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miércoles, 29 de diciembre de 2010

NOVELA: CRIMEN EN DIRECTO de Camilla Lackberg


Maeva
412 páginas
Otra reina escandinava de la novela negra, bonita frase publicitaria, como si fuesen características cuya mezcla implicase la adscripción a un género.
Después de la decepción de Assa Larsson ( increible ¡ sigue publicando y vendiéndose ! ) no esperaba mucho.
Sin embargo...
Empecemos por el final: Crimen en Directo es una novela entretenidísima, de las que te zampas en tres días y con unos standares de calidad superiores a la media.
Vamos por partes:
El ambiente geográfico, dado al frío y a la oscuridad, tiene cierto reflejo, pero estamos lejos de las brumas de Mankell y sus malos imitadores.
La influencia más palpable en esta novela, son sin duda las series de televisión de caracter coral, donde un grupo de personajes con un lugar de encuentro común ( puede ser desde un bar a un despacho de abogados o la redacción de un periódico, en este caso una comisaría ) , tienen cada uno su propia entidad y sus circunstancias y avatares, que corren paralelos a la trama principal.
Si bien algunos pueden revestir mayor o menor interés, están perfectamente medidos para que no lastren el desarrollo de lo que es realmente importante y, al mismo tiempo, definen y ubican perfectamente a cada uno de los personajes.
Finalmente, el meollo de la cuestión, las pesquisas policiales, entretienen, tensan y sorprenden, y se aderezan con algunas referencias de actualidad como en este caso los reallity shows.
No he leido nada más de esta autora, pero me atrevería a decir que existe incluso una continuidad abierta en sus novelas, por las referencias a sucesos anteriores y la puerta abierta a una nueva trama que encontramos en su conclusión.
En cualquier caso, la estructura está perfectamente controlada .
Lo dicho, un buen entretenimiento de calidad, de consumo rápido pero sabroso. Creo que volveré a probarlo.
Público

martes, 28 de diciembre de 2010

BALLET/ TEATRO INFANTIL: LA NIÑA FAROLA de Compañía Carmen Roche


Idea original y coreografía- Amaya Galeote
Música - Marc Alvarez
Dirección - Carmen Roche
Con:
Reyes Ortega- Yuka Iseda- Edgard Chan- Ana Ponce- Pedro Santos.
No quiero repetirme: aquellas propuestas destinadas al público infantil que se ponen en pie con el mismo cuidado, dedicación y compromiso que si fuesen destinados a adultos, me llegan al instante. Creo que tomarse tan en serio a un tipo de espectadores que tiene menos acceso a la queja y que generalmente no tienen capacidad de prescripción más allá de la de sus padres, supone una gran honestidad y mucho amor al teatro. Son quienes las ponen en pie los que merecerían el fruto de sus esfuerzos, cuando estos pequeños tan bien tratados se conviertan en un público abierto, exigente y agradecido.
Pero dejemos el tema, creo que pongo algo parecido cada vez que hablo de espectáculos infantiles, y vayamos al que ahora nos ocupa:
El Ballet de Carmen Roche no falla nunca. He disfrutado con mis hijas de su deliciosa Cenicienta y de un bromista y brillante Patito Feo.
Ahora por primera vez, creo, no recurre a cuentos clásicos y elabora el espectáculo a partir de una idea propia, actual en su concepción, con un punto de magia y simple desarrollo.
Habla de diferencia, de descubrimiento y amistad a través de cinco personajes perfectamente arquetípicos y absolutamente reconocibles para los niños, y sobre todo, a través de una coreografía ágil, divertida y que no elude la traslación de las sensaciones más dramáticas, fundamentalmente la soledad.
La limpia escenografía , a base de proyecciones, es capaz de crear imágenes muy potentes y empujar el movimiento. Y la iluminación pinta de colores brillantes los diferentes sentimientos por los que navega esta pandilla.
La Niña Farola es un ballet muy hermoso.
Y sobre todo, es un ballet en el que no se ha rebajado un ápice la calidad frente a cualquier espectáculo adulto.
Es precioso ver la sonrisa de los niños al abandonar el teatro. Ellos se lo merecen, pero no todos o no siempre nos damos cuenta.
Público

lunes, 27 de diciembre de 2010

TEATRO INFANTIL.: MICROTEATRO POR DINERO INFANTIL ( Varios )



Cuatro piezas:
1.-The Elixir of Existir
Compañía Las Botas de Lluvia
Andrea Soto- Alvaro Lizarrondo
2.- El Banco
Compañía Nibu Teatro
Silvia Nieva- Mónica Beiza
3.- Los Cuidadores de las Letras
Compañía Tarita
Vicente Aguado- Mary Carmen Melero
4.- El Cumpleaños de la Luna
Creado por Miguel Alcantud y Fernanda Mushico

Madrid se ha convertido en los últimos años en una ciudad donde el teatro es protagonista, no sólo por la cantidad de propuestas que se ven enriquecidas en la confluencia de espacios públicos como los Teatros del Canal, el CDN, la Compañía Nacional de Teatro Clásico o la Abadía, sino también por haberse disgregado en un off que da lugar continuamente a propuestas experimentales de peso.
Supongo que ya se ha leido mucho sobre esta: el Microteatro en una antigua carnicería de la calle Loreto y Chicote, y personalmente todavía no he encontrado el hueco para acudir ( una de las cosas que más me apetece ) .
Lo que he tenido la suerte, inmensa suerte, de disfrutar hoy es su propuesta infantil, y de eso voy a hablar:
Como introducción, sólo recordar mi lucha por que el público infantil merezca un respeto como público y no se pretenda alimentarlo de cualquier cosa.
En segundo lugar, citar la dificultad epidérmica de estar en un recinto donde la distancia entre actores y espectadores no existe.
Y , en este caso, aumentado por el poco tiempo de duración de cada pieza y la variedad del programa.
El resultado es un coctel que contiene toda la magia del teatro: creernos cualquier cosa que nos cuenten, generar universos paralelos, viajar a lugares remotos y, sobre todo, reirnos y divertirnos mucho.
El Banco recuerda al cine mudo de Charlot y Buster Keaton.
Los títeres y la luz de El Cumpleaños de la Luna me recuerdan al mejor Fabretti.
Los Cuidadores de las Letras sorprenden con una mezcla de ternura y surrealismo limpio.
Y The Elixir of Existir en una gozada de gamberrada y cuento.
Ha nacido pues una nueva iniciativa que, sin ir por los caminos trillados, nos ayuda a que nuestros hijos crezcan siendo un público agradecido y exigente. En todos los aspectos de la vida.
Y algo así sólo se puede aplaudir y desearles el mayor de los éxitos.
Gracias

Público

viernes, 24 de diciembre de 2010

NOVELA: DUBLINESCA de Enrique Vila - Matas


Seix Barral
Biblioteca Breve
325 páginas
No soy un lector de Vila- Matas
Debo decir que no soy un buen lector de Vila- Matas: conozco alguna de sus obras, más o menos novelas, y reconozco su inteligencia, siempre pareja a un humor delicado, su extensa cultura y su capacidad para algo tan maravilloso como convertir en juego la literatura.
Dublinesca tiene todas sus virtudes que en esta ocasión orbitan alrededor de los más encumbrados nativos de Dublín: Joyce y Beckett, y a partir de ahí, nos posicionamos, como siempre, en el interior de ese personaje que tanto parece tener del propio escritor y vivimos esa doble trayectoria, convertida en aventura, donde los excasos acontecimientos exteriores se convierten, no sólo en motivos para la reflexión y el análisis, sino también en piezas capaces de ir creando una dimensión diferente, un mundo que tiene mucho de fantasmagórico y, sorprendentemente , tambien de real.
Su prosa es de una calidad totalmente envidiable que la convierte en perfecta, brillante y ligera, y que permite que circulemos por sus páginas admirándola pero además con absoluta fluidez.
En resumen Vila- Matas, intelectual, minoritario, es también sin duda un ejemplar único en las letras españolas.
Y como he dicho, yo no soy un buen lector suyo:
Con todo lo que he dicho ¿no debería de leerlo más ?
Público

lunes, 20 de diciembre de 2010

CINE: BALADA TRISTE DE TROMPETA de Alex de la Iglesia

España. 2010
Carlos Areces. Antonio de la Torre. Carolina Bang. Sancho Gracia. Manuel Tejada.

Por mucho que lo intento, no consigo recordar otra película donde lo mejor ocurra antes de los títulos de crédito iniciales y en ellos.
Y es que los quince primeros minutos de esta cinta , son un logro absoluto: tanto al trasladar la oscuridad de una infancia destrozada por la guerra ( ese circo en penumbras , esos payasos grotescos , ese plano casi onírico del pequeño y el leon ) como al realizar un potente recorrido icónico por el desarrollo de una España que desde la barbarie llega a la mediocridad.
A partir de ahí, comienza la historia , sin duda con ideas y con un imaginario visual de circo de los horrores muy explotable ... pero el director parece tener prisa en la creación de sus monstruos , y es desde ese momento donde , según mi opinión , la cinta se pierde en un carnaval sin sentido, en un conjunto de escenas violentas que sólo parece buscar la acumulación y que carece de cualquier racionalidad que lo haga aceptable.
Sin duda Alex de la Iglesia es capaz de crear imágenes potentes y existen destellos como cuando el payaso triste le dice al niño "no te tengo miedo" , pero es muy poco en un conjunto que , intentando beber del esperpento, se olvida que también en ese caso, como en cualquier género, hacen falta unas reglas de coherencia.
Se ha acuñado el adjetivo "Tarantiniano" para utilizarlo de la forma más superficial: frente al exceso de sangre y furia , se olvida lo bien escritas que están las películas del director americano. Balada Triste parece por contra no estar escrita.
Un último apunte : El Valle de los Caidos y algún otro cromo, parecen trasladar que esta película tiene mucho de profanación o de exorcismo. Lo siento. No es que no comulgue con esos anhelos , es que creo que existen formas más adecuadas de trasladarlos , y no por ello menos rabiosas o efectivas.

Público

sábado, 18 de diciembre de 2010

NOVELA: TODO LO QUE SE LLEVO EL DIABLO de Javier Pérez Andujar


Editorial Tusquets
Andanzas
290 páginas
Dentro de la novelística histórica, existen aquellas que narran sucesos y las que pintan paisajes.
En este último caso, está claro que la traslación, como en la pintura, tiene más reflejo de superficie que profundidad y, para no agotarse en si misma, deben de ser breves.
Javier Pérez Andujar, centra su relato en las misiones pedagógicas y además lo enlaza con varias situaciones actuales que otorgan cierta perspectiva a lo que se cuenta.
Y lo hace con un pincel hermoso, ligero, literario y clásico.
Con ello consigue, según mi opinión, una buena obra, sin duda cuestionable por el riesgo que asume, pero capaz de trasladar una atmósfera, una sensación y muchos hilos que son muestra de las diferentes historias que ocurrían a su alrededor.
Me gusta mucho esa fusión de la traslación de la cultura a los rincones más recónditos de la península con el origen de la misma en esos mismos rincones, devolver al pueblo lo que ha creado, dejar claro que la fuente de la verdadera cultura son las leyendas y los cuentos de antaño, aquellos que de boca en boca surgen de la necesidad de afrontar los miedos y las ansiedades del ser humano.
Y así, algunas de esas historias forman parte narración, donde pueden convivir loberos y ánimas, recolectores de palabras y asesinos inesperados.
Puede echarse de menos que el interés creado no se documente, o que la tragedia sea algo artificial.
Pero personalmente, repito, me parece una opción arriesgada pero lograda y descubro una pluma de muy buen escritor.
En este caso el paisaje tiene sus colores, algo añejos, nunca brillantes, pero tampoco planos, y en los contornos de la sombras se deja entrever lo poco que tardaran sus habitantes o lo poco que ya han tardado, en convertirse ellos también en leyendas.
Público

lunes, 13 de diciembre de 2010

NOVELA: EL MANUSCRITO DE PIEDRA de Luis García Jambrina


Editorial Alfaguara
314 páginas
Sé que llego a este libro unos años tarde. De hecho, he llegado hasta él animado por los buenos comentarios recibidos por el segundo de la serie. Cuando fui a por él, me enteré de que este existía y decidí comenzar por el principio.
Y cayó en apenas cuatro días.
El Manuscrito de Piedra se adscribe en el ahora tan popular género del thriller histórico. Que lejano El Nombre de la Rosa y cuantos hijos ha tenido.
Generalmente, lo más importante en estas novelas es el equilibrio: no olvidar la adecuación del trasfondo histórico sin pecar de excesiva erudición y no olvidar tampoco que el thriller debe de tener tensión, intriga y misterio.
Además, también es necesario adecuarlo al escenario elegido y no pecar de anacronismo.
Con todos esos mimbres, hay cestos mejores y peores, algunos pura flor de un día, desgraciadamente frecuentes en las listas de ventas; otros verdaderas obras maestras.
El Manuscrito de Piedra, queda en el medio:
Es una buena novela, bien planteada y mostrando un extenso conocimiento del que en ningún caso alardea en exceso. La intriga es correcta y se degrana con los tiempos adecuados. La conclusión no decepciona.
En una Salamanca que tiene mucho de cuna del conocimiento pero que también se llena con las luces y sombras de la intriga, se cruzan conversos, inquisidores, putas y adoradores del diablo, y por supesto clérigos y estudiantes, entre estos últimos está quien ejercerá de detective bajo el nombre, nada menos, que de Fernando de Rojas.
¿ Apasiona ? pues no, la verdad, pero entretiene y, sobre todo, traslada el esfuerzo de un trabajo bien hecho. Rodeados de tanta "literatura" de usar y tirar, esto me merece mucho respeto.
Y además nos regala un homenaje a La Celestina y a su autor, y eso tengo la sensación de que está hecho con el cariño de quien debe mucho a sus primeras lecturas.
En resumen: volveré a por el segundo, que por cierto se llama El Manuscrito de Nieve
Público

CINE: POESÏA de Lee Chang- dong


Coreo del Sur. 2010-
Yun Jung- Hee
En tiempos de crisis , la palabra "reinvención" se convierte en paradigma . Parece que es necesario hacer las cosas de forma diferente aunque sólo sea como etiqueta .
Está bien buscar nuevos caminos , pero la búsqueda en si no es garantía de nada . Y, sobre todo, es necesaria una limpia previa entre lo que es una verdadera pasión por buscar nuevas formas frente al simple adorno que busca una modernidad impostada.
Asimismo, aquellos que buscan nuevos caminos, no tienen porque ser enterradores del precedente.
Y en estas situaciones , sorprende encontrar obras que buscan su excelencia desde el hecho de aferrarse al clasicismo.
Lee Chang- dong ya demostró en Secret Sunshine que un melodrama podía ser un fantástico melodrama sin necesidad de romper con la tradición y que , al margen de escenarios y costumbres , ser un representante del cine asiático , no implicaba necesariamente ser diferente.
En este caso , la situación se repite; y es que el argumento de Poesía podría tener lugar en cualquier sitio y de hecho puede hasta llegar a sonar conocido: abuela - coraje a cargo de un nieto cercano o caido en la delincuencia al que quiere apartar del mal camino, sea cual sea el esfuerzo ; ¿ nos suena ? hemos visto historias similares situadas en EEUU, en España, en la Europa del Este etc. Y desde ese punto de vista , no hace falta engañar : es lo de siempre.
Lo que no hay siempre , es un excelente creador detrás ; un cineasta capaz de escribir un guión como si fuese una novela y dotarlo, en su traslación a la imagen , de una sensibilidad plena .
Creo que el hallazgo de Poesía está en el análisis de la importancia de observar , con líneas paralelas : cuando su protagonista , buscando la esencia de la belleza , decide pararse a observar el mundo que la rodea , esas pequeñas cosas que lo convierten en hermoso, es también cuando la vida le lleva a observar su realidad más sórdida, más dura , y le hace afrontarla.
Estas dos palancas pueden en algunos momentos llegar a funcionar por vías paralelas , y en este sentido, el alzehimer me parece un hallazgo por la levedad de la que dota al conjunto, donde llegamos a dudar de su grado de consciencia de la situación en diferentes momentos.
Es tal la empatía que es capaz de generar el director , que no tardamos en convertirnos nosotros en verdaderos observadores, a fin de cuentas es retomar la esencia del cine : ver.
Y así , llegar a un final donde estamos plenamente identificados incluso con el drama de un personaje que ha sido sólo una sombra.
A todo ello hay que vincularle la capacidad de crear el reflejo un ser humano ( no es menos ) de una forma delicada y meticulosa , y entregárselo a una actriz capaz de descubrir todos sus recovecos, en una interpretación absolutamente memorable.
Dudo que algún occidenta conociese a Yun Jung- Lee , pero también dudo de que a partir de ahora pueda olvidarla.
Poesía es una película dura y también una película muy hermosa , y un ejemplo único de narrativa equiparable a los clásicos.
Y sirve para recordarnos que ser clásico no es malo, y que no debemos de buscar otro lenguaje si no estamos preparados para ello o no lo requiere aquello que queremos contar.
Siempre existirá el corazón , cambie lo que cambie.
Público

domingo, 12 de diciembre de 2010

TEATRO DE MARIONETAS: LA FIESTA DEL EMPERADOR de W.A. Mozart- Cía Karromato de Praga

Teatro de Marionetas
Compañía Karromato de Praga
Director: Luis Montoto
Manipuladores: Francesca Zoccarato. Pavla Srncova. Luis Montoto

El teatro de marionetas de hilo, el de toda la vida, siempre me ha parecido un campo maravilloso para la creación. Si bien el menor nivel de realismo asumido hace que las posibilidades sean infinitas, las limitaciones vienen del propio utillaje, lo que hace que la imaginación adquiera más valor convirtiéndose en algo necesario.
En el caso que nos ocupa, enmarcado dentro del siempre excelente programa pedagógico del Teatro Real, además tiene un peso importante la tradición :hablamos de una compañía taller de Europa del Este, donde disciplinas como esta parecen mucho más respetadas que en nuestro país y donde la educación musical parece ocupar un lugar más destacado.
Con estos mimbres, se teje un espectáculo que es estéticamente una verdadera joya y que, en cuanto a ritmo, creatividad y precisión, sólo puede decirse que esta a la altura de la música de Mozart.
El encargo de una ópera al compositor , se convierte en una hora trepidante de divertidísimos hallazgos, donde el teatro de sombras contribuye a dar distancia y profundidad y donde las carcajadas de pequeños y mayores no pueden sino mezclarse con la admiración que produce la belleza.
Enhorabuena a los tres manipuladores que habrían parecido ser treinta, pero sobre todo, a todos los que están alrededor de esta delicia que transmite amor y respeto a los niños, a la música y al teatro.

Público

jueves, 9 de diciembre de 2010

NOVELA: EL AÑO DEL DESIERTO de Pedro Mairal


Salto de Página
308 páginas.
Cuando, gracias a recomendaciones en El Cultural de El Mundo ( el perfecto amigo de cualquier lector ) uno descube una novela tan absolutamente magistral como esta, le asaltan, como poco, dos dudas:
La primera, como afecta la mercadotecnia al mundo editorial para que una obra de semejante calibre no se haya convertido en un suceso.
La segunda, la que verdaderamente me compete, como hacer un comentario al respecto sin desmerecer su calidad literaria, la potencia de su imaginación, la dureza y la contundencia de su contenido, su fuerza y su extraña poesía.
La respuesta es : desde la humildad de quien sabe que difícilmente será capaz de escribir un sólo capítulo de la altura de este libro, con lo que poco más que recomendarlo fervientemente va a poder hacer.
La obra comienza en una Argentina en crisis, donde la imaginación entra a través de metáforas tan lúcidas y surrealistas como la Intemperie, y donde todavía tiene cabida cierto humor.
A partir de ahí comienza una odisea hacia el horror donde la barbarie se cruza con el primitivismo, donde cada escalón va perfectamente engarzado al anterior y donde todos los episodios tienen la densidad que otorga una narración siempre coherente y puntillosa, capaz de otorgar realismo a esta oscura fantasía y de poblarla de una fauna plural y de una riqueza tan apabullante como extraordinaria.
Todo ello , con un lenguaje precioso, flexible , que parece pegarse a los sucesos que cuenta como la piel que los recubre, y que otorga una consistencia casi física a todas las páginas.
Recuerdo otras novelas sobre el apocalipsis de una civilización, ahora me vienen a la mente El Pais de las Ultimas Cosas de Auster o La Carretera de McCarthy, pero en esos viajes la devastación era ya el fondo; Mairal se atreve a crearla y a seguir la epidemia, y el viaje de su protagonista llega a convertirse en una epopeya del nivel de El Corazón de las Tinieblas.
Espero que alguien, aunque sólo sea un lector más como yo, siga descubriendo y recomendando esta novela, y que pronto pueda llegar al lugar que merece.
Gracias Mairal, seas quien seas.
Público

martes, 7 de diciembre de 2010

TEATRO INFANTIL: DESCUBRIENDO LA OPERA de Producciones Gentiles


Autores: Angel Castilla y Angel Walter
Intérpretes: Angel Castilla. Angel Walter. Raquel Cordero. Rosa María Hoces. Celia Laguna
Cuando yo era pequeño ( no hace tanto ) la ópera era un espectáculo como poco para mayores de dieciocho, por no decir de cincuenta.
Los niños a los que se veía en una función de bel canto eran, o bien trasuntos del repelente niño Vicente o sufridores bien educados en el arte de la paciencia.
Sin embargo los tiempos cambian, en este caso gracias a Dios, y cada vez son más las propuestas tendentes a acercar a todos los públicos este género.
Aquí hemos comentado ya algunas propuestas, con el Teatro Real como buque insignia pero también con apuestas de compañías con tanta solera como Els Comediants ( Allegro Vivace).
Ahora llega al Teatro Alfil este entretenido pastiche didáctico, muy simpático en su planteamiento y muy bien armado, absolutamente disfrutable y afinado.
Partir de hacer cercanas las historias que cuenta , me parece acertado, pero es importante la música, por supuesto, y en este sentido, es de reconocer que, junto a las balas más tradicionales, tengamos la oportunidad de disfrutar de canciones menos conocidas y bellísimas de Lakme de Delibes, Xerxes de Haendel o Rita de Donizetti, y que los niños puedan darse cuenta de que algunas como la obertura de Guillermo Tell o la marcha nupcial de Lohengrin les resultan totalmente reconocibles.
Si además coreamos el Toreador , por ejemplo, está asegurado que al salir, la ópera ya no les causará repelús.
Misión cumplida.
Público

lunes, 6 de diciembre de 2010

CINE: TAMARA DREWE de Stephen Frears


UK. 2010
Gemma Arterton. Roger Allan. Bill Camp. Dominic Cooper. Luke Evans. Tamsin Greig. Jessica Barden
Si revisamos la filmografía de Stephen Frears, no podemos evitar sorprendernos por la absoluta variedad de propuestas y tonos.
Buscando los dos extremos, parece mentira que quien se inicio cuestionando la moral británica con tres cintas seguidas como Mi Hermosa Lavandería, Abrete de Orejas y Sammie & Rosie Get Laid, terminase con algo tan respetuoso con la monarquía inglesa como La Reina.
En medio ha habido propuestas de terror gótico como M Really, comedias como Hero o Mrs Henderson Presenta, sin olvidar la excelente adaptación de un material ajeno y en principio lejano como Dangerous Liaisons.
Supongo que con todo esto, podíamos llegar a la tan repetida conclusión de que nos encontramos ante un artesano. Pero no deberíamos dejar de lado cierta sorna, cierta ironía afilada que decora sus proyectos más personales. Y no es cuestión de tiempo: aparece y desaparece de vez en cuando.
Tamara Drewe está basada en una novela gráfica, y , supongo que como consecuencia, adolece de cierta superficialidad.
Eso no es malo, cierta ligereza ha dado frutos tan maravillosos con La Regla del Juego de Renoir, por buscar también una referencia campestre.
De hecho, la colección de personajes, bastante lograda, daba para una propuesta de ese tipo, y así funciona en los mejores momentos.
Pero no puedo decir que el resultado general me haya parecido satisfactorio: la campiña inglesa es un territorio rico, no sólo por lo que aglutina sino también por lo que significa, esa mezcla de suburbio y retiro, de tradición y aburrimiento, de buenos modales y flema británica con el fondo rural.
Si bien no es nueva, la historia de la outsider que regresa triunfadora, sin saber ella misma si busca venganza o refugio, da para mucho; las remoras del pasado están bien planteadas, tanto en el hombre mayor como en el joven; el coro de escritores ( que buen inicio ) daría mucho juego. Pero me falta definición y me sobra exterior en el desarrollo
Y, sobre todo, me falta gracia, crítica y mordacidad en el tono, que sufre bastantes altibajos.
Los artesanos saben hacer bien las películas, y en este sentido, la factura de Tamara Drewe no decepciona, pero no puedo dejar de imaginar lo que hubiese ocurrido si, con este material, se mezclasen una gotas de Samie & Rosie, Mi Hermosa Lavandería o Café Irlandés. Seguramente habría sido una delicia, pero esa no es esta correcta cinta.
También el encanto de Gemma Arterton merecía un poco más.
Recomendaciones:
del mismo director:
"Mi Hermosa Lavandería"
"Abrete de Orejas"
"Dangerous Liasons"
"Heroe por Accidente"
"Los Timadores"
"Mrs Henderson Presenta"
" La Reina"
y esperemos que en el futuro, muchas más.
Público

domingo, 5 de diciembre de 2010

CINE: MEGAMIND de Tom McGrath


USA.2010
Animación
Sólo hay que mirar alrededor cuando hoy día uno acude a ver una peli de animación, para darse cuenta que es un género que ha ensanchado sus horizontes y que ahora abarca mucho más que el público infantil.
De alguna manera, se ha generado una nueva modalidad de comedia, generalmente más gamberra y, por supuesto, imaginativa, pero capaz de atraer al mundo de los adultos sin que ya precisen la cohartada de pedir prestado a un sobrino.
Esta nueva situación, es un arma de doble filo con aspectos positivos y otros quizás más cuestionables:
En el lado bueno, si se pretende llegar a un público más elaborado, los argumentos y sus desarrollos también deben de serlo. Es apreciable el que se exija tanto a un guión de una película de animación como a cualquier otra película.
El aspecto más cuestionable es que en ocasiones, esos argumentos, se sofistiquen en exceso , alejándose del público infantil y llenándose de chascarrillos que ellos nunca podrán identificar.
Megamind puede estar en el límite en algún momento, no tanto por la propuesta en si como por su desarrollo. Hay alguna vuelta de tuerca que puede chocar a los más pequeños.
Pero también tiene mucho de bueno: un diseño de personajes excelente, mucho ritmo, momentos muy divertidos y una buena visión del bien y el mal. Quizás la ironía sobre los superheroes la pillen sólo los mayores pero es genial.
En resumen , un muy buen entretenimiento, de un género que comienza a tener ya sus singularidades, sus subgéneros y que, cada vez esta más segmentada por el público al que va dirigido.
Público

viernes, 3 de diciembre de 2010

CINE: UNCLE BOONMEE RECUERDA SUS VIDAS PASADAS de Apichatpong Weerasethakul

Tailandia 2010
Thanapat Saisaymar. Jenjira Poingpas. Sakda Kaewbuadee. Natthakarn Aphaiwonk. Geerasak Kulhong
Con esta película de AW ( no voy a volver a intentar escribir correctamente el nombre de su director ) me gustaría hacer el ejercicio del crítico: sentar a varios en una sala vacía , sin referencias ni apuntes previos , y posteriormente leer sus comentarios al respecto, seguro de que sería un magnífico ejemplo de pluralidad ( y desconcierto , porque no ) .
Salvando casos más definidos , creo que con ello constataríamos algo tan importante como la subjetividad de la propia crítica, y en general , de cualquier visión ante una manifestación artística, lo cual no es malo ni extraño. Es simplemente humano.
Y es que , la absoluta libertad de AW al conformar su obra , apela de una manera directa a dicha subjetividad, siendo bastante difícil establecer líneas coherentes de trabajo.
Vayamos al resumen , lo que me parece más determinante : Uncle Boonmee es una película que parece jugar constantemente a expulsarte de ella.
A escenas de un puntillismo cotidiano ( la palabra realista sería una aberración en este caso ), siguen rupturas incomprensibles , cuando creemos que hemos atrapado un hilo de la narración, el siguiente lo descuartiza , frente al drama , aparecen situaciones ( y ojo, aquí hay que tener en cuenta que la lejanía de la cultura tai puede convertirnos en turistas cinematográficos ) que parecen más cercanas a la comedia .
Hay en momentos en que creemos bucear en el surrealismo, sin embargo , en el fondo subyace una narración absolutamente normal en su planteamiento.
Hay monos fantasmas y seres humanos que sufren, soldados y princesas, peces mágicos , fábulas y recuerdos , espectros que comparten la cena y cuevas que recuerdan el útero materno.
Todo ello hasta llegar a la secuencia final, un giro absolutamente genial por atrevido e inteligente.
En general , no puede dejar de sorprenderme la absoluta falta de trascendencia general del tono, la sensación de ligereza y la ausencia de poesía impostada en fondo y forma.
Y es que su director no parece estar preocupado en aparentar ,nada más allá de trasladar en imágenes algo que quiere ¿contar?.
Personalmente me fascina por momentos , me divierte otros , y como experiencia no me la habría perdido por nada del mundo.
No quiere decir esto que la considere la obra maestra que muchos describen , supongo que mi interior más tradicional necesita algunos códigos reconocibles que aquí no encuentro.
Las entrevistas y artículos leidos sobre el autor , todavía abren más las posibilidades.
Y quizás ese sea el mayor logro de Uncle Boonmee: convertirse para todos en un infinito caudal de sugerencias y lecturas donde todas son válidas.

Público

miércoles, 1 de diciembre de 2010

NOVELA: LECCIONES DE OLVIDO de Anita Nair


Duomo Ediciones
Colección Nefelibata
372 páginas
Conocí a esta escritora hindú hace años por una novela tranquila y deliciosa titulada Un Hombre Mejor, donde, salvando las distancias, aparecía con el ligero aliento de un Jean Renoir ( cine ).
Luego Las Nueve Caras del Corazón, pegó el giro hacia un romance barroco donde el drama adquiría consistencia.
De algún modo, Lecciones... mezcla ambas posiciones, incluyendo además cierto recuerdo de mi admirada Anne Tyler:
Por un lado tenemos el entorno cotidiano de una madre y esposa abandonada, su análisis del pasado desde la sorpresa del presente, su desconcierto y sus pequeños pasos hacia el futuro, los sentimientos que se multiplican en continuas combinaciones, su entorno.
En paralelo tenemos la tragedia de un hombre, la peor, el sufrimiento extremo de una hija a la que ama con toda su alma y su búsqueda de la verdad.
Alrededor ,el paisaje de la India, que si evita cualquier tipismo folclórico, también pierde cierta capacidad de marco, salvo en la zona de mayor oscuridad.
En Lecciones hay muchas cosas que me gustan, pero también me pesa cierto desequilibrio, cierta duda sobre el interés o la mera utilidad de los personajes secundarios, y lo que en muchas ocasiones me parece una estructua inteligente y controlada, en otras se hincha y se demora. Por último, y esto es un problema personal, por regla general tengo problemas con aceptar las excesivas coincidencias, me pasa siempre; aunque se que se dan en la vida ,me incomodan en el arte.
Pero me quedo con una escritura fluida y precisa; con una capacidad preciosa para captar momentos, y con la virtud de dar verdadera hondura psicológica a sus personajes, llenos de las contradicciones de cualquier ser humano, trasladando la sensación de que sólo se está acariciando la superficie.
Y queda también la perfecta trasmisión del dolor de un padre. Pero esto también puede ser personal.
Recomendaciones:
de la misma autora:
"Un Hombre Mejor"
"Las Nueve Caras del Corazón"
Ambas en Editorial Alfaguara
Público

sábado, 27 de noviembre de 2010

NOVELA: EL SUEÑO DEL CELTA de Mario Vargas Llosa


Editorial Alfaguara
445 páginas

Hace pocos días que nos alegrábamos por la concesión del Nobel de Literatura a Vargas Llosa, y con ese motivo, recordaba su capacidad de narrador, su vocación de contador de historias y su dominio de las estructuras para englobar la suma de perspectivas.
En este caso, se adentra en la Historia a través de un personaje complejo, Roger Casement, que fue un importante elemento en la denuncia de las atrocidades de la conolización en el Congo, involucrado también en las estaciones de recolección de caucho en el Amazonas, y que finalmente fue condenado a muerte por su participación en las revueltas nacionalistas irlandesas.
La investigación ha sido sin duda prolija: cada una de las tres partes , está profusamente documentada, tanto en lo que se refiere a personas como a sucesos.
No hay nada que decir por tanto con respecto a la faceta de crónica, tampoco por supuesto a lo que es propiamente la escritura y mucho menos a su estructura, a su capacidad de saltar del presente al pasado, de un lugar a otro y de un suceso en un continente a la sordidez de una celda.
Mi problema con El Sueño del Celta es de fondo, y es que creo que , en el caso de esta novela, echo de menos al fabulador, al escritor alquímico que asoma en tantas de las obras de Llosa, el que es capaz de fundir fondo y forma en una amalgama perfecta que no nos hace avanzar sino que nos lleva de la mano hasta su conclusión.
Aquí me falta algo desde el inicio: no encajo el fondo del personaje , sus intenciones, su interior, con los diferentes episodios de su vida, creo que la vinculación que intenta poner cierto orden en los porques , es un poco artificial y se queda en la superficie, y lamentablemente tengo la sensación de que también la complejidad del protagonista se despacha de forma simple , sin profundizar.
El material me parece de una gran riqueza pero creo que hay un exceso en datos y una carencia en pasión.
Me gustaría sentirme más cerca de este soldado de la justicia, saber algo más de los orígenes que lo vinculaban al nacionalismo y su necesidad de cariño, su soledad, el dolor de su diferencia.
En cambio, sigue siendo para mi un misterio.
Creo que El Sueño del Celta es un trabajo esforzado, comprometido, pero siento que, desde el inicio, no encuentra el tono adecuado.
O tal vez... sea mi problema. He leido críticas excelentes. Me habría gustado poder hacer lo mismo. Vargas Llosa me parece un incontestable. Quizás por ello le exija siempre demasiado.
No me hagais caso ¿vale?

Público

viernes, 26 de noviembre de 2010

CINE: 18 COMIDAS de Jorge Coira


España 2010
Luis Tosar. Esperanza Pedreño. Sergi Peris Menchetta. Victor Clavijo. Pedro Alonso. Cristina Brondo etc
Siempre me han valido de mucho los críticos. Se puede decir lo que se quiera de esa profesión ( supongo que sobre todo cuando, como dice su nombre te "critica" ) pero en mi caso son una referencia que, en muchos casos, me han llevado a descubrimientos y me han evitado decepciones.
Este caso es uno de ellos, de los primeros; y es que no es probable que hubiese ido a ver esta película si no hubiese leido las alabanzas de El Pais y Metrópoli.
¡ Lo que me hubiese perdido!
Ahora escribo con la urgencia de intentar devolver el favor del destino: hacer que alguien, por leerlo aquí, también pueda disfrutar de ella.
No sé porque cuando se habla de cruce de historias en cine todo el mundo cita Vidas Cruzadas de Altman, pues yo tengo que decir que 18 Comidas me gusta el doble, en primer lugar porque con mucho menos cuenta mucho más.
Pero vayamos por partes:
Son efectivamente 18 los personajes que conviven en esta jornada estructurada en tres partes alrededor de las tres comidas principales del día. Algunos están más desarrollados, otros funcionan de apoyo o sus historias sirven para apuntalar el entramado general, pero uno de los aciertos de este guión milimétrico e inteligente, es conseguir que todos, incluso los dos ancianos que pasan por la pantalla en silencio, tengan su entidad y merezcan estar ahí.
No sólo tenemos el presente, lo que ocurre en esta encrucijada: es fácil intuir desde donde viene cada conflicto, y la historia, las historias, se abren siempre a un futuro.
Otra apuesta del director es reducir la escena al micro por lo que se refiere a duración, con lo que el ritmo, gracias también a un excelente montaje, es continuo.
Y dos últimas apreciaciones que no se pueden olvidar: por un lado , toda la cinta se mueve en un tono de equilibrio ligero que traslada cierta delicada levedad, quedándose a las puertas del drama y de la comedia pero sin forzar la entrada en ninguna; y por supuesto, el elenco de intérpretes absolutamente genial en el que todos son capaces de otorgar los matices de sus tipos desde la contención.
18 Comidas es una película muy simpática a pesar de tener elementos de melodrama y estar cerca de provocar alguna lágrima.
Pero se merece un gran éxito por ser sobre todo una película excelente.
Hacedme caso: no os la perdais.
Público

miércoles, 24 de noviembre de 2010

NOTA CORTA : Ana María Matute PREMIO CERVANTES

Cuantas alegrías en poco tiempo, primero el Nobel de Vargas Llosa y ahora tu.
Enhorabuena. Y ,aprovechando la ocasión, gracias.
Por tantas páginas y sueños, capaces de convertir los territorios míticos de Gudú en escenarios reconocibles y transitables , y las calles del Madrid de la postguerra en paisajes de cuentos.
Me gusta tu tono, tu imaginación, la serenidad de tu escritura...
Acabo de escucharte en una entrevista , cosas del Premio, y ahora puedo decir que también me gusta tu simpatía, tu felicidad, tu buen conversar...
Hace no mucho, comenté aquí Paraiso Inhabitado; espero no tardar mucho en tener la oportunidad de hacerlo con alguna nueva novela. Y si no, volveré a las antiguas. Te lo prometo. Eres de los cuentistas que siempre tendrás un estante en mi biblioteca interior.
Gracias y enhorabuena, amiga.

Público

TEATRO: LA VIOLACION DE LUCRECIA de William Shakespeare


Intérprete: Nuria Espert
Dirección: Miguel de Arco
Si alguna vez el teatro fue magía , fue aquí.
Si alguna vez desde un escenario nos trasladamos a otro tiempo y a otro lugar con el sólo poder de la palabra recitada.
Si alguna vez un texto, bellísimo, ha llegado cristalino, transparente , con toda su carga poética y narrativa sin que una pise a la otra en ningún momento.
Si desaparece el mundo más alla del escenario.
Que breve , que perfecto, que único.
En La Violación de Lucrecia asistimos a la ceremonia de la narración en su más puro estilo, a la representación más meticulosa , engarzada pieza a pieza para conformar un tesoro único.
Sin que haga falta mucho : una voz , unos gestos , una luz , un sonido...
Y ella.
Nuria Espert que comulga con todos y cada uno de los que la escuchan como si nos estuviese hablando al oido. Desde su interpretación de los diferentes personajes que componen el drama hasta su posición de narradora del mismo, de cuentista , de maga.
Se ha dicho todo , es una de las grandes , cada apuesta es más arriesgada y está más conseguida.
Y al final, el público en pie . Como en el teatro.
Si alguna vez me sorprendió que Madrid siguiese existiendo al salir de un sueño...
Público

domingo, 21 de noviembre de 2010

NOVELA: EL CASO KURILOV de Irene Nemirovsky


Editorial Salamandra
Narrativa
155 páginas
Hay carreras literarias que parecen estructuradas como si en si mismas fuesen también una novela; y no me estoy refiriendo en este caso a la trágica y azarosa vida de su autora, sobre la que ya comenté en alguna entrada, sino a la cadencia de aparición de la que estamos disfrutando en nuestro país.
El descubrimiento fue su novela postuma, la inigualable Suite Francesa, una joya que se podía entender como un compendio de las muchas cualidades de su literatura, estas que, poco a poco, íbamos a ir descubriendo en sus piezas breves , aquellas que comenzaron a llegar después, en una esperada y siempre bienvenida marcha atrás.
Me refiero a El Baile, El Maestro de Almas o El Ardor de la Sangre o la que ahora nos ocupa.
Y entre esas cualidades me gustaría referirme a tres, patentes en Kurilov:
Por un lado, Nemirovsky, en una geografía literaria sorprendentemente ambiciosa, se ha conformado como una cronista de una época y una sociedad que se aventuraba en un duro periodo de guerras. Así, si en ocasiones nos expuso las ambiciones de una nueva burguesía fruto del dinero rápido o la pssicología como moda, necesaria en tiempos de incertidumbre, aquí asistimos al análisis de aquellos personajes que conformaron la base de las revoluciones sangrientas y el origen de las mismas como respuesta a situaciones de absoluta podredumbre .
En segundo lugar, la autora es única en su capacidad de trasladar la psicología de sus personajes, desde una sencillez que es capaz de mostrar las contradicciones del ser humano con total credibilidad, en este caso, las de quien comprende o no sabe si llega a comprender, el valor de una vida .
Y, por último, sería injusto no citar su exquisita prosa y su capacidad de síntesis, aquella que consigue que 150 páginas sean suficientes para contar una larga historia en todos sus rincones.
Nemirovsky es sin duda una de las plumas importantes de la literatura europea, y para ello sólo necesióo contar aquello que tenía cerca, lamentablemente el mundo se acercaba a momentos trágicos y ella fue una víctima más, pero antes pudo dejarnos sus recuerdos, sus ficciones y, seguramente, también sus dudas sobre el futuro que todos aquellos sucesos iban a conformar.
Recomendaciones:
De la misma autora y todas en Editorial Salamandra:
"Suite Francesa"
"El Baile"
"El Ardor de la Sangre"
"El Maestro de Almas"
Público

viernes, 19 de noviembre de 2010

NOVELA. LA ULTIMA NOCHE EN TWISTED RIVER de Jonh Irving


Editorial Tuquets
Colección Andanzas
700 páginas
Como punto de partida quiero decir que no sé muy bien por qué he leido tan poco a Irving. Creo que sólo conozco otra obra suya y no existe ninguna razón por la que no sigo a este autor que, por otro lado, cuenta con tantos adeptos. Es de esos casos en que seguramente nunca me ha atraido lo suficiente pero tampoco me causa ningún rechazo. Y para acabar con la introducción, tampoco tengo muy claro porque sí me he decidido en este caso.
Bueno, el caso es que tras dos semanas, he terminado esta larguísima narración, y tengo que decir que el resultado es muy satisfactorio, en el aspecto más clásico .
Vamos a ver, si intentamos poner en común lo que todos entendemos por novela desde que comenzamos a ser lectores , estoy seguro que coincidiremos en un "paquete básico": una narración larga, cubriendo un extenso tramo temporal y siguiendo las peripecias de diversos personajes a los que acabamos haciendo nuestros.
Esto es Twisted River, y lo es muy bien:
Desde 1.950 hasta pasado el año 2.000 , caminamos junto a Danny Angel y su padre a través de varias localidades y, de alguna manera, de varias vidas; a su alrededor, van surgiendo diversos personajes que ocupan su propio espacio; al final, tenemos la sensación de que todos ellos han pasado casi a formar parte de nuestra familia.
Y es que, por encima de las diferentes tramas perfectamente perfiladas , por encima de la capacidad de describir lugares y momentos a través de múltiples detalles que conforman un perfecto mosaico de la sociedad de cada momento, lo que destaca en este obra es el excelente catálogo de tipos , todos perfectamente perfilados, cada uno con su presente, su pasado y su alma, y su sitio en el relato.
Entre las setecientas páginas hay, como en todas las largas novelas, momentos en que nos gustaría apremiar la narración, pero no se puede juzgar la buena literatura por nuestra pereza. En la estructura y el desarrollo de esta obra , está la maestría de un muy buen narrador.
Sobre todo, hay mucha emoción y grandes dosis de entretenimiento.
El resumen es ese, el que producen las novelas sólidas, el disfrute de la lectura. Nada más y nada menos.
Público

CINE: AITA de Jose María de Orbe


España. 2010
Luis Pescador. Mikel Goenaga
Si el cine en principio era imagen , sobre todo imagen , Aita es sin duda una película que remite a lo más básico del séptimo arte.
A la hora de contar , más bien mostrar , esta historia ( llamémosle así ) , su director no utiliza prácticamente texto ( sólo para puntuar de alguna manera la temática del relato ), ni movimiento ( inexistente ), ni ningún otro efecto más allá que la plasmación de imágenes en una labor de costura en apariencia anárquica pero, presiento, en realidad inteligentemente elaborada.
Con ello se marca la primera paradoja de esta obra : lo que se presenta ( y sin duda lo es , en el panorama cinematográfico actual ) como una obra de vanguardia , remite en realidad al concepto más primitivo del cine.
La segunda es que , si bien Aita puede parecer en principio una pieza cerrada , críptica , creo que su atrevimiento es verdaderamente el contrario : ser una cinta absolutamente abierta , donde , al margen de ciertas luminarias para centrar el camino, la interpretación está en función de la sensibilidad o la percepción del espectador , siendo suceptible de múltiples lecturas.
Para mi Aita es un hermoso cuento de fantasmas , delicado y lleno de ternura , pero también puede ser un exquisito recorrido por la decadencia , o un catálogo sobre los efectos del paso del tiempo, o una fusión entre el último aliento del ser humano y los lugares que este habitó.
Ante una película así, sólo me caben los extremos : o dejarme llevar y disfrutarla como una experiencia absolutamente personal e íntima aunque venga de la mano de un creador externo , o aburrirme. En mi caso, Aita forma ya parte de aquellas obras que han conseguido que las haga mías . Pero esto no es obviamente una recomendación.
Una referencia más : Aita se ha estrenado en Madrid el viernes 13 de noviembre en un sólo cine , ayer eramos dos personas en la sala y a los cuarenta minutos me quede sólo . Al salir , pude comprobar como los empleados de los Verdi cambiaban el cartel por un nuevo estreno.
Ha durado una semana , siete días .
Sólo puedo pensar que he tenido suerte de llegar a tiempo.
Público

lunes, 8 de noviembre de 2010

OPERA: OTRA VUELTA DE TUERCA de Benjamin Britten

Teatro Real de Madrid
Director musical: Josep Pons
Director de escena : David McVicar
Emma Bell. John Mark Ainsley. Marie McLaughlin. Jacob Ramsay Patel. Nazan Friket. Daniela Sindram
Lo que voy a decir puede ser una chorrada ( máxime teniendo en cuenta que no soy un experto ni en ópera ni en Britten ) , pero tengo la sensación de que las obras de este autor, musicalmente hablando, están hechas para ser vistas más que oidas. Me explico que noto que vamos mal: frente a otras óperas que sirven de banda sonora para cualquier cosa, las partituras de Britten me parecen caligráficas y dotadas de un aliento narrativo que las hace magníficas cuando se escuchan en la representación de la historia.
No sé si lo he dejado muy claro, pero bueno, supongo que no es muy importante.
En el fondo lo que quiero decir es que escuchar un cd de Britten no tiene nada que ver con disfrutarlo en escena, unida a la representación teatral.
Bien. Siguiendo en la misma línea, tengo que decir que la música de Otra Vuelta de Tuerca , me ha parecido preciosa, hipnótica, absolutamente sugerente y evocadora, capaz de servir totalmente a la creación de la atmósfera turbia y de las complejas relaciones de esta tétrica historia.
Avanzando, creo que también el libreto merece consideración especial: mi recuerdo de la novela de Henry James es la de una historia de fantasmas suceptible de ser percibida como una evocación interior de un personaje traumatizado; en este caso, los fantasmas adquieren cuerpo y, aunque el prólogo deja siempre abierta la opción antes citada, la narración se abre a otras posibilidades donde también los espectros parecen adquirir caracter de víctimas; además, pienso que el nivel de perversión sugerido en este caso es mayor, la confusión de donde se encuentra realmente la inocencia parece recorrer toda la trama ; con ello, creo que la traslación es perfecta y que incluso la enriquece, generando infinidad de aristas y sin perderse en la intención de ofrecer ningún tipo de claridad . En definitiva creo que está muy por encima de lo que habitualmente es el libreto de una ópera.
Cualquier interpretación es válida, lo que se nos ofrece es una especie de conjunto de espejos deformados que parecen rebotar unos en los otros.
Y dentro de esto , es ya necesario hablar de la propuesta teatral de McVicar, y en ese sentido tengo que decir que, si bien no aporta nada nuevo, cumple perfectamente con el objetivo de servir a la narración, hacerla fluida, y crear movimiento. Todo ello creando cuadros de una belleza oscura llena de sombras y reflejos, gracias entre otras cosas a una delicada iluminación.
Quizás podría echarse en falta un poco más de fuerza, entre otras en la escena final, pero la representación que se ofrece en el Real de este cuento oscuro es una excelente muestra de ópera de cámara.
En definitiva, mi primera incursión en la era Mortier, me hace albergar estupendas expectativas. Que se cumplan.

Público

sábado, 6 de noviembre de 2010

CINE: LA RED SOCIAL de David Fincher


USA. 2020
Jesse Eisenberg. Andrew Garfield. Justin Timberlake
Puede parecer un axioma algo artificial, pero resulta cuando menos curioso que la primera película conocida de las dirigidas por David Fincher fuese Alien III, el monstruo por excelencia. Lo digo porque a partir de ahí, este director se ha especializado en outsiders más o menos llamativos.
Así ocurrió con el protagonista de El Club de la Lucha, el asesino de Seven o el de Zodiac ( este último, una ausencia ) o , como no Bejamin Button.
En este caso la parábola tiene una lectura más compleja ya que ese ser extraño, no sólo no presenta rasgos excesivamente diferenciados de sus congéneres ( más allá de los meramente extravagantes ) sino que además se encuentra inmerso en uno de los paisajes más respetados de los EEUU : la Universidad de Harvad.
Y para terminar de complicarlo, llega a ser un ejemplo paradigmático de éxito y riqueza.
Sin embargo, nuestro protagonista es un cerebro asocial, un ser que cambiaría todas sus capacidades por ser uno más, en constante estado defensivo y, posiblemente, con unas conexiones interiores a las que no llegamos ni a asomarnos.
La historia que nos ocupa, basada en una biografía obviamente no autorizada, sobre el nacimiento de Facebook, sirve de nuevo a Fincher para demostrar su dominio narrativo, incluso con materiales tan pelígrosos, tan susceptibles de la complejidad excesiva o el maniqueismo más burdo. De acuerdo que el guión es excelente pero el director aporta un ritmo absolutamente medido y ( a ver si consigo explicarlo ) una especie de escenario en que la levedad con que están tratados los espacios, se enclavan con solidez en la variante tiempo, verdadero lienzo de esta película.
Por lo demás, en muchas ocasiones tengo la sensación de que, a la búsqueda de la claridad narrativa, Fincher recurre a símbolos de siempre: el eterno enamorado en silencio, el amigo fiel, el personaje diabólico... incluso los gemelos tienen cierto aire de referencia cómica clásica.
Y con todos esos mimbres , fluye esta historia, que de algún modo ya forma parte de la Historia, de fraternidades y traiciones, de genios y oportunistas, acelerada por los ritmos en que el éxito social y económico ha eclosionado en los últimos años.
Al final tengo la sensación de que el monstruo ha comprendido que, por mucho que haga, siempre seguirá siendo diferente , y es a partir de ahí donde decide tomar las riendas. Seguramente si hubiese sido capaz de percibir esto antes, sus decisiones no hubiesen estado tan peligrosamente influidas por la envidia o la frustración. Pero en cualquier caso, está donde está. Solo. Absolutamente solo.
Público

miércoles, 3 de noviembre de 2010

TEATRO: TORVALDO FURIOSO de Lucia Vilanova


Director. Lino Ferreira
Interpretes . Inma Nieto y Julio Cortazar
Prueba de que la escena teatral madrileña está muy viva, es que ,de propuestas en inicio experimentales, salgan resultados tan redondos como ocurrió la pasada temporada con La Función por Hacer o esta con este Torvaldo que, espero, corra la misma suerte que aquella.
No hacen falta grandes presupuestos ,ni textos de reconodido calado o escenografías aparatosas.
En este caso bastan ( nada menos ) que dos actores perfectos, capaces de regalar a su papel todos los matices necesarios sin dejarse llevar por los recursos fáciles del humor, capaces de transformarse sin moverse del escenario recorriendo la gama de sentimientos que les impone el desarrollo de la trama, capaces , en definitiva de sostener sólo ellos, una pieza de hora y diez minutos.
Basta ( nada menos también ) un director capaz de extraer de cada frase el tono necesario para que encaje en el ritmo general sin salirse de su carril, de conseguir que no desafine ninguno de los muchos elementos con los que juega y, sobre todo, que los giros sean naturales, de asumir la dualidad teatro/verdad. De llegar así hasta el final.
Y basta ( tal vez debería de haber empezado por ahi ) un texto que sabe a donde camina y no se deja llevar por atajos o soluciones fáciles, que sabe utilizar recursos de farsa, de drama, de alta comedia, y mezclarlos en una masa perfecta, que es generoso en su contención. Un texto que maravilla por la riqueza de lo que ofrece en tan poco tiempo.
Pero Torvaldo Furioso no es sólo eso, sino además un ensayo demoledor sobre la mezquindad, sobre los valores de la sociedad en lo que vivimos y los sucedaneos en los que muchas veces se han convertido los sentimientos.
Partiendo de un inicio que roza el teatro del absurdo y que poco a poco se va desvelando, haciéndose reconocible, en este Torvaldo se habla de maltrato, de prostitución , de consentimiento , de un materialismo rabioso, de crueldad ( se me ha quedado clavada la frase "existen internados" que llegan a pronunciar en diferentes momentos los dos protagonistas, ninguno inocente ) y se hace con una cercanía que nos aterra, sobre todo cuando recordamos que nos hemos reido.
El precioso Teatro La Abadia, dentro de su siempre coherente programación, lo ha rescatado de las salas alternativas por tres días, y yo lo he disfrutado gracias a la recomendación de la Guía del Ocio ( Bendita Rosana Pastor, nunca falla ). Espero que sea sólo el principio de una muy larga vida y que a sus artífiices les queden ganas de seguir regalándonos mucho teatro.
Público

NOVELA: COMO VIAJAR SIN VER de Andres Neuman


Editorial Alfaguara
250 páginas
Considero El Viajero del Siglo una de las grandes novelas que he leido últimamente.
Cuando me encontré con Como Viajar sin Ver , me resultó imprescindible, no sólo por compartir autor , sino también por su vinculación a aquella:
Este compendio de notas, libro de antiviajes o antilibro de viajes tradicional, es el fruto de la gira de Neuman por Latinoamérica con el objetivo de presentar el Premio Alfaguara. Sentí que de alguna manera, posiblemente un absurdo por mi parte, iba a recuperar algunos de los momentos de placer que me habían proporcionado su anterior obra.
Si digo absurdo es por la absoluta disparidad de contenidos: frente a literatura paladeada del primero, aquí la urgencia y la inmediatez es un valor; lo que allí era una unidad sorprendente en su volumen ,aquí es dispersión.
Sin embargo si recuperé algo: a su autor. Y es que un libro de estas características deja mucho de quien lo escribe.
No tengo la suerte de conocer a Andres Neuman, pero ahora lo imagino como un hombre literario, basto en cultura, lúcido, generoso, comprometido y con un notable sentido del humor. Excelente compañero de viaje, que es lo que tengo la sensación de haber hecho con esta lectura.
Por lo demás, su visión atípica dice mucho más de lo que conocemos tradicionalmente, mostrando un continente de semejanzas y contrastes, donde la riqueza de cultura y tradición cohabitan con la pobreza de hambre y futuro, donde el lenguaje es un ser vivo, mutable, magnético, y cualquier texto puede convertirse en poesía, esté donde esté escrito y sea cual sea su finalidad. Un territorio de martires y supervivientes, de santos y dictadores, y con un porcentaje de literatos superior al de cualquier biblioteca.
Tal vez Como Viajar sin Ver no sea un libro necesario ( ¿ alguno lo es ? ) pero para mi se ha convertido en algo así como un buen amigo. No sé si me explico.
Recomendaciones:
Del mismo autor :
"El viajero del Siglo" Editorial Alfaguara
Público

lunes, 1 de noviembre de 2010

CINE: COPIA CERTIFICADA de Abbas Kiarostami


Francia. Italia. Irán 201o
Juliette Binoche. William Shimell
Escalar montañas, descubrir continentes, buscar tesoros... Personalmente creo que no hay aventura más compleja y apasionante en la vida de cualquier ser humano que el amor, la pareja, la convivencia decidida de dos personas en el devenir cotidiano, influido por aquellos cambios de paisaje , sociedad y cultura que siempre nos afectan; también por los cambios que , de forma independiente, cada uno va experimentando fruto de la madurez. Y afrontar como todo ello lleva a mutar una relación inicial donde el futuro no era más que un espejismo, como se sostienen los cimientos, o como se desmoronan, aunque esto último no sea sino el final de la aventura, la rendición, la elección de la derrota.
Pienso también que hay pocos caminos en la vida que dependan tanto de nuestra decisión, de nuestra actitud y nuestro empeño. De seguir, de luchar, de vencer.
Y por supuesto, estoy convencio que hay pocos tesoros tan gratificantes como compartir silencios sabiendo que nunca se va a estar solo.
Copia Certificada, este largo diálogo de dos personajes es un compendio de todos aquellos momentos que cualquier pareja ha vivido o puede vivir, y si somos capaces de escucharla palpando también los contrarios ( ¿ que pasaría si la reacción de él o ella fuesen otras? ) nos encontramos no sólo con un cuadro de la decadencia de un amor sino con un espejo enciclopédico en el que, como estos personajes que tantas veces parecen reflejarse interrumpidos, podemos reconocernos.
Creo que todos, en alguna ocasión, llegamos a ese punto donde para aceptar el amor exigimos ser amados como amamos nosotros. Estos dos tristes paseantes retratan ese momento con la precisión de un cirujano. A partir de ahí sólo queda la generosidad, que posiblemente sea una de las formas más veraces del amor.
Copia Certificada opta por la sinceridad y en ese sentido, siendo cine de ficción y consecuentemente impostura, es asombrosa la verdad que destila cada fotograma, como si el corazón estuviese presente en cada fotograma. Como un sacrificio de la intimidad, de un interior doloroso.
Sólo un apunte a la caligrafía de Kiarostami: conocía alguna de sus cintas, preciosas, en la arena de Irán, había percibido la naturalidad de A Través de los Olivos o El Sabor de las Cerezas, casi documental. Aquí juega con la tan comentada elipsis que sirve para trasladarnos el comienzo y el final, hay reflejos, escenarios que parecen enmarcar sofisticadamente las dos unidades protagonistas, hay por tanto un mayor trabajo caligráfico, al menos en apariencia. ¿ Como consigue entonces que la naturalidad siga siendo la misma?¿ como es capaz de mantener esa aparente sencillez, esa fluidez, esa transparencia?.
Seguramente si no fuese así, Copia Certificada sería otra película de amor, mejor o peor, pero otra más. Con esto, Copia Certificada es una película sobre el amor, y en esa diferencia está gran parte de su singularidad y su importancia.
Como en los ojos de Binoche, en sus sonrisas esforzadas y en su negativa a rendirse. En la belleza de un rostro generoso y triste.
Quizás el sonido de las campanas sea un atisbo de esperanza, o mucho más: el anuncio de un decubrimiento, de algo que siempre estuvo dentro. Una banda sonora del corazón. Un final ... sí, ¿por qué no ? feliz.
Recomendaciones:
Del mismo director.
"A través de los olivos"
"El sabor de las cerezas"
Público

sábado, 30 de octubre de 2010

NOVELA: CONVERSACION EN LA CATEDRAL de Mario Vargas Llosa


Con motivo de la concesion del Nobel de Literatura a Vargas Llosa, hablaba el otro día de su calidad de narrador, su aire clásico y su compromiso con la literatura y la búsqueda de nuevos lenguajes.
De todas maneras, a pesar de mi admiración , todavía hay novelas de este escritor que se me han escapado de las manos; como un homenaje particular pensé que podría ser el momento para descubrir la que, entendía, estaba considerada una de sus obras más políticas.
Y tengo que decir que lo que me encontré es, por fondo y forma, lo que considero es una de las novelas esenciales de la literatura en castellano y que, por si misma, justificaría cualquier galardón.
Fondo:
El paisaje del Perú de la dictadura quizás haya sido el culpable de la fama "política" de Conversación...; sin embargo hay mucho más. El poder y sus resortes, que tiñen obviamente la sociedad de su tiempo, son sólo un personaje más, o quizás el personaje culpable, de la amoralidad y los bajos instintos en que parecen moverse todo y cada uno de los múltiples hombres y mujeres que habitan sus páginas.
Incluso cuando aparecen algunos sentimientos que podríamos destacar por su limpieza, no tardan en ser engullidos por la necesidad de supervivencia, cubiertos por sus absolutos contrarios.
De sus cuatro partes perfectamente diferenciadas, una de ellas está claramente centrada en la política y sus mecanismos, pero el resto se mueve entre las personas, a las que, en sus pequeñas tragedias, otorga la grandeza de cualquier protagonista.
No sé si Vargas Llosa quiere decirnos que un gobierno corrompido ( diferencia con corrupto ) sólo puede dar lugar a una podrida sociedad, o la lectura sería la contraria.
En cualquier cosa es demoledor su fresco humano del Perú, un país pequeño pero con enormes e insalvables grietas entre blancos e indios, entre clases sociales, entre opresores y oprimidos.
Forma:
Conversación en la Catedral es una auténtica obra maestra de técnica narrativa, desde un diálogo que sirve de remembranza del pasado, infinidad de formas y sonidos se mezclan, se juntan, se dispersan, encontrando diferentes voces, diferentes aromas, pero sin duda regidos por una guía subterranea que consigue darle a todo ello orden y sentido.
Conglomerado de historias diversas y de estilos, Conversación es posiblemente de las obras más cercanas a la novela total, enciclopédica. Absolutamente lograda en todos sus términos.
Sólo un genio, capaz y comprometido podía asumir un empeño de esta magnitud din salirse en ningún momento de la perfección.
Lo dicho: la historia recordará a Vargas Llosa como uno de los Nobel incuestionable.
Público

sábado, 23 de octubre de 2010

CINE: GA'HOOLE, LA LEYENDA DE LOS GUARDIANES de Zack Snyder


USA.2010
Dibujos Animados
Verdaderamente, tengo que reconocer que con esta película, como si fuese una pieza de la Nouvelle Vague, me tengo que cuestionar la labor de la crítica.
He leido, con motivo de su estreno, diversos comentarios bastante negativos sobre su argumento, la confusíón que produce (?), su oscuridad... etc etc
Y me pregunto ¿ que es lo que se espera de una película infantil? :
Que tenga un argumento que se entienda y donde los pequeños puedan identificarse heroicamente.
Que tenga una estética atractiva, original, inventiva.
Que divierta.
Que sea honesta , que se tome en serio al público al que va dirigido.
Creo que sin duda Ga'Hoole cumple con todas estas condiciones.
Esta aventura de lechuzas guerreras tiene mucho de eso: de película de aventuras, y en ello hay buenos y malos, descubrimientos y traiciones, vuelos panorámicos ( seguramente excelentes en 3D ) y peleas a cámara lenta ( que no deben sorprender a nadie teniendo en cuenta que el director es el mismo que el de "300" ).
Bueno, supongo que algo habrá que yo no veo y que ponga de acuerdo a críticos para considerarla dentro de los fracasos. Pues que suerte he tenido, porque os aseguro que yo y mis seis pequeñas acompañantes lo hemos disfrutado como si fuese el primer Indiana Jones.
Público

viernes, 22 de octubre de 2010

NOVELA : EL CLAN DE LA FOCA- CRONICAS DE LA PREHISTORIA II de Michelle Paver


Editorial Salamandra
248 páginas.
Ya lo anuncié cuando descubrí Hermano Lobo : estoy dispuesto a terminar toda esta serie de Crónicas de la Prehistoria.
Y visto lo visto y si las cosas continuan como en las dos primeras , entregas , no voy a tardar mucho en terminar.
Siguen aquí las aventuras de Torak, Renn y Lobo, y una vez más sosprenden por la calidad y cantidad de su universo imaginario, moviéndose siempre entre la arqueología y la fantasía y por su perfecta técnica narrativa capaz de integrar a la perfección las diferentes tramas.
Sólo un apunte : como ocurrió en su día con Indiana Jones y el Templo Maldito, la novela me parece algo oscura para un público juvenil , de todas maneras , sirva como referencia que , consultando la página web original, descubrí que en inglés su título no hace referencia a la prehistoria sino, literalmente a "ancient darkness" , es decir, serían las crónicas de la antigua oscuridad , lo que las acerca más a lo que realmente son .
En cualquier caso no hay pegas : es una lectura apasionante recomendable para todos aquellos capaces de disfrutar entre páginas.
Público

CINE: PAN NEGRO de Agusti Villaronga


España 2010
Francesc Colomer. Marina Comas. Nora Navas. Roger Casamajor. Lluisa Castell. Merce Arenaga. Marina Gatell. Elisa Crehuet. Laia Marull. Eduard Fernández. Sergi López
Lo primero que sorprende en un cineasta tan singular como Villaronga es que Pan Negro es facilmente enmarcable sobre el papel en gran parte de la producción española de los últimos años:
Se asienta en la postguerra, en el bando de los vencidos.
Retrata la miseria y el miedo.
Tiene como base una fuente literaria.
Narra una historia de crecimiento, de aprendizaje.
Sin embargo, lo que convierte esta cinta en singular es precisamente todo aquello que la diferencia de los esquemas tradicionales:
No hay exploración sobre la Guerra Cívil que se conforma sólo como el escenario de fondo.
No es nada complaciente con los perdedores , no hay ningún amago de santidad en el retrato de ninguno de ellos.
La miseria no se recrea en aspectos externos , sino que lo que verdaderamente le interesa al director es retratar la miseria moral.
Y el guión , integrador de varios relatos del mismo autor , consigue el extraño equilibrio de manejar varias líneas argumentales sin demerito de ninguna de ellas.
Quizás este último punto es , por mera acumulación , el que hace que en algún aspecto la trama sepa a poco o que , en concreto el crimen en el que parece basarse el desarrollo posterior de la película , no tenga la cadencia precisa en tensión y acceso a la información . Aun así, podría explicarse esta ausencia recordando que la narración se articula desde la mirada del niño.
En general Pan Negro es una obra más que notable , realizada con la meticulosidad de un artesano que en ningún momento pierde pie y contando con un conjunto de interpretaciones que no tiene ninguna fisura . El Festival de San Sebastián premió a Nora Navas , merecidamente , como mejor actriz , pero cualquiera de sus interpretes hubiese podido ser destacado.
Sin duda la cinta es perfectamente enmarcable en un esquema industrial de distribución , lejos de los experimentos a los que hasta ahora nos había acostumbrado su creador .
Pero no debemos de juzgarla por eso ni olvidar que muchas de las obras maestras de la historia del cine se corresponden a películas de encargo. Ser capaz de hacerla suya y hacerlo bien es mérito de un buen director.
Público

domingo, 17 de octubre de 2010

NOVELA: PLAGA DE PALOMAS de Louise Erdrich



Editorial Siruela
380 páginas

Siento especial atracción por la novela clásica norteamericana y sus múltiples herederos; me refiero fundamentalmente a escritores como Steinbeck o Faulkner, narradores plurales, siempre con el empeño de trazar un mapa humano de su enorme país en toda su complejidad, tanto demográfica como psicológica.
Me sobrecoge la densidad casi bíblica de sus historias y ese poso de las fuentes más tradicionales que siempre les otorga un aire de cuento trágico, de parábola.
Son narraciones de culpas pretéritas, de pecados que siempre terminan cobrando su penitencia, de ambiciones , de destinos, de manchas que se extienden a lo largo de generaciones, pasando a formar parte de los prados, de las montañas-
Me resulta imposible no contemplar hoy los EEUU como el fruto de aquellos hombre y mujeres que trasladaron tantas veces los conflictos de las tragedias griegas a tiempos anacrónicos, por concentrar en pocos siglos de historia lo que en otros continentes eran culturas remotas. Seguramente alguien podría hacer un estudio verdadero sobre los efectos de esa disfunción.
Erdrich apunta en esta novela, la primera suya que conozco, todos los lugares de esta literatura: a partir de un hecho terrible, se construyen una pluralidad de historias que se van extendiendo a su alrededor como las ondas sobre el agua, unas veces acercándose, otras más lejos, pero siempre con la sensación de que los herederos de sus protagonistas han quedado de algún modo vinculados para siempre en esa tela de araña.
Al mismo tiempo, y en un espacio temporal largo, traslada el devenir de un territorio que, de alguna manera, puede ser reflejo de una realidad y una historia más amplia.
La escritora es de origen indio y esta singularidad tiene en su narración la misma importancia que el factor afroamericano tiene en la obra de Toni Morrison, y , también como en aquella, le otorga cierto aire mágico, posiblemente fruto de civilizaciones de algún modo perdidas, que contrastan con la prosaica crónica.
El resultado es apasionante, cautivador y viene a sumarse a una corriente que ha dejado en el pasado muchas grandes obras, con un aire renovado capaz de extraer lo mejor de los parámetros clásicos y seguir haciéndolos actuales.
Una excelente novela que suena a cuentos de hoguera, a fin de cuentas fueron los primeros en contarse.
Público

viernes, 15 de octubre de 2010

CINE: TODO LO QUE TU QUIERAS de Achero Mañas


España 2010
Juan Diego Botto. Jose Luis Gómez. Nawja Nimri. Pedro Alonso. Ana Risueño y la niña Lucía Fernández.
Una de las mayores satisfacciones que me dieron nuestros Premios Goya fue cuando El Bola se llevó el correspondiente a la mejor película, era una obra pequeña pero honesta, valiente y perfecta que se me había clavado desde la primera vez que la vi.
Noviembre no obtuvo el mismo reconocimiento y sin embargo a mi me fascinó su lenguaje, su capacidad de convertir en Historia tiempos tan cercanos y Oscar Jaenada, así como la frescura y el descaro general de todo el reparto.
He estado a punto de perderme Todo lo Que Tu Quieras, la he pillado en una sesión alterna en los Princesa, y habría sido, además de una infidelidad por mi parte, una triste pérdida.
No creo que en esta ocasión el conjunto sea tan redondo como en las ocasiones anteriores, pero al mismo tiempo, pienso que hay una mayor madurez y una sensibilidad más certera.
Veo dos planos claramente diferenciados:
El drama intimista de amor, de ese padre que sufre una pérdida irreparable y busca cualquier medio para hacer feliz a quien más quiere en el mundo; me conmueven continuamente las soledades de esos dos personajes que comparten tantos pequeños detalles con una ausencia; no puedo evitar enamorarme de su relación, entenderlos, quererlos.
Luego está el exterior, cuando Leo decide llevar al límite su entrega . De aquí surgen algunos momentos grotestos, asumibles como una fábula; sin duda sirven para enunciar distintos temas que el autor quiere dejar sobre la mesa: la intolerancia, el cambio de roles familiares, el papel del padre... y quizás eso pese.
En cual quier caso no molesta y supone mucha valentía.
Y todo es más creible si tenemos la suerte de contar con una interpretación absolutamente matizada de Juan Diego Botto y los ojos y la sonrisa de ese angelito que es Lucía Fernández, ambos muy bien acompañados por el resto del reparto.
Prefiero con mucho esta película irregular que muchas cintas perfectas, me llena en muchos momentos, y sólo espero que las sirenas que escuchamos antes de los títulos finales no vengan a por Leo y Dafne, ellos se merecen más que nadie un final feliz : saben querese sin condiciones.
Público

martes, 12 de octubre de 2010

CINE: EXIT THROUGH THE GIFT SHOP de Banksy


USA/ UK 2010
Documental
Banksy. Thierry Guetta. Shepard Fairey. Space Invader
En los últimos años son tantas las muestras del cine documental que han saltado a las pantallas comerciales que francamente no creo que pueda ser ya considerado como un género aparte sino como otra forma más de narración, seguramente con una mayor vinculación y compromiso con la realidad pero con la misma vocación de contar una historia.
Ha pasado ya el tiempo de "los documentales de la 2" y ahora piezas como esta pueden llegar perfectamente a cines de estreno. No hace mucho lo hicieron otras como la magnífica En Construcción de Jose Luis Guerin y, por otro lado, el hiperrealismo y la frialdad de muchas obras tradicionales, las acercan cada vez más a estos trabajos, y me refiero a ejemplos recientes como la oscarizada En Tierra Hostil o la china Ciudad de Vida y Muerte.
En este caso, la propuesta es clara desde el principio: "un tipo quería hacer una película sobre mi pero su historia es mucha más interesante, con lo que esta película es sobre ese tipo", anuncia más o menos el director en el prólogo. Nos van a contar una historia, real, con mucho peso en el escenario y las características culturales del entorno, pero a fin de cuentas una historia lineal. Y eso es lo que, con singularidad y maestría se nos ofrece.
Exit... es original, divertida, sorprendente y lúcida.
De su capacidad de análisis podemos obtener varias lecturas, muchas, sobre la futilidad del arte, la importancia de la publicidad por encima de lo publicitado, la entrada en el sistema de todo lo que comienza siendo rupturista...
Pero también como narración puede verse de muchas maneras, como la historia de un Fausto y un Mefistofeles que confunden papeles, como la huida hacia adelante de una mentalidad paranoíca...
Y por supuesto, nos regala un catálogo preciso y muy bien contado y documentado del arte urbano en el mundo.
Exit... me parece una película excelente. No sé si el hecho de que esté más pegada a la realidad le otorga un valor añadido. Quizás sí como crónica, pero eso lo veremos con el tiempo, hoy me parece al menos una obra maestra del cine.
Público

lunes, 11 de octubre de 2010

CINE: GRU, MI VILLANO FAVORITO de Pierre Coffin y Chris Renaud


USA 2010
Animación
Definitivamente : ha nacido un nuevo heroe.
Desde este momento me declaro fan absoluto de este fantástico villano con corazón, de este gigantón que merece que le demos el título del más malo de los malos, el personaje de animación más maravillosamente politicamente incorrecto hasta la fecha.
Quiero conocer a su tribu de como-se-llamen esa especie de gominolas amarillas capaces de ser el mejor juguete y, al mismo tiempo, terminar con la paciencia de un Nobel de la Paz.
Y , por favor, quiero que no pare de escribir películas ese guionista capaz de mezclar la pantomina infantil con el chiste de adultos, la historia con la diversión y de hablar del robo de la Luna al tiempo que crea unas huéfanas felizmente Dickensianas; elementos de los mejores cuentos de siempre al servicio de una película de hoy. ( Mención aparte la genialidad de un malo en chandal y con riñonera ¡ ).
Me trago todo su humor, su emoción y su ternura.
Por favor ¡ que empiecen a preparar ya la segunda parte !
Público

DANZA/ TEATRO: TANGO, DE BURDEL, SALON Y CALLE de Ballet argentino

Director: Rafael Lafica
Guión: Elio Marchi
Eleonora Cassano. Maria Soledad Buss Jacob. Valeria Cerliuso. Georgina Giovanioni. Belén López Ortiz. Agustina Vigil. Juan Cabral. Darío Farias. Hernán Nocioni. Cesar Enrique Peral. Gonzalo Rivero. Ricardo Sabbatini
Cantante: Karina Levine

Me encanta el tango.
Me suena a lamento de boxeador enamorado, a sabiduría de prostituta pérdida , a fuerza y a derrota . Por supuesto a pasión y siempre a orgullo. A calle.
A añoranza.
Es fácil por lo tanto que me guste un espectáculo que bucea en sus raices para contarnos ( el programa de mano es modélico como guía ) su devenir desde un origen mestizo a su salto a la modernidad.
Además me llena que lo que tradicionalmente se conoce como danzas populares , echas de espontaneidad y expresión , nacidas sin normas , pasen a ocupar su sitio como arte con mayúsculas.
En los Teatros del Canal, la Compañía Ballet Argentino nos regala mucho tango y lo hace como yo desconocía hasta ahora : conviviendo con mazurcas y tarantelas , con ballet y rock , con sonidos electrónicos y danza contemporanea.
Quizás me lleguen menos las coreografías más modernas , tal vez falte una mayor elaboración en la dirección escénica , pero al mismo tiempo, hay pasión , mucha pasión , que sobrecoge en el baile de los hombres , en la última pareja del burdel o en los movimientos rompedores que se acercan a las imágenes más actuales del ballet.
Es difícil entender las canciones , quizás por un problema de acústica , pero sólo con el tono, se transmite una melancolía y una tristeza que quizás no consiguiesen las palabras.
Repito : iba entregado , pero creo que aunque no sea así, Tango de Burdel, Salón y Calle es un espectáculo absolutamente disfrutable y muy bien hecho.

Público

domingo, 10 de octubre de 2010

NOVELA: THE UNDROWNED CHILD de Michelle Louric


Orion
396 páginas
Todo en esta vida parece necesitar un límite, menos la imaginación.
Así tenemos la suerte de que existan fabuladores capaces de crear mundos singulares para sus historias y que consiguen introducirnos en ellos. Caminamos por la Narnia de Lewis, nos aventuramos en la Tierra Media de Tolkien o disfrutamos en el Cementerio de Gaiman.
Hay sin embargo muchos imitadores, que posiblemente ni siquiera intentan dotar de alma sus escenarios. Creo ( y sé que la diferenciación que voy a enunciar puede ser algo artificial ) que hay escritores que nos cuentan el mundo que quieren leer y otros el que creen que quieren leer los demás, es decir, unos se ocupan de escribir, otros de vender.
Michelle Louric se incorpora para mi, con esta fantástica aventura histórica y mágica, a la categoría de los buenos.
Su mundo es una Venecia, en 1869, con mucha historia detrás y donde conviven sirenas y fantasmas, gatos y gaviotas, leyendas y crónicas.
Desde el primer capítulo, entramos sin freno en una epopeya inolvidable, brillante, llena de colores y de acción y donde la imaginación, potente, continua, es la única guía.
Creo que , a pesar de su absoluta apuesta por la ficción, con estos libros aprendemos mucho: a disfrutar, a escuchar, a divertirnos. Y ¿ porque no ? que nosotros decidimos creer que el único mundo posible es este.
Pobre decisión.
Público

sábado, 9 de octubre de 2010

CINE: BURIED de Rodrigo Cortes

España 2010
Ryan Reynolds

Buried es una de esas películas famosas por su propia definición: hora y media de un personaje encerrado en un ataud, acompañado de un teléfono móvil , un mechero y poco más. La historia promete por lo que tiene de apuesta cinematográfica más que por su propia base narrativa. Crea curiosidad , genera expectativas.
Una vez vista, hay que decir, como punto de partida, que la apuesta se aprueba: Buried consigue, con muy pocos elementos, entretener, generar tensión, y ser un ejemplo correcto de cine espectáculo. Otra cosa es que pueda calificarse como una muy buena película.
Vayamos por partes:
En primer lugar hay que alabar el hecho de que el director en ningún momento hace trampas visualmente hablando, son cuatro paredes y son cuatro paredes, es una luz oscura y así se ilumina, y desde ahí, consigue con un excelente dominio de la cámara, generar movimiento y no aburrir en ningún momento. Eso es un logro.
Por otro lado, también hay momentos excelentes y la sensación de claustrofobia se consigue graduar al límite de lo sostenible.
De todas maneras, también hay que dejar claro que la elección no es ser sutil sino ser carnal, epidérmico, palpar el sudor, el pánico, y eso , siendo una opción válida, lo aleja del Hitchcock al que intentan referirse los títulos de crédito.
Y si bien en el guión se consigue que alguna "trampa" como la conversación con su madre etc encajen sin chirridos, la del protagonista con el director de recursos humanos de su empresa, es de una oscenidad que descompensa totalmente el resto de la cinta. Un error que no entiendo por que no sólo no aporta nada, sino que en una cinta de este tipo , la duración no es una exigencia.
Bien, Buried es una buena experiencia. Desigual pero muy aceptable y con muy buenos momentos. Disfrutemosla, olvidándonos que podía haber sido mucho mejor.

Público

viernes, 8 de octubre de 2010

NOTA CORTA: MARIO VARGAS LLOSA - Premio Nóbel

Muchos dirán "Por fin"
La Academía Sueca no dejará escapar a Vargas Llosa como hizo con Borges o Updike , o muchos otros.
No hay descubrimiento, no es un premio político, no hay referencias extraliterarias. Es un Premio Nóbel incontestable.
Personalmente , como todos , me alegro.
Pantaleón ocupa un lugar de culto en la literatura hispanoamericana ; Historia de Mayta me parece perfecta ; no alabo la tan alabada Fiesta del Chivo pero me apasionan las Travesuras de la Niña Mala. Y mucho más .
No se le ha dado bien el teatro, pero tampoco hace falta .
Esta vez el Nóbel premia a uno de los grandes narradores de la historia , un contador de novelas capaz de llegar a cualquier lector . Un clásico vivo.
Enhorabuena , esta vez por no equivocarse.

Público

sábado, 2 de octubre de 2010

NOVELA: PALESTINA de Hubert Haddad

Editorial Demipage
182 páginas

Es difícil hablar de una obra tan pegada a un conflicto absolutamente actual y aparentemente sin salidas, desde el punto de vista estrictamente literario; también es imposible no pensar que el autor, sea quien sea, habrá tomado partido por una de las dos facciones, a pesar de reconocer el absurdo global de la situación; por último, me considero incapaz de, yo mismo, no sentirme más cercano a alguno de los dos bandos, en este caso, ya lo digo, al de los más débiles...
¿ Y quienes son los más débiles?
Sin duda la población cívil, estén del lado que estén; aquellos que sólo quieren vivir con tranquilidad, que están lejos de las decisiones que mueven el mundo, y que sin embargo son arrasados por sus consecuencias.
Pelestina nos habla, fundamentalmente , de aquellos que no han vivido otra existencia desde que tienen uso de razón que la de la devastación y el miedo, aquellos que posiblemente hayan tomado en muchas ocasiones decisiones equivocadas, pero a los que es difícil pedir responsabilidades.
Y lo hace, creo, con una base de cuento que es capaz de servir de guía al horror; me refiero a los intercambios de identidades que, de otra manera, serían difíciles de entender en una novela de intento realista.
Creo que en conjunto, es una obra con errores , pero sus virtudes están por encima:
Por un lado , por su lenguaje y su gramática, capaz de trasladar el aire de niebla, de irrealidad , de sueño, la única manera de entender en nuestro siglo una tragedia tan plural, tan inconcreta, tan absurda.
En segundo lugar, y sobre todo, por su capacidad de ponernos delante de los ojos este conjunto humano, desde el interior, desde los sentimientos íntimos, del sufrimiento, de la incomprensión, del dolor y del miedo.
Palestina es una novela que intenta ( y consigue ) poner el corazón en un conflicto que parece carecer de el. Es difícil. Pero creo que cualquier documento, por duro que sea, que nos haga ser conscientes de lo que ocurre, que no nos deje olvidarnos, no sólo es necesario, es dolorosamente exigible.
Quizás algún día, o en algun caso, la cultura sirva para ayudar a cambiar las cosas.

Público