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viernes, 26 de diciembre de 2008

ELCHINO de Hening Mankell

Hace ya un año abrí este blog hablando de Mankell. Buena razón para cerrar este 2008 con el mismo autor, uno de mis favoritos; un narrador de casta, un pensador preocupado por el mundo que le rodea, capaz de profundizar en el género negro dentro del ambiente óscuro y helado de su Suecia natal, capaz de crear una preciosa tetralogía juvenil, capaz de demostrar que hay vida después de Wallander, de buscar otras formas narrativas como demostró en Zapatos Ingleses , Profundidades o la fantástica El Cerebro de Kennedy.
Y de publicar una novela como El Chino.
Las novelas negras de Mankell siempre fueron abiertas; muchas veces faltaban referencias a los protagonistas que los lectores sí conocíamos, referencias que nos acercaban a horizontes lejanos en ocasiones como problemas políticos en Africa ( La Leona Blanca ) , dramas en las misiones ( La Quita Mujer ), la dura vida de un poblado latinoamericano ( La Falsa Pista ) ....
Mankell quizás nos trasladaba con ello que muchas veces la oscuridad, lo sombrío del comportamiento humano, es consecuencia de un entorno injusto, de un entorno cruel , que ofrece pocas salidas a muchos seres humanos. Desde un género tradicional nos enfrenta a un mundo duro, del que todos somos de algún modo responsables. Y casi como el efecto mariposa, nos sorprende con la extensión de las consecuencias.
En este caso, la novela es tan abierta que parece que a la mitad , entramos en otra. Parece que El Chino no es un relato sino dos .
El inicio es tan potente desde el punto de vista noir que el cambio es chocante, no tanto el episodio histórico como el viaje a China, se tiene la sensación de perder el objetivo. Pasamos de un infierno helado, un suceso atroz , a la frialdad del análisis del devenir del comunismo y los preceptos de Mao.
Es una apuesta difícil, no totalmente lograda seguramente por su propia naturaleza , conocida por el autor. Como tal debe de ser respetada y analizada sólo desde el punto de vista narrativo.
Y en ese sentido, la obra es muy válida: por un lado , estamos ante un autor que sabe dosificar la tensión, crear los puntos de conflicto, alargar el misterio, y , por otro lado, también es capaz de trasladar su opinión sobre la situación de China y la crisis de las utopías de una forma clara, incluso algo didáctica.
El Chino quizás abre otra vía en un Mankell más vinculado a contar que a resolver, más interesado en trasladar su opinión ética que en narrar misterios. Por primera vez el peso está más volcado en esa lección que en el mero entretenimiento. Lo veremos.
En cualquier caso, yo sigo apostando por él. Me gusta, siempre me ha gustado, nunca falla.

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jueves, 25 de diciembre de 2008

EL INTERCAMBIO de Clint Eastwood

La carrera de Clint Eastwood como director ha sido ya ampliamente comentada : un trasunto de heroe implacable , un poco fascistoide, accede poco a poco a nuevos argumentos, a historias más complejas, en principio centradas en los géneros que le llevaron al éxito ( En la cuerda floja, El jinete pálido o la excelente Sin perdón ) para , sin que nos demos casi cuenta, convertirse en un narrador que desde un modelo clásico es capaz de afrontar cualquier historia.
Así le debemos ahora relatos sobre la pérdida de la inocencia como Un Mundo Perfecto, arrebatos de romanticismo como Los Puentes de Madison, thrillers oscuros como Mistyc River o la desmitificación del género bélico en el magno díptico sobre Iwo Jima.
Muchas de estas películas me parecen absolutas, todas tienen algo y es importante destacar que el marco es siempre el mismo: un país grande, vasto, plural, inseguro y sólido.
El Intercambio parte de un hecho atroz, una vez más de una historia real que commocionó a la opinión pública americana y destapó la corrupción policial en ese Camelot que era Los Angeles en su era dorada.
Una gran historia americana de lucha contra el sistema en manos de una mujer sola y en apariencia débil, ayudada de algún alma caritativa en forma de abogado o periodista. En esta película hay varios juicios, visitas a hospitales mentales, mucho sufrimiento... en definitiva no falta nada. Se ajusta perfectamente al modelo clásico, lo desarrolla con fluidez y está perfectamente contada, vestida, interpretada.
En el fondo hay un relato terrible, un Hamelin trágico, un ogro monstruoso, un cómplice aterrado , unos Hansels y Gretels sacrificales......... Pero el director opta en este caso por limar las aristas. Le interesa más la historia de su heroina que la de la inocencia destrozada. Esta vez prefiere contar la historia de redención, de lucha, dejar en definitiva el espacio para los heroes.
El resultado es correcto, clásico, absolutamente disfrutable a pesar de sus más de dos horas. Es una opción.
Echo de menos la oscuridad, aunque tal vez en este caso sería tan dura que se haría difícil soportarla.

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miércoles, 17 de diciembre de 2008

Katia Kavanova - El sonido del agua

La ópera es gracias a Dios , cada vez más teatral. Grandes directores de escena e incluso directores de cine han encontrado en ese campo un nuevo marco para sus propuestas . La música es sin duda lo más relevante pero la escena cobra cada vez más peso y se abre a ejercicios experimentales.
Yo voy a hablar de la parte teatral de Katia Kavanova , y de un director : Robert Carsen.
En su debut en el Teatro Real sorprendió hace unos años con su apuesta minimalista y narrativa de Dialogos de Carmelitas , recuerdo la fuerza de los movimientos de masas que actuando como cortinajes recorrían el escenario, fue una representación inolvidable pero creo que aun así no estaba preparado para la fascinación de Katia Kabanova.
Y es que esa es la palabra que describe la sensación que ayer noche tuve asistiendo a esa representación : fascinación, hipnosis, magnetismo.
Antes utilicé la palabra "apuesta" y creo que eso define perfectamente la manera de actuar de este genio . Carsen apuesta por una idea y la lleva hasta sus últimas consecuencias . Lo que en algún punto lo limita , consigue hacerse inolvidable en su conjunto.
Katia se llena del Volga ; esas mujeres de blanco , que como otras ahogadas nos guían y manejan el excaso escenario, dan paso a una representación que transcurre por el ámbito de los sueños . Los reflejos del agua , las ondas que nos trasladan con excelsa suavidad el interior de sus personajes acompañando siempre a la música .
La belleza llega a subyugar, son pinturas en movimiento.
Después del entreacto, en los últimos veinte minutos, nos espera lo mejor de la función . La tormenta , creación mágica , y el remedo de la pasión que suponen esas dos pasarelas paralelas , condenadas a no cruzarse nunca.
La noche de Madrid era fría . A la salida había silencio. Supongo que , de algún modo, todos teníamos dentro algo del calor de esa experiencia.

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MY BLUEBERRY NIGHTS de Wong Kar Wai

A pesar de vivir en un mundo cada vez más globalizado, son muchas las señas de identidad que determinan una cinematografía . No es una afirmación contundente : cualquier creador puede acercarse a modos y maneras de otras latitudes pero pienso que existe siempre una corriente subterranea , propia de la experiencia acumulada , que tiñe sus obras.
Las dos películas anteriores de este director , las dos últimas , hablaban de un romanticismo extremo, triste , imposible y lo hacía desde el lenguaje reposado de oriente. Al mismo tiempo WKW creaba un ritmo magnético que funcionaba como una forma de narrar única capaz de subrayar sin estridencias y de hacernos sentir más que comprender.
My Blueberry Nights es su aventura americana . Y creo que en esta ocasión , el director ha sido capaz de adaptarse a otros códigos sin perder sus referencias :
La peli es una comedia , romántica por supuesto, pero esta vez con final feliz . Un delicioso viaje de búsqueda y encuentro en el que Wai navega por iconos americanos perfectamente reconocibles pero imprimiéndole su estilo personal; creo que esto último es reconocible no sólo en la brillante puesta en escena, llena de reflejos , o en el movimiento propio, en constante cambio, sino también en sus personajes y , sobre todo, en la forma de observarlos , y es que el director narra a través de lo que no cuenta , de sus gestos , sus miradas , muchas veces hacia dentro, sus esperas , en definitiva lo que no siempre dicen.
El guión es una delicia de recovecos , de originalidad , de ternura incluso en sus áreas más esquinadas. Los actores están todos bien , muy bien , yo diría que a gusto.
Y al final me quedo con dos recuerdos , cintas como Choose Me que en su día sorprendieron en los circuitos de V.O. y el cuadro Aves Nocturnas .
No sé cual será su siguiente paso, si seguirá en USA o volverá a Corea .
En cualquier caso, lo esperaré.

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jueves, 11 de diciembre de 2008

LEONERA de Pablo Trapero

Ayer noche éramos cuatro personas en la sala 5 de los Cines Renoir Plaza de España de Madrid. Cada uno con su interior, sus preocupaciones o alegrías , sus gustos, su silencio, y todos con la ilusión que genera una sala oscura donde desde una pantalla alguien va a contarnos una historia . Adoro esos momentos , esas noches en que mi intimidad se comparte sin necesidad de comunicación directa con aquellos que han hecho posible esa película , con los que la han disfrutado y los que no han terminado de entrar en ella , con los que se despistaron a costa de inquietudes cotidianas y los que se transportaron al alma de los personajes . Porque cualquier obra de arte tiene el valor de aportarnos algo , de hacernos mejores , más ricos , y quiero creer que todos los que compartimos experiencias que nos afectan de forma diferente , compartimos algo que hace que este mundo sea más acogedor. Al levantarnos, al terminar la proyección hay amagos de sonrisa tímida , cada uno regresamos a nuestro entorno. Hemos asistido a un encuentro múltiple, mágico, hermoso.
Nos habían contado la historia de una mujer , una joven que aprende en la carcel , en un entorno extremo, a crecer , a ser madre , seguramente a amar con un amor incondicional, rabioso, puro, único.
Nos lo habían contado con toda la verdad , una verdad que no pretende chantajes sentimentales ni efectos manidos , pero que no ahorra la crudeza de la realidad . Si se produce la emoción en muchos momentos , es fruto de lo que ocurre, del interior de las acciones , sin que nadie lo manipule.
Y sobre todo, nos lo cuentan muy bien : lo que más me sorprende es la adecuación de la narración, la sensación de que no sobra un sólo plano , una sola escena , que todo es útil para acercarnos a entender mejor lo que ocurre.
Hay momentos absolutamente inolvidables como la llegada de Papa Noel, el niño columpiándose en los barrotes de la puerta de la celda , las caricias y besos durante el corte de pelo, o la primera noche del bebé en la carcel. Salgo lleno de ternura y tengo la sensación de que me han regalado un cuadro donde hay mucho amor .
Fuera de las convenciones más ñoñas , en Leonera comprendemos , observamos, la verdadera solidaridad que hace más humano no al que la recibe sino sobre todo al que la da . Y creo que es eso lo que hace que esta cinta esté llena de esperanza.
Eso y los ojos de Martina Gusman , su deseperación y su fuerza.
Al final, no sé si un final fácil pero se lo merecen , los vemos perderse en la lejanía mientras la cámara se aleja . Solos y libres , ya incluso de nuestra mirada .

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lunes, 8 de diciembre de 2008

EL REY QUE RABIO, La Zarzuela

Muchas veces he escuhado la definición de la zarzuela como el musical a la española; el hecho de que además últimamente este género tan anglosajón esté triunfando masivamente en la Gran Vía, podría llevar a la búsqueda de nuevas vías a ese respecto.
Recuerdo La Verbena de la Paloma, dirigida hace unos años creo que por Sergio Cabrera, que me sorprendió en su modernidad formal y la agilidad de su desarrollo, eso sí podía ser un musical.
Con El Rey que Rabió, Luis Olmos avanza aun más: el montaje tiene el aire general de espectáculo donde el vestuario ( delicioso ), la escenografía ( hermosa e inteligente ), los movimientos, la coreografía etc tengan la misma importancia que la música. Para ello, busca el referente del mayor espectáculo del mundo, el circo, y convierte el escenario en una pista llena de movimiento y sobre todo de color donde las rítmicas canciones de la partitura encajan a la perfección.
En el desarrollo hay mil hallazgos ,simples, originales , como esos inigualables perros, el rebaño de las ovejas o los retratos de las princesas traidos por las embajadas.
Esta función, cuyo argumento tiene por ciertos aires de cuento tradicional ( un rey que pasea de incógnito por su reino para conocer lo que piensan sus subditos ,hasta que se enamora de una humilde pastora ) es una gozada.
Ideal para introducir en el género a los niños, divertida para los mayores ¿ alguien apuesta por llevarla a un teatro de la Gran Vía ? sería un éxito seguro.

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3 DIAS de F. Javier Gutierrez

Un meteorito se aproxima a la tierra sin que exista ninguna posibilidad de detener su trayectoria, sólo le quedan a la humanidad tres días de vida. Nos suena. Lo que nos suena menos es que la narración se lleve a cabo desde un pequeño pueblo desértico en Andalucia en lugar de Manhattan, Las Vegas o Sidney; además los protagonistas , aquellos que se enfrentan al inminente final , no son científicos, periodistas o políticos, sino chapuzas del gremio de la construcción y un psicópata escapado en las revueltas carcelaris que siguieron al anuncio del apocalipsis y que sólo vive para la venganza.
El contraste en el punto de partida hacia lo que estamos habituados hace que todo nos suene grotesco , como cuando en El Día de la Bestia el diablo elegía para aparecerse las Torres Kío, una comedia más en definitiva; sin embargo Gutierrez se toma el tema muy en serio, y es de agradecer, porque consigue una película tensa, muy bien construia, atrevida y que tiene mucho de única.
Lamentablemente la he recuperado en DVD tras perdérmela en el cine, pero recuerdo críticas que hablaban de cierto mimetismo con Tarantino en su estilo, sus ángulos, color o movimientos de cámara.
Me da igual: yo resistí hora y media sorprendido en cada nuevo giro de esta película que, sin que suene a sacrilegio, consiguió en muchos momentos recordarme La Noche del Cazador, para mi un mito.
Y el final, no tengo nada que decir de esos últimos cinco minutos, de esa mentira y de esa verdad donde el amor del director a sus personajes se impregna de la ternura de las despedidas eternas. Uno de los mejores finales vistos y escritos en los últimos años, en n caso especialmente difícil.
Cine negro, cine de catástrofes, cine inteligente donde el presupuesto se sustituye por ideas. Buen cine, muy buen cine en definitiva.
El cine español avanzará de verdad cuando propuestas tan lejanas a lo habital encuentren su sitio en nuestras carteleras.

Público

miércoles, 3 de diciembre de 2008

El País del Miedo de Isaac Rosa

El miedo es un sentimiento esteril, cruel, paralizante. A nadie le gusta sentir miedo. Nos sentimos más débiles y vulnerables que nunca . Y el miedo es literariamente muy útil, la base de buena parte de la novela negra y por supuesto del género de terror.
Lo que no conocía era una novela con el miedo como protagonista y esta , perfectamente estructurada y ambiciosa en su amplitud, sí lo es:
Por un lado, la obra se organiza alrededor de una historia simple donde, con sencillez, el miedo se instala en el entorno cotidiano de una familia media, mediante mecanismos ordinarios. En esta línea , el desarrollo es tenso, tirante y meticuloso, consiguiendo sin ncesidad de efectos, crear un clima de tremenda ansiedad cercana por momentos a la angustia.
Al mismo tiempo , vamos conociendo el mapa del país del miedo de su protagonista, sus temores, en algún caso sus experiencias y con ello nos enfrentamos a un personaje que podría ser cualquier conocido, que vive en su interior un estado que impregna totalmente su autonomía, el desarrollo de su vida. Vemos, percibimos, cmo el miedo puede llegar a afectarnos a todos.
Y por último, existe una reflexión sobre el miedo ambiental, aquel que se ha instalado en nuestro entorno, en nuestra política, en nuestros mensajes, y que hace que contradictoriamente, gracias al desarrollo de nuestra civilización, renazcan nuestros instntos más primitivos.
Estas tres áreas encajan perfetamente en la propuesta creando una obra intensa, actual, disfrutable.
Una obra en la que hay que recalcar un estilo preciso, directo , siempre al servicio de aquello que se cuenta. Una novela que a ratos se acerca al periodismo y que se va abriendo con total libertad.
Una ecelente apuesta.

Público

lunes, 1 de diciembre de 2008

LA MUJER RUBIA de Lucrecia Martel

Silencio, mucho silencio.
Ese silencio que no sólo quiere decir que no se hable sino que , aunque se digan cosas, las cosas suceden en el interior. Que existe una doble lectura : lo que escuchamos y lo que presentimos, lo que percibimos de forma transparente y lo que podemos intuir.
La Mujer Rubia es una obra , una narración, que opta por una forma arriesgada, por el interior, y ni siquiera en esas lides da líneas obvias.
Ocurre algo, nada más comenzar , y luego sentimos que no ocurre nada .
Creo que lo relevante es el recorrido interior, errático, de esta mujer que se va mostrando desde el desconcierto y el desamparo inicial, a ser finalmente un personaje frío , algo amoral, ¿ vacía?. Sentimos su mirada , descubrimos con ella esa visión ¿ diferente ? de las cosas , esos planos de su nuca , su rostro en un extremo de la pantalla mientras todo pasa a su alrededor , para verla tras hora y media regresar a un lugar que desconocíamos pero que era el principio.
Nuestro recorrido es inverso : al prinicipio a atropellado a un perro, al final tenemos dudas.l
El conflicto se minimiza , la colaboración de los de más es obvia , se da por asumida.
Y quizás es también un mensaje a todos nosotros : que fácil es olvidar , seguir con nuestras vidas cuando cualquier eclosión se queda sin pistas de referencia , cuando podemos llegar a dudar de que aquello que nos ha transtornado haya ocurrido en realidad .
Basta un pequeño giro , algo que cierre la puerta aunque sea tan banal como un cambio de color de pelo.
La mujer rubia tenía miedo , se escondía ante su imposibilidad de actuar sobre lo que le había ocurrido, la mujer morena sonríe ante una reunión social que desfigura .
Es gracioso: esta cinta me ha parecido muy transparente , muy ligera , frente a las críticas que ha obtenido por su intrascendencia.
Creo que tiene mucho mérito centrarse en algo tan pequeño pero tan relevante , sin magnificarlo, sin dramatizar . Y el lenguaje me gusta , me acerca.
En los últimos tiempos están surgiendo nuevas formas de narrar , tan dispares como válidas , es bueno, es fantástico, sentarte en la butaca de un cine sin saber , no sólo lo que te van a contar sino como .

Público.

lunes, 24 de noviembre de 2008

GOMORRA de Matteo Garrone

Es mucho lo que se ha escrito sobre las circunstancias externas que rodean a esta película : el revuelo causado, las amenazas de muerte al escritor de la novela en la que se basa, la situación similar del director de la cinta ...
Todo ello es válido. Creo que , más que nunca , nos encontramos ante una muestra de cine documento, donde , desde la pantalla , se nos traslada la realidad cotidiana de un entorno que hasta ahora sólo conocíamos gracias a las páginas de sucesos o a los telediarios .
Personalmente creo que el mayor interés reside precisamente en esa cotidianeidad , en la total desmitificación de un entorno demasiado plagado de heroes cuando, en realidad , lo está de pequeñas personas que se encuentran en una situación de partida para la que pocas salidas existen . Son asesinos en zapatillas de deportes , niños perdidos que desconocerán lo que es la infancia ,madres a las que sólo les queda la lealtad a los suyos .
La estructura encaja varias historias , todas ellas con un fondo amargo de patetismo, de tragedia sin dioses. En algunos casos no es fácil seguir todas las líneas y se me pierden algunas escenas.
Da lo mismo . La labor del director es , sin desviarse del tono documental, conseguir acercar la cámara cuando es necesario para trasladarnos la humanidad de lo que ahí está ocurriendo.
Y desde esa epidermis , despertarnos para que sepamos que no es bonito, ni justiciero, ni una leyenda ; que todo lo que nos narran ocurre y podría habernos ocurrido a nosotros de haber nacido en otro entorno.
No quiero hablar de los actores . Me niego a creer que lo sean.

Público

jueves, 20 de noviembre de 2008

LA OMISION DE LA FAMILIA COLEMAN

Acudí ayer al teatro. Con todas las recomendaciones del mundo, La Familia Coleman parecía una apuesta segura. Además , las entradas se habían agotado para todas las representaciones ( ¡ que satisfacción para los que deseamos que se llenen los teatros!! cuando uno sí tiene entradas, claro ).
Ayer acudí al teatro y lo que vi superó con mucho mis expectativas.
La Sala Pequeña del Teatro Español se ha convertido en un lugar especial, íntimo y con una programación muy interesante. El escenario nos recibe con dos personajes algo estrafalarios durmiendo en un sofá y varios elementos desconcertados.
Comienza el desarrollo de la obra con un lenguaje corto, contundente, violento y demediado, que nos lleva a recordar al teatro del absurdo. Ya aquí nos llama la atención la coordinación del conjunto en movimientos y palabras que encaja como un mecanismo de relojería pero trasladando siempre la naturalidad de ación / consecuencia; este ritmo se mantendrá perfecto durante la hora y cuarenta minutos que dura la representación.
Y poco a poco vamos entrando en una familia desetructurada y violenta , preparados para asistir a su demolición. Y vamos recibiendo sus emociones, sus miserías, sus miedos y sus ansiedades. Tristeza, sí, pero siempre con el aliento de la carcajada; un drama vestido de comedia o una comedia vestida de drama.
No puedo recordar un sólo momento en que mis sentidos no estuviesen absolutamente abducidos por lo que estaba ocurriendo en las tablas.
Capítulo especial merece la interpretación: que buenos son los actores argentinos cuando son buenos ( supongo que también los habrá malos pero no llegan aquí ); he leido que esta pieza tiene grandes dosis de ejercicio de improvisación de actores y posiblemente esto les vincule más, no lo sé, pero es imposible pensar en unos rostros o voces diferentes, imposible pensar que no sean ellos. No voy a citar a ninguno, o quizás nos lo podemos permitir con la Meme de Miriam Odorico o el Marito de Lautaro Perotti, pero ninguno, ninguno, es sustituible.
Claudio Tolcachir, un hombre capaz de coordinar estos ejercicios, convertirlos en texto, dirigirlos..... yo ya lo escribo con mayúsculas en mi memoria.
La Omisión de la Familia Coleman es sin duda uno de los grandes acontecimientos teatrales actuales. Perfecta, humana, lúcida, minuciosa y veraz.
No hay entradas. Compensa la reventa, de verdad.

Público

lunes, 17 de noviembre de 2008

Las Horas de Verano de Olivier Assayas

Existe un cine clásico, narrativo, sencillo en apariencia . No es un cine caduco, no tiene porque serlo, ni convencional. Es un cine , como cualquier otra disciplina , interesado en contar una historia utilizando los recursos del séptimo arte , la imagen y la palabra , y centrado en que el espectador pueda seguir el desarrollo de lo que se cuenta paladeando, entendiendo, disfrutando de un cuento más.
En este caso , desde la disolución de un patrimonio familiar , asistimos a la transmutación de un mundo, una sociedad , cercana , a un mundo globalizado donde objetos vividos del pasado pasarán a convertirse en piezas de museo , y donde , al mismo tiempo, una familia estructurada alrededor de una vieja mansión campestre y sus recuerdos , se limita al afecto ( real, sin duda, entrañable, por supuesto ) de personas que tardarán en volver a verse , que dificilmente compartirán situaciones cotidianas.
Son muchas las lecturas de este precioso relato , abierto a que podamos recibir , cada uno a su manera, las motivaciones y el devenir de cada uno de sus personajes principales.
Pero lo que más me gusta de Las Horas de Verano es su tono y las elecciones del director para encajar los diferentes segmentos :
En el primer caso, se habla de un film chejoviano; posiblemente pueda calificarse así. Lo importante es la sosegada elegancia que desprende , sin temer a los sentimientos en una narración en principio muy racional. Interludios como la última escena de la madre y su diálogo con la criada de toda la vida , el paseo de esta última por esa casa que se convierte en un personaje que observa desde su interior ( que planos tan hermosos ) a sus habitantes o el tramo de la tasación, están cargados de sensibilidad , de emoción contenida . Lo que podía haber derivado en un melodrama familiar nunca pierde su ligereza.
Por lo que se refiere a los diferentes segmentos , me gusta el cambio de perspectivas donde ningún personaje se convierte en protagonista y donde las diferentes piezas van encajando desde su propia personalidad . Desde la reunión de familia, la que comienza con el viaje del hijo mayor para ver el cementerio, los tasadores o la visita al museo. Una forma de narrar abierta, plural, rica.
La película tiene efectivamente un aire clásico, no busca alardes más allá de su contenido, de una preciosa historia muy bien contada .
Hay que ser un gran maestro para que no se note tu presencia. Y esa corriente de humildad la siento en esta obra inolvidable.

Público

domingo, 16 de noviembre de 2008

H2 de Grupo De Rua- FESTIVAL DE OTOÑO

Cuando voy a comenzar esta nota sobre lo que tristemente será mi última visita este año al Festival de Otoño, me encuentro ante la noticia del anuncio por parte de la Consejería de Cultura de la CAM del traslado en el 201 del festival de otoño a primavera. Está bien, una vez más nos encontramos con el complejo de la derecha ante la cultura: los empresarios no tendrán que preocuparse de que espectáculos de Lapague de nueve horas o los experimentos de Brooks le sustraigan público a Arturo Fernández, fenomenal.
Pero vamos a lo serio, a hablar de creadores capaces de hacer cultura, aunque lamentablemente siempre deba de haber un gestor que no siempre se merece serlo.
Este viernes tuve la suerte de asistir a un fantástico espectáculo a cargo de los brasileños Grupo De Rua. Nunca había pensado en dinámicas como el hip hop de base única para espectáculos de danza ( prejuicios propios, lo siento ) y menos como un campo abierto a la experimentación.
H2 es las dos cosas:
Comenzamos con un golpe de baile vital, brillante, breve. Y a partir de aquí llega el silencio. Durante unos cuarenta minutos asistimos a un compendio de expresiones, de movimientos imposibles, que desde la nada, más allá de algún rumor, llegan a nosotros sólo como una experiencia visual, lo que a mi entender, rfuerza su vertiente artística y su caracter de expresión, de comunicación.
Terminamos de nuevo con música. Un cierre portentoso, fuerte, bravo.
Hemos asistido, tengo la sensación, a la trasmutación del baile de la calle a una disciplina que se abre a nuevas posibilidades, que refresca la danza contemporanea y que la hace permeable a cualquier influencia.
Enhorabuena a Bruno Beltrao, gracias por regalarnos tanta magia y tan hermoso beso.

Público

viernes, 14 de noviembre de 2008

La Boda de Rachel de Jonathan Demme

Que fragilidad desprende el rostro de Anne Hathaway en esos planos de soledad que tanto abundan en esta película, que fragilidad desprende su hermana al borde de la felicidad consagrada , incluso sus padres, los personajes más claramente ubicados en la vida , que fragilidad. Creo que La Boda de Rachel va sobre eso: sobre lo solos que estamos , sobre lo necesitados que vivimos , sobre nuestras inseguridades ; y es que ese hilo que nos sujeta, que , como el portor del trapecista nos salva de la caida, es nada menos que LA FAMILIA , un grupo humano plagado de redes confusas , de deseos incumplidos , de momentos felices, sí, pero también de muchos silencios , de muchas deudas. De todas maneras la cinta de Demme es esperanzadora , si debajo de todo ello, como un pequeño torrente subterraneo, existe el amor.
La Boda de Rachel recobra el tema conocido de la disrupción de un personaje extraño en un entorno aparentemente convencional, y lo hace con un toque de melodrama, un poco de psicodrama familiar, la ternura de la comedia y mucho oficio.
El guion entiende que no hace falta contar demasiado si conocemos de forma clara a cada personaje y nos dejan ver sus gestos , hasta los más pequeños . Es una forma de atisbar, de descubrir , de compartir . Para ello se estructura en escenas cortas que son sólo momentos dentro de actos más largos , abundando en el primer plano, como si la cámara buscase la epidermis de cada corazón.
El ritmo de "cámara en mano" no molesta . No es aquí frenético sino ágil, ligero ; carece de la rigidez de los primeros Dogma ; es un buen recurso y se utiliza sin cargarlo hasta el punto de que en muchos momentos nos olvidamos . Nos permite sentirnos como en una home movie.
Creo que ya está claro que me ha entusiasmado esta cinta que toca temas importantes , o nos recuerda que lo son , de una forma sencilla, nada didactica , abierta . En muchos momentos me ha emocionado, he sentido con sus personajes la miseria y la felicidad de ser humano y de vivir en un entorno donde ,sin querer , nos juzgan , juzgamos , hacemos daño , sufrimos y amamos mucho.
Y para terminar quiero volver al inicio : Anne Hathaway , a la que sólo conocía de El Diablo Viste de Prada y que aquí se ha convertido en un personaje al que no olvidaré. Todos los interpretes están estupendos pero son sobre todo sus ojos, su sonrisa perdida y sus dedos nerviosos , los que más me acercan al dolor, a la búsqueda.
Le deseo lo mejor .
Y ¿ Que decir de la celebración ? ¡ fastuosa! ¿ que hay que hacer para que a uno le inviten a una boda así ?.

Público

domingo, 9 de noviembre de 2008

MAL DE ESCUELA de Daniel Pennac

Siempre he disfrutado con Pennac , no sólo con su ciclo de novelas protagonizadas por el Sr Malausane y su estrambótica familia, también con El Dictador y su Hamaca y últimamente ( he hablado de ello hace unos meses ) con un cuento precioso destinado al público infantil que se llamaba, creo recordar , El Ojo del Lobo.
Mal de Escuela se inscribe en un registro totalmente diferente , cercano al ensayo.
En él, Pennac nos recuerda sus días de colegio cercanos al fracaso, que muchos hemos conocido, y sus días de profesor , con alumnos que le llevaban a rememorar su propia salvación .
Plagado de anécdotas y de saltos en el tiempo perfectamente engarzados , recorremos con el autor ,el trayecto del aprendizaje, plagado de personajes a los que en una sóla línea es capaz de dar entidad. Analizamos la situación actual de la enseñanza y podemos , es fácil, comparar nuestra propia experiencia con muchas de las cosas que aquí nos cuentan .
El resultado es una delicia . Ligero, absoltamente disfrutable y muy lúcido.
Cuando un buen escritor de verdad lo es , se ve que lo demuestra con cualquier cosa que decida hacer. Que suerte.

Público

sábado, 8 de noviembre de 2008

UNA PALABRA TUYA de Angeles González Sinde

Cualquier personaje tiene derecho a que cuenten su historia , y está claro que si miramos y escuchamos con atención , cualquiera tiene una historia que contar.
La viuda de Los Limoneros , tanto como las atracadoras de Sólo quiero caminar o los habitantes del pueblecito costero de Cien Clavos.
Es precioso enamorarnos de vidas que parecen planas pero en las que el narrador nos va descubriendo éxitos y fracasos, frustraciones y alegrías , en definitiva, nos recuerda la vida como un patrimonio de todos . Y hay narradores capaces de hacerlo sin alardes , sin exageraciones y con mucho amor.
Una Palabra Tuya era un duro libro de Elvira Lindo, ahora es una preciosa película de Gonzalez Sinde. Creo que esta última demuestra más cariño hacia unos personajes castigados por la soledad, los sueños que nunca han llegado a estar cerca y sus propias miserias, esas que surgen cuando desesperadamente necesitamos a alguien que nos haga sentirnos queridos.
Y así recorremos una amistad que es un trágico regalo para Rosario, trágico pero regalo, porque le ayuda a abrir las ventanas y dejar entrar el aire.
Por el camino hemos perdido a un ángel infantil e inconsecuente , ingenuo y algo absurdo. Tan necesitado de amor como cualquier ser humano pero capaz de crearlo de la nada. Un ángel tan generoso que no pintaba nada en este mundo.
Rosario y Milagros no atracan , no escalan , no sufren grandes pasiones . Son dos basureras que caminan por las noches de un Madrid frío. Tienen su historia . Nos la ha contado alguien que a mi ha conseguido emocionarme , divertirme, entretenerme.
No sé si a Una Palabra Tuya le quedará mucho tiempo en cartelera , pero es para no perdérsela.

Público

lunes, 3 de noviembre de 2008

Solo Quiero Caminar de Agustín Diaz Yanes

El planteamiento de esta película no podía ser más atractivo: cine negro femenino protagonizado por cuatro de las actrices más interesantes del país. El resultado ............
Vayamos por partes :
El cine negro, como la novela negra , lo es , creo, no sólo por sus tramas sino por la oscuridad que suele poblar el interior de sus personajes , me interesa mucho más la geografía interna de esos perdedores ( porque al final siempre pierden ) que sus logros , me interesa saber porque han llegado ahí, compartir sus sufrimientos , desearles lo mejor , sentirlos .
En este caso , las cuatro apuntan pasados difíciles , cicatrices en el alma , derrotas , dolor. Y sin embargo todo son meros apuntes . Son personajes a los que suponemos apasionados y falta la pasión , todos me saben a poco.
Podría ser que la elección del autor fuese más por el ámbito de la trama : recuerdo en ese sentido Baton Rouge , el fantástico guion del propio Diaz Yanes o , eterna referencia , La Huella.
Aquí el tema de la trama también me crea dificultades : en primer lugar porque no me la creo de tan rocambolesca ; émulos de James Bond , estas cuatro chicas son capaces de idear el atraco perfecto, fabricar escopetas con bicicletas desmontables , dejar herramientas allí donde hace falta y escalar con un aparatoso vestido de noche . Además se opta por sorprender con lo que en la mayoría del metraje no sabemos adonde conducen la mayoría de las acciones que vemos. Esto llega a cansar.
Repito: las actrices son estupendas , Diego Luna está también muy bien . De él y de Ariadna Gil son los mejores momentos y el atisbo de lo que podría hacer sido una cinta epidérmica , sangrante , apasionada, de lo que no es.
Me gusta mucho el final, Ariadna camina mejor que nadie . Y luna mira.
Como nosotros.

Público

AFTER DARK de Murakami

No me gustó nada Kafka en la Orilla . Seamos exactos : me gustó mucho al principio, me fascinó hasta llegar a la mitad de la novela , luego las referencias difusas se concretaron en una pieza de ciencia ficción , los alardes creativos en meros trazos estéticos y las líneas abiertas en mero capricho del autor . Puede sonar presuntuoso dado que estamos hablando de una obra alabada por gran parte de la crítica y con un éxito de ventas mundial, pero lo siento, no me canso de repetir que mis apreciaciones son obviamente subjetivas y no pretendo otra cosa.
Después de esa decepción había decidido no volver a Murakami pero las buenas críticas recogidas por After Dark así como su longitud ( esta vez breve ) fueron una tentación que no resistí.
Me encontré con un cuento urbano, nocturno, con algo de magia . Con dos mejoras importantes sobre Kafka : por un lado ocupa un tercio de aquella, por otro termina sin intentar aclara absolutamente nada .
After Dark me parece , como digo, un pequeño cuento, una Bella Durmiente , una Caperucita perdida en el bosque . Es capaz de crear , sin demasiada dificultad y por tanto en logro reducido, un pequeño paisaje magnético y poblarlo de personajes y referencias atractivos . No va a ninguna parte . Es un cuadro algo estático sobre ¿ la soledad ? ¿ esos momentos donde somos un poco menos coherentes ? ¿ el sueño ?.
Murakami escribe bien y entiendo que fascine a muchos lectores . A mi en After Dark al menos no me irrita pero tampoco me aporta nada .
Todos tenemos nuestras noches , nuestros momentos a recordar , inexplicables muchas veces , bien , algunos mágicos , otros no.
Todos tenemos nuestro After Dark. Este no es mejor que otros.

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viernes, 31 de octubre de 2008

INTRASCENDENCIA BRITISH

Hay actualmente un interesantísimo grupo de escritores ingleses en activo; me refiero a Hanif Kureishi, Ian McEwan , Graham Swift, Julian Barnes , Martin Amis ... todos ellos han escrito novelas buenas , muy buenas y excelentes, creo recordar que practicamente todos bajo el sello de Anagrama en nuestro país . Para mi son apuestas seguras.
Sin embargo, se ha dado en el último "curso" una decepcionante coincidencia en sus últimas aportaciones , Cecil Beach de McEwan y Mañana de Swift: ninguna de las dos ha conseguido interesarme absolutamente nada.
Obviamente están bien escritas , tienen momentos , pero no consigo que me enganche en ningún episodio nada de lo que están contando.
En el caso de Mc Ewan es casi una pieza de cámara , fría, breve ( gracias a Dios ) y con unos personajes tan lejanos que son casi estereotipos . No puedo dejar de acordarme de Expiación , el autor es el mismo.
Por lo que se refiere a Swift, nos presenta un largo monólogo basado en la revelación de un secreto por parte de una madre a sus hijos . Cuando finalmente lo conocemos , este carece totalmente de la fuerza necesaria para justificar las páginas anteriores y no digamos las posteriores.
Me parecen las dos obras banales .
Sólo me consuela que en los estractos de críticas que aparecen en la contraportada existen elogios admirativos; quizás el problema sea mío y estos autores sigan en su plenitud . Todavía nos queda el resto.
Espero que tarde o temprano alguno de ellos vuelva a regalarnos algo tan maravilloso como El País del Agua.

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jueves, 30 de octubre de 2008

Jugando con Irina Brook

En acontecimientos como el Festival de Otoño , existe un componente alto de curiosidad y de apuesta . Entendiendo que la calidad media de los espectáculos presentados está muy por encima de la media , cuando meses antes se ponen a la venta las entradas, uno ( o yo al menos ) usa las referencias del programa , la experiencia con tal director o compañía , el exotismo en propuestas difíciles de encontrar en nuestros circuitos ............
Unas veces se acierta más , otras menos , pero cuando el logro es redondo la satisfacción tiene un poco de conquista.
Ayer estuve en el Teatro de La Abadía ( que sigue siendo uno de los entornos más deliciosos de Madrid ) viendo la interpretación que hace Irina Brook de El Sueño de una Noche de Verano.
Un juego donde los actores son en realidad los técnicos de una compañía que ha quedado bloqueada en el aereopuerto junto con el atrezzo y el vestuario. Ellos se atreverán a darnos su visión de este clásico , y el resultado es uno de los espectáculos más hilarantes e inteligentes que he visto desde hace mucho tiempo.
Desde la presentación , desde que conocemos su "drama" , la sala se llena de sonrisas que terminarán en amplias carcajadas.
No se pervierte la pieza ,. se adapta sin perder ninguno de los pasajes importantes , se acerca al mundo clown , al humor de recursos más básicos con ingenuidad y "buen rollo" , asimismo se incorporan recursos actuales sin que rompan la cadencia de la narración ( creo que es el mejor Puck que he visto hasta ahora ).
Y , sobre todo se asiste a un divertidísimo ejercicio de comunión con el público, de pasarlo bien , de asistir al teatro como entretenimiento.
Reirse es muy sano. En este caso , yo salí con energía para muchos días . Fuera Madrid nos regalaba una de sus frías noches de otoño , era capaz de imaginar que , si podía crearse en un escenario casi vacío ¿ porque no asumir que el mágico bosque puede estar también en las calles de nuestra ciudad ?
Depende de ti.
¡¡ Por cierto , la obra se llama Esperando el sueño!!

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lunes, 27 de octubre de 2008

LOS LIMONEROS de Eran Riklis

Por muy abiertos que estemos a otras culturas , por muy cosmopolitas que nos hayamos convertido en estas últimas décadas , tengo la sensación de que , por lo que se refiere al cine , siguen existiendo nacionalidades "malditas" para el público, cartel del que ya se ha apeado ligeramente el cine oriental gracias a las incursiones más cercanas de directores como Yimou o Wang. Poca gente va por ejemplo a ver una película africana , israelí, finlandesa .... y es una pena . Siguen siendo consideradas piezas de festival para cinéfilos o snobs.
Si además le sumamos un componente militante , una preocupación política aunque esta se trate desde el ámbito de lo cotidiano, las consecuencias pueden ser de sala vacía.
Y así, delicias como esta corren el peligro de pasar inadvertidas.
Los Limoneros es cine israelí, podría ser español, ruso, francés o americano; es una cinta que cuenta una historia pequeña y delicada y que la cuenta bien , sin las pretensiones de victimismo que a veces se escuda en la escasez de medios, sin alardes folclóricos , una historia que podría suceder en cualquier parte del globo.
Y además lo hace con algo que , en cine militante , me parece muy relevante : existen personajes , no son símbolos sino personas , cada una con su pequeña historia , sus deseos, sus inquietudes y sus delicados dramas. Una mujer que ve renacer el deseo con un hombre más joven, otra que tiene que decidir si continúa con el espejismo de su matrimonio, un abogado en lucha con los momentos que dejarán huella ..... Lo más rico de esta película , dejando al margen alguna disgresión , son todos ellos. Muchos pequeños conflictos , ecos de un mal mayor.
No quiero olvidarme de dos mujeres : Hiam Abbass y Rona Lipaz-Michael, perfectas en sus miradas con las que son capaces de ir más allá de cualquier palabra , verdaderas herederas de las mujeres clásicas que , desde una sabiduría ancestral , contemplan con distancia y pena a unos hombres que quieren ser adultos y ni siquiera son capaces de conseguir la paz.
Olvidaos de cualquier idea preconcebida e id a ver como esta hermosa viuda lucha para que no talen sus limoneros por la seguridad de un ministro de defensa . Merece la pena .
Aunque no tenga un happy end , no sé porque pero sales confiando más . con otra esperanza.

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jueves, 23 de octubre de 2008

El Lado Oscuro del Amor de Rafik Schami

Entre los recuerdos literarios de mi infancia, cuando entre Los Cinco y Agatha Christie buceaba en la biblioteca de mi padre a la búsqueda de cosas de mayores, uno de los placeres era sumergirme en largas novelas, clásicos como Guerra y Paz o Quo Vadis que me auguraban , no sólo un largo proceso de descubrimiento , sino también una relación casi personal con esos libros, casi un noviazgo que producía cierta tristeza en su conclusión.
Aun hoy tengo cieto sentimiento personal ante cualquier libro, y comenzarlo me produce el gozo de un nuevo amigo con el que iniciar una aventura que durará al menos unos días.
Pero centrémonos: con esta introducción pretendía transmitir mi satisfacción frente a las buenas novelas largas , aquellas en las que sabemos que vamos a escuchar una historia inmensa, que vamos a conocer a sus personajes de principio a fin, que la experiencia merecerá la pena, que disfrutaremos durante mucho tiempo, que su autor a puesto en su obra gran parte de su vida .
El Lado Oscuro del Amor es una de esas obras.
Desde un conflicto amoroso, cercano a los Capuletos y Montescos, asistimos al desarrollo de una larga saga que, desde los orígenes de cada una de las ramas, nos lleva a conocer la historia de un país crisol de culturas y religiones, desde sus vaivenes políticos a la vida cotidiana de unos niños a los que vemos crecer entre juegos, deliciosas anecdotas y pequeños dramas.
La Historia y la historia, que cada uno asigne la mayúscula y la minúscula al ámbito que quiera.
Esta novela se lee como un clásico, descubriendo una narración que se va desplegando ante nuestros ojos como un gran mosaico, hermoso, humano, sentido, real.
Son ochocientas páginas de gozo. Yo le he dedicado veinte días, la terminé ayer y ya la echo de menos.

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lunes, 20 de octubre de 2008

CAMINO de Javier Fresser

Antes que nada quiero hacer tres comentarios con respecto a esta película:
1.- Visualmente me parece una excelente producción , cuidada , bien rodada, lúcida en muchas de sus escenas , con unos efectos especiales cuidados y un nivel interpretativo por lo general superlativo.
2.- Me parece una película larga , demasiado larga.
3.- Independientemente de que por razones mediáticas se halla reiterado que no es una crítica al Opus Dei y que molestará tanto a creyentes como a no creyentes , personalmente creo que es una dura ( y válida ) crítica a la "Obra" a la que situa del lado de los fanatismos religiosos , ajenos a la realidad de la vida, una crítica clara , llena de referencias ( a veces lastran excesivamente y sin aportar más que lo anecdótico la duración de la cinta ) muy concretas.
Al margen de estas consideraciones , Camino nos traslada dos premisas incuestionables : que la bondad existe al margen de religiones y dogmas y que la infancia es un lugar para jugar , vivir, disfrutar y no para sufrir ; querer convertir el sufrimiento de un niño en una redención es sólo una triste forma de escapar.
Con todo esto Camino me parece una película fallida . Dura y sin embargo con cierto humoralgo burlón , algo descentrada desde la comparación en paralelo del primer amor preadolescente con la agonía , una equiparación que , llegando a aspectos tan difícilmente defendibles como la confusión con el nombre de Jesús, acaba en un final casi extravagante donde no sabemos muy bien si hemos entrado en el territorio de la magia , la mística o la mera exigencia estética del director. Pesa tanto la estructura que , a riesgo de parecer Herodes, tengo que decir que perdí toda emoción en el calvario de esta familia .
No entiendo la complejidad de un desarrollo que podría ser más simple e igual de contundente.
Aun así me gustan muchas cosas: la primera hora , la convivencia con el cuento infantil , la integración de las primerar pesadillas, Carme Elias y , por supuesto , los ojos de Nerea Camacho.
Camino es una apuesta arriesgada de un director que hasta ahora se había movido en un humor grotesco . Es impresionante que se haya atrevido con eso , lanzado a esta aventura .
Me quedo con lo bueno.
Espero más.

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martes, 14 de octubre de 2008

HAPPY de Mike Leight

Lo primero que sorprende de esta película son los títulos de crédito: una bicicleta , una conductora colorista y sonriente y una música más propia del West End que de las atmósferas a las que Leight nos tiene acostumbrados.
Entramos por lo tanto en una narración con la vocación de mostrarnos a un personaje feliz, capaz de afrontar la dura realidad con el objetivo de transportar a todo el que se encuentra en su camino en alguien capaz de quedarse en el lado bueno de la vida.
Independientemente de que, como he leido en algunas críticas, el personaje central pueda ser algo cargante , me solidarizo totalmente con él. Además hay en la cinta momentos fancamente buenos como el encuentro nocturno con el vagabundo o el breve atisbo de Poppy en el campo verde. Pero en general la película, no sé decir porque, me parece algo limitada.
Leight siempre encuentra aristas En este caso, la Inglaterra que es capaz de crear esta optimista todoterreno lo es también de generar enfermos como el instructor de conducción. El desarrollo tiene encanto y fluidez pero me falta algo , algo que la haga única.
En cualquier caso.... ¡ id a ver Happy! ¿ cuantas películas hay en la cartelera dedicadas a la sana felicidad ?
Saldreis sonriendo, y con una deliciosa música de fondo que anima a mover los pies.

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lunes, 6 de octubre de 2008

TIRO EN LA CABEZA Jaime Rosales

Desde que ayer noche vi Tiro en la Cabeza , estoy intentando disociar tres posibles puntos de vista : el elemento puramente cinematográfico, el transfondo político y la reacción que ha causado.
Empezando por el tercer punto, me siento incapaz de ningún comentario al respecto. Como a cualquier ser humano, el terrorismo me parece una lacra terrible de nuestra sociedad por lo que tiene de irraccional, de cruel, de frío. Al margen de esta afirmación tan básica, no lo he sufrido de forma directa por lo que no intentaré ponerme en la piel de aquellos que se han sentido agredidos por esta cinta . Estoy seguro que sus razones son legítimas.
Por lo que se refiere al transfondo político, este no existe . La elección del director es trasladarnos , como de alguna manera hizo ya en Las Horas del Día , la humanidad de la bestia . Es una elección tan válida como otra cualquiera y, sobre todo, tan aceptable como cualquier decisión de un creador por lo que se refiere al punto de vista o a su posición subjetiva . Quien busque una cinta sobre el problema vasco o más genéricamente el terrorismo, deberá hacerlo en otras películas como por ejemplo Todos Estamos Invitados de Gutierrez Aragón.
Lo que más me interesa de esta propuesta es su trabajo con el lenguaje cinematográfico. Rosales ya demostró en sus dos anteriores propuestas que le interesa experimentar , buscar nuevos modelos narrativos asumiendo el riesgo que suponen y eso es siempre gratificante .
En este caso la propuesta es más radical dado que prescinde de la palabra y se coloca a una distancia que otorga muy pocas referencias sobre lo que está ocurriendo en la pantalla. De este modo la historia, si se le puede denominar así , está constantemente abierta a las interpretaciones del público que puede decidir entre la pasividad o la creación.
Nos convertimos en observadores pasivos para tener que ser intelectualmente activos .
Me gusta la apuesta , la he disfrutado, seguramente seguiré pensando en ella algún tiempo y seguramente tardaremos en encontrar otra propuesta tan innovadora cinematográficamente hablando, capaz de enlazar con los orígenes : el cine mudo.

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domingo, 5 de octubre de 2008

PAUL AUSTER- Un hombre en la oscuridad

Debo de comenzar diciendo que Paul auster es uno de mis escritores preferidos . De entre todas sus novelas ( creo que no me falta ninguna por leer ) sólo Tombuctú me decepcionó ( mucho, todo hay que decirlo ), del resto, incluso las que me parecen menores tienen puntos que superan la media de lo que actualmente se escribe.
Y creo que Un Hombre en la Oscuridad no es una de sus obras importantes , pero sí resulta perfectamente disfrutable.
Nos encontramos con dos líneas narrativas :
Por un lado , una especie de juego onírico cercano al sueño en que un personaje salido de la mente de un escritor debe , en un fondo de guerra, luchar contra su creador para salval el mundo. No es nuevo. Lo hemos visto en algunos guiones de Spike jonze y , dentro de una vertiente mucho más dramática en La Escalera de Jacob de Adrian Lyne . Está bien narrado, no pesa ni interrumpe y quizás deja una perspectiva sobre los miedos a los que hoy día se enfrenta el pueblo americano que pregna en el resto de la historia . Pero dentro de su lucidez tampoco llega a la genialidad necesaria para sentirlo único.
La segunda línea narrativa , contada en primera persona por el creador del relato anterior , nos entrega la vida de su familia, de su pequeña familia , con algunas disgresiones históricas . Personajes que han sufrido y disfrutado en el complejo marasmo de las relaciones humanas cotidianas , de los pequeños amores que son grandes , de los sentimirentos confusos ... Y es aquí donde me encuentro con el mejor Auster , capaz , siempre lo he dicho, de una infinita ternura hacia sus personajes , de muchísimo cariño que parece tener también hacia sus lectores. Capítulos como la vida de su hermana son de los textos más tristes y más sentidos que he leido en mucho tiempo y la relación entre los tres personajes principales es de una extraña y maravillosa riqueza.
También esta parte termina con una referencia brutal, con un crimen horrendo. Quizás para demostrarnos que esos miedos son reales y que todos podemos despertarnos un día para darnos cuenta de que la zona más atroz del mundo ha penetrado en nuestra pequeña existencia .
He disfrutado con este juego de Auster ; he pensado, he sentido.

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sábado, 4 de octubre de 2008

Godard - NUESTRA MUSICA

De nuevo, como ocurría meses atrás con Rosellini, el DVD me ayuda a recuperar, en este caso una cinta que pasó fugazmente por la cartelera, Nuestra Música de Godard.
No conozco lo suficiente la obra de este autor como para analizar lo que esta película supone en el conjunto de su carrera, si es coherente con su trayectoria o lo que puede aportar al conjunto. Como pieza aislada me parece un interesantísimo ejercicio de caligrafía cinematográfica al tiempo que una búsqueda de la adaptación de nuevos lenguajes y otras disciplinas al séptimo arte.
Me quedo , no con intentar comprender cada apunte, cada disgresión, sino con un artefacto capaz de trasladarme sensaciones e ideas, de las que destaco tres:
Las masacres y las guerras , en múltiples formas, con diversas texturas y colores , son sin duda la característica más significativa de nuestra civilización, en forma de genocidio o de invasiones o de peleas o de juego. Hemos convertido este mundo en un infierno de múltiples caras que consiguen en ocasiones incluso parecer hermosas mientras trasladan el horror.
En segundo lugar constatar que la intelectualidad ha devenido incapaz de ofrecer soluciones, convirtiéndose en un ejercicio endogámico, masturbatorio y esteril , que no puede convertir sus conclusiones en pautas de actuación, porque está prisionero de las ruinas, porque ha elevado el pensamiento a tal nivel de abstracción que lo ha convertido en una pieza de museo, superficial de tan profunda y en muchos momentos absolutamente incomprensible y susceptible de la más absurda metamorfosis.
Por último, el poder está en una imagen que es capaz de manipular, de transportar, de mostrar e incluso de crear realidades y, volviendo al inicio, junto con otras disciplinas como la música o la poesía, puede transmitir sensaciones e ideas.
Circular destino el de la humanidad, esperanzas , parece decirnos el autor, si concluimos la visita al Paraiso compartiendo, como nuestros primeros padres, una manzana.

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miércoles, 24 de septiembre de 2008

Vicky, Cristina, Barcelona

Hasta la fecha no puedo decir que ninguna película del Woody Allen de los últimos año me haya disgustado, alguna como Todos Dicen I Love You la encontré menos encantadora que lo que se decía, Acordes y Desacuerdos me pareció quizás en exceso rígida, Broadway Danny Rose demasiado nostálgica... pero todas tenían algo que las hacía peculiares.
Luego estaban las únicas como Zelig, La Rosa P´rpura del Cairo, Septiembre, Días de la radio, Maridos y Mujeres....
En la trilogía inglesa parecía haberse acercado al cine negro, bien en la excelente Match Point bien en su reverso, la bromita Scoop, para terminar con la oscurísima, antípatica y muy lograda Casandra,s Dream.
Era de esperar un nuevo giro, otra propuesta.... pero ¿ hacia donde ?
En Vicky Cristina Barcelona respiro intrascendencia, vacio , aburrimiento. Efectivamente es irónico el continuo aire de postal, sobre todo al inicio, pero lo peor es la constante sensación de artificialidad, de que no me creo nada. La verdad es que si luego recuerdas la historia, aunque previsible, tiene su punto, pero entonces ¿ porque interesa tan poco ? por la inanidad de los diálogos de un escritor siempre agudo y la desgana que desprende todo el producto.
S´ólo una fantástica Penélope Cruz consigue que la cinta remonte por momentos pero no es suficiente.
En otas cintas Allen emulo a Bergman, ¿ a quien podría emular aquí ? a un Rohmer festivo tal vez..... pero carece totalmente del encanto que también supo imprimir Renoir a Las Reglas del Juego.
No he hablado de los tópicos, ni de las guitarras, ni de.... me dan igual. Lo que me importa es que Allen por primera vez me aburre.

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jueves, 18 de septiembre de 2008

CIEN CLAVOS

No sé si he escrito alguna vez sobre mi reconocimiento de que toda opinión aquí vertida es absolutamente subjetiva, no sólo porque al pertenecer a alguien es imposible que sea de otra manera sino también por la influencia que tiene nuestro estado de ánimo, nuestro cansancio o nuestra vitalidad, la remembranza de buenos o malos momentos..... y así hay películas, libros , cuadros, que no sólo nos gustan o no sino que se cuelan en nuestro interior como algo propio y somos incapaces de encontrarla menos que maravillosa.
Me ha ocurrido con Cien Clavos.
Una cinta que comienza con un impacto visual, casi una instalación artística, que valdría por si misma cualquier película.
Luego comienza una parábola cristiana , sencilla en apariencia y desarrollo, fácil por tanto a la vista, pero abierta a dudas tan complejas como la presencia de Dios en la Tierra o la verdadera bondad del ser humano, dudas que extiende encima de la mesa de una forma totalmente diáfana.
Pero lo que más me gusta de Cien Clavos es su tono, suave, ingenuo, alegre y que en ningún momento se pierde, dejando a la parte detectivesca un montaje ágil, sin fisuras .
La belleza es continua y completa, desde la ya citada fenomenal apertura hasta el nucleo pastoral en que el cielo y el rio adquieren tonos de paraiso, acompañada siempre por una música narrativa, delicada, poética.
Cien Clavos ya está dentro. Junto con otas como Lamerica o Azuloscurocasinegro forman parte de mi memoria interior, siempre en el recuerdo, siempre en el presente, siempre mías.

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sábado, 13 de septiembre de 2008

MAMMA MIA ... Bufff

Tengo un muy buen amigo llamado Javier que ha disfrutado con Mamma Mia. Que esto sirva de aviso: a lo mejor yo tenía un mal dia, o soy un carca que busca aun el cine de tesis , o tenía sueño atrasado.... es decir, puede que no esté tan mal , ¿vale? pero, como antes de recibir comentarios quien escribe aquí soy yo, no me queda más remedio que dar mi opinión , lo siento Javier, con el buen gusto que tienes para otras cosas, como elegir amigos, por ejemplo.
Bueno, vamos al tema : como todo el mundo sabe Mamma Mia es un musical con garantías dado que , si en un musical uno de los factores de riesgo es la música , aquí partimos de hits de un grupo tan conocido como Abba , canciones que a prácticamente a todo el que se sienta en la sala le suenan, si no las conoce al dedillo o forman parte de su adolescencia disco.
Por lo que se refiere al libreto ( sirve para ópera , en musical me suena grandilocuente pero no se me ocurre otra cosa ) es gracioso, válido, y en teatro funciona perfectamente.
La película, con esos mimbres, no es capaz de un cesto ni siquiera pasable ( a mi entender, sorry Javier ) .
Creo que el problema es de actitud y de entendimiento del producto: un musical es espectáculo; el más logrado de los últimos años, Chicago, apostaba por un desarrollo brillante, visualmente capaz de sorprender de forma continua y de aprovechar todos los recursos posibles para sumergirnos en una atmósfera de fantasía donde el espacio se convertía en un entorno flexible en función de las necesidades de cada momento y donde las canciones servían como apunte a la historia narrada. En definitiva , el musical se tomaba en serio.
Mamma Mia se mueve continuamente en la autoparodia, parece no creerse demasiado a si misma y así no hay grandes números sino intentos de que sean divertidos, y sorprende la excasa originalidad de los gags ¿ colgado de la ventana cuando le quitan la escalera ? ¿ la patosidad de Julie Walters ? creo que no llegué ni a sonreir una vez durante la hora y media que dura.
Otro tema es Meryl Streep, de quien nadie duda que es capaz de soportar lo que sea, y ahora canta . Vale. Pero no es suficiente , mucho mejor retomar el DVD de Los Puentes de Madison, de La Decisión de Sophie o de Memorias de Africa, y si la queremos oir cantar, estaba deliciosa en El ultimo Show de Altman . Aquí tiene su punto en algún momento pero ¡ que esfuerzo!.
Javier, lo siento, pero me parece que la próxima vez que vaya al cine ...........

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miércoles, 10 de septiembre de 2008

El Navegante Dormido de Abilio Estevez

Hace varios años me deslumbró una novela que recuerdo como una experiencia sensorial entre personajes que a veces basculaban hacia lo sórdido y otras hacia lo mítico, mientras en un itinerario que apuntaba cierto surrealismo, se hundian caminando pérdidos en una selva de palabras , metáforas, poesía, sueños.... se llamaba Tuyo es el Reino y era lo primero que publicada un escritor cubano llamado Abilio Estevez.
Su siguiente novela , Los Palacios Distantes , la veo desde el recuerdo ( y pido disculpas, los recuerdos son a veces equívocos ) como el deambular de tres perdedores en un territorio extremo donde la ciudad ya se ha convertido en ruinas sin reconocerlo.
Y también disfruté con los relatos que, desde el corazón, poblaban El Horizonte y otros Regresos ( que título tan hermoso ).
Con El Navegante Dormido he visitado de nuevo esa Cuba densa donde en el pasado la nostalgia se confunde con ansiedad, donde es tanto lo que parece digno de ser recordado que se confunden los años y las generaciones, las realidades y los deseo. Porque tengo la sensación de que los personajes de Estevez siempre están henchidos de deseos, unos reconocibles, otros confusos incluso para ellos mismos , como se país en el que viven.
Y en el viejo caserón, con ese remedo acumulativo de familia que poco a poco va creando el tiempo, también nosotros esperamos la tormenta escuchando sus miserias y sus grandezas; navegando entre lo que es cierto y lo que nos van a contar. Entre cuerpos y almas.
En algún sitio he leido que en el caso de este escritor el poeta llega a ahogar por momentos al narrador.
Puede ser, pero a mi me parece una gozada sumergirme en su lenguaje selvático, en la lucidez de su poesía y en sus fábulas tristes.
Y así pienso seguir haciéndolo, esperando ahora ya un nuevo regreso.

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viernes, 5 de septiembre de 2008

LAS TROYANAS

De nuevo las Naves del Matadero y de nuevo un clásico.
Esta vez una tragedia griega, con las dificultades que entre arqueología y contemporanización ( no se si existe esta palabra ) tienen estos textos.
Y otra vez el brutal escenario.
Por partes: Creo que Las Troyanas de Mario Gas son un espectáculo visualmente muy potente. La iluminación es fantástica, el movimiento del coro perfecto, la escenografía adecuada, el vestuario excelente.
Pero a mi buena amiga Cristina no le ha gustado nada.... lógico: no soporta la megafonía, y aquí se utiliza a un nivel que llega a hacer inidentificables los parlamentos con los actores
La interpretación y los cuadros son desiguales: el de Casandra me gusta sin entusiasmarme, creo que le falta dolor; en el de Andromaca me sobra el camión gore ( ¿ a alguien se le ocurrirá algo má ocurrente que vestir a los soldados de actuales guerrilleros para trasladar el conflicto a nuestro entorno ?); el que más me gusta es e de Helena.
En cuanto a la interpretación, Gloria Muñoz excelente, furiosa, humillada .... Sanchis erótica, cobarde, carnal, irregulares Azcolayeta y Mía Esteve pero físicamente bien movidas. Pero tiene que tener algún sentido la blandura de Atonio Molero, actor excelente que aquí no es capaz de darle un mínimo de entidad a su personaje.
A mi me gustó más que a mi amiga Cristina, creo que es un buenespectáculo para el Matadero, pero a lo mejor aciertan si le hacen caso a ela.

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jueves, 4 de septiembre de 2008

Los Girasoles Ciegos

Recuerdo la lectura de los relatos que conforman Los Girasoles Ciegos como un triste placer : literariamente hablando excelente , humanamente hablando desoladora , sobre todo por su veracidad y por el hecho de que parecía estar escrita desde el alma.
La memoria me falla al reconocer las tramas en la película , creo que hay varios vinculados como ya hizo José Luis Cuerda en La Lengua de las Mariposas pero no sé cuantos ni cuales . De todas maneras la sensación es la misma .
Los Girasoles Ciegos cine es una obra hermosa , muy triste , demoledora y narrada con la maestría de un gran director que, sobre todo, está enamorado del material que tiene entre manos .
Es fácil enamorarse de una Maribel Verdú que pienso consigue su mejor interpretación , de Javier Cámara , reflejo de la derrota de la deseperanza ( todavía tengo dentro la escena donde tapa con las manos su rostro en el espejo ) y de un raul Arévalo brutal en el que posiblemente sea el personaje más terrible que hemos visto en mucho tiempo.
Son tantos los detalles a recordar , los matices , las patadas en el corazón ... que es difícil no enamorarse también de ese guión , con posiblemente alguna laguna , pero lleno de verdad y de buen hacer.
Me pasa lo mismo que con los relatos ¿ se puede utilizar la palabra disfrutar para evaluar algo que nos deja tan devastados ?

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martes, 2 de septiembre de 2008

Una Lectora Nada Común de Alan Bennet

Me encantan los pequeños hallazgos, esos libros o películas u obras teatrales que desde la humildad y unas pretensiones en principio no excesiva , medescubren raudales de inteligencia.
Esta pequeña novela, que desde una irónica anécdota es capaz de cuestionar con un gran sentido del humor cualquier institución, hasta la monarquía , y ,por supuesto, los iconos culturales.
Es una joya que se lee como un vaso de agua . A la que no lo sobra ni le falta ni una palabra.
Un pequeño gran hallazgo.

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WALL- E

Recuerdo La Bella y la Bestia como una sorpresa: por primera vez me parecía que una cinta de animación rozaba la perfección siendo comparable a cualquier película para adultos.
A partir de ahí hubo de todo, logros, fracasos, repeticiones, hallazos...
Y este verano ha llegado la que para mi ha sido la propuesta más arriesgada , más sorprendente y más lograda en este segmento:
Arriesgada porque a un complejo argumento ( cuyo éxito creo se debe a que admite varias lecturas, desde la más simple para disfrute de los más pequeños a la más elaborada para mayores ) se une un planteamiento casi experimental en su silencio y minimalista en su desarrollo.
Sorprendente en su estética futurista, en utilizar como inspiración lo personajes tradicionales del cine mudo, tan lejos de los modelos que hoy causan furor y en la sencillez de los sentimientos que crea y traslada.
Y lograda porque me parece grande, perfecta , llena de momentos tan inspirados como la espera de WallE con su amada bajo el paraguas o el romántico baile en el espacio con la espuma de los extintores. Unica.
Espero que si este tierno robot de limpieza nos regala nuevas aventuras no baje el listón. Esta es sin duda una de las nejores películas de este año, en cualquier género.

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lunes, 28 de julio de 2008

El Ojo del Lobo de Daniel Pennac

Daniel Pennac es uno de los grandes escritores contemporaneos. Francés nacido en Marruecos,y quizás no muy conocido en España, su serie de Malausane es única.
Ahora he encontrado un relato inscrito en el referente de literatura infantil y juvenil , El Ojo del Lobo, y he tenido el placer de leerlo.
Desde la jaula de un zoológico y a través de un contador de historias muy peculiar, recorremos el desierto africano, pastoreamos mientras conocemos a un camello fiel y charlatán, un guepardo noble, una hiea arrepentida... tras conocer la selva, llegamos al mundo occidental.
Es un relato hermoso, lleno de magia asumida como algo cotidiano, ágil, y capaz de enseñar que existen mundos diferentes a aquellos que comienzan a descubrir el propio.
Lo que nos enseña Pennac es que no hay que privar a los niños de acceder a todos los contenidos, sencillamente hay que contarlos con sencillez, como los cuentos que narran en cualquier lugar del mundo los buenos narradores.

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ALIENTO de Kim Ki Duk

Me resulta difícil escribir sobre esta película, fundamentalmente porque no tengo claro haber entendido los códigos de su director; creo que nunca reconocemos que algo nos ha desconcertado por no comprender lo que se nos estaba contando ( en este caso, como se nos está contando ), el anonimato de un blog es seguramente un buen lugar para ser humilde.
Por otro lado, tiendo a creer que existe una razón para cualquier obra creada , aunque sea su mera apariencia estética, y ese respeto a la capacidad creadora me lleva a intentar llegar a los objetivos de , en este caso, su director.
Y aquí, ayer por la noche, fue eso lo que me impidió levantarme e irme en escenas que sólo en el devenir de la cinta dejaban de resultar ridículas.
Vayamos por partes o intentémoslo al menos: K.K.Duk es el cineasta desde Bergman que mejor maneja el silencio, sus obras tanscurren sin concesiones explicativas; tiene además un fascinante sentido estético para crear desde sus planos la geografía de la soledad.
Salvo en El Arco, que me pareció en exceso artificiosa, el resto de su cine, en especial la fantástica Hierro 3 y Time , fluye con suavidad.
Aquí tenemos un relato radical , una historia ¿ de amor ? ¿ o dos ? quizás ¿ de redención ? en resumen de sentimientos desconcertantes al límite. Un condenado a muerte que no habla, una mujer que es el icono de la soledad, su marido. Un vigilante fantasma, un preso enamorado.... Personajes que nos trasladan un momento de su vida cazado sin pudor y sin miedo a las esquinas....
Y en ello soy incapaz de entender la ruptura colorista de las estaciones, las canciones y el patetismo que pretende o consigue la risa.
Hay momentos sublimes, todos los de las cuatro paredes y los cuatro presos, una aseveración familiar que es un puñetazo, miradas inolvidables.........
No he conseguido que Aliento me fascine, no he conseguido entrar, si me ha impactado. Quizás demasiado....... No sé, pero cualquier riesgo debe merecer un respeto.
Me niego a pensar que todo sea artificio, vacío.

Público

viernes, 25 de julio de 2008

TROILO y CRESIDA- Check by Jowl


Culquier visita a Madrid de la compañía dirigida por Declan Donellan es una master class de teatro.
Fascinantes cuando con The Changelling de Middleton , drama jacobino sangriento , nos hicieron sumergirnos en la lujuria, el odio, la venganza, el rencor ... poco acostumbrados a una lectura de los clásicos tan agresiva y oscura y, al tiempo, capaz de conjugar referencias que iban desde Fellini al Gore más actual.
Con Cimbelino, a mi entender una de las piezas shakespereanas más complejas, nos divirtieron, convirtiendo esta recorrido por salones, bosques y casas de pastores, en un cruce de aventuras e intrigas palaciegas, con una catarsis cercana al más arbitrario enredo.
Y ahora, en las Naves del Matadero, llegan con la guerra de Troya alrededor de Troilo & Cresida, y convierten esta cínica obra en una ligera comedia con la coreografía de un ballet e iconos perfectamente reconocibles, referencias simples y una estructuración que posibilita un seguimiento lineal del argumento.
Les cuesta poco que cada personaje tenga sus líneas de actuación y su personalidad perfectamente definidas en pocos minutos. Que la acción prime, dosificando la información de forma precisa para que se incorpore a la narración sin frenarla nunca.
Y es que, como ya ocurría en The Changelling, hay un trabajo invisible de costura que consigue que las tramas paralelas se integren perfectamente , aportando fondo y contenido. Así, los diferentes referentes de la historia, van en este caso creando un tapiz de relaciones humanas en una guerra absurda donde los comportamientos no pueden tener demasiada coherencia.
Quiero recalcar un punto importante que creo tiene relevancia cuando se habla de como adaptar a los clásicos: escuchamos voces que se oponen tanto al anacronismo como a la arqueología, sin embargo creo que Check by Jowl no se plantea el respeto, la incongruencia, el atrevimiento... se asegura de ser fiel a ellos en algo fundamental: el objetivo de entretener, de divertir, de fascinar. Así sus montajes son siempre, repito, ligeros, a pesar de la densidad del contenido.
Y una vez más, con el mismo estilo pero un planteamiento diferente, Troilo & Cresida vuelve a ser un acontecimiento, donde el público variopinto rie, aplaude, se sobrecoge y, en resumen, disfruta de teatro.
Además las Naves, con su agradable bar colaboran a ese nivel de punto de encuentro, de charlar sobre lo visto, de compartir puntos de vista .... y , aseguro que en el entreacto de T y C había pasión, sorpresa y sonrisa.
Por favor, que no falten.

Público

lunes, 21 de julio de 2008

EL BOSQUE DEL LUTO de Naomi Kawase

Existen en odos ciertos prejuicios sobre el cine oriental; quizás suena demasiado a cine de festival, de crítica especializada, a ese cine que pocos ven y todos comentan cuando quieren ser innovadores ..... flaco favor . No creo que el cine procedente de Asia sea más difícil que el de nuestro país, por poner un ejemplo cercano , y , sobre todo, no creo que sea catalogable como una unidad de temáticas y estilo.
Supongo que todo eso tiene algo que ver con que películas como esta pequeña joya de Kawase dure tan poco en cartelera y tenga que ser recuperada gracias a empeños como el de Séptimo Arte.
La historia del bosque del luto, emparentada con la sencillez del budismo más humano, es tranquila , simple. La búsqueda de referencias por parte de una mujer joven de la que poco sabemos más allá de que ha sufrido el drama de la pérdida de un hijo, se cruza con la de un anciano que tiene muy asmida la suya , cuando se cumplen 35 años de la desaparición de su esposa. Juntos emprenderán un pequeño viaje de encuentro arropados por la potente y serena naturaleza.
Creo que además el bosque ... es una historia de amor , de como dos personas llegan a quererse como seres humanos , a ayudarse , a protegerse , fuera de cualquier romanticismo , con la hermandad de los seres humanos que compartimos un mismo planeta y,en momentos diferentes de nuestras vidas , sentimientos similares.
El ritmo no es lento, sencillamente se aclopa a la densidad , a la cadencia del desarrollo de la historia que no se hubiese podido contar con otra sensibilidad , y además necesita transformar el entorno en un personaje más.
El Bosque del Luto nos invita a ver , a contemplar , a escuchar.
A disfrutar de nuestros sentidos , a despertarlos más allá de lo previsto.
Cintas así nos enseñan un cine donde la propia historia no se nos cuenta sino que se desarrolla ante nuestros ojos y tenemos la sensación de intimidad, de encuentro privado, de que el mensaje es único y susurrado al oido.
Que quede espacio para este tipo de propuestas , venga de donde venga.

Público

jueves, 17 de julio de 2008

Las Baladas del Ajo de MO YUAN

Parece imposible hablar de China sin recordar los cambios que desde la Revolución Cultural sumieron durante muchos años al país en un tiránico atraso en el que los seres humanos, origen de leyendas ancestrales , de un mundo paralelo de espíritus y dioses, sustituyeron a los emperadores por funcionarios del partido, igual de indiferentes a su dolor.
Pero es también necesario recordar el envoltorio exótico y colorista que ofrecen su cultura y su paisaje , capaz de hipnotizarnos con su magia.
Mo Yuan narra una historia coral muy cruel; un suceso político alrededor del cual se desarrollan las míserables vidas de unos personajes zarandeados por el destino pero que se mueven en un paisaje de una poética y terrible intensidad, donde las lunas y los soles se multiplican, el aire se transforma en fauna y se conversa con muertos o se escucha a bebes no natos.
Y como hilo conductor de este tejido plural y engarzado de pequeñas perlas, los poemas que un trovador ciego va desgranando , guiándonos con ingenuidad por el suceso central.
La Baladas es una excelente novela, moderna en su narración, atrevida en su estructura y bella en el lenguaje.
Una obra procedente de un país legendario del que contamos con pocas referencias literarias. Espero que estas 500 páginas sean sólo una avanzadilla.

P,ublico

sábado, 12 de julio de 2008

NIÑOS DE TIZA

Que suerte poder escribir una novela así.
Lo que le queda a este autor por contar.
Vamos por partes:
Hay libros que me gustan más o menos, otros que no etc pero hay veces que das con una obra que habrías dado un brazo por escribir. Y este caso es uno de ellos.
Me gusta mucho el género negro, y más cuando refleja un transfondo social, un ambiente que se filtra en las almas de sus personajes convirtiéndoles en seres perdidos entre la insatisfacción y la incertidumbre aderezados de pasiones confusas. En este caso, el barrio de San Blas otorga un matiz neorealista a esta narración.
El género necesita personajes turbios, con corazón pero capaces de cometer grandes errores. En este caso , nuestro antiheroe , antiguo boxeador, derrotado en el ring y en la vida , tiene la fibra y el músculo de los caracteres que superan una obra y que buscan nuevas historias que podernos regalar.
Y , como cualquier cosa que se pueda contar, hace falta además de técnica, muchas entrañas.
No sé quien es David Torres, no lo sabía hasta ahora. Después de leer esta obra tengo la sensación de conocerlo más porque ese buceo en el pasado tiene que tener dentro una gran sinceridad.
Estoy convencido que David Torres conoció a una sirena, y a una niña araña; que se dejó los nudillos en combates míticos contra personas y paredes, que conoció brujas y ruinas; y que entendió que esta mitología del barrio de San Blas debía de ser contada sin intentar dulcificar el decorado.
Que nadie se pierda Niños de Tiza. Es una joya. Yo buscaré las obras anteriores y no me perderé ninguna de las próximas.
Que suerte que alguien escriba así .
Gracias.

Público

miércoles, 9 de julio de 2008

MACBETHLadyMACBETH en El Matadero

Hay escenarios que marcan totalmente cualquier representación . Estoy pensando en El Globe en Londres o en hace ya muchos años cuando Jose Carlos Plaza montó La Orestiada en la Antigua Fábrica de Cerámica y por supuesto en el Teatro Romano de Mérida.
El Matadero es un entorno difícil y agradecido . La utilización del espacio que hizo Mario Gas en su Bretch inaugural fue olímpica . En un esquema más tradicional Lluis Pasqual sirvió una deliciosa representación de La Familia del Anticuario de Goldoni.
Macbeth parecía una obra adecuada para oscurecerse entre las paredes de piedra , las puertas que miran como ojos, las sombras ....
Sin embargo el resultado es muy desigual y creo que en parte está lastrado por las dificultades del lugar:
Primero, no tengo nada que decir respecto a la versión . Siempre he pensado que todo es versionable . En este caso, centrando más el conflicto en la pareja protagonista y dándole más importancia al personaje de Lady Macbeth , se consigue una buena resolución de las voces y de las escenas de exterior , también me parece un hallazgo el personaje del sargento. Lo mejor las escenas finales de ternura y drama . Sin embargo, dentro de esta aceptable propuesta , puede sobrar algún toque cercano a la comedia ; nunca me ha convencido el humor en medio de una tragedia , me despista, supongo que el objetivo es hacer su relación más cotidiana , pero la relación entre estas dos bestias no puede serlo.
Con respecto al escenario: es feo y no lo entiendo. El agua es un elemento teatralmente efectivo pero no acabo de comprender este mundo subterraneo poblado de raices ( pobre el avance final del bosque ) que sólo oscurece lo que ya es oscuro. Por otro lado la acción se dispersa lo que no favorece los buscados momentos íntimos ; y finalmente hay cierta sensación de vacio: un espacio tan abierto no lo pueden llenar siete actores , falta el ruido y la furia . En escenas como la cena con espectro ( bien logrado este efecto ) o la entrada final , la percepción no es del palacio de un rey sino de un encuentro de amigos ( pocos ).
La interpretación es otro punto : Orella me parece un actor excelente , pero creo que no aporta matices . Es sobrio, sólido, suficiente . Un Macbeth más , muy Macbeth.
Adoro a Adriana Ozores a la que considero una apuesta de éxito segura ; creo que suyos son los mejores momentos , tanto desde la técnica interpretativa como desde su personalidad singular . Sin embargo es la más afectada por los momentos de comedia antes citados donde su interpretación pierde cierto peso o desconcierta.
Los demás están en general muy bien.
No es un gran Macbeth y lo siento; desde que vi el primer cartel me lo apunté como una oportunidad única .
Tiene muy buenos momentos sin duda , pero le falta personalidad : no nos recuerda , cinematográficamente hablando, ni el arcaicismo de Orson Welles ni la corrección histórica de Polanski. Lo veo más cerca de la fría y cara versión operística que Gerardo Vera nos sirvió hace unos años en el Real.
El Matadero es un lugar para grandes apuestas y grandes riesgos , esta propuesta lo es . Y las grandes apuestas no siempre se ganan . Pero de todas maneras siempre debemos animar a los hombres del teatro para que sigan apostando.

Público

viernes, 4 de julio de 2008

Saber Perder de David Trueba

Quiero comenzar diciendo que Saber Perder me ha parecido una novela fantástica. Estupéndamente escrita, con una gran lucidez en la observación del entorno, precisión y matices en la creación de personajes y un desarrollo narrativo difícil pero absolutamente logrado.
Trueba elige contar a cuatro personajes relacionados entre si pero con historias independientes, de todas maneras todas tienen algo en común: son , de alguna manera , perdedoreso , al menos, no triunfarán.
Recorremos con ellos sus ilusiones, sus pequeñas miserias, su intento de hacer lo mejor de su vida, de encajar donde la vida les pone y..... su poso de tristeza.
Lo que me cuesta es reconocer que, aunque el título nos avisaba, yo esperaba alguna salvación en el final.
Trueba quiere a sus personajes y nos hace quererlos, comprenderlos.... por eso speraba .....
Pero en fin, hay que saber perder.

Público

DE VUELTA A NARNIA

Lo que más me gusta de leer las Crónicas de Narnia es su ingenuidad, un claro tono blanco en su imaginario que la acerca a los cuentos.
La primera entrega cinematográfica, conseguida a nivel estético, creo que pecaba de intentar acercar la cinta a las fantasías adolescentes modelo Indiana, Matrix o , como no, El Señor de los Anillos; sin embargo Narnia es otra cosa.
Por ello cuando mis hijas y yo decidimos refugiarnos del calor estival en una sala de cine ( como me gusta el cine en verano ) tenía cierta prevención .
Pero fue una sorpresa, y es que creo que El Principe Caspian se acerca más al espíritu original: hay un joven principe al que han usurpado el trono y que necesita ayuda, hay rivalidad entre jóvenes, una chica aguerrida y otra soñadora, un ratoncito mosquetero, centauros, minotauros y enanos. Los buenos son muy buenos, los malos malos y la trama fácil de seguir, lineal.
El Principe Caspian tiene además un aroma a clásico de capa y espada, de aventura y hay un poquito de romance.
Es un excelente entretenimiento, absolutamente disfrutable.
La próxima será Las Aventuras del Viajero del Alba, una de mis Crónicas favoritas; si se sigue esta línea será una gozada.

martes, 1 de julio de 2008

LA ESCAFANDRA Y LA MARIPOSA

No pensaba verla. No considero a Schnabel un personaje de culto. No me terminan de convencer la mayoría de las películas de superación personal. La pornografía sentimental me molesta mucho más que cualquier otra No me gusta deprimirme.
Sin embargo tuve la suerte de no cumplirlo.
La historia ya la hemos oido: infarto, consecuencias que dejan tetrapléjico a su protagonista, un músculo mínimo que lo comunica con el mundo, una hazaña y todo ello es una historia real.
En este caso el riesgo es mayor desde el principio y es que la primera parte de esta cinta se cuenta desde dentro, desde la visión distorsionada, desde la sorpresa y la desesperación, la angustia y el descubrimiento. Poco a poco vamos saliendo al mundo, aunque siempre en los retazos de esa consciencia lúcida pero de percepción parcial, sin perder nunca el tono de las pequeñas cosas, como esas cortinas, ese velo de aire , o esos sueños de buceo o de época.
La escafandra y la mariposa es una película visualmente muy rica y hermosa. Sorprende que una historia que se cuenta en ocasiones desde un ojo que parpadea pueda ser apasionante.
Pero sobre todo, es un canto a la vida, a seguir adelante, porque como nos recuerda su protagonista, siempre le queda su imaginación y su memoria.
¿ Echar algo en falta ? quizás una mayor profundidad a la hora de conocer sus sentimientos, tal vez tener la sensación de pasar más tiempo con él.... Al lado de los heroes increibles capaces de soportar cualquier penuria con la entereza de martires perpetuos y con total ausencia de bajones, este sí es un compañero apetecible a quien admirar ¿ será porque prefiere mirar un escote atrevido que perderse en el firmamento ?

Público

jueves, 26 de junio de 2008

Antes de que e diablo sepa que has muerto de Sidney Lumet

Lumet es de esos directores conocido como un narrador clásico pero al que yo hasta ahora sólo había tenido la suerte de conocer, salvo en Veredicto Final, en empeños menores como Power o La Noche cae sobre Manhattan, intentos fallidos como A la mañana siguiente o Una extraña entre nosotros y thrillers entretenidos como El abogado del Diablo.
Ha habido una especie de euforiacon esta cinta, como si se recuperara algo. Y lo entiendo: esta es una muy buena película muy bien contada.
Suena a tópico hablar de guión shakespereano, de tragedia griega , sin embargo yo creo que nos encntramos simplemente y nada menos que ante un thriller, terrible, eso sí, contundente, oscuro; pero para determinarse con las referencias con las que iniciaba este párrafo, le falta fondo.
Eso es lo único que echo de menos : el pasado, el , los, porques. ¿ Porque los dos hijos son así ? ¿ que ha llevado a uno de ellos a las drogas y al otro al fracaso ? ¿ quien es Gina ? ¿ cual es la relacción familiar ? sin toda esta información ese tremendo final que golpea como un puñetazo se me escapa. Me hubiese gustado más el perdón.
Pero repito: es una cinta muy buena, muy efectiva , con gran pulso y un ritmo envidiable. Una excelente muestra de género.
Y para ello hace falta una pandilla de actores como estos.

Público

jueves, 19 de junio de 2008

BERLIN NOIR 2- Pálido Criminal

Suponia que volvería a tener que hablar de Berlín Noir pero no tan pronto ni tan entusiasmado. Pálido Críminal es aun mejor que Violeta de Marzo.
Recuerdo: es esta la tetralogía de Phillip Kerr centrada en las adanzas del detective secreto Bernie Gunther en la Alemania nazi.
En la anterior descubríamos a aquellos que se iban acercando por interés al régimen criminal. En esta, la persecución de un sesino en serie nos acerca a la terrible noche de los cristales rotos. A la manipulación criminal, a la masacre de los más debiles.
Cada vez estamos más cerca del pozo y es impresionante como se nos va transmitiendo el devenir de la Historia desde los comportamientos de la sociedad,
Pero Kerr no olvida que escribe novela negra y desde ese punto de vista la trama es apasionante, compleja, rica, como sus mejores referentes.
Lo mejor : aun me quedan por leer la 3 y la 4.

Público

EL INCIDENTE y las palomitas

Había escuhado cosas demoledoras sobre el último film de Shyamalan, claro que últimamente es lo habitual. Desde Señales, especialmente en El Bosque y sobre todo en La Chica del Agua, se ha convertido en un director que provoca más rechazos que adhesiones.
¿ Y yo que no veo demasiadas diferencias desde Él Séptimo Sello ?
M.N.S. sigue creando intrigas fantásticas que navegan cercanas al terror pero con un componente algo naif que le hace incluir ciertos aspectos dulzones y le impide llegar a aterrorizar realmente.
Creo que es magnético, original, y un poco tramposo . Es un cineasta cinéfiloy en sus obras abundan las referencias. Y no se olvida de que el cine es entretenimiento.
En este caso, un amago de apocalipsis asola algunos estado americanos , y como buen director que es , M.N.S. mantiene la ensión, nos impacta con secuencias de una potencia visual terrible ( esos ahorcados, los saltadores desde el edificio .... ) y nos lleva al final que le apetece.
Con maestría. Pero esta vezlo más llamativo es que ya no se preocupa demasiado de explicar las cosas, lo importante es donde consigue ponernos eso es todo, no hacen falta coartadas. Y un aire de serie B invade toda la cinta.
Es cine de palomitas, para disfrutarlo, para no pensar demaiado. Para recordar esa inocencia de la infancia donde , en una sala oscura y ante una pantalla, era tan fácil sorprendernos. ¿ y porque no ?.

Público

martes, 17 de junio de 2008

ROSELLINI

Descubrí tarde mi pasión por el cine, tan tarde que tengo la suerte de tener siempre cuentas pendientes con descubrimientos tardíos , y así, a pesar de una infancia televisiva ( ¿ como me dejaron ver cosas como Furia o El Séptimo Sello ? ) todavía disfruto de mi ignorancia.
Bergman , Kurosawa , Mizoguchi... llegaron hace no mucho.
Y el último: Rosellini.
Quiero aclararlo: recordaba Roma Ciudad Abierta de una visión más forzada por la cultura de cineestudio que comprendida. También El Amor , un buen ejercicio de amor a una actriz , y El General DeLaRovere, apasionante film antibélico.
Ahí quedaba todo.
El País, en su excelente colección de Grandes Directores, con Cahiers, acaba de incluir Paisa ( Camarada ) y este fin de semana me dispuse a disfrutarla.........
Es esta una cinta compuesta de seis episodios que cruzan Italia en la época de la ocupación, desde un entorno rural en el que una mujer y un hombre llegan inesperadamente a la tragedia, hasta una ciudades en ruinas donde un niño y un soldado descubren lo parecido de sus miserias, una prostituta intenta recuperar el pasado o una enfermera aprende que su búsqueda ha sido vana; antes de concluir con un intenso drama sobre la desolación del destino, nos regala un precioso remanso en un convento, un cuento tierno donde unos seres humanos, muy humanos, nos acercan a la ambiguedad de la humildad.
Pero lo fundamental es el estilo, el ritmo, el tono. Es tal la naturalidad de la narración, la ausencia total de estridencias , que tengo la constante sensación de que todo está ocurriendo en presente, en ese momento, es tal la verdad que transmite en sus gestos, en sus paisajes, que es difícil no tener la sensación de estar contemplando la vida.
El DVD viene acompañado de un excelente trabajo sobre el director. No tardaré en alquilar Alemania Año Cero y Te Querré Siempre. Pero sobre todo quiero terminar incluyendo dos textos del cineasta con los que no puedo sentirme más identificado:
"Mi oficio es aquel que hay que aprender día a día y que nunca acabas de describir; es el oficio de ser hombre. ¿ Y que es un hombre ? es un ser erguido que se alza sobre la punta de los pies para percibir el universo. Mi pasión, quizás también mi locura, es intentar comprender cada día un poc más."
"En mi opinión sólo merece la pena vivir la vida si es una aventura perpetua . Con mis películas pretendo persuadir para que todo el mundo se consagre a la aventura".

Público

jueves, 12 de junio de 2008

BERLIN NOIR 1- Violetas de Marzo

Cononí a Phillip Kerr cuando alguien me recomendó el thriller futurista Una Historia Filosófica, me gustó mucho y lo seguí en El Infierno Digital, Esau, El Segundo Angel, Plan Quinquenal... Cercano al modelo de consumo, Kerr es capaz de manejar escenarios diversos y crear tramas que enganchan sin decepcionar en los finales.
Ahora se publica ( lo recomendaba El Cultural de El Mundo, de nuevo referencia ) la tetralogía Berlín Noir, cuatro novelas sobre las andanzas d un detective "hammetiano" en Berlin , desde 1936 a 1948, es decir, el epicentro de la Historia.
He devorado la primera de esas novelas : Violetas de Marzo, donde el devenir del relato de ambiciones, robos y engaños, no olvida transmitir el veneno del nazismo que poco a poco va pregnando en la sociedad.
En lo que se refiere a la trama policiaca , remite a los clásicos de genero, Cosecha Roja, El Halcón Maltés. Personajes, escenarios, situaciones, huelen a humo y a vieja película.
En el ámbito histórico, hay ironía, amargura y un continuo goteo de referencias que culminan en el terrible capítulo del campo de prisioneros; es este el único pero: cambia demasiado el tono y es en exceso breve, quizás podría haber sido en si mismo otra novela.
No sólo he disfrutado de Violetas de Marzo, disfruto sobre todo pensando que aun me quedan tres.
Volveremos a hablar.

Público

El Jardín Dorado de Martín Garzo

Es una apasionante aventura perderse en el lenguaje . Entrar en un relato que te va desgranando ese contar propio de la transmisión oral de una forma acuática, casi como una inmersión.
Y si además dentro de una historia hay mil historias, y si dentro de cada historia hay mil personajes y muchos sueños . Y si los mitos y los cuentos y las leyendas son capaces de entrelazarse en una unidad preciosa....
Entonces , el viaje en el metro donde te has asomado a El Jardín Dorado, se convierte en un territorio de blleza y descubrimiento, donde el triste Minotauro y sus hermanas nos acompañan en esa historia de pérdida de la inocencia y de soledades
Hay momentos para agradecer.
Gracias a Gustavo Martín Garzo por una obra tan maravillosa que se cuela por los ojos, entre los dedos, ue impregna la piel.
El Jardín Dorado no se lo debe de perder nadi que ame la poesía y al que le guste escuchar hermosas historias.

ALEKSANDRA de Sokurov

Creo que hay obras ( bien sean películas, libros, teatro, música ... ) que sustituyen un modelo narrativo tradicional por la creación de sensaciones. El riesgo de una apuesta sutil y subjetiva es que llegue o no, y lo dependiente que puede estar del estado de ánimo o las circunstancias personales de cada uno.
Esta es una de esas obras. Y mi percepción se funde en este cuadro marrón, de color y aroma a esa tierra que vemos tantas veces pisar a lo largo de su metraje, esa tierra castigada por lo absurdo de una guerra que ya ha perdido su horizonte convirtiendo la retaguardia en una forma de vida , sobre todo para esos soldados jóvenes casi niños , que parecen no haber conocido otra cosa.
Alexandra es la sabiduria de la vejez, capaz de romper barreras, capaz de observar y siempre transmisora de una paz y una fuente de amor que se refleja en esos paseos fantasma por el campamento bajo las ansiosas miradas de los soldados.
Pero incluso esa sabiduría, capaz de entristecerse ante ese horror, es humana y puede morir de soledad. También ella necesita alguien a su lado.
Junto con una constante tónica de susurros, sin altibajos, Sokurov crea escenas memorables : la visita a la casa de la anciana, la escena en brazos de su nieto como una joven amante, la trenza y ese paseo a la estación de las cuatro mujeres.
Aleksandra es triste, la guerra lo es. Pero existe.

domingo, 1 de junio de 2008

REC

En ocasiones utilizo el DVD para recuperar la oportunidad de ver alguna película que me perdí en su paso por las pantallas. Sigo prefiriendo la sala pero es una posibilidad más . Me ocurre con algunas cintas que duran poco o que , si bien no me resultaron atractivas en su momento , hay algo que las ha vuelto visitables.
No soy fan del cine de terror y pasar miedo tampoco es algo que me entusiasme. REC no estuvo por lo tanto nunca en mi lista de apetecibles, después de verla sí ha pasado a formar parte de otra lista : la de preferencias.
El punto de partida del argumento es tan simple y tan actual que sorprende que no se le haya ocurrido a nadie más, gracias a Dios sí a estos dos directores : una reportera de un reallity se dispone cámara en mano a filmar una noche con un equipo de bomberos , cuando se ve inmersa en una espeluznante y claustrofóbica pesadilla de muertos vivientes, decide continuar su grabación. Nuestra visión es siempre subjetiva y , haciéndola accesible, se mantiene la apuesta hasta el final asumiendo los riesgos del cansancio, algo que no ocurre por la excelnte estructura de un guión modélico.
Podríamos hablar de como REC cuestiona la labor de los reallities hoy día y la pornografía de ese tipo de programas. No me interesa . Prefiero centrarme en alabar un guión que , desde un inicio muy explícito, es capaz de ir graduando el horror, de crear un clima terrible con los paisajes habituales del género, de calibrar los golpes de efecto, de no plegarse al exceso, tan fácil en muchos momentos ....
Y sería injusto no citar la frescura y el buen hacer de la hasta ahora para mi desconocida Manuela Velasco.
REC es una película excelente , a la alura de clásicos del género como La Noche de los Muertos Vivientes o El Exorcista.
En los pasados Goya me hubiese gustado ver repetido con REC el fenómeno TESIS ; no hubo suerte y la Academia se decantó por otras cintas , incluso en sus nominaciones , creo que El Orfaato es muy inferior a esta por no hablar de Siete Mesas de Billar Francés donde la hasta ahora excelente Gracia Querejeta ha jugado a rodar un piloto de serie televisiva.
De todos modos queda el DVD y , si no lo habeis hecho ya , vedla.
Es una joya , que da mucho miedo, eso sí. Y es muy buen cine.

viernes, 30 de mayo de 2008

SABORES de Lorena Liaño

No hace mucho que hablaba de Aprendiendo a ser Fernando de Lorena Liaño y ya he podido disfrutar de su segunda novela, Sabores. Pasamos de la continuidad de un personaje a un pequeño microcosmos coral alrededor de una escuela de cocina, de un entorno más controlado y lineal a unas cuantas narrativas paralelas , y dentro de estas últimas hay brujería, cierto románticismo, algo de melodrama y un poco de costumbrismo.

Es decir, LL avanza sobre su propuesta anterior y es agradable tener la sensación de que este viaje lo emprende con sus lectores.

Cabe señalar que en este paso adelante LL no pierde ninguna de las virtudes que encontramos en su pieza anterior: su sencillez exenta de efectos, su fluidez narrativa, su ternura hacia los personajes, su humor.

Su capacidad para crear situaciones que , con tranquilidad, se ensartan en lo cotidiano.

Una vez más LL me gusta , la leo con comodidad, con interés, con envidia : porque sé que será capaz de mucho más.

Sólo espero que no tarde en mandarme su tercera obra.



Público

jueves, 29 de mayo de 2008

Kampillo y La Paz Perpetua- Dos textos de Autores Españoles

En la última semana he disfrutado de dos montajes bien distintos de autores españoles, Pepe Ortega y Juan Mayorga, Kampillo o El Corazón de las Piedras y La Paz Perpetua. Dos formas totalmente diferente también de nacer al público:
Kampillo es una obra de origen meritorio, nace en la tristemente desaparecida Sala Itaca , un entorno de no más de 6o espectadores, y con la ambición de , a través de varios personajes , atravesar los últimos años de la historia de nuestro país. Dos hermanos , unos Cain y Abel que llegan a perdonarse y quererse, la mujer de uno de ellos, un nuevo amigo del otro y un recuerdo del pasado, son suficientes para hablarnos de ciertos fanatismos acios , de la fragilidad de ciertos entornos familiares y de los sueños.
Kampillo es un texto limpio, derecho, ágil, con humor . Sin excesos ni efectos, narrativo desde los acontecimientos más cotidianos. Y además está bien interpretado, en la misma línea de sobriedad, con muchas tablas.
Sin embargo,una vez trasladado por dos semanas al Teatro Lara ( que buen detalle teatral ) el montaje creo que habría necesitado cierta adaptación : lo que en una sala alternativa ( benditas sean ) encaja, en un teatro de mayor voluen puede quedar pobre, y esa sensación se va incrementando en los más de cien minutos que dura. Siempre se disfruta el texto, el olor a buen teatro, a mucho trabajo.
Y la esperanza de que siempre exista una Itaca en otra dimensión en la que podamos descansar gracias a la poesía y, sobre todo a los poetas.

En La Paz Prpetua me ocurre lo contrario:
El montaje es tremendamente efectivo y efectista, las luces , los colores , los sonidos y , sobre todo , la dirección de actores , la coreografía animal, el movimiento. La dirección de Jose Luis Gómez es experta.
El texto en cambio me ha confundido.
Admiro a Mayorga , ser capaz de escribir obras como Hamelin (Que excelente montaje de La Abadía ) , El Chico de la Ultima Fila o Himelweg cualifican a cualquiera como un excelente dramaturgo.
Sin embargo, esta Paz no me parece másque una metáfora alargada, un texto que no avanza sino que da vueltas en círculo entre prueba y prueba , sólo sostenido por el recurso del humor, y al final un dscurso didáctico que no seré yo quien califique de ingenuo pero que parece ser la justificación de toda la pieza.
Está bien , muy bien escrita , y por lo tanto se escucha con agrado, sin pesadez. Pero es poco para un autor de ese nivel.

Las dos obras merecen ser vistas aunque por distintas razones . Que gusto poder tener dos textos de autores españoles contemporneos en cartel.

Público