáculos para este público, sólo puedo decir que nada más adecuado: lo es. Nadie como él ha conseguido en tantas ocasiones, coger una partitura y convertirla en una divertida experiencia didáctica singular, donde el concepto aburrimiento se aleja para siempre de la música clásica. Nadie como él para realizar una labor real en la generación de pasión temprana por la cultura.
En este caso, la historia de amor de esta marioneta de nombre sonoro, la bailarina y el sultán, se pone en pie a través de dibujos de colegiales y su participación activa a través de proyecciones, así como un ágil juego de sombras danzantes. Con esos elementos y su narración cercana y clara, se consigue un espectáculo redondo desde el que se transmite todo el color y la vitalidad de la música de Stravinski.
Ultimamente, cada vez que , en la era Mortier, se estrena algo destinado a los adultos en el Teatro Real, es raro que no existan los pateos. Me pregunto si no sería el momento de que se planteasen ciertos cambios.........

Público

jueves, 13 de diciembre de 2012

NOVELA: LO QUE NO ESTÄ ESCRITO de Rafael Reig

Tusquets
Colección Andanzas
290 páginas

El miedo es posiblemento uno de los sentimientos más demoledores para el ser humano.
También uno de los más deformantes de la realidad.
Algo que se encuentra más en nuestro interior, en nuestra interpretación, que en el exterior.
Sobre esto trata fundamentalmente esta hipnótica novela de Rafael Reig, sobre aquello que leemos aunque no esté escrito en ningún sitio y que desata nuestros terrores más primitivos, aquellos que muchas veces se confunden con nuestras frustraciones, nuestros anhelos, nuestra incapacidad para ser quien queremos ser.
Posiblemente, en un mundo racional, no hay miedo mayor que el del rechazo, el que suponen los demás. De ahí es de donde nacen los verdaderos monstruos.
Reig conforma una trama en la que es capaz de construir un relato totalmente desasosegante donde confluyen lugares comunes de la simbología de terror clásica: el bosque y el viaje a lo desconocido, el niño en representación del ser más débil en peligro, la máscara de cotidianeidad que recubre el rostro del malvado y que poco a poco va teniendo grietas por la que se muestra el interior, la soledad, los códigos suceptibles de diversos significados escondidos.
Todo ello colocado alrededor de un entorno tan reconocible ( y consecuentemente más aterrador por cercano ) como el de un matrimonio separado y con problemas de custodia, además de un pasado con secretos vergonzosos.
Opta por generar en el lector la sensación de tensión que entronca este género con el thriller y para ello, conforma una estructura de continuidad en tres perspectivas diferentes , una de ficción y dos realistas, que se reflejan unas en otras, enlazando con inteligencia  la trama.
A medida que avanzamos por el interior, en una descripción psicológica muy acertada de los tres personajes principales, no tardamos en adivinar que el miedo que sienten y que nos están produciendo es, como decía en un principio, un miedo que está anclado en su interior, que tiene mucho de miedo a si mismos y que es el que deforma la interpretación de la realidad. Con ellos entramos en esa espiral. Pero una vez que terminada su lectura, revisamos la narración, somos conscientes de que esta tragedia oscura que nos lo ha hecho pasar tan mal, podía haberse correspondido también con un simple melodrama familiar si su autor hubiese elegido otro tono.
Decía algún crítico de cine cuyo nombre no recuerdo, que uno de los valores descriptivos del cine negro clásico era teñir de oscuro todas las relaciones que se establecían en la historia, incluso conseguir generar una testura malsana en la propia imagen. Reig lo consigue plenamente a través de diferentes mecanismos que van desde un sexo sucio y vergonzante hasta una violencia interior reconocible pero, sobre todo, a través de una prosa rica, medida.
El resultado es brillante, eficaz, hipnótico. Consigue atrapar y sorprender.
No es fácil tampoco mantener la estructura elegida sin hacer trampas y él lo consigue.
Sólo una pequeña pega en el juego final : "desconocido número tres" , ¿ desconocido? ¿ no estaban allí Yolanda y Jorge ?( no avanzo en este tema para no desmantelar la conclusión ). Es un recodo que a mi entender no hacía falta.
Pero gracias a Dios, a su autor todavía le quedan dos o tres párrafos para sorprendernos de nuevo. Para recordarnos que lo acabamos de leer es una excelente novela.

Público

lunes, 10 de diciembre de 2012

NOVELA INFANTIL : KASPAR; PRINCE OF CATS de Michael Morpurgo

200 páginas

Creo que ya lo he dicho en alguna ocasión ( seguro, porque tiendo a repetirme ): la literatura infantil y juvenil tiene una deuda muy importante con los escritores británicos.
La entienden con seriedad , con profesionalidad, como debe de ser .
Entre escribir este Kaspar o, por ejemplo, Guerra y Paz , no tiene porque existir menor inspiración y menos reto. Es más, es mayor la responsabilidad de aquellos que pretenden crear lectores de futuro.
Es delicioso encontrar escritores como este Morpurgo, conocido para muchos como el autor de War Horse , y entrar en historias como esta , de una riqueza que no necesita páginas sino imaginación, y capaz de apegarse a la realidad convirtiéndose en una pequeña y apasionante lección de Historia con mayúsculas.
El Hotel Savoy, el Titanic ... escenarios que se abren ante nosotros con absoluta claridad. Y que son capaces de atraer lectores desde los ocho a los ... ( no voy a contar los que tengo ).
Se acercan las fechas de los regalos; para los más pequeños nunca debería de faltar un libro. Morpurgo es una elección perfecta.
Un regalo de los de verdad.

Público

CINE: LA VIDA DE PI de Ang Lee

USA. 2012
Irrfan Khan. Suraj Sharma. Rafe Spall. Tabu. Adil Hussain. Gerard Depardieu.

Me va a resultar muy difícil escribir algo coherente, e incluso tal vez legible sobre una película que me ha producido el desconcierto de esta Vida de Pi.
No he tenido muy claro, desde que salí del cine, si me gustó mucho o menos, si es excelente o no está del todo lograda , si responde a lo que se pretende o se queda a mitad de camino.
Ya han pasado dos días, y lo cierto es que sigo sin tenerlo claro.
Conocía la novela deYann Martel, una fábula sorprendente, de difícil creación y fácil lectura, también algo desconcertante en su planteamiento. Tal vez he olvidado algunas partes y algunas sensaciones, quizás equiparables a las que tengo ahora con el film.
En cualquier caso, hay algo que no se puede echar en cara a ninguna de las dos : la vulgaridad.
En ambos casos, La Vida de Pi es una obra singular que no se parece a nada de lo que se haya visto/ leído en mucho tiempo.
Vamos a intentar centrarnos:
Vida de Pi ( film ) comienza con la historia de un niño obstinado que vive en un entorno juguetón, entre referencias muy divertidas que van desde su propio nombre al paisaje del zoo familiar, ágil y colorista, lleno de brillos y de sonrisas. Tengo que reconocer que es esta la parte que menos recordaba del libro y la que me parece más lograda de la película; Lee consigue trasladar un tono de cuento, divertido , lleno de ternura, que pronto nos ayuda a identificarnos con los personajes y sentirnos muy cómodos. Lo que el director ya había conseguido en la Inglaterra de Austen y la América de la desolación, lo logra también con la India.
Seguidamente asistimos a un intermedio visualmente muy potente con un naufragio que no tiene nada que envidiar a las mejores escenas de Titanic.
Y entonces aterrizamos en el meollo de la historia, aquello que, si bien no ocupa la mayor parte del tiempo, sí por sorprendente, conocido y esperado, se supone la razón de ser de lo que nos están contando: la odisea marítima del tigre y el muchacho.
Aquí es donde se produce mi desconcierto.
El autor ( director ) mezcla el aliento narrativo de lo que va a ocurriendo a través de pequeños , bien medidos, con una imaginería visual apabullante , hermosísima, alucinatoria , cercana por momentos a un viaje de ácido ( ¿ rememora Lee su película de Woodstcock? sorry, mal chiste ).
Hay luchas por espacio vital, una isla canibal, un mar que por reflejo se convierte en cielo, una manada de peces voladores, una ballena que salta como una gacela, delfines y un tropel de medusas que alumbran como un árbol de Navidad.
El resultado llega a acogotarme, no sé muy bien si seguir la historia o dejarme llevar por el impacto visual, los colores del amanacer llegan a crearme síndrome de Stendhal. Todo me gusta , nada me falla, pero no sé si soy capaz de unir todas las piezas.
El epílogo parece llegar para poner las cosas en su sitio. Para dar un contrapunto dramático, podría ser trágico, a la vida fácil de la primera hora. Todo vuelve a la normalidad.
Y yo, me siento como si hubiese estado inmerso en una atracción genial pero difícil de aprehender en su totalidad.
La Vida de Pi es sin duda una película recomendable, no me cabe duda de sus muchas bondades, tampoco de lo complejo que es apresarla cuando, quizás , su inicio nos prepara para algo más sencillo, más sereno. Tal vez en ese esté también parte de su valor.
En cualquier caso, creo que he cumplido, lo que no tengo claro es si me he dejado llevar por la misma confusión que me ha producido su visionado.
Mejor público  sin releer.

Público         

viernes, 7 de diciembre de 2012

CINE: UNA PISTOLA EN CADA MANO de Cesc Gay

España 2012
Javier Cámara. Ricardo Darín. Eduard Fernández. Jordi Mollá. Eduardo Noriega. Alberto San Juan. Leonardo Sbaraglia. Luis Tosar. Candela Peña. Clara Segura. Cayetana Guillén Cuervo. Leonor Watling

Una de las diferencias ( hay muchas, lo sé ) entre, por ejemplo Woody Allen y laNueva ( ya no nueva ) Comedia Madrileña era que, mientras una era elegante, la otra podía pecar de todo menos de sutil.
¿ Similitudes? el diálogo como base del desarrollo de la cinta, la cotidianeidad como paisaje, una necesaria colección de intérpretes que parecen no serlo, y , lamentablemente, el hecho de que generalmente los hombres somos igual de poco maduros en cualquier latitud ( seguramente si existiese como género la Nueva Comedia China, también podríamos sentirnos identificados ).
Pues bien, Cesc Gay, del que recuerdo la similar En la Ciudad, es capaz de fusionar lo mejor de los dos guisos y conseguir un producto muy pero que muy apreciable.
En una Barcelona muy urbana y algo frívola, se producen una serie de encuentros a dos, algunos imprevistos, otros no, pero que siempre remiten a varones en una estación de paso, aunque todos ellos superen los cuarenta y debieran estar ya ligeramente asentados; no nos confundamos: no es el síndrome de Peter Pan, que puede tener algo de poético, es el síndrome del capullo, sin concesiones.
El humor se corresponden con cierta autoironía por parte de su autor, con saber que, por mucho que pasen los siglos, estamos convencidos de que, tanto el hombre de neandertal como el más elaborado mutante, salían "a la caza" con "una pistola en cada mano".
Y Gay, consigue un tono general que, a pesar de tocar temas escabrosos, en ningún momento abandona un aire general elegante, sutil, que no sé muy bien si siempre se merecen estos caballeros.
Por lo que se refiere a la interpretación, merece un capítulo aparte: todos , absolutamente todos los actores de este reparto coral, están perfectos, contenidos, llenos de matices; posiblemente si destacan algunos como Darín o Clara Segura, es simplemente porque sus papeles son más ricos. Hacía tiempo que una interpretación no me hacía disfrutar así, simplemente observándola, aquí lo han conseguido nada menos que doce.
Una Pistola en cada Mano es cine de autor, porque es él quien lo escribe y nos lo cuenta, quien le da el tono, quien decide huir de cualquier asomo de pedantería. Ha aspirado lo mejor de sus referentes: el indie americano, la ya citada Nueva Comedia Madrileña, Woody Allen , los Mc Cullen etc pero también lo ha dotado de personalidad.
El resultado es tan poco pretencioso como logrado.
Y por el mismo precio admite varias lecturas: algunos pueden limitarse a buscar la sonrisa, otros por momentos nos atrevemos a buscarnos.

Público

jueves, 6 de diciembre de 2012

NOVELA: AYER NO MAS de Andrés Trapiello

Ancora y Delfín
310 páginas

Comencé a leerla pensando: otra novela sobre la Guerra Civil, no tardaré en comprender de que lado está el autor.
Como tantas veces que nos dejamos llevar por juicios precipitados, me confundí.
En un momento de absoluta irresponsabilidad política, cuando , en aras de una posición en el poder, se es capaz de manipular de forma rastrera el dolor y la miseria, donde pedir perdón es una manera de pedir el voto, donde el pasado, aunque haya ocurrido hace más de sesenta años puede resucitarse para utilizarla como alma arrojadiza, un intento como la Memoria Histórica goza para mi de una credibilidad muy limitada.
Aun así, supongo que mi opinión está tan mediatizada como la de los demás, y echaba de menos una visión más matizada, más compleja y, a ser posible, con una mayor base histórica.
Y eso es lo que he encontrado en Ayer no más.
Trapiello afronta con valentía y con conocimiento un tema que hasta ahora nadie había tratado con tanta crudeza: ¿ merece la pena buscar culpables? ¿ se hubiesen comportado las víctimas de otra manera si hubiesen sido ellos los vencedores? ¿ es verdaderamente honesta la razón de actuar de todos los agentes involucrados?-
Es un hijo, ya posicionado en el lado opuesto de su padre, quien descubre un hecho terrible del pasado, justo cuando León, trasunto de ciudad de provincias con pecados bajo los adoquines, está hirviendo por la necesidad de protagonismo de unos cuantos.
A partir de ahí, el autor es capaz de conjugar las dudas morales particulares con las que se corresponden al comportamiento de un pueblo. Entre certeza e incertidumbre, entre reflexión y sentimiento, pocas veces se han encajado tan bien la historia y la Historia.
Estructuralmente hablando también acierta su autor al decidir configurarlo como un concierto a varias voces, y darle el tono argumental casi de un thriller; de esta manera consigue una agilidad en su desarrollo capaz de sostener el posible didactismo de la propuesta.
No todo está bien, aunque sí casi todo, personalmente me cuesta encontrar realidad en la historia de amor, algo aplastada por temas más contundentes y posiblemente falta de sentimiento.
Pero en su conjunto, Ayer no más se resuelve no sólo como una buena novela, sino, algo mucho más importante, como una novela necesaria.

Público  

miércoles, 5 de diciembre de 2012

TEATRO: EL VENENO DEL TEATRO de Rodolf Sirera

Director- Mario Gas
Intérpretes- Miguel Angel Solá. Daniel Freire

El estreno de El Veneno del Teatro en los ochenta en el CDN , con Jose María Rodero y Manuel Galiana, fue todo un acontecimiento teatral.
Ha pasado el tiempo, y un amigo que había visto esta nueva versión, me comentaba que, posíblemente, el texto era deudor de su época, cuando temas como el metateatro, hijos pequeños de Pirandello, estaban a la orden del día en nuevas búsquedas de expresión.
Yo he ido anoche. Y , efectivamente, ya es difícil enfrentarse a una obra de este estilo, a este diálogo punzante y cruel, desde el punto de vista conceptual, pero sí resiste un acercamiento como thriller, como juego oscuro, porque por encima de todo está muy bien escrito, es efectista y eficaz.
También puede disfrutarse como un recital peligroso para dos actores: ellos son el único sosten durante su breve duración, y cualquier patinazo, saltaría al patio de butacas, convirtiendo la peripecia escénica en increible.
En esto estamos de total enhorabuena:
Mihuel Angel Solá es ya incuestionable; su interpretación sorprende, no ya por su rigor sino por la ausencia total de efectos, por la naturalidad absoluta que no busca el recurso fácil.
De Daniel Freire, baste decir que está a su nivel en un papel más expresivo, pero en el que tampoco derrocha más que verdad. Su miedo llega a palparse, igual que la frialdad de su adversario.
El Veneno del Teatro funciona pues como un buen juego teatral, medido a la perfección por Mario Gas, pero sobre todo levantado por dos grandes de la escena.

Público

lunes, 3 de diciembre de 2012

NOVELA: THE BEGINNER'S GOODBYE de Anne Tyler

197 páginas

Para mi Tyler es como descansar, como volver siempre a un lugar tranquilo desde el que escuchar , observar, una historia de lo cotidiano en la que no va a haber ni excesos ni trampas, sino sólo y nada menos que la aventura del día a día .
Sé que no falla.
Tampoco se le puede pedir nada más, pero no me hace falta.
Me parece  una delicia.
Partimos siempre de la presentación de unos personajes, totalmente definidos, que pronto se hacen cercanos. Pronto conocemos sus inquietudes, sus problemas, su encrucijada frente al futuro.
Y desde ahí, sin apenas percibirlo, somos testigos de una evolución que, en otras manos, podría tener tintes aparentemente dramáticos y que la maestría de su autora limita a tintes serenos, que consiguen sonar siempre a verdad.
Aquí nos encontramos con Aaron y  su entorno, su hermana, sus vecinos, su esposa, sus compañeros de trabajo, cada uno con su .... pues con su vida, que es lo que es el devenir de cualquier ser humano.
Y con una historia de amor, imperfecta como todas y tratada en este caso desde la ausencia.
Es breve.
Pequeña , tal vez.
Pero seguimos encontrando las mejores virtudes de esta narradora de Baltimore: su delicada poesía, su inteligencia a la hora de analizar las relaciones humanas, su transparencia y , sobre todo, su fino humor.
Lo dicho: un descanso. Un fin de semana en un hotel de montaña. Una gozada.

Público

sábado, 1 de diciembre de 2012

CINE: CESAR DEBE MORIR de Paolo y Vittorio Taviani

Italia 2012
Cosimo Rega. Salvatore Striano. Giovanni Arcuri. Antonio Frasca. Juan Dario Bonetti.

Lo primero que hay que tener en cuenta con respecto a esta propuesta es que no debemos de dejarnos llevar a  engaño: Cesar Debe Morir no es un documental sino otra forma de narración, potente y original, sin duda, y utilizando puntos de realidad como referente, pero, repito, no es un documental ni tiene vocación de tal.
La base puede sonar a "cine verite": Julio Cesar de William Shakespeare representado por los presos de una cárcel de alta seguridad, sin actores profesionales, recogiendo tanto los ensayos como la representación final.
Sin embargo, todo está dramatizado, y lo que obtenemos es , a mi entender, dos líneas paralelas de narración:
Por un lado, la de los inquilinos de la prisión, apenas apuntada con muy pocas referencias, posiblemente reales pero nada tan obvio como la frase final para darnos cuenta de que existe detrás un proceso de creación.
La segunda es la propia obra representada, y aquí es importante asumir que la filmación de los propios ensayos tiene muy poco de taller y mucho de trabajo terminado. De hecho es aquí donde encuentro los momentos más fuertes, más potentes.
Pero vayamos al núcleo: ¿ cual es el resultado en lo que se refiere a la pieza teatral de referencia?
Excelente.
No sólo en una estética capaz de mezclar perfectamente el anacronismo con la universalidad, sino también en la selección y en su capacidad para trasladar el conflicto de una forma transparente, clara, dinámica.
Cesar Debe Morir es un original ejercicio narrativo que funciona en todas sus variables.
Además, podemos encontrar otras conclusiones, como la grandeza del arte a la hora de hermanar a todos los seres humanos, su carácter redentor o democrático.
Es un cine muy dirigido, algo que podría sonar tramposo cuando se apela a la verdad, pero está muy bien dirigido.
Un texto como Julio Cesar lo necesita.

Público
  

miércoles, 28 de noviembre de 2012

NOVELA: ANTIGUA LUZ de Jonh Banville

Alfaguara
294 páginas

Bien. Pues ya no es sólo mi denostado Murakami.
Puedo sumar otro "increiblemente propuesto para el Nobel" a mi lista de incomprendidos: Banville.
Sinceramente no es que lo conozca mucho.
Lo conozco más , de hecho, cuando es Benjamín Black, el seudónimo que utiliza para escribir novela negra; aunque tampoco entonces me vuelve loco: creo que ya he dicho más de una vez, que más que un desarrollador de tramas, me parece un creador de ambientes, sórdidos y oscuros, para más señas; por eso, siendo uno de mis géneros favoritos, sólo lo leo una de cada dos.
Pero vayamos a Banville Banville, es decir, cuando firma con su nombre.
Conozco su novela anterior de la que no recuerdo bien el título pero que era una especie de La Regla del Juego habitada por diosecillos del Olimpo. De acuerdo: no estaba mal; disfrute su ligereza y lo original de la apuesta; creo recordar que hasta me divertí, pero no tanto como para elevarla al altar.
Ante la publicación de Antigua Luz, leo críticas en estado de éxtasis que gritan para que le concedan el máximo galardón de las letras mundial. Y me lanzo a por él.
Pues francamente : no entiendo nada.
Tengo que suponer que , ni yo soy un crítico incuestionable ( ni siquiera un crítico), ni todos los demás son parientes cercanos del autor.
Por lo cual, quizás a causa de una excesiva temporada de viajes, mi capacidad de percepción se haya visto mermada.
Pero como aquí escribo precisamente sobre lo que yo percibo, ahí va:
Antigua Luz es una novela que no puede haberme interesado menos; no veo personajes, no veo tramas, no me transmite sensaciones. En definitiva: me aburre.
Donde los demás ven nostalgia, yo veo una prosa relamida y que carece de agilidad.
Donde ven integración del pasado, yo veo una estructura obvia, artificial e inútil.
Le daría otra oportunidad ( no es que me la haya pedido nadie, también hay que ser sinceros ) pero hay mucho que leer.
¡ El Premio Nobel de Literatura!
Y mientras tanto, mi Anne Tyler sigue sin paladín. Voy a ver si, como desagravio, encuentro su última novela.
Murakami, ya no estás solo.

Público

sábado, 24 de noviembre de 2012

CINE: HOLY MOTORS de Leo Carax

Francia 2012
Denis Lavant. Edith Scob. Eva Mendes. Kylie Minogue. Elise Lhomeau. Jeanne Disson. Michel Piccoli. Leo Carax

En ocasiones, echo de menos no saber, sentarme en una sala oscura sin haber leído nada sobre aquello que me van a contar, sin haberme informado en críticas, comentarios, revistas de cine... supongo que en ocasiones echo de menos que me sorprendan, no tener ni la menor idea de lo que viene después.
Sabemos tanto...
Nos cuentan tanto...
Necesitamos tanto antes de decidirnos a elegir....
También supongo que por eso me siento tan agradecido cuando, a pesar de saber, nunca sé lo suficiente para estar preparado para lo que me espera, para no sentir que estoy descendiendo por el túnel de Alícia, sabe Dios hacia que mundos, sabe Dios que es lo que nos espera-
Se me ocurren mil formas de describir una experiencia como Holy Motors, seguramente todas ellas acertadas ( a fin de cuentas creo que es una obra de público, porque es él quien puede definirse como quiera ) y también todas ellas incompletas: puede ser un sueño en el que entramos desde sus primeras imágenes, un cuento surrealista, un remedo modernista de Las Mil y Una Noches lleno de cajas chinas, un delirante juego visual...
Para mi, sobre todo es cine: si el séptimo arte tiene en muchas ocasiones una base en otras artes, pocas veces como esta, el cine ha sido tan consciente de si mismo y ha querido crear su propio homenaje.
Ya es una referencia ese prólogo, esa sala, esos perros en el pasillo. A partir de ahí se nos anuncia que es la imagen y el sonido los que van a intentar captar nuestra atención, regalándonos una obra inolvidable, pero sin que sea necesario pedir coherencia ( aunque exista ) sino un impacto contante que bien puede, en su análisis más simple, reducirse a logros estéticos.
Las fuentes se utilizan, se juega con ellas, se comparten en una amalgama que va desde el cine musical al negro francés, desde La Bella y La Bestia a El Planeta de Los Simios, desde Charlot a Lon Choney y Ava Gadner... pero no pensemos en Holy Motors como una acumulación enciclopédica sino en un homenaje lleno de cariño y humor.
Hay otros dos aspectos que me gustaría destacar en esta pieza y que contribuyen a hacerla única:
Por un lado su tono, una ligereza que sólo puede responder al buen pulso y a un consejo a los videntes, que no busquen trascendencia, que sean capaces de disfrutar sin buscar el sentido de cada recodo; un aire difícil y mágico en una historia en la que parece que navegan tantos conceptos.
Y en segundo lugar la libertad, llevada al máximo con el diálogo final. En este sentido ( voy a ver si consigo explicarlo ) creo que la libertad se comparte, se traslada por parte del director a su público, y por eso nos sentimos tan cómodos, por que también a nosotros se nos permite ser parte de la cinta e interpretarnos como queramos. En ningún momento tenemos esa sensación tantas veces tan incómoda de no estar a la altura, de perdernos algo.
Holy Motors es, ya lo he dicho, cine.
Y quienes nos sentamos en una sala oscura, somos parte de esa ceremonia.
Agradecidos de poder compartir esta sublime locura, esta fantástica experiencia. Esta obra única.
Entrando, abriendo la misma puerta del durmiente al inicio, entramos en un mundo cargado de historias, de retazos que se enhebran, se bifurcan, se cierran... a través de estas "nueve citas" del Sr. Oscar que parecen anunciar, o son suficientes, según como se mire, y que emocionan, o me sorprenden, o me divierten, o todo a un tiempo-
Y, pos supuesto ( es cine ) dudando siempre de lo que es realidad, o directamente, si esta existe en algún lugar de esta muestra brillante y vibrante de vida. 
Postdata: es la segunda limusina que esta temporada cruza nuestras pantallas para introducirnos en un universo único, se están convirtiendo en extraños pegasos blancos nos guían al Olimpo.

Público

viernes, 23 de noviembre de 2012

NOVELA: SARAH THORNHILL de Kate Grenville

Canongate
304 páginas

Cuando era pequeño y TVE era la única cadena de referencia ( la 2 nunca se vio bien en casa), existían los "Grandes Relatos", series que de lunes a viernes desgranaban grandes historias de la literatura.
Tenían en común ocurrir en pasados lejanos, pobladas de personajes , todos ellos tarde o temprano, enfrentados a encrucijadas que decidirían su destino.
Había pasiones en el presente y secretos en el pasado, generalmente escondidos en el seno de las familias y capaces de poner el mundo patas arriba al ser descubiertos.
En ocasiones, frente a una literatura ( o cine, o serie, o.... ) he echado de menos esa capacidad de engancharme a lo que les ocurría a otros.
Esta novela, es de los ejemplos más claros de que aun existen narradores que siguen escribiendo así, posiblemente porque no he sido el único en beber de esas fuentes.
Una Australia aun salvaje, unos personajes que luchan por conseguir superar el estigma de los colonizadores que eran en verdad proscritos, el choque con los aborigenes y la necesidad de conquista. Todo ello alrededor de una historia de amor y descubrimiento, de la forma de crecer en un mundo hostil, de saber lo que se debe de hacer y lo que se puede hacer.
¿ Hay quien de más?
Posiblemente , la velocidad de los tiempos haya limado las posibilidades de historias paralelas que , en el contexto anterior, hubiesen tenido una mayor entidad ; aquí vamos directos al devenir de esta mujer, y así, el volumen es más reducido de lo que lo era en aquellos gordos tomos que adornaban todas las bibliotecas.
¿El resultado?
Para mi, una pequeña regresión a los años en que las historias no intentaban explicarnos el presente, sino sólo eso: contar.

Público  

jueves, 22 de noviembre de 2012

NOVELA: CABALLO DE OROS de Victor F. Freixanes

Siruela
290 páginas

Primero ocurren los hechos.
Luego nace la leyenda, a través de la tradición oral.
Hasta que alguien decide narrarla y convertirla en relato.
Alguien que también puede decidir investigar sobre la realidad contada y convertir la leyenda en crónica.
Supongo que puede resumirse así el nacimiento de todas las obras que tienen su base en sucesos reales.
Algo que está enraizado en la cultura popular, que tiene su origen en la decisión de un pueblo de conservar e incluso crear su propia mitología.
Es difícil trasladar a un libro, no sólo este ciclo, sin olvidarse de lo narrado, sino conseguir una trasposición que no traicione ninguna de las fases. Que mantenga en cada una de ellas su propia naturaleza, su esencia.
Porque con ello no sólo se está narrando la historia en si, sino también se está trasladando el alma, la vida y el sentir de todo un pueblo.
Victor F. Freixanes lo consigue.
Partiendo o utilizando de base un hecho popularmente conocido y que reune muchas características propias de un pasado ancestral, con personajes que están descritos como titanes , utiliza la primera parte para , con un lenguaje absolutamente fascinante , lleno de recodos, crear un paisaje brutal, grande , lleno de pequeñas historias, que casi adquiere la condición de un mundo propio. No está lejos Macondo.
Es apasionante entrar en una prosa sólida, espesa, que transmite la sensación de un bosque lleno de sorpresas , de belleza y de crueldad, de dolor y de gozo, donde los sentimientos tienen la fuerza de las mareas.
Así, los jugadores de la partida de cartas , parecen gigantes luchando por la conquista de territorios ignotos ,y sus acompañantes las huestes en la batalla.
No consigo encontrar una forma correcta de escribir , si yo fuese Freixanes, la experiencia literaria y humana que proporciona esta parte de la novela. Pero en cualquier caso es algo grande, aunque esta sea una palabra que se queda pequeña.
Luego viene , en el largo epílogo, la crónica, la busqueda de la verdad que , al mismo tiempo, abre otras puertas , otros personajes , otras historias , como si la narración pudiese prolongarse hasta el infinito ( y que lástima que no lo haga ). Y el autor consigue cambiar totalmente su registro, adoptar otra postura, pasar a ser él mismo, sin que este giro desconcierte o disguste, si no integrándolo perfectamente en el conjunto.
Caballo de Oros, recoge la mejor tradición oral y la convierte en escritura , recoge los cuentos y leyendas de un pueblo y los convierte en Historia. Y recoge al lector , ávido de literatura y lo convierte en testigo de unos tiempos que sin duda existieron.
Una pieza única.

Público  

TEATRO MUSICAL EN LONDRES: SCROOGE de Leslie Bricusse

Director- Bob Tomson
Director musical - Suart Pedlar
Tommy Steele. Edward Handoll. Craig Whiteley. Barry Howard. Ian Caddick. Leonie Heath. James Head. Sarah Earnshaw. Robbie Towns. Keiron Harris. Halcro Johnston. Leon Kay. Anna McGarahan

Me gustan las Navidades.
Mucho.
Y con las Navidades, me gustan las tradiciones de Navidad.
Culturalmente hablando hay algunas que , muy presentes en el entorno anglosajón, no terminan de calar de la misma forma en el mediterraneo aunque a veces estén presentes, cada vez más. Me refiero a El Cascanueces y al Cuento de Navidad de Dickens como los más representativos.
Por eso, aunque sea con un mes de antelación , disfruto de hiostorias como esta , a pesar de haberla visto cientos de veces.
Aunque lo cierto es que no sé si disfruto más de la historia o del público: esos niños sorprendidos, esos mayores que recuerdan.
Scrooge es un buen musical con aire de clásico. Música pegadiza , sentimiento y humor.
Ponerlo en pie para esta temporada y hacerlo con grandeza y profesionalidad es pan comido en el entorno del West End , si además se cuenta con un primer espada como Steele, que recibe su primer aplauso al pisar el escenario, el éxito está asegurado.
El Scrooge que puede verse en el London Palladium, reune todas las características habituales del género, y además nos deja un buen sabor de boca, como siempre ocurre con esta historia de fantasmas cicerones.
Bien.
En las Navidades de 2012 ya he cumplido con una de las tradiciones, me emociona saber que aun me quedan muchas más hasta de que acabe el invierno.

Público

lunes, 12 de noviembre de 2012

NOTA: LIBROS LIBRES

Excelente iniciativa.
Esta en la Calle Covarruvias 7 de Madrid.
Una ONG ha creado una librería gratuita .
Con ello, la lectura deja de convertirse en un lujo.
Puedes donar libros , todos los que quieras , de todos los géneros . Sólo tienes que llevarlos allí.
El horario es de 12:00 a 20:00 horas.
Compartir aquellas historias que te han emocionado, de las que has aprendido, que han ampliado tu mundo.
En definitiva compartir . Y colaborar , seguro, a que este mundo sea un poco mejor.
Enhorabuena a los organizadores.

Público

NOVELA: HABLAR SOLOS de Andres Newman

Alfaguara
179 páginas

Seguramente la sabiduría está muy cerca de la sinceridad.
Y la sinceridad y la sabiduría están muy lejos de los excesos.
Cuando un escritor con Newman decide abordar un tema tan complejo en apariencia, sólo es sincero si lo hace desde la sencillez , desde la transparencia, alejándolo de todo atisbo de trascendencia impostada.
El resultado carece de efectos , de trucos , sólo puede llegar por si mismo, por sus dosis de verdad , aunque esta verdad esté en muchas ocasiones construida sobre el andamio de las dudas.
Y nuestra percepción de ese resultado dependerá de la capacidad de escuchar , de ver , de sentir , sólo con la verdad , sin necesitar otros alicientes.
Hablar Solos  trata sobre muchas cosas que giran alrededor de una sola : la ausencia.
Y es ausencia cuando se pierde algo que se ha tenido. No simplemente cuando se carece de un deseo.
Tres personajes se enfrentan a la progresiva enfermedad y muerte de uno de ellos, a como afecta a sus vidas , como se afronta esa nueva etapa que ya es diferente en si pero que además anuncia cambios más drasticos.
Uno de ellos , Lito , lo hace desde el desconocimiento; la inocencia del niño, la vida que sigue , fresca , violenta , llena, es un contraste con el desgaste que se va produciendo en los otros dos.
Y ellos, desde la soledad de sus posiciones , ese Hablar Solos al que el título hace mención, intentan entender lo que ocurre, sin entenderlo de verdad , porque es algo que no se entiende: pasa.
Hay muchos hallazgos en esta pequeña novela que decide ser humilde, tal vez desde una visión respetuosa.
Sorprende la precisión con la que el lenguaje nos traslada las metamorfosis interiores, los cambios que no se perciben en heridas.
Sorprende su crudeza a la hora de buscar escapatorias.
Sorprende lo identificados que nos podemos sentir con ese miedo al vacío.
Un vacío que sólo conseguiremos llenar si dejamos que , una vez más, sea la vida la que lo haga , sin intentar falsos rellenos en la literatura o el cuerpo, que sólo generarán desconcierto , en ocasiones materializado en rabia, otras en cansancio.
Tras su grandiosa El Viajero del Siglo, Newman se decanta por una propuesta diiferente que por momentos parece menor , sin embargo, al terminarla nos percatamos de su grandeza , de que su ambición está más allá . La que puede alcanzar lo pequeño.

Público  

viernes, 9 de noviembre de 2012

CINE: EL ARTISTA Y LA MODELO de Fernando Trueba

España/ Francia 2012
Jean Rochefort. Aida Folch. Claudia Cardinale. Chus Lampreave

Una película sobre la mirada, sólo podía ser hermosa, y esto es lo primero que llama la atención en esta sólida cinta de Trueba: en un blanco y negro luminoso, cada fotograma es un cuadro, sobrecogedor en su belleza, brillante; además, dado que el director opta por un ritmo lento, tranquilo, nos es permitido contemplarla y disfrutarla con serenidad; en definitiva, una película sobre la mirada que nos invita a mirar.
Esa es sólo una de las elecciones afortunadas del director. Otra es sin duda el tono.
Estamos ante una obra que pasa por temas tan importantes como la vejez y la juventud, la búsqueda de la belleza y su nostalgia, el amor compartido y el amor generoso. Lo más sorprendente, y apreciable, es que lo hace con una apariencia de ligereza que elimina todo asomo de transcendencia, permitiendo disfrutarla desde una muy agradable cercanía.
También es un acierto el tono clásico que se mantiene durante toda la propuesta, sin ningún tipo de afectación. El Artista y la Modelo podría haber sido perfectamente una película de hace mucho tiempo, no en vano, Renoir no está lejos.
Por último, para sostener un andamiaje así, eran necesarios dos actores de primer orden. Jean Rochefort es un prodigio de contención y expresividad, alguien que con un sólo gesto es capaz de trasladar los sentimientos más elaborados, una interpretación interior de infinita humanidad; a su lado, Aida Folch se crece, transmitiendo continuamente toneladas de sensualidad y la violencia de la juventud.
En definitiva, El Artista y la Modelo es una película excelente, de un cineasta como Trueba, que en este caso nos invita a mirar y nos regala a cambio una muy hermosa historia, llena de sabiduría y belleza, y mucho cine.
No en vano, estamos ante un director que nos fascino con El sueño del mono loco, nos divirtió con Belle Epoque y El año de las luces, y nos llevó dentro del sèptimo arte en El embrujo de Shanghai o La niña de sus ojos; no siempre consiguió la cercana perfección de la cinta que ahora comentamos, pero ninguna de sus obras dejó de destilar el amor de alguien que está entregado a lo que hace, y para ello vive.

Público

jueves, 8 de noviembre de 2012

NOVELAS: MEMORIES OF MALGUDI de R.K. Narayan

Penguin Books
780 páginas
Incluye las siguientes novelas:

The Dark Room
The English Teacher
Waiting for the Mahatma
The Guide
The World of Nagaraj

Salvo excepciones de escritores con una proyección más internacional como Gosh , desconozco la literatura india.
Debo a un viaje reciente a Mumbay este descubrimiento.
Descubrimiento tardío, ya que gracias a wikipedia, me he informado de que Narayan está considerado uno de los narradores fundamentales del siglo pasado, varias veces candidato al Premio Nobel de Literatura.
Nunca es tarde si el resultado es como este . Aquí la dicha es buena, muy buena.
Adquirí esta colección de cinco novelas con el objetivo de saltear su lectura con otras obras; sin embargo, una vez que me introduje en sus páginas , me sentí tan cómodo, que , una a una , fueron entrando las cinco.
Ahora que he terminado el conjunto, tengo la sensación de decir adiós a un amigo, a alguien que me ha contado sus historias con una sabiduría y una cercanía que sólo puede nacer de algo hoy día tan escaso como la humildad y la sinceridad.
También me deja un poso de serenidad , de ligereza , de vida.
Si tuviese que definir el estilo de este escritor , sólo encontraría una palabra aecuada : transparencia.
Y es que sus novelas carecen totalmente de ninguna afectación , y quizás por ello, de barreras que nos impidan percibir, sentir, empaparnos , de la verdad de unos personajes a los que llegamos a conocer en su absoluta humanidad.
La psicología convive a la perfección con el entorno, en una sorprendente conjunción de difícil equilibrio.
Son piezas diferentes , pero todas ellas gozan de lo mejor de su escritura.
En The Dark Room asistimos a un conflicto matrimonial que traslada una relacción viciada en una pareja con muchos años de convivencia a sus espaldas , una historia de inseguridades y renuncias.
En The English Teacher, la espiritualidad , da continuidad a una hermosa historia de amor y soledades.
Waiting for the Mahatma nos sumerge en el transfondo político de una nación , a través de mostrarnos como esta ha afectado a las vidas cotidianas de sus habitantes.
The Guide, al parecer la más popular y la de más elaborada estructura , habla de lo sorprendente que puede ser la vida.
Y finalmente The World of Nagaraj, no lejos de El Idiota de Dostoievski, crea un personaje tan inocente como inolvidable.
La India es el transfondo colorista de estas narraciones, con toda su riqueza cultural, pero alejándose siempre de cualquier interés turístico, porque repito, aquí sólo existe la verdad.
Y las páginas se llenan de pequeños detalles, de una observación limpia que tiene referencias en el mejor Chejov.
En definitiva , he descubierto y disfrutado de uno de los grandes.
Espero que mis comentarios sirvan para que su obra llegue a alguien más.

Público 

miércoles, 7 de noviembre de 2012

OPERA- PROGRAMA DOBLE: IL PRIGIONERO de Luigi Dallapiccola - SOUR ANGELICA de Giacomo Puccini

Director de escena- Lluís Pasqual
Director musical- Ingo Metzmacher
Escenógrafo- Paco Azorín
Iluminación - Pascal Mérat
Figurinista- Isidre Prunés

Il Prigionero:
Deborah Polaski. Georg Nigl. Donald Kaasch. Gerardo López

Sour Angelica:
Julianna Di Giacomo. Deborah Polaski. Maria Luisa Corbacho. Marina Rodríguez Cusi. Itxaro Mentxaka. Auxiliadora Toledano. Maira Rodríguez. Rossella Cerioni. Anna Tobella

Personalmente creo que el hecho de juntar en un mismo programa estas dos obras tan dispares musicalmente hablando y llevarlas a compartir escenografía , supone una toma de posición ideológica , especialmente en lo que se refiere a la segunda.
Lo cierto es que poco tiene que ver en principio el alegato en contra de la tortura de Dallapiccola con el melodrama conventual de Puccini, salvo que la decisión sea, como parece en este caso, establecer paralelismos en lo que se refiere a la privación de la libertad , y en concreto, en la utilización de la religión como herramienta coercitiva.
La opción puede ser discutible, pero es también tan aceptable como cualquier otra, y en ningún caso , de las más disparatadas que hemos visto últimamente en nuestros teatros.
Lo que verdaderamente importa es el resultado, el espectáculo, y tengo que decir que , sin compartir la premisa antes citada , el resultado es en mi opinión excelente en ambos casos.
Vayamos por partes:
Comienza Il Prigionero en la más absoluta oscuridad.
Poco a poco iremos descubriendo una escenografía brutal, de la que luego hablaremos , y es en ese escenario, donde tiene lugar esta pesadilla sobre la tortura , este viaje al infierno íntimo del condenado, convertido en juguete de dolor por la crueldad de sus carceleros.
La música expresionista encuentra un apoyo absoluto en la representación teatral, en el movimiento que se consigue con relativamente pocos elementos y en este laberinto vertical, llevándonos de la mano en un viaje hasta el horror.
El resultado en este caso, puede calificarse casi de redondo.
Equiparar Sour Angelica , este melodrama un poco pasado en libreto, con esta pieza, trasladar a las monjitas a ese universo de oscuridad , es cuando menos una opción arriesgada.
Pero repito, es una opción. El director de escena lo deja claro, no sólo en la utilización de las rejas sino también en los figurantes , esas hermanas colocadas en puntos estratégicos del escenario, que parecen sustituir a los carceleros vigilantes de la obra anterior.
Cuesta más adaptar la estructura a su argumento; queda claro que está creada para la primera propuesta , pero se consigue, dotándola de movimiento y de pequeños elementos que sirven perfectamente como marco para la mágica música de Puccini.
Y es que en este caso, la emoción deriva fundamentalmente de los aspectos sonoros , que desde el escenario, alcanzan el patio de butacas, trasladándonos toda su belleza.
Considero que el final, esa escala de neón , esa desnudez que parece despojar el escenario y dejar la tramoya al descubierto, es coherente: una forma que tiene Pasqual de decirnos que eso sólo es posible desde el punto de vista teatral, que no comulga y no se cree ese final inmerso en la salvación del alma, una manera de hacer terreno lo divino.
Otra elección. De nuevo válida aunque discutible.
Sin duda dos de los elementos protagonistas de la función son la iluminación y la escenografía.
Sobre la primera poco que decir más que que resulta absolutamente perfecta , con capacidad para crear paisajes interiores y trabajar totalmente a favor de la narración , desde la limpieza al sobrecogimiento.
Sobre la escenografía , que antes califiqué de brutal y podría calificarse de potente y por supuesto valiente , creo que es un excelente ejercicio estético; quizás, repito, más adecuada para Il Prigionero, pero que también cumple como escenario conventual.
En definitiva , tanto musical como teatralmente , un espectáculo muy bueno, cuestionable como cualquier manifestación artística pero que sin duda alcanza el nivel que debe de exigir el público de un teatro como el Real de Madrid.

Público    

lunes, 5 de noviembre de 2012

CINE: FRANKENWEENIE de Tim Burton

USA. 2012
Dibujos Animados

Creo que , sin olvidar esa extraña obra maestra llamada Ed Wood , cuando el genio creativo de Tim Burton alcanza su máxima expresión es en las películas de animación ( La Novia Cadaver o su contribución a Pesadilla antes de Navidad ) o en aquellas que , a pesar de utilizar personajes reales , se acerca en estética y libertad a este género , como en Eduardo Manostijeras.
Está claro que su imaginación necesita poder utilizar materiales totalmente moldeables para acercarlos a su mundo personal.
Otras adaptaciones como Sleepy Hollow o Sweeny Todd me parecieron , si bien correctas , mucho más encorsetadas.
Por ello, no es raro que en este pequeña joya , Frankenweenie, nos encontremos al autor en su plenitud , con toda su frescura y su ingenuidad, con sus ganas de disfrutar y de hacernos disfrutar.
Y además, en esta particular versión del mito de Frankestein , Burton incluye todas sus obsesiones , sus códigos:
La historia sucede en un barrio residencial americano, un lugar paradisiaco si no fuese por aquellos que lo habitan ; la colección de personajes , remite directamente a los tipos más identificables del género de terror , y en este sentido, la colección de niños del colegio es absolutamente genial; también , aprovecha para lanzar un mensaje de defensa del riesgo, de la investigación , de la aventura.
En definitiva , Burton vuelve a ser ese niño capaz de ver la vida por delante como un gran bazar , lleno de juguetes, no todos ellos inocentes pero sí suceptibles de ser utilizados.
Y por supuesto, el cine , un sustrato cultural que está de alguna manera en toda su obra de chaval de sesión continua y que aquí aparece en múltiples referencias , algunas tan claras como Greemlins o Godzilla y otras , como el molino de la traca final, que pueden remitir a infinidad de recuerdos cinéfilos.
Pero creo que lo mejor es en este caso , que Burton no olvida sus sentimientos , y el sentimiento principal , en este niño grande , es la ternura, y así, Frankenweenie es , en definitiva , una película sobre el amor y los buenos sentimientos que , además de hacernos reir en muchas de sus escenas , nos acaricia el corazón , sobre todo en un final delicioso.
Si bien podría parecer que su vinculación a Disney ha acercado a su autor a un público infantil, lo cierto es que esta película es Burton total y absolutamente , sin ninguna concesión que , por otro lado, no es necesaria.
Es un niño contando historias a niños , o a aquellos que , por unos momentos , podemos volver a serlo.
El resultado, ya lo he dicho, es una pequeña joya .

Público   

lunes, 29 de octubre de 2012

CINE: LOOPER de Rian Johnson

USA. 2012
Joseph Gordon- Levitt. Bruce Willis. Emily Blunt. Paul Dano. Noah Segan. Piper Pebard. Jeff Daniels

La ciencia ficción , tanto en cine como en literatura , es un género que tiene amantes ( entre los que me encuentro ) o detractores .
Creo que los que disfrutamos con él somos muy exigentes, en algo tan difícil ante su propia naturaleza como es la coherencia y la credibilidad.
En este segundo punto, se exige la originalidad de los planteamientos que servirán de base para el desarrollo de la historia, pero también que estos respondan a una estructura preestablecida y no a la absoluta arbitrariedad de su creador ( bien sea escritor bien , como en este caso, director y guionista ).
Pero eso no es todo : cuando hablo de coherencia, me refiero a la capacidad para , con los mimbres que se han determinado, hilvanar una historia.
Nada menos.
Por eso es tan de agradecer cuando nos encontramos con una joya como Looper , y más si no llega precedida de demasiada fanfarria , sino que tenemos la siempre tan agradable sensación de descubrimiento.
El punto de partida no está lejos de H.G. Wells, Dick y otros grandes: una vuelta de tuerca hasta ahora insólita para algo ,por otro lado tan manido, como los viajes en el tiempo. Los loopers son asesinos del presente ( un presente situado en el 2044 ) que acaban con gente del futuro.
La presentación , la descripción de la situación, es modélica, a base de acciones y sin necesidad de subrayados; sorprende y tensa.
Luego viene la historia a desarrollar , y desde el negro inicial, esta se tiñe de un romanticismo gris, de un cúmulo de sentimientos , que consigue que en la tensión se cuele la emoción.
Es difícil despegar los ojos de la pantalla; que duda cabe que la trama es compleja y tienes la sensación de que , si lo haces , no tardarás en encontrarte perdido en la maraña, pero esto también ocurre porque Rian Johnson bebe de los mejores escritores de novela negra , tanto a la hora de perfilar a sus personajes como de dar ritmo a la acción.
Además , la ciencia ficción en cine tiene otra exigencia. No podemos olvidar que el cine es imagen . Frente a estructuras estéticas basadas en el exceso, Looper se decanta por pocas referencias para señalar que no estamos en nuestros días y un desgaste urbano muy atractivo pero que además encaja a la perfección en la suciedad moral de los personajes que pueblan este mundo. Así la estética está totalmente vinculada al contenido, a esa necesidad de supervivencia que puede llevar , desde a asesinar a un niño a sangre fría a traicionar al mejor amigo.
Y es que en Looper no hay héroes.
El resultado es apasionante.
Sin duda , hay puntos del guión en que se transmite la propia incoherencia del viaje en el tiempo. Necesitaría una segunda visión para aseverar que puede haber alguna vuelta de tuerca cuestionable. Pero los aficionados al género, somos gente que , una vez que tenemos claro que se nos está tomando en serio, estamos dispuestos a creer.
Looper es una película, eso sí, para aquellos a los que nos gusta la ciencia ficción , dado que es una absoluta inmersión en sus códigos. Pero es también una gran película.
Creo que sería aventurado hablar de ella, como he leido, como el Blade Runner de este siglo; en cualquier caso, el tiempo dirá donde la coloca. Por mi parte , en un lugar de culto.

Público 

sábado, 20 de octubre de 2012

CINE: SAFETY NOT GUARANTEED de Colin Trevorrow

USA. 2012
Aubrey Plaza. Mark Duplass. Jake Jonhson

Recuerdo los años del despertar del cine independiente americano, cuando llegaron a nuestro país las primeras películas de Jarmush y Alan Rudolph, entre otros, y se convirtieron en éxitos en los Cines Alphaville, cuna de la versión original en Madrid.
Sorprendían esos autores que, con muy poco dinero y mucho talento, contaban historias hasta entonces alejadas de los circuitos comerciales.
Luego nació Sundance como paritorio de ese tipo de cine.
Pero aun así, creo que en muchos casos se perdió la esencia, la frescura, en definitiva lo que les hacía diferentes.
Por eso es tan gratificante cuando uno se encuentra una obra como esta.
Una chica algo desubicada, se encuentra con dos compañeros de la revista donde trabaja, intentando crear una historia a partir de un extraño anuncio en un periódico.
En él, alguien solicita acompañante nada menos que para realizar un viaje en el tiempo.
Y en el fondo, es un viaje así el que realizan esos tres "turistas": uno abriéndose al mundo, otra encontrando una historia de amor, y el tercero, descubriendo que los viajes al pasado sólo son posibles con una máquina del tiempo, exista esta o no.
Además, el personaje central, el guía de la aventura, nos tendrá durante hora y media pendientes de si estamos en la ciencia ficción o en la locura.
El guión de esta pequeña obra es una absoluta gozada, y la realización opta por una sencillez que la convierte en un artefacto ligero como una pluma , dulce como el azúcar y tan inteligente como un crucigrama.
Y sobre todo es fresca, joven, original.
Todavía no se ha estrenado en España, espero que cuando lo haga recupere esos éxitos que hicieron que las pantallas de versión original en nuestro país, se multiplicasen por cuatro.

Público  

NOVELA: CUERVOS de Jonh Connolly

Tusquets- Colección Andanzas
380 páginas

Creo que ya lo he dicho alguna vez: Connolly se ha convertido en un vicio personal.
Esa conversión del género negro en el de terror, ese magma que recorre la serie de Charlie Parker, como un personaje maldito que navega entre el bien y el mal, esa forma de hacer que los humanos convivan con espectros.
En Cuervos,  se mezclan tres capas de negro:
Comienza como un cuento de terror, que recupera lugares comunes como el bosque y los pájaros de mal aguero; algo así como el secuestro de Caperucita.
Desarrolla una trama de mafias, de matones, de caudillos y de bandas.
Incluye, tiene como centro, una trama policiaca que implica a varios personajes en un pequeño pueblo donde nada es lo que parece.
Negro sobre negro. Lo que a veces puede hacer que la oscuridad sea excesiva.
Además, el mayor problema de Cuervos es un entramado excesivo en su desarrollo, finalmente poco creíble en su sofisticación.
De todas maneras, Connolly sigue siendo capaz de dibujar escenas que hacen temblar al más valiente y de crear estructuras que resultan apasionantes de seguir.
Espero que en sus próximas novelas vuelva a primar la atmósfera sobre una complejidad excesiva.
En cualquier caso, Cuervos me lo he leído en dos días.

Público

CINE: CORIOLANUS de Ralph Fiennes

UK. 2012
Ralph Fiennes. Gerard Butler. Vanessa Redgrave. Jessica Chastain

Coriolano no es una de las obras de Shakespeare más conocidas en nuestro país, sin embargo creo que es uno de los personajes más sólidos creados por su autor.
Ese déspota, ese soldado que sin duda merece honores por su forma de luchar pero no por entender al pueblo, esa máquina de batalla creada por su madre con el único objetivo de ser un vencedor y a quien la fisura del amor termina costándole la vida.
Asimismo, en la sobria pieza, está rodeado de otros dos personajes que son fantásticos contrapesos: su antagonista en el campo y su antes citada madre.
Fiennes decide localizar la acción en una especie de guerra europea, como las que hemos contemplado hace poco , a través de la televisión, en Bosnia o Sarajevo, y utiliza asimismo los noticiarios como herramienta de desarrollo de la acción. Todo ello nos acerca el conflicto, que quizás sólo no queda del todo resuelto, en las escenas que tienen al pueblo como protagonista.
Pero lo que hace destacable esta película es la interpretación que el actor/ director hace del personaje central, brutal, totémica, de una fuerza avasalladora; quizás por eso el  personajede Gerard Butler parezca no tener la fuerza suficiente, produciendo cierto desequilibrio. A cambio, Vanessa Redgrave nos recuerda porque es una de las actrices más grandes que nunca han existido.
Un buen Shakespeare.
Y es que tengo la sensación de que cada actor británico tiene uno dentro.

Público

CINE: A ROMA CON AMOR de Woody Allen

USA/ Italia. 2012
Woody Allen. Judy Davies. Alec Balwin. Penélope Cruz. Jesse Eisenberg. Ellen Page. Roberto Benigni

No puedo evitar, viendo otra de las "películas turísticas" de Allen, recordar la que para mi es su peor obra, Vicky Cristina Barcelona, y compararla con esta.
En su "pieza española", todo era una colección de tópicos, por otro lado mal entendidos y encajados, rodeados de un mosaico ruborizante de postales.
Estoy seguro que ni siquiera Laporta en su mayor delirio, negara que Roma tiene al menos tantos lugares dignos de ser fotografiados como Barcelona.
Sin embargo, esta vez Allen hace una película en Roma y no decorada por Roma. Esta fluye a la perfección como fondo de las historias.
Así, en este pequeño decamerón, está por supuesto la pasión por la ópera, también la evocación que produce la ciudad en quien la ha vivido en su juventud, el famoseo que Berlusconi generó en su Tele 5 ( y que tan pronto y tan bien se exportó ), el enredo de alcoba con ladrón incorporado e incluso una Caribia resabiada, con cuerpo y gestos más a lo Magnani (  y que también se llama Ana ).
Además , Allen vuelve a ser muy libre en su escritura, mezclando la farsa con el absurdo, librándose del corsé que parecía tener en la, para mi sobrevalorada, Medianoche en París.
De acuerdo que no es de las mejores obras de su autor, no se recordará entre las grandes, pero tiene un tono general encantador, divertido, fresco.
Ya querríamos , en lugar de lo que tuvimos, un A España con amor. Quizás en Madrid aun estemos a tiempo.

Público